ALLAN HARRIS CD: Kate's Soulfood

 

Títulos

1.I Grew Up (Kate's Place)2.One More Notch (Put Down Your Gun) 3.Wash Away My Sins 4.Open Up! 5.Shallow Man 6.Color of A Woman Is Blu 7.99 Miles 8.Autumn Has Found You 9.New Day 10.Run Through America

Intérpretes

Allan Harris – voz, guitarra

Curtis Taylor - trompeta

Alex Budman – saxo alto

Keith Fiddmont – saxo tenor

Grégoire Maret - armónica

Tonga Ross-Ma'u – guitarra (6)

Arcoiris Sandoval – piano, Hammond B3

Ondre J Pivec - órgano

Nimrod Speaks – contrabajo

Marty Kenney – contrabajo (10)

Shirazette Tinnin - batería

David Castañeda – percusión

Jhair Sala – percusión (10)

Carolyn Leonhart – Segunda voz (10)

Coros

Daneen Wilburn, Jordan Wilburn, Whitley Wilburn

Voces infantiles

Angela Whitley, James Whitley, David Whitley, Micah Whitley, Jr.

 

Sello discográfico: Love Productions

Grabado en Trading 8s, el 16-18 de diciembre de 2019 y en Big City Recording Studios, Granada Hills, CA´, el 20-22 de enero de 2020.

“Run Through America” grabada en Teaneck Sound, el 3 de agosto de 2020

Publicado el 12 de febrero de 2021

 

Allan Harris, cantante, guitarrista y compositor  nació en Brooklyn y reside en Harlem.Ha ganado infinidad de premios y ha compartido escenario con Tony Bennett, Dionne Warwick, Diana Krall, Abbey Lincoln, Natalie Cole, Al Jarreau, Reverend Al Green, Lee Ritenour, Michael Feinstein, Cassandra Wilson y Wynton Marsalis, por citar solo unos pocos. Ha grabado entre otros muchos con Benny Green, Ray Brown, Mark Whitfield y Claudio Roditi.

Además, ha cantado o grabado con grandes bandas y orquestas como: The Metropole Orchestra, The Berlin Jazz Orchestra, The Smithsonian Jazz Orchestra, Moscow Jazz Orchestra, The Chicago Jazz Orchestra, La Orquesta Jazz at Lincoln Center  y la Orquesta EFG London Jazz Festival, entre otras.

Este “Kate's Soulfood”  recoge las vivencias de Harris cuando era niño y adolescente,en el popular restaurante de su tía Kate, Kate's Home Cooking, inmortalizado en la famosa portada de Francis Wolff para el clásico de Jimmy Smith de 1959. Está  ubicado en la esquina de Frederick Douglass Boulevard y la calle 126, justo detrás del Teatro Apollo. Al restaurante solían ir muchos músicos a la salida del Apollo. Allí pasaba las tardes de los domingos empapándose de los sonidos y las vistas, antes de asistir a un espectáculo en el Apollo. “Experimenté muchos momentos cruciales en el restaurante de mi tía. Fui testigo de partes del movimiento por los derechos civiles, me codeé con grandes artistas y fue allí donde realmente encontré mi voz" dice Harris.

El disco lo integran diez temas todos compuestos por Harris y están basados en esas experiencias y en ellas se ve reflejado su amado vecindario.

El álbum comienza con "I Grew Up (Kate’s Place)", un tema rítmico que le sirve para homenajear a Harlem al completo. La energía del barrio se deja ver en esta composición; podemos imaginarnos a los niños jugando y a los vecinos bailando y cantando en la calle.

En "One More Notch (Put Down Your Gun)" nos presenta el mundo de las armas y de las pandillas, donde un ex miembro de una de esas pandillas le pide a su hijo menor que abandone esa vida. Una bonita balada.

"Wash Away My Sins ” es una canción de agradecimiento, a medio tiempo, a esas mujeres fuertes que aman y apoyan a los hombres negros en la sociedad  actual. Por supuesto con coros femeninos que realzan el sentido de la composición.

