ERIK PALMBERG CD: Faces

 

Pistas

1.Faces 2.Daybreak 3.French Flavors 4.Behind The Clouds 5.Birch Trees 6.Hits And Misses 7.I Remember You 8.Silver Moon 9.Views 10.Moon And Sand

 

Intérpretes

Erik Palmberg – trompeta, flugelhorn

Anton Dromberg – piano

Niklas Wennström – contrabajo

Sebastian Voegler - batería

 

Sello discográfico: Prophone Naxos

Grabado en Riksmixningsverket el 22 de noviembre de 2023 y 19 de abril de 2024. Grabaciones adicionales en Yardhouse Studio el 5 de abril de 2024.

Fecha de publicación: 22 de noviembre de 2024

 

El trompetista y compositor Erik Palmberg, reside en Estocolmo (Suecia) y estudió en el Royal College of Music y el Jazz-Institut de Berlín. En 2018 lanzó su primer álbum “First Lines” y desde entonces ha tocado regularmente con su grupo.

En 2021 lanzó su segundo álbum, “In Between”, con el que obtuvo un mayor reconocimiento tanto en Suecia como a nivel internacional.

Palmberg es un músico de acompañamiento muy solicitado. Es miembro del grupo de jazz Horncraft, que lanzó el álbum aclamado por la crítica, "Inside Looking Out" en 2023, y también es un nuevo miembro del grupo de hard bop Lexingtone y toca con varios grupos como el recién formado Swedish Radio Jazz Group (liderado por Nils Landgren), Blue House Jazz Orchestra y otros.

Anton Dromberg es el más joven del grupo y rápidamente se está convirtiendo en uno de los pianistas más interesantes de Suecia. Lírico, innovador y técnicamente impresionante son algunas de las palabras que describen su forma de tocar. Dromberg toca en grupos como Bear Garden, Alf Carlsson Quartet y su álbum a dúo con Anna Berglund fue celebrado como el "álbum de canción y piano del año" 2021 en la revista musical Lira. Aparte de  pianista, es compositor y productor y ha sido galardonado con varias becas por sus arreglos tanto para pequeños grupos como para grandes orquestas.

En 2007-2010, Niklas Wennström formó parte de la legendaria banda Fredrik Norén. Norén era conocido por captar a los mejores talentos de Suecia. Esbjörn Svensson y Jonas Kullhammar eran algunos de los músicos que habían tocado allí justo antes.  Wennström se unió más tarde al grupo Elin Larsson. En 2015 formó parte del grupo Kristin Amparos, donde jugó un papel importante junto con Joel Lyssarides y Robert lkiz.

El alemán Sebastian Voegler se mudó a Nueva York en 1992 para estudiar en la prestigiosa The Mannes/New School of Jazz. Tocaba regularmente en los clubes con algunos de los mejores músicos de Nueva York. En 1998 se mudó a Estocolmo y rápidamente se convirtió en un baterista muy solicitado, tocando con los top del jazz sueco y en giras con nombres como Jerry Bergonzi y Benny Golson. Ha aparecido en más de 30 álbumes con nombres como Nils Berg, Karl Martin Almqvist, Oskar Schönning, Max Agnas entre otros.

Todos los miembros del cuarteto tienen su sede en Estocolmo (Suecia) y tocan juntos desde 2018 lo que les ha permitido desarrollar  una estrecha relación musical.

Palmberg y su grupo realizaron una extensa gira por Suecia en 2022-2023. El grupo tocó en todos los lugares más importantes de Suecia y también participó en el Stockholms Kulturfestival. También realizó una gira por Alemania en 2022, tocando su música con músicos alemanes. En su nuevo álbum “Faces” (Prophone Naxos), el cuarteto de Palmberg se ha valido de la experiencia de semanas de gira, para sumergirse en la experiencia musical compartida, no solo tocando la música, sino también hablando de música con sus compañeros de banda. Palmberg comenzó a trabajar en el nuevo material justo después de regresar de la gira, materializando ese nuevo sentido y conciencia hacia diferentes estilos e ideales musicales dentro del grupo.

De los diez cortes del disco, ocho son originales de Palmberg, a los que se suman  dos estándares: “I Remember You” de Victor Schertzinger, con arreglos de Anton Dromberg  y  “Moon and Sand” de Alec Wilder. Ambos temas comparten, junto al material original, una exquisita atención en los arreglos.

Nada más escuchar el tema que abre el álbum “Faces”, te haces una idea del contenido y del estilo de este cuarteto.

