PRZEMYSLAW JAN GRABOWSKI CD: Jazz Mysteries

 

Pistas

1.My Dearest Christine 2.Forward Voyage 3.Footsteps Over The Horizon 4.Monsieur Green 5.Counting Sevens 6.Serenading The Morning Sun 7.Happy Beluga

Intérpretes

Przemysław Jan Grabowski - piano, Fender Rhodes

Camila Cortina Bello – piano, sintetizadores 

Emir Santa Cruz - saxo tenor

Kali Rodriguez-Peña – trompeta

Samer Sharawi – bajo eléctrico

Noam Tanzer – contrabajo

Andy Wilder – batería

Grabado:  Grabowski y Cortina Bello, en un estudio independiente en  Boston, USA, entre 2019 – 2022. Santa Cruz, en The Trabuco Music Recording Studio, Habana, Cuba, el 25 de  julio y el 22 de agosto de 2023. Wilder y Sharawi, en Konk Studios, Londres, UK el 22 de julio y 22 de agosto de 2024. Tanzer, en un estudio independiente en  Nueva York,  el 26 de marzo de 2025. Rodriguez-Peña, en un estudio independiente en Nueva York el 28 de mayo y 3 de junio de 2025.

Publicado el 10 de julio de 2026 

Przemysław Jan Grabowski, pianista y compositor polaco-australiano, actualmente residente en Washington, D.C.. aprendió a tocar el piano de forma autodidacta. “Desde muy pequeño, me apasiona la música, y más concretamente el jazz. Quizás empezó cuando era bebé, ya que mi padre ponía discos de Chick Corea para ayudarme a dormir o como música de fondo. A los catorce años nos mudamos y mis padres me compraron un piano para que pudiera empezar a tomar clases de música clásica. Sin embargo, las clases no funcionaron porque no me interesaba aprender lo que ya estaba escrito, sino crear mi propia música e improvisar. Fue entonces cuando empecé a grabar mis propias composiciones y a aprender por mi cuenta”, escribe Jan Grabowski en las notas del disco.

Grabowski lanza su álbum debut, “Jazz Mysteries”, acompañado de unos músicos, cuidadosamente seleccionados. El disco contiene siete composiciones originales de diferente calado.

“My Dearest Christine” abre el disco. Canción dedicada a su esposa, es una balada donde destaca el saxo de Santa Cruz y el contrabajo de Tanzer. Un tema suave que se escucha sin requerir excesiva atención. 

“Forward Voyage” es un tema más animado donde el saxo, con un sonido cálido y el piano toman el protagonismo de forma alternativa, ambos impulsados por el contrabajo y la batería 

“Footsteps Over The Horizon” fue compuesta para reflejar la esperanza de lo desconocido. Pieza animada y optimista donde la batería y el contrabajo vuelven a impulsar al resto de componentes de forma sutil pero efectiva. Bonito solo de Rodriguez-Peña a la trompeta.

“Monsieur Green” se inspiró en un amigo actor de Grabowski que lo animó a interpretar su música. El piano, el saxo, el bajo y la batería mantienen un ritmo constante y sencillo de principio a fin. La pieza nos trae sonidos identificables, pero no por ello, menos interesantes. Uno de los cortes más destacados. 

Sobre “Counting Sevens”, Grabowski dice: “Pensé que sería divertido escribir e improvisar sobre música que cambia de compás y esta fue la primera melodía que me vino a la mente”. Rodríguez-Peña y Santa Cruz conversan mientras Tanzer y Wilder siguen con su labor de impulsar las melodías. Otro tema por encima de la media.

“Serenading The Morning Sun” introduce un toque de jazz-fusión, con texturas de Fender Rhodes que recuerdan épocas pretéritas. La trompeta con sordina y el bajo eléctrico de Sharawi, son los elementos más novedosos de esta composición que no añade mucho más. 

El tema de cierre se titula “Happy Beluga”. En la línea del anterior corte. Grabowski se sienta en el Fender Rhodes, que aporta un sonido discotequero de los 60-70. Un final optimista sin exigencias adicionales.