Los sonidos sicodélicos de los 70 se dejan oír en "Open Up!" así como en “Shallow Man”, algo más  funky, y nos muestra a los estafadores de una esquina en Harlem.

En “The Color Of A Woman Is Blu”  el homenaje es a las canciones que sonaban en las máquinas de discos de los comercios del barrio, allá por los setenta. No es fácil encontrar canciones de este grado de romanticismo   en un disco de reciente publicación. Le sigue “99 Miles”, en la misma línea, una hermosa melodía romántica.  

“Autumn Has Found You”, otra bonita balada, que  nos trae otro momento de amor entregado a la que sigue “New Day”. De nuevo el amor y la esperanza que recibió de sus amigos y familiares y a los que dedica estos tres último temas.

El disco termina con "Run Through America" en respuesta a los asesinatos de  Ahmaud Arbery, Breonna Taylor y George Floyd. Sin duda, un final adecuado en un disco cuyo leitmotiv es Harlem, donde nació el movimiento por los derechos civiles en los sesenta.

Todos los músicos que acompañan a Harris en esteb trabajo, son verdaderos profesionales que saben muy bien hacer su trabajo.

El disco ha sido producido por Kamau Kenyatta, colaborador de muchos años de Gregory Porter, de ahí ese sonido Porter que se puede intuir en ocasiones.

Harris posee una voz aterciopelada y cálida, que transmite emociones porque como dice Harris “"Soy un narrador de historias a través del género del jazz".

Su sentido del ritmo y el swing es total, pero que se va a esperar de alguien que, como él mismo dice: “Cuando era niño, el balanceo rítmico del metro era música para mis oídos. Todos los domingos daba un paseo mágico por esas vías de Brooklyn a Harlem, que se convirtió en mi isla de refugio”

Un disco elegante, con hermosas canciones y bien producido.

La Habitación del Jazz

 

ETTA JAMES Vinilo: Rocks The House

 

Cara A

1.Something's Gotta Hold On Me

2.Baby, What You Want Me To Do

3.What I Say

4.Money (That’s What I Want)

5.Seven Day Fool

Cara B

1.Sweet Little Angel       

2.Ooh Poo Pah Doo

3.Woke Up This Morning

Bonus Tracks

4.Ain't That Loving You Baby

5. All I Could Do Was Cry

6. I Just Want to Make Love to You

   

Intérpretes

Etta James – voz

Gavrell Cooper -  saxo tenor

David T. Walker – guitarra

Vonzell Cooper - órgano

Marion Wright - bajo

Freeman Brown - batería

Richard Waters – batería

 

Sello discográfico: JPR

Grabado en directo en el New Era Club de Nashville, Tennessee, el 27 y 28 de septiembre de 1963.   

Publicado el 13 de diciembre de 1963

 

En colaboración con Planeta DeAgostini y dentro de la colección “Blues en Vinilo”, La Habitación del Jazz publica la reseña correspondiente a esta entrega que en esta ocasión está dedicada a Etta James (Los Ángeles, California), una mujer que dejaba huella por donde pasaba. De fuerte personalidad dentro y fuera del escenario, era al mismo tiempo una mujer obscena y al mismo tiempo una mujer de gran clase. Su madre la tuvo con 14 años y fue quien animó a cantar. Nunca conoció a su padre (parece ser que fue un buscavidas jugador de billar conocido como “Minnesota Fats”. Empezó en las iglesias y su tío pronto la introdujo en el mundillo de las fiestas con amigos. A los 12 años ya cantaba en un trío. Cuando era aún menor de edad llamó la atención de Johnny Otis, que la lanzó con una canción lujuriosa, “Roll with me Henry”, rebautizada   “The wallflower”.  En 1960, con Chess Records, la carrera de James comenzó a despegar. 