Aun siendo un sonido de jazz nórdico, no cabe duda que está imbuido de jazz global, trascendiendo lo meramente local. Su forma de tocar, lírica y expresiva, claramente nórdica, se ve influenciada por referentes  como Freddie Hubbard, Miles Davis, Tom Harrell o Kenny Wheeler.

Algunos comparan a Erik Palmberg en la trompeta a lo que fue Esbjörn Svensson al piano, comparación no exenta de verdad.

Palmberg y sus colegas, no deja nada al azar en este álbum, siendo sus originales meticulosamente interpretados, de forma casi literaria.

El cuarteto es un todo único, donde la importancia de cada componente es fundamental y se integran con el líder de forma natural, de modo que brillan tanto  individualmente como en grupo.

Según cita Palmberg: "Hemos encontrado una manera de organizar la música de manera colectiva y muy efectiva, una habilidad y un proceso que hemos desarrollado a lo largo de los años, involucrando a todos los miembros de una manera muy creativa".

“Faces” no es un disco de una única escucha, requiere varias para entender y digerir su mensaje. Música  poética, emotiva  y lírica.

La Habitación del Jazz

Libros: Kiss Alive! Autores: Eloy Pérez Ladaga/Jesús C. Gan y Locos del Rock Autores: Daniel Moya/Rubén Molina

Título: Kiss Alive!

Autores: Jesús C. Gan y Eloy Pérez Ladaga

Colección: Ma Non Troppo

Series: Novela Gráfica

ISBN: 978-84-18703-96-6

Encuadernación: Rústica

Idioma: Español

Páginas: 92

Dimensiones:  16,60 × 22,40 cm

Peso: 0,24 kg

 

Redbook Ediciones, dentro de la colección  Ma Non Troppo y  la serie Novela Gráfica, ha publicado Kiss Alive!, con texto de Eloy Pérez Ladaga y grafismo de Jesús Cupillar Gan.

Eloy Pérez Ladaga (Barcelona, España) lleva escribiendo y colaborando  sobre música desde hace más de treinta años ya sea en fanzines, revistas, webs, discográficas, promotoras, radios locales y es colaborador habitual en la revista “Ruta 66”. Autor de varios libros, destacan “El Blues de la Revolución Francesa” (primera biografía en español de Nikki Sudden). En Redbook ha publicado Guía del Rock Progresivo,  un volumen monográfico sobre Kiss y el anecdotario Historias del Heavy Metal.

Jesús Cupillar Gan (Barcelona, España) es un conocido dibujante de cómics e ilustrador freelance que ha trabajado para distintas editoriales españolas y extranjeras. Es tatuador y diseñador de portadas de discos y animación. Se formó en la escuela de Artes y Oficios Llotja de Barcelona en la especialidad de “Ilustración”. En 2022 creó su propio sello con carácter independiente, Cat Skull Project, donde realiza labores de editor, diseñador e ilustrador.

El libro lleva por título el mismo del disco que en 1975  lanzó Kiss, su teóricamente primer álbum en vivo. Disco que salvó la carrera de Kiss, pues sus primeros tres discos “Kiss”, “Hotter Than Hell” y “Dressed to Kill” no habían tenido buena aceptación y su productora Casablanca Records, no estaba en su mejor momento.

Según diversas fuentes, Alive! fue grabado en diferentes fechas del Dressed To Kill Tour, siendo cuatro fechas las más importantes para crear éste material: 16 de mayo en el Cobo Arena de Detroit, 21 de mayo en Cleveland Music Hall. 20 de junio en Orpheum de Davenport y 23 de junio en Wildwoods Convention Center. Muchas de sus canciones fueron retocadas, editadas y regrabadas en el estudio.

Este nuevo lanzamiento de Redbook, Kiss Alive! Recrea la  historia de este mítico grupo, en forma de novela ilustrada. La trayectoria de Kiss, y los clichés que les han hecho triunfar: su maquillaje, sus trucos escénicos, sus  estrategias publicitarias, etc, una carrera llena de esfuerzo,  imaginación y, por qué no, buenas canciones, ha sabido forjarse a lo largo de su trayectoria un universo propio como pocos grupos han sabido crearse.

Gene Simmons y Paul Stanley, junto a Ace Frehley y Peter Criss al principio, supieron conectar con el público con una fórmula tan brillante como efectiva. A base de sexo, sudor y decibelios supieron mantenerse durante cinco décadas en este invento de la música dando al rock’n’roll su dosis de locura imprescindible.