Este trabajo tiene una característica principal, su espontaneidad y ganas de agradar, donde se prioriza la honestidad emocional sobre el virtuosismo inalcanzable. 

El trompetista Rodríguez-Peña y el saxofonista tenor  Santa Cruz aportan voces cálidas en conversaciones expresivas, que dejan alguno de los mejores momentos del álbum. Lo mismo podemos decir de los bajistas Tanzer y Sharawi, proporcionando bases acústicas y texturas de fusión eléctrica. Mención aparte merece el baterista Wilder, catalizador e impulsor de la musica, siempre con buen gusto y contención calculada, sin dominar la escena de forma innecesaria. La productora y pianista Cortina Bello, incorpora colores con su sintetizador y piano.

Grabowski, inteligentemente, no abruma con cascadas de notas, limitándose fundamentalmente a acompañar a sus colegas, sin peligrosas exhibiciones técnicas

“Jazz Mysteries” es un esperanzador debut discográfico de Grabowski.

La Habitación del Jazz

JAY MATHARU CD: Desillusion

 

Pistas

1.Atrophy 2.Bare 3.Cog 4.Deluge 5.Shruti 6.Chalo 7.Butterflies 8.Bittersweet 

Intérpretes

Jay Matharu - guitarra

Erik Brandell - saxo tenor 

Christine Lanusse - bajo eléctrico

Jacob Johnson - batería

 

Publicado EL 3 de julio de 2026

El británico Jay Matharu es guitarrista, compositor y explorador sonoro cuya música fusiona rock progresivo, jazz fusión e influencias globales en un sonido profundamente expresivo y sin ataduras de género. Residente en Uppsala, Suecia, ha desarrollado una voz distintiva arraigada en la narración melódica, la complejidad rítmica y la profundidad emocional.

Ha actuado y grabado con diversos artistas de renombre, como la banda sueca de metal Liv Sin, donde fue guitarrista principal y coautor de los temas “Kaliyuga” (2023) y “Close Your Eyes” (2025). Cofundó el trío internacional Dissonant Distance, cuyo álbum debut homónimo (2018) y “Consequences of the Light” (2022) se caracterizaron por la improvisación en directo y un compromiso compartido con la exploración musical.

Su trabajo con The London Sitar Ensemble, incorporó la guitarra sin trastes a composiciones interculturales, enriqueciendo el diálogo sonoro entre las tradiciones occidentales e indias.

Y con la banda de rock progresivo Mahavira exploró la guitarra sin trastes en un contexto rockero, contribuyendo a un sonido que fusionaba intensidad con sofisticación melódica.

Además de su trabajo en solitario, Matharu ha colaborado con diversos géneros, desde el trío de improvisación Dissonant Distance hasta su anterior rol como guitarrista principal y coautor de canciones en la banda de metal Liv Sin. 

Actualmente, participa activamente en The Castle, el proyecto liderado por el legendario vocalista de Candlemass, y también colabora con la banda de metal sinfónico progresivo Hexed. Además, continúa desarrollando nuevos proyectos colaborativos y educativos, ampliando así su expresión artística a través de diversos géneros y plataformas.

Su música se nutre de una amplia gama de influencias, incluyendo guitarristas como Steve Vai, Allan Holdsworth y Pat Metheny, así como innovadores del jazz como John Coltrane y Wayne Shorter.

El cuarteto, formado por Erik Brandell al saxofón tenor, Christine Lanusse al bajo y Jacob Johnson a la batería, grabó sus partes a distancia y el resultado, la mezcla, es una de las debilidades del álbum.

“Desillusion” surge de la investigación de Matharu para su máster en Interpretación Musical y refleja un periodo de reevaluación artística y personal. Cada uno de los ocho temas del álbum explora un espacio emocional distinto.

El tema que abre el disco se titula “Atrophy”, donde Matharu funde el jazz con el rock progresivo, todo bañado de sutiles sonidos indios. Los paisajes líricos se alternan con ritmos contundentes.   