En 1978 The Rolling Stones la llevaron de telonera lo que supuso un gran espaldarazo en su carrera.

Adicta a la heroína y las malas compañías vivió un estilo de vida criminal y fue encarcelada varias veces.

Su fama volvió a emerger  tras su aparición en la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de Los Ángeles en 1984.

James ganó seis  premios Grammy y diecisiete Blues Music Awards, además de figurar  el Hollywood Walk of Fame.

En la película “Cadillac Records”, sobre el sello Chess Records, fue interpretada por Beyoncé, pero carecía de la fuerza y calidad de James.

La versión original de este disco, “Rocks The House”  solo tenía 8 temas. A partir de 1992, las sucesivas reediciones incluyeron las tres últimas pistas de la cara B, como un Bonus Track (la primera vez que se hizo en un vinilo). Esta edición también las incluye y aportan una mejor y mayor visión de los que supuso la actuación de esas dos veladas, donde una joven de 25 años vestida de blanco y ante una multitud que llenaba el club hasta la bandera, revolucionó el mundo del blues y del R&B. Su imagen de baladista fue sustituida por otra muy distinta, un torbellino en erupción y ese fue el destino de su carrera desde ese momento.

Por desgracia el destino del club ha sido como el de otros muchos locales, la piqueta, y ahora es un solar lo que queda de él.

De los once temas, solo hay una balada, potente titulada "All I Could Do Was Cry”. James nos muestra su voz llena de expresividad, de gran crudeza y emocionalmente expresiva que reflejaba la vida que llevaba, su autodestrucción, el dolor y la ira. La audiencia del New Era Club de Nashville, se deja llevar por esa fuerza arrolladora e interactúa con James en todos los temas.

Una vez se le preguntó cómo describiera su estilo y ella respondió que cantar le permitió dar rienda suelta a “toda esta puta mierda que está dentro de mí”.

En este disco el blues que aborda James no es profundo y rural, pero está teñido de ritmo y R&B, Para James “Las personas que no pueden soportar escuchar el blues, creo que son unos cobardes.”

James ha sido una de las estrellas de R&B femeninas que ha recibido más elogios durante sus 60 años de carrera. El  productor Jerry Wexler la llamó "la cantante más grande de blues moderno". En este directo, por cierto su primer álbum en vivo, podemos apreciar todos estos valores atribuidos a James.

Un gran vinilo de una gran artista, imprescindible para los seguidores de Etta James, del blues, del R&B y de los buenos directos.

La Habitación del Jazz

FABRIZIO SAVINO CD: The Rising Sun

 

Títulos

1.The Rising Sun 2.Rebirth 3.Skylark 4.Wisdom 5.Her Fears 6.So Close And Yet So Far 7.April in Paris 8.The Winter Will Become Spring 9.No Ifs, Ands, Or, Buts 10. Waltz for Sabri 11.The Rising Sun (alt. take)

 

Intérpretes

Fabrizio Savino - guitarra

Luca Alemanno – contrabajo

Sebastian Merk - batería

 

Sello discográfico: Inner Urge Records

Grabado en  Sorriso Studios, Bari, Italia

Publicado el  10 de julio de 2021

 

Fabrizio Savino (Bari, Italia) es un guitarrista y compositor que al contrario de otros muchos músicos que se desarrollaron en un ambiente musical, proviene de una familia donde nadie era músico. Quizás, según él dice, “inconscientemente absorbí la sensibilidad artística de mi abuelo, que tocaba el acordeón de manera amateur mientras trabajaba como albañil” y su hermano mayor “quien me transmitió mi curiosidad por la música desde que era niño”.

Ha tocado y compartido escenario  con Flavio Boltro,  Gegè Munari, Giorgio Rosciglione, Vladimir Kostadinovic, Joel Holmes, Claudio Filippini, Mirko Signorile, Enrico Zanisi, Henry Cook, Matteo Bortone por citar unos pocos.