En las páginas de esta novela gráfica, escrita desde un conocimiento profundo de la banda y dibujada magistralmente por un gran artista, el cuarteto neoyorquino se pasea por sus viñetas para contarnos la historia de esta ya legendaria banda.

 

Título: Locos del Rock 

Autores: Rubén Molina y Daniel Moya Calero

Editorial: Redbook

Colección: Ma Non Troppo

Series: Novela Gráfica

ISBN: 9788410459069

Encuadernación: Rústica

Páginas: 96

Dimensiones:  16,60 × 22,40 cm

Peso: 0,24 kg

 

Redbook Ediciones, dentro de la colección  Ma Non Troppo y la serie Novela Gráfica, ha publicado Locos del Rock, con texto de Daniel Moya Calero y grafismo de Rubén Molina.

Daniel Moya Calero (Cornellà de Llobregat, Barcelona, España). Se gradúa en Comunicación Audiovisual en la Universidad de Barcelona y después se profesionaliza como guionista y escritor en el Máster en guion audiovisual, impartido en colaboración por la Universidad de Lleida, la UB y Guionistas Asociados de Cataluña (GAC). Aparte de los proyectos audiovisuales, colabora como redactor en el portal web Cinemagavia, donde realiza críticas y entrevistas relacionadas con el mundo del cine y la televisión. Este es su primer libro como escritor.

Rubén Molina (Barcelona, España), lleva entre lápices y papeles desde que tiene uso de razón. Cursó un año de Art Gràfic en la prestigiosa Escola Joso de Barcelona en 2016. Ha ganado diversos certámenes de dibujo y dedica su tiempo a la ilustración profesional.

Cuatro estrellas, cuatro vidas de excesos, y un camino que solo el rock podía inspirar

Jim Morrison, Keith Moon, Freddie Mercury y Nikki Sixx: cuatro nombres que brillaron y se consumieron a la velocidad del rock

A través de los ojos de una sagaz reportera musical, Patricia, un veterano fotógrafo, Bob Marshall, exhibe con orgullo una selección de instantáneas muy especiales. En ellas aparecen Jim Morrison, Keith Moon, Freddie Mercury y Nikki Sixx. Cuatro fenómenos con muchas diferencias pero con dos grandes aficiones en común: el descontrol y las drogas. Ellos, como tantos otros, se tomaron muy al pie de la letra aquello de vivir como un rockstar.

Esta novela gráfica ilustra de manera descarnada pero real escenas desquiciadas de estos cuatro genios de la música, auténticos iconos e ídolos de masas. Cuatro nombres consagrados que dejaron estupendas obras maestras pero cuyas vidas fueron sinónimo de descontrol y exceso, reflejo de una época y de una manera de vivir la música.

Seguro que no ha sido fácil elegir a estas cuatro estrellas del rock, pues hay infinidad de candidatos que cumplen con los requisitos y méritos para estar en este libro. Pero los elegidos, son una excelente representación de todos ellos.

La Habitación del Jazz

Gonzalo Del Val Quinteto CD: Lamentos Mestizos

 

Pistas

1.Deja que salga la luna 2.Farolito 3.Tu recuerdo y yo 4. Por el Bulevar de los sueños rotos 5.La Martiniana 6.Amanecí en tus brazos 7.Veracruz 8.Prenda del alma 9.Alma de Veracruz

Intérpretes

Valentina Marentes – voz

Paquito Cruz –piano

Luis Giménez – guitarra

Ben García – contrabajo

Gonzalo del Val – batería

Invitado: Miguel “El Cheyenne” – percusión

 

Sello discográfico: Seguell Microscopi

Grabado en Local Estudi, Girona, España

Gonzalo Del Val, nacido en Miranda de Ebro (Burgos, España), empieza sus estudios musicales a la edad de 7 años en el Conservatorio Municipal de esta ciudad. Se traslada a Madrid para estudiar batería con Guillermo McGill y composición-arreglos con Ramón Paús durante dos años. Posteriormente es becado para estudiar en el Conservatorio Superior de Música del LICEO de Barcelona, obteniendo el “Título Superior de Batería-Jazz” bajo la dirección del músico Marc Miralta. Su proyecto final de carrera, titulado “Seis Cuentos Musicales” (composiciones originales inspiradas en la obra del cineasta francés Eric Rohmer) obtiene la máxima calificación (excelente).