En “Bare” el jazz fusión es el protagonista, pero sin mayores pretensiones, ni siquiera ciando interviene Brandell al saxo. 

“Cog” sigue la misma línea argumental y expositiva. La batería de Johnson se excede en redobles, a mi entender, innecesarios. El rock domina el espacio.

Mientras que “Deluge” es más de los mismo. Un tema de pop rock, donde resalta el saxo y el bajo. 

“Shruti” es un corto tema reflexivo en el que los acordes de la guitarra simulan los de un sitar, con lo que la melodía se nos antoja con matices de raga. 

“Chalo”, está compuesto en memoria del difunto mentor de Matharu, el virtuoso del sitar Pandit Sanjay Guha. Inspirado en los colores del Raga Yaman.

En “Butterflies” domina el compás irregular, de  nuevo el rock, más o menos, progresivo y el jazz como invitado. 

El disco cierra con “Bittersweet”, un tema optimista, que sirve para definir el contenido del álbum.

Matharu, prioriza el sonido y las emociones sobre la ostentación técnica. El saxo tenor de Brandell añade colores, enriqueciendo la musica. Lanusse proporciona una sólida base con el bajo eléctrico, mientras que la batería de Johnson, tienen un excesivo y repetitivo protagonismo.

Influencias de sonido metal, el jazz, el rock,  algo de las tradiciones musicales indias,  nunca demasiado evidentes, son la esencia de “Desillusion”.

La Habitación del Jazz 

MATHIEU TORRES CD: Sanctuaire

 

Pistas

1.Le Parfum des glycines 2.Pyrène 3.Impressions 4.Blue Monday 5.Khiónê 6.En marche folle 7.Le clochard celeste 8.Des airs de répit 9.Rosewood 10.Ténéré 11.Xana valse 12.Sneakers station 13.Hoia Baciu

Intérpretes

Mathieu Torres – guitarra, bajo, programación

Jean Baptiste Azanza – contrabajo 

Guy Ould Yahoui – batería 

Sello discográfico:  Matziz Records 

Publicado el 5 de junio de 2026

Mathieu Torres, nacido en Toulouse (Francia)  es guitarrista y compositor en diversos proyectos artísticos: String Theory,  M'Z,  Matziz, Zhorhann, The Diogenes, Adelphya, Inland Motel entre otros.

Fundador de su propio sellos discográfico Matziz Records, Torres es un espíritu libre, o quizás, una especie de trovador moderno, desafiante a cualquier categorización. Practica un jazz-rock híbrido, a menudo con influencias de fusión, experimental y revolucionario.

Navegando entre estilos y géneros, es un artista polifacético, que en ocasiones sigue caminos atípicos.

Aunque predominantemente orientado al jazz, Torres nunca se limita a un solo lenguaje. Sus composiciones tienen mucho de folk contemporáneo, de  música de cámara, de blues, el ambiente acústico, de rock, electrónica, creando un universo sonoro lleno de matices, siempre abierto a la fusión de estilos.

Si “Desconegut” sirvió para que el universo musical de Torres se diera a conocer al público , “Sanctuaire” nos invita a adentrarnos aún más en ese mundo personal.

A lo largo del álbum, Torres demuestra no solo su talento como compositor, sino también su excepcional sensibilidad como guitarrista.

Torres obtiene un sonido limpio de la guitarra, con tonos envolventes creadores de cautivadoras atmósferas. 

La técnica es precisa, y el acompañamiento de la sección rítmica es meticuloso y elaborado.

En una misma canción, nos puede ofrecer  momentos líricos y sutiles  junto a otros roqueros y duros, transición que realiza de forma natural, deparando momentos de sorpresa total, como en el tema titulado “Pyrène”, donde un cambio brusco nos introduce en un mundo roquero.

“Sanctuaire” siempre conserva un elemento de sorpresa, con giros inesperados.

El homenaje a los grandes guitarristas, de blues y rock, está presente en todos los temas del álbum. Baste como ejemplo los acordes que ejecuta en el primer corte del disco, “Le Parfum des glycines” y que nos recuerda mucho a gran Phil Upchurch. 