En 2010-2011, compartió estudios en seminarios tocando con Dado Moroni, Antonio Sanchez, Tony Monaco, David Liebman, Eddie Gomez, Flavio Boltro y trabajando como asistente de Kurt Rosenwinkel.

En el mismo período se trasladó a Nueva York donde compartió escenario con grandes músicos de la ciudad y asistió también a otras masterclasses con Joe Diorio, John Scofield, Mike Stern, Dario Deidda, Peter Bernstein y Mike Moreno.

Es fundador de Inner Urge Srls, una multifacética compañía musical italiana que consta de cuatro áreas de interés: agencia de reservas, sello discográfico, editorial y educación. Su principal objetivo es promover actos musicales que combinen el arte de la música en todas sus formas, desde la grabación a la producción y la educación. Su alcance abarca todos los géneros musicales y se marca otro objetivo, vincular a músicos de diferentes nacionalidades para crear música con la libertad de expresarse sin fronteras.

 

Savino ha publicado siete discos como sideman y cuatro  como líder: “Metropolitan Prints", "Aram", "Gemini" y este "The Rising sun”.

Le acompañan en esta nueva aventura,  el contrabajista Luca Alemanno (Fabrizio Bosso, Nicola Conte) y el baterista Sebastian Merk (Lee Konitz, Daniel Erdmann, Kurt Rosenwinkel, Ernie Watts) uno de los mejores bateristas de la escena jazzística berlinesa, abordando esta formación a la que se viene a denominar “trío de guitarra”.

El álbum, primero del sello Inner Urge Records,  consta de once temas, dos estándares y ocho composiciones propias (de una incluye una toma alternativa) desarrolladas durante un período de un año y tras un periodo de diez años de investigación espiritual, meditación y yoga, que le han llevado a expresar ese estado a través del lenguaje de la música.

Los dos estándares son “Skylark” (Hoagy Carmichael) y “April in Paris” (Vernon Duke). En ambos casos, el comienzo es bastante respetuoso son el original, para posteriormente, sobre todo en el primero de ellos, realizar una destacada improvisación, sin salirse de los cánones establecidos.

 Los ocho temas restantes, abarcan planteamientos melifluos como en el tema que abre el disco y le da título, “The Rising Sun”, relajante tema, y en “Her Fears”. Otros títulos mantienen un pulso más rítmico, hablamos de  “Wisdom”,  “So close And Yet So Far”, a la que añade sonido de cuerdas y de “The Winter Will Become Spring”. En cambio, plantea una línea más roquera, de la que Savino es fiel seguidor (influencias principales: Jimi Hendrix y Frank Zappa) en “Rebirth”,  “No Ifs, Ands, Or, Buts” y en “Walt For Sabri”.

En la pista alternativa de “The Rising Sun” que cierra el disco, nos presenta una versión más dura de esta composición en comparación con la primera.

Savino mantiene una interacción plena con sus dos compañeros  Alemanno  y Merk que realizan excelentes intervenciones, y sabe crear un clima íntimo y personal. Su guitarra es sutil, persuasiva, de sonido cristalino y melancólico. Sonido elegante y seductor.

 

La Habitación del Jazz

 

ERIC HOFBAUER & DYLAN JACK CD: Period Pieces

 

Pistas

1. Sighs In The Millions 2. Awake-Again 3. Tread Lightly… 4. With A Purpose 5. Rational Instability 6. Finding Baraka 7. Restlessness 8. Galumphing Demons

 

Intérpretes

Eric Hofbauer -  guitarra, electrónica

Jerry Sabatini – trompeta, euphonium (1)

Tony Leva – contrabajo, bajo eléctrico, electrónica

Dylan Jack – batería

 

Sello discográfico: Creative Nation Music.

Grabado en The Rotary Records, West Springfield, MA, el 7 de marzo de 2021.