En 2009 fue galardonado con la beca “Jóvenes Excelentes” para ir a estudiar a la prestigiosa escuela Manhattan School of Music de New York, con el profesor John Riley. En Nueva York también recibe clases del batería Adam Nussbaum. Del 2016 al 2019 se trasladó a Dublín, donde desarrolló su carrera musical tocando con algunos de los músicos más importantes de la escena jazzística irlandesa. Ha colaborado  con artistas como  Víctor de Diego, David Mengual, Albert Bover, Marc Miralta, Raynald Colom, Joan Chamorro, Rai Ferrer, Horacio Fumero, Matthew Simon, Iñaki Salvador, Dave Liebman, Christian Scott, Bill McHenry, Stéphane Belmondo, Chris Kase, Richie Buckley, Jim Doherty, Demián Cabaud y Leo Genovese  entre otros muchos.

Del Val tiene una activa vinculación con el mundo de la docencia, impartiendo clases como profesor en numerosas escuelas entre las cuales destaca el Conservatorio Superior Pablo Sarasate de Pamplona, Aula de Música Moderna y Jazz del Conservatorio del Liceo (miembro de la Berklee School of Music de Boston), Taller de Músics (Escuela Superior de Estudios Musicales – ESEM) así como en el Conservatorio Superior del Liceu.

Del Val tiene una capacidad innata para formar grupos musicales de lo más variopinto. En esta ocasión es el espíritu mexicano quien está presente en este quinteto con el que acaba de publicar “Lamentos Mestizos”, un álbum inspirado en música de raíz mexicana.

Junto a Del Val, el quinteto está compuesto por la cantante de origen mexicano Valentina Marentes, el pianista mexicano Paquito Cruz, y el también mexicano, el bajista Benjamín García que ya habían trabajado con Del Val en “Tonadas de ida y vuelta” (2023). También está  el guitarrista español, nacido en Aragón, Luis Giménez. Como invitado figura Miguel “El Cheyenne” a las percusiones. 

 Del Val se define como una persona que escucha de todo  y que tiene muchas influencias. Además nunca piensa en la crítica cuando compone y menos esta vez (y hace muy bien).

Abre el disco “Deja que salga la luna” de uno de los más  famosos compositores mexicanos,  José Alfredo Jiménez  (El Rey de las Rancheras). Pero lo cierto es que la versión de Del Val, al poco de comenzar, toma un sendero de puro jazz a lo que contribuye el scat de Marentes, para volver al tema original al finalizar acentuándose el carácter latino de la canción.

Sigue “Farolito” de otro conocidísimo compositor,  Agustín Lara. A destacar Giménez con la guitarra.

Una bonita balada toma el relevo, se trata de “Tu recuerdo y yo” también de José Alfredo Jiménez, una ranchera donde la importancia de la letra interpretada por Marentes es respetada por el resto del grupo. Solos de García y Giménez.

Del cantante y compositor español Joaquín Sabina eligen “Por el bulevar de los sueños rotos”. Los arreglos aplicados a esta canción la hacen casi irreconocible. Solos de Cruz y Giménez.

“La Martiniana” de Andrés Henestrosa,  es un son istmeño al que Del Val aplica cambios rítmicos que dotan a la canción de nueva vida. Destacados solos de González y Cruz.

El autor J. Alfredo Jiménez vuelve por tercera vez con otro clásico, “Amanecí en tus brazos”. Los dos primeros minutos a cargo de la batería y la voz son realmente buenos, entrando el grupo a continuación con un jazz donde predomina la libertad.

El prolífico compositor Agustín Lara (escribió más de 400 canciones) vuelve a estar presente con “Veracruz”, un bonito bolero interpretado con profesionalidad. 

Estamos llegando al final, “Prenda del alma” de Pedro J. González, comienza con un solo de Del Val y continua con un grupo que vuela a una velocidad impresionante.

El disco cierra con un tema original de Del Val, “Alma de Veracruz”, una mezcla de clasicismo, jazz y romanticismo  inunda el ambiente y nos deja un extraordinario sabor de boca.

Música tradicional mexicana, con arreglos jazzísticos  y contemporáneos, que no defrauda.

La Habitación del Jazz

VISIONS JAZZ ENSEMBLE CD: Across The Field (College Fight Songs Reimagined)

 

Pistas

1.Tiger Rag 2.Anchors Aweigh  3.Indiana, Our Indiana 4.Rocky Top  5.Across the Field 6.Glory, Glory 7.Hot Time in The Old Town Tonight  8.Fight On 9.Hail Purdue 10.The Victors 11.Ramblin' Wreck 12.Victory March 13.On Wisconsin.