No hay demostraciones de virtuosismo, aunque pudiera parecer lo contrario; por contra es exquisito con el fraseo y con el sonido, siempre cuidadosamente elaborado.

La electrónica utilizada es sutil, la justa, sin intromisiones innecesarias, coadyuvando a un equilibrio natural.

Algunas piezas se desarrollan con una intimidad serena, donde cada nota de su guitarra es transparente y llena el silencio que rodea el estudio. En otras piezas, la música es más rítmica y la creación de tensiones es evidente.

Como es de esperar la guitarra es el núcleo central del álbum pero sin eclipsar al resto de colegas, ni siquiera a sí mismo. Torres, al contrario de otros guitarristas, no transmite sensación de exceso, si no de justo desarrollo.

Posee una maestría impresionante, pero sin perder  calidez en la interpretación. Posee un sonido equilibrado y es muy cuidadoso con la atmósfera. Nunca predecible, toca pensando en transmitir no en impresionar.

Este álbum “Sanctuaire” es un verdadero santuario para los amantes del la guitarra eléctrica, del jazz y de la música como transmisora de emociones.

La Habitación del Jazz

BJARKE FALGREN CD: turkis

 

Pistas

1.Embrace 2.Il Posto del Padre 3.Cigarillos por Favor 4.Viola 5.Tiden Står Stille Her 6.Rossignol 7.Rosa's Forår 8.Low Five 9.Vinden Vänder 10.Hora Azul

Intérpretes

Bjarke Falgren – violín, viola, violonchelo 

Heine Hansen – piano, Fender Rhodes/Wurlitzer

Morten Lundsby – contrabajo

Eliel Williams – congas

Lazo Linares – congas

Anders Holm Jensen – batería, percusión

Jakob Riis Holm – guitarra

Aksel Falgren – teclados

Sello discográfico: Zack’s Music 

Grabado el 11-13 de diciembre de 2024 en The Village Recording Studio. Grabaciones adicionales en la primavera de 2025 en  Falgren Strings Production

Publicado el 26 de junio de 2026

El violinista Bjarke Falgren nació en Dinamarca. Fue nombrado el primer galardonado con el Premio Ellen & Svend Asmussen por Svend Asmussen, quien lo consideraba su sucesor musical. Además de su trabajo como intérprete, compone y produce música  para cine, teatro y televisión. A lo largo de una carrera de más de dos décadas, Falgren ha contribuido a más de cien álbumes, desempeñando un papel protagónico en más de 15 de ellos, incluso cuando no los publicaba bajo su propio nombre.

Falgren, cuatro veces ganador del Premio de Música Danesa (DMA), se ha consagrado como uno de los violinistas más respetados y versátiles, destacándose como un músico que transita con libertad entre géneros, conservando un tono y una musicalidad completamente únicos. Recibió su primer violín a los siete años y desde entonces nunca lo ha soltado.

El jazz y la música folk son referentes claros en su trayectoria. Ha tocado pop/rock y siente un cariño especial por la música folk auténtica y las tradiciones gitanas. Además  ha impartido clases en conservatorios de música en su Dinamarca natal y en el extranjero.

Sin embargo, es difícil encasillarlo, quizás porque la curiosidad es su mayor motor. Siempre está dispuesto a descubrir qué se esconde bajo la siguiente piedra.

Independientemente del formato y del colaborador, su música siempre se ha basado en una sola cosa: la conexión con el público, con el momento de interpretación y con la melodía.

“turkis” es el segundo álbum de Bjarke Falgren bajo su propio nombre, tras una larga trayectoria en la que ha tocado y grabado con numerosos músicos destacados tanto en la escena danesa como internacional. Un álbum que es, sin duda, el más personal hasta la fecha.

El título de este álbum fue elegido porque Bjarke Falgren considera la palabra "turkis" como "...el color de los horizontes, donde el cielo se encuentra con el mar; donde las fronteras se disuelven; donde la música fluye libremente. Es en ese espacio donde me siento más inspirado", escribe Falgren en las notas del disco.