Publicado el 22 de octubre de 2021

 

Eric Hofbauer ha sido un miembro muy importante de la escena del jazz de Boston como músico, director de orquesta, organizador y educador durante los últimos veinticinco años. Ha actuado y grabado junto a Han Bennink, Garrison Fewell, Cecil McBee, George Garzone, Sean Jones, John Fedchock, Steve Swell y Matt Wilson entre otros.

Hofbauer recibió una maestría del Conservatorio de Nueva Inglaterra y una licenciatura del Conservatorio de Oberlin. Es el presidente del Departamento de Jazz y Música Contemporánea en Longy School of Music de Bard College, donde enseña teoría del jazz, portafolio de artistas, conjuntos de cámara, clases de repertorio para solistas y lecciones de guitarra.

Hofbauer es uno de los guitarristas más originales de su generación y se mueve entre el jazz moderno, el free jazz y el jazz contemporáneo.

Le acompañan en esta aventura, Dylan Jack, percusionista y compositor que participa en múltiples géneros dentro de la escena musical de Boston. Como intérprete participa en  bandas, música de cámara y colaboraciones en  proyectos de todo tipo centrados en la música original y creativa. Dirige el Dylan Jack Quartet. El bajista  Anthony Leva, artista y educador multidisciplinario en Cambridge, MA. Colaborador activo en la escena del arte de Boston, abarcando proyectos de teatro, cine, títeres, música folclórica (americana, africana y balcánica), así como jazz, música improvisada y clásica. Por último, Jerry Sabatini,  otro afamado trompetista, educador  y compositor en la escena musical de Boston. Participa en proyectos de jazz tradicional, bandas de música de los Balcanes, música del Medio y Lejano Oriente y de vanguardia.

Según describe el propio Hofbauer : “Todo el álbum crea una narrativa más larga, es casi un conjunto más que una colección de pistas”.

Temas como “Sighs in the Millions” donde las bases melódicas o rítmicas brillan por su ausencia, pieza notablemente diferente de las otras siete piezas del álbum, o eso parece, porque “Awake Again” mantiene esa ausencia melodía si bien la trompeta de Sabatini da un ambiente más groove, incluso recuerda a Miles electrificado.

En “Tread Lightly” resalta el bucle predeterminado que se mantiene durante buena parte del  desarrollo del tema, que da paso a "With a Purpose", un dueto fúnebre entre Hofbauer y Sabatini, de tintes trágicos.

Con "Rational Instability" Sabatini da una nueva lección a la trompeta, toques rápidos, precisos, apuntillados por Hofbauer y Leva.

"Finding Baraka" lo explica Hofbauer de esta manera: “Dylan encontró estos momentos sonoros de toda la sesión que encajaban tan perfectamente entre sí hasta el punto de que la postproducción era una extensión de la composición y los arreglos precocinados en las improvisaciones”. La electrónica en su máxima expresión.

“Restlessness”, contiene un diálogo muy interesante entre Sabatini y Leva mientras que  “Galumphing Demons” en la misma línea argumental del disco, cierra este trabajo interesante, donde reinan la improvisación y la vanguardia.

Álbum de colaboración creativa, en plena libertad,  que representa un desahogo tras las restricciones impuestas por la pandemia.

“Dylan organizó la cita en el estudio y presentó esta idea de reunirse y simplemente improvisar. Básicamente, esto hizo que el álbum fuera una sesión colaborativa, en la que todos aportaron ideas y ganas de experimentar ”, dice Hofbauer.

Interesante trabajo, que necesita de varias audiciones para poder disfrutar de todo su contenido.