 

Intérpretes

Sam Butler- trompeta

Garrett Fasig – saxo tenor

Nick Recktenwald – trompeta

Jeff Parker – trombón, trompeta bajo

Wycliffe Gordon – trombón (7)

Dan Ventura – piano

Jacob Smith - contrabajo

Francis Bassett-Dilley – batería

 

 

Sello discográfico: Patois Records

Grabado en Primary Sound Studios, Bloomington, IN, el 16 y 17 de marzo de 2024

Fecha de publicación: 4 de octubre de 2024

 

Sam Butler es un trompetista, compositor, arreglista y educador de jazz profesional que reside en Indianápolis, Indiana. Ha actuado con varios conjuntos, entre ellos la Buselli-Wallarab Jazz Orchestra, Sean Dobbins and the Modern Jazz Messengers, Sammy Miller and The Congregation y su propio Folklore Sextet.

Comenzó a trabajar como desarrollador de planes de estudio de educación de jazz, transcriptor, arreglista y compositor con Playbook Music en julio de 2023. También fue instructor asociado en el Departamento de Jazz de la Escuela de Música Jacobs de la Universidad de Indiana mientras completaba su maestría en Estudios de Jazz. Después del lanzamiento de “Folklore”, en mayo de 2023, realizó una gira con su Sexteto Folklore en el verano de 2023 en lugares de todo el Medio Oeste

Completó sus estudios universitarios en 2022 y aceptó un puesto de instructor asociado en el departamento de jazz para obtener su título de maestría.

Garrett Fasig es un compositor, arreglista, educador  y saxofonista emergente originario de Defiance, Ohio. En su corta carrera hasta el momento, Garrett ha escrito varias composiciones originales para conjuntos de jazz que han sido grabadas por el Brent Wallarab Jazz Ensemble, un programa completo de música para sexteto de jazz y cuarteto de cuerdas, y ha recibido encargos tanto para conjuntos de jazz como para obras orquestales de la New York Youth Symphony y Brianna Thomas, respectivamente. Ha  actuado junto a músicos como Walter Smith III, Oliver Nelson, Steve Houghton, Dayna Stephens y Greg Ward.

Los primeros once años de la trayectoria musical de Fasig se dedicaron a su desarrollo en el saxofón. Esto lo llevó a la Jacobs School of Music de la Universidad de Indiana, donde completaría su licenciatura y maestría en estudios de jazz, mientras pasaba la mayor parte de su tiempo estudiando saxofón.

Esto cambió a principios de 2020 cuando un trastorno neurológico, la distonía, le impidió pasar largas cantidades de tiempo tocando. Fasig centró su atención en la composición y al año siguiente recibió la beca de composición de jazz David N. Baker de BMI.

En el verano de 2023, el Timeless Music Project (que monta presentaciones de música en vivo en Indianápolis) se acercó a Butler y Fasig y les propuso arreglar canciones de lucha universitaria para un conjunto de jazz. Desde entonces hasta octubre de ese mismo año, una tormenta de ideas se generó buscando la forma de unir esta tradición estadounidense  de orgullo universitario con el jazz y la música improvisada. En octubre de 2023 en el SILO Club en Indianápolis, se estrenó, con gran éxito, el espectáculo y comenzó la planificación para grabar un disco con este material. En marzo de 2024, la música se grabó en Bloomington, Indiana. Butler y Fasig coescribieron un arreglo más para contar con la participación del trombonista Wycliffe Gordon.

Así nació “Across the field. College Fight Songs Reimagined”. Trece temas que se corresponden con canciones, reinventadas, de lucha universitarias de las mejores universidades estadounidenses. Seis de ellas arregladas por Butler, otras seis por Fasig y una por ambos.  

En 1954, Dave Brubeck junto a  Bob Bates, Paul Desmond y Joe Dodge llevó el jazz a la universidad y lo documentó en un álbum titulado “Jazz Goes to College”. Setenta años después, el septeto de Butler y Fasig (todos graduados de la Universidad de Indiana) junto al invitado Wycliffe Gordon, han llevado la universidad al jazz. La portada del álbum es un guiño a la del álbum de  Brubeck.

El primer corte del disco “Tiger Rag”, fue grabada originalmente en 1917 por la Original Dixieland Jazz Band. En 1926, los Tigres de la Universidad Estatal de Luisiana la adoptaron como su canción de lucha y, un siglo después, la banda todavía la toca antes de cada partido de fútbol en casa (una escena que se repite prácticamente en todas las escuelas secundarias y universidades que tienen un tigre como mascota). La versión que nos ofrecen es fresca y moderna.