También es el color de su Citroën D19 clásico de 1963 (ver portada disco).

El tema de apertura, “Embrace”, es una de las diez originales que integran el álbum. Inmediatamente se percibe que Falgren, como intérprete de violín de jazz,  está a otro nivel. El bajo y la batería marcan un ritmo percusivo junto al piano, proporcionando sensaciones de movimiento pendular, cálido y relajante. 

Con “Il Posto del Padre” el ambiente cambia radicalmente, dando paso a un espacio emocional, romántico y lleno de nostalgia y sensación de pérdida. Un ritmo latino y gitano (su violín gitano de trescientos años) impregna la canción, escrita con y para el alma.

“Cigarrillos Por Favor” nos traslada al mundo de la samba, con influencias españolas, irresistiblemente vivo donde las congas de Williams y Linares juegan un papel muy importante.

Falgren abandona el arco y en “Viola” puntea su instrumento de cuerda, cambiando el ambiente, que junto al piano, se nos antoja palaciego. Una preciosa y triste  composición.

Falgren nos ofrece un nocturno con “Tiden Står Stille Her”, melancólico y profundo. La interpretación de Falgren con el violonchelo es conmovedora.

Falgren afirma: “Escucho. Espero. Y cuando el viento cambia, lo sigo”. Esa sensación de libertad se deja sentir en  esta pieza titulada “Rossignol”.

“Mi música está marcada por los lugares que he visitado y las personas que he conocido. Cada cultura tiene su propio sonido y su propia atmósfera, y a través de mi música intento encontrar una melodía universal que cree conexión cuando las palabras no alcanzan”, afirma Falgren. “Rosa’s Forår” es buena muestra de ello, con ese sonido pop nostálgico.

Sin duda, el momento más jazzístico lo vivimos con “Low Five”, un guiño al “Take Five” de Dave Brubeck. Fantástica versión, o creación, da igual.

“Vinden Vänder” transita por misteriosos caminos, donde la lentitud y la contención dotan a esta pieza de un claro sabor cortesano salpicado de jazz progresivo.

El álbum está repleto de referencias a momentos irrepetibles. El tema de cierre, “Hora Azul” es uno de ellos. Una bonita canción, romántica, agridulce, evocadora de momentos especiales, vividos posiblemente, por el título,  en España .

Obviamente, el álbum se sustenta en el lenguaje distintivo del violín de Falgren, quien afirma: “He trabajado con el arco como otros trabajan con la voz. Como una respiración siempre presente, incluso cuando no se dice nada”.

Falgren hace magia con los instrumentos de cuerda, especialmente con el violín. Su lirismo es seductor.

“turkis” transita entre pasajes líricos, movimientos rítmicos y momentos más reflexivos, huyendo de la  ostentación.

La Habitación del Jazz

ADAM ROSE + MOUNTAIN JAZZ QUARTET CD: Holler Serenade

 

Pistas

1.Sailing On the Potomac 2.Bye Bye Blackbird 3.Fog Valley Sunrise 4.Haywood Commons 5.Double Entendre 6.Little Ms. Understanding 7.Theresa’s Journey 8.The Turnaround

Intérpretes

Adam Rose - guitarra

Steve LaSpina - bajo

Taylor Pierson - piano, teclados

Jeff Sipe - batería

Grabado en Eagle Romm Studios

Publicado el 26 de junio de 2026

Adam Rose  aprendió a tocar la guitarra y a cantar en reuniones cuáqueras celebradas en los bosques de la bahía de Chesapeake. Continuó tocando en bandas de rock y luego en grupos de jazz por toda Filadelfia.

Trabajó en estudios de grabación de Los Ángeles y Nueva York como multiinstrumentista, ingeniero y compositor, compaginando esta actividad con la enseñanza y las actuaciones. Al regresar a Filadelfia, abrió un estudio de enseñanza privada y comenzó a estudiar guitarra clásica. Se unió a la Sociedad de Guitarra Clásica de Filadelfia.

Sus composiciones instrumentales y electrónicas han aparecido en películas y televisión. Como profesor, ha impartido miles de clases de guitarra.