La Habitación del Jazz

 

JOHN LEE HOOKER Vinilo: It Serve You Right To Suffer

 

Cara A

1.Shake It Baby

2.Country Boy

3.Bottle Up & Go

4.You're Wrong

Cara B

1.Sugar Mama

2.Decoration Day

3.Money

4.It Serves You Right to Suffer

 

Intérpretes

John Lee Hooker – voz, guitarra

Barry Galbraith - guitarra

Milt Hinton - contrabajo

Panama Francis - batería

Dicky Wells – trombón (B3)

 

Grabado en Nueva York el 23 de noviembre de 1965

Publicado en junio de 1966

Sello discográfico: Impulse

Productor: Bob Thiele

 

En colaboración con Planeta DeAgostini y dentro de la colección "Blues en Vinilos" , La Habitación del Jazz publica la reseña correspondiente a esta entrega que en esta ocasión está dedicada a John Lee Hooker (Tutwiler,Mississippi), una de las mayores estrellas del blues. La primera influencia musical de John Lee Hooker fue su padrastro, William Moore, un músico de blues que le enseñó a tocar la guitarra. Huyó de la pobreza que le ofrecía su ambiente, viajando al norte de los EE.UU. En Detroit trabajó en la industria del automóvil simultaneando esta actividad con actuaciones en casas de amigos y en garitos con olor a alcohol.  

La importancia de este músico trasciende el género del blues e impacta en el rock y el pop. Admirado por multitud de estrellas del pop como Van Morrison, con quien grabó “Don’t Look Back”, que obtuvo dos premios GRAMMY® en 1997,  The Rollings Stones, The Animals, The Yardbirds, Robert Cray, Canned Heat, con quien grabó  “Hooker ‘N Heat”,  y un largo etcétera.

Tras un periodo de horas bajas, en los años 90 publicó álbumes  famosos como “Mr. Lucky” (1991) y  “Boom, Boom” (1992), o “The Healer”, el álbum de más éxito en su carrera,  que publicó a los 72 años de edad y  ganador de un GRAMMY®, en el que participaron Bonnie Raitt, Carlos Santana y Los Lobos, entre otros. Vendió más de un millón de copias. Se mantuvo en activo prácticamente hasta el día de su fallecimiento.

“It Serve You Right to Suffer” (retitulado “It Serves You Right to Suffer” en algunas reediciones posteriores) fue el único disco que grabó para Impulse, sello básicamente dedicado al jazz, pero que tenía una pequeña división dedicada al folk con el lema "¡la nueva ola de folk está en Impulse!". El productor Bob Thiele, para esta grabación incorporó unos músicos de sesión, todos ellos dedicados al jazz. Entre ellos el trombonista de Count Basie, Dicky Wells que interviene en el único tema no compuesto por Hooker y con un menor tono blusero, “Money” (Berry Gordy, Janie Bradford), canción muy versionada, entre otros por The  Beatles que la grabaron en 1963 con el título original "Money (That's What I Want)". El disco lo grabó tras una larga gira realizada por Hooker en Gran Bretaña, con bandas locales, como The Animals.  

El resto de temas, son una mezcla de nuevas composiciones y reelaboración de otras que Hooker había grabado anteriormente en versiones más simples; en esta ocasión las versiones están más elaboradas y resultan  más sofisticadas.

En este disco, The Hook se muestra tal y como es, en estado puro. Toca blues con ritmo más o menos rápido como en “Shake It Baby”, “You're Wrong” o “Bottle Up & Go” y otros lentos y profundos como “Country Boy”,” Sugar Mama”, “Decoration Day” o el impresionante “It Serves You Right to Suffer” que da título al álbum. En todos ellos The Hook es pura emoción, con esa voz y su forma de tocar la guitarra, con un ritmo muy marcado y un estilo sencillo y duro a la vez. Estilo único,  imitado por muchos pero igualado por ninguno.

Escuchando el disco nos lo imaginamos en esa  personalísima pose escénica, sentado y manteniendo el ritmo con el pie derecho sobre la tarima del escenario.

El disco no fue un éxito, pero con el resurgir de Hooker en los 90, el disco fue redescubierto y se convirtió en uno de los más apreciados de la discografía de Hooker. Y no es para menos.

Grande John Lee Hooker, grande este disco.

"Soy John Lee Hooker; cuando me hicieron, rompieron el molde" dijo una vez.

 

La Habitación del Jazz