En 2018, se mudó a Durham, Carolina del Norte, y comenzó a tocar en circuitos de jazz, country y bluegrass. Ha improvisado con Branford Marsalis, Mickey Roker, Byron Landham, Jimmy Bruno y otros grandes músicos de jazz. Sus composiciones, que incluyen instrumentos virtuales,  electrónicos  y acústicos, han aparecido en películas y series de televisión.

Su primer álbum se tituló “Vibes + Tribes” (2022), y constaba de composiciones originales y estándares de jazz. 

En otoño de 2022, Rose se mudó a Asheville, Carolina del Norte, donde se sumergió en las escenas del jazz y la música americana. Ampliar su repertorio, tocar en grupos inspirados en Django Reinhardt, participar en bailes de swing y realizar giras por Nashville le ha permitido adaptarse al ajetreado y flexible estilo de vida de un músico profesional. 

Su segundo álbum instrumental de jazz, “Holler Serenade”, incluye seis composiciones nuevas.

La sesión se grabó en directo en un solo día en el estudio Eagle Room con un cuarteto recién formado: el bajista Steve LaSpina (Stan Getz, Chet Baker, Jim Hall...), el baterista Jeff Sipe (John McLaughlin, Trey Anastasio ...) y el tecladista Taylor Pierson.

Rose llegó con la intención de fusionar los sonidos de Asheville con el jazz neoyorquino más puro, y la banda que reunió tiene una gran presencia en ambos estilos. A excepción de “Turnaround” de Ornette Coleman y “Bye Bye Blackbird” de Ray Henderson, todas las composiciones de este álbum son de Rose.

El disco comienza con "Sailing On the Potomac". Canción de ritmo alegre y contagioso con un claro sabor latino. El virtuosismo de Rose es evidente, así como su sonido limpio y nítido.

Le sigue el estándar de jazz “Bye Bye Blackbird”. Antes de que la banda se incorpore, Rose interpreta la melodía con acordes inspirados en Wes Montgomery. Una versión con buen gusto, interpretada con soltura, donde cada músico tiene su momento de gloria. A tener en cuenta la labor de LaSpina y su solo.

“Fog Valley Sunrise” es una curiosa pieza, con la batería marcando un ritmo, pausado casi militar. Sonido cálido y sereno. Rose abandona el virtuosismo en aras de un sonido de conjunto, armonizado y creador de emotivos recuerdos.

Sipe crea un ritmo irresistible en "Haywood Commons", propiciando que Rose fusione jazz, bluegrass y funk, con sonido de los años 70.

La samba "Double Entendre" nos transporta a lugares  brasileños. Una canción de sonido agradable que invita al baile. En la misma línea argumental está “Little Ms. Understanding”.

“Theresa’s Journey”, es una canción suave que aporta un tono más relajado al disco y que da paso a “The Turnaround” el tema que cierra el álbum, con un ritmo algo más urgente. Rose interpreta la melodía de Hawkins  con una excelente  respuesta de LaSpina. Una gran versión blusera donde el grupo se divierte y nos divierte.

La brillantez técnica suele ir en detrimento de la espontaneidad, sin embargo Rose encuentra el equilibrio perfecto entre el virtuosismo  y la espontaneidad.

En el disco subyace una atmósfera de club, con sabor retro. En definitiva “Holler Serenade” es un álbum rico en ideas y virtuosismo musical donde Rose logra lo que  se propuso: reunir a Asheville y Nueva York en un mismo espacio y permitirles encontrarse.

La Habitación del Jazz

KOSMONAUCI CD: Brudna - Bielizna

 

Pistas

1.Kogut 2.Och! Proste : Trudne 3.Almodowar z małym 4.SIEKA 5.Tabaluga 6.Ostatni 7.Koniec Tego 8.Chopin ale z Polski 9.Dla Zuzy 10.Siła przyjaźni

Intérpretes

Miłosz Pieczonka - saxo

Bartłomiej Lucjan - bajo

Tymon Kosma . vibráfono

Jan Pieniążek - batería

Sello discográfico: U Jazz Me (U Know Me Records)

Publicado el 3 de abril de 2026

La escena polaca se ha distinguido durante décadas por su enfoque innovador del jazz.  Kosmonauci es un grupo de jazz polaco que fusiona las tradiciones del jazz con influencias contemporáneas como el hip-hop, el drum & bass y la improvisación. En marzo de 2024 lanzaron su primer álbum titulado “Sorry, nie tu”, en el sello discográfico U Jazz Me Records, perteneciente a U Know Me Records.

El grupo lo forman Miłosz Pieczonka, (saxofón), Tymon Kosma (vibráfono), Bartłomiej Lucjan (bajo) y Jan Pieniążek (percusión). Llevan tocando juntos desde el instituto, y eso se nota claramente. 

La música de Kosmonauci tiene sus raíces en el jazz y la improvisación, pero con el tiempo, los músicos han desarrollado muchos caminos nuevos y formas de inspirarse en otros géneros musicales aparentemente dispares

"Brudna - Bielizna" es el segundo álbum de Kosmonauci. El título es un juego de palabras con su ciudad natal, Bielsko-Biala, que también se traduce literalmente como "Ropa interior sucia". Lo editan a través del sello discográfico U Jazz Me Records, del grupo U Know Me Records.

El álbum recoge composiciones originales de los miembros de la banda, creadas durante los últimos dos años y que evolucionaron junto con los artistas durante los conciertos. Continúan explorando diversas combinaciones de géneros y estilos. Sin embargo, este segundo álbum está más enfocado y conectado con las inspiraciones jazzísticas de los miembros de la banda.

Los temas que nos proponen tienen un estilo sonoro distintivo, con estructuras polirrítmicas complejas. Combinando melodías emotivas y líricas con otras más crudas y oscuras, pero siempre fusionando el jazz con toques electrónicos que caracteriza a la banda.

Estamos ante una música progresiva y experimental donde el saxofón tiene un gran protagonismo

La Habitación del Jazz 

WILD BLUE HERONS CD: It's All About Love

 

Pistas

1.Mr Wiggly 2.Live in the Moment 3.Under My Skin 4.Whatcha Gonna Do With Your Life 5.It’s All About Love  6.Easy As Pie 7.Someday 8.Won’t Let You Steal 9.Bebop  10.Don’t Want This Heart 11.You Are My Sunshine 12.There Will Be Joy 13.Honey B 

Intérpretes

Darlene Cooper – voz, coros

Bill Sample – piano, Hammond, Rhodes, coros 

Tim Porter - guitarra

Miles Foxx Hill – bajo 

Randall Stoll – batería 

Steve Hilliam – saxo tenor      

Jim Hopson – trombón 

Tom Keenlyside – flauta (6) 

Dawn Pemberton – voz (4), coros

Jane Mortifee – coros

Grabado en Herons Nest Studios, Pineapple Sound Recordings y Frequency Forward Studios

Publicado el 14 de febrero de 2026

Wild Blue Herons (WBH) es un sofisticado grupo de jazz y funk con un ritmo contagioso, formado en 2017 y liderado por el aclamado matrimonio formado por Bill Sample (piano/teclados) y Darlene Cooper (voz).

El teclista y vocalista Bill Sample es miembro del Salón de la Fama del Entretenimiento de la Columbia Británica. Ha sido director musical y teclista de David Foster y ha  actuado junto a iconos como Celine Dion, Ray Charles y Kenny Loggins. Incluso ha hecho de telonero en conciertos para Oscar Peterson  y Monty Alexander. También fue uno de los primeros profesores de piano de Diana Krall.

Por su parte, Darlene Cooper es reconocida como una cautivadora cantante, educadora y compositora de jazz, soul y gospel, y ha colaborado con artistas como Eric Bibb, Dee Daniels y Leon Bibb y Marcus Mosely y muchos más.

Ya sea como dúo o como banda completa con sección de vientos y músicos de sesión de primer nivel que han trabajado con Van Morrison, Tom Cochrane, Colin James y K.D. Lang, Wild Blue Herons ofrece un vibrante espectáculo en vivo. Han actuado en numerosos eventos e importantes locales.

En 2023 incorporaron una sección de vientos que propició un cambio hacia un  estilo más rítmico, con influencias de The Crusaders y Steely Dan.

Sus dos primeros álbumes, “On the Outside”, con influencias funk inspirado en la estética groove de los años 70, y “You and I”, un proyecto íntimo surgido durante el confinamiento, consolidaron a la pareja como una asociación creativa versátil y profundamente conectada. “ It’s All About Love”, es su tercer trabajo, un álbum de música original  y lleno de ritmo, forjado a lo largo de una vida dedicada al arte en común. Fusionando jazz, funk, gospel y pop contemporáneo, capturan el sonido que les ha caracterizado y perfeccionado en festivales y clubes de todo Canadá.

El tema de apertura, “Mr. Wiggly”, es el único tema instrumental del álbum. Toques funk, con pegadizos riffs de teclado de Sample, su compositor. Metales contundentes. Un bajo potente, junto a la guitarra de Porter con toques de blues y country y el saxo de Steve Hilliam, son los protagonistas del tema.

A partir de aquí, todos los cortes del álbum combinan el virtuosismo musical con la cautivadora voz principal de Darlene Cooper. Como sucede en “Live In the Moment” composición de Cooper y Sample. La voz de Cooper se funde con la orquesta, de forma natural en un tema soul, lleno de swing.

Le sigue “Under My Skin” de Cooper y Sample, un tema soul-pop continuador de la linea argumental del grupo.

La sensual “Whatcha Gonna Do With Your Life”, también firmada por Cooper y Sample, tiene a la vocalista Dawn Pemberton como protagonista.

La canción que da título al álbum, compuesta por Cooper y Sample, tiene el más puro estilo Steely Dan, con los metales en primera línea.

“Easy As Pie”, compuesta por Sample en la dácada de los 70,  es un tema alegre que sirve a Cooper para mostrar el rango y la versatilidad de su voz. Cuenta con la flauta de Tom Keenlyside. El jazz está presente en este tema.

Cooper y Sample compusieron la agradable balada "Someday".

También ambos compusieron “Won’t Let You Steal”, que estaba destinado al primer álbum de Wild Blue Herons, pero se incluyó para pulir la letra.

“Bebop” la compuso Sample en la década de los 70, durante su época de becario en el prestigioso Berklee College of Music de Boston. Una juguetona canción estilo Brodway.

Sample firma en solitario la romántica “Don’t Want This Heart”. 

“You Are My Sunshine”, de Jimmie Davis,  es el único estándar del álbum. No es la primera vez que graban la canción, ya que incluyeron una versión en vivo como bonus track en su álbum debut, pero aquí suena más extensa. La pieza comienza como un dúo de voz y piano (uno de los mejores momentos del disco) , con una interpretación exquisita de ambos, cobra fuerza con la entrada del bajo y la batería, seguidos del saxo de Hilliam, culminando en un final impresionante. 

“There Will Be Joy”, compuesta por Cooper y Sample, tiene un sonido mas moderno, que comienza con una melodía pegadiza antes de que la voz de Cooper se despliegue por completo. Una emocionante muestra de pop jazz.

El álbum cierra con “Honey B”, una canción compuesta por Cooper para el 70 cumpleaños de Sample (se componen canciones para sus cumpleaños). Una pieza divertida en  torno al amor.

Temas como la presencia, la gratitud y la importancia del amor están presentes en estas canciones, interpretadas con un sonido que abarca el soul, el R&B, funk pasando por el pop y el góspel, hasta íntimas baladas. Y todo ello con un baño jazzístico, acentuado cuando el trombonista Jim Hopson o el saxofonista Steve Hiliam se lanzan a sus solos.

El álbum es una muestra de su devoción por la música y el uno por el otro. Sin duda el que se lanzara el 14 de febrero, Día de San Valentín, no es casualidad. 

La Habitación del Jazz