Sigue "Anchors Aweigh" de la Academia Naval que convierten en una melodía de jazz moderna y cool.

"Indiana Our Indiana" de la Universidad de Indiana, fue cantada por el público en su primera actuación en vivo. A destacar la trompeta de Recktenwald.

"Rocky Top" fue elegida por la Universidad de Tennessee  Osborne Brothers para el espectáculo en el descanso de un partido de fútbol contra Alabama.

El tema que da nombre al álbum, "Across the Field", es una marcha animada de la Universidad Estatal de Ohio.

La enérgica con sonido góspel "Glory, Glory", clásica canción de lucha de la Universidad de Georgia, presenta solos de Parker en el trombón y Butler en la trompeta.

Ambos, Butler y Fasig, hicieron los arreglos de  "Hot Time in the Old Town Tonight", de Florida A&M, con el invitado  Wycliffe Gordon en el trombón.

"Fight On" de la Universidad del Sur de California utiliza múltiples inspiraciones musicales. Su apertura de "marcha de guerra" desemboca en un ritmo de bossa ligera y fusión.

“Hail Purdue” de la Universidad de Indiana, suele ser una canción agitadora de ritmo rápido, pero Fasig la transforma  en una encantadora melodía lenta.

"The Victors" de la Universidad de Michigan es reinventada como una melodía de jazz modal de ritmo rápido.

El ritmo de marcha de “Ramblin’ Wreck”, del campus de Georgia Tech, utiliza la flauta para resaltar las raíces escocesas de la melodía. Solos de Smith al contrabajo y Recktenwald a la trompeta.

Llegando al final del disco, encontramos la famosa “Victory March” de la Universidad de Notre Dame, transformada en un vals  con solos de Fasig en el saxo tenor y Ventura en el piano.

Cierra el disco la conocida “On Wisconsin” con un solo de Parker al trombón.

Algunas de estas canciones fueron compuestas hace más de cien años. La mayoría se basan en marchas que influyeron en la música callejera de Nueva Orleans, lo que las acerca mucho a los orígenes del jazz primitivo pero que en las manos de este septeto, en concreto de los arreglos de Butler y Fasig, adoptan una nueva perspectiva y entran a formar parte de un  jazz moderno.

La Habitación del Jazz

CHROMA CD: Chroma

 

Pistas

1.Prelude in d-minor 2.Glare 3.Fontaines 4.Breathe 5.Lumi 6.La Chana 7.Toru 8.Transition 9.Cara 10.Die Gretchenfrage 11.Lullaby

Intérpretes

Sebastian Voltz- piano

Gilles Grethen – guitarra

 

Fecha de publicación: 8 de noviembre de 2024

 

El guitarrista y compositor luxemburgués Gilles Grethen forma parte de la nueva generación de músicos de jazz de ese País. Tiene una licenciatura en guitarra de jazz de la Hochschule für Musik Saar y un máster en guitarra de jazz y composición y arreglos de jazz de la Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Mannheim.

Antes de descubrir su pasión por la guitarra y el jazz, recibió una formación clásica de violín y clarinete.

Lidera el Gilles Grethen Quartet, con el que ha publicado tres álbumes. También forma parte de la banda de jazz Nu Linq y el dúo CHROMA, junto al pianista Sebastian Voltz.

Para Grethen, la composición y los arreglos tienen una gran importancia y gran parte de su enfoque artístico se centran en esas actividades. Recientemente, creó un repertorio de big band para la Gilles Grethen Big Band y compuso obras para cuarteto de jazz y orquesta de cuerdas en su álbum “State of Mind”. También compone   para películas, como la banda sonora del cortometraje “Coffee & Water” de Catherine Dauphin, así como obras para la Orquesta Nacional de Jazz de Luxemburgo y la Orquesta Opus78, ambas encargadas por el Ministerio de Cultura luxemburgués.

Sebastian Voltz, nació en Neunkirchen (Alemania). Inicialmente tuvo una formación clásica. Desde 2001 estudió en la clase de piano de los renombrados pianistas Thomas Duis y Fedele Antonicelli. Durante este tiempo recibió importantes impulsos en el ámbito de la música de cámara y el acompañamiento de canciones de Eduard Brunner, Irvin Gage, Yaron Windmüller y Theo Brandmüller. Completó sus estudios en 2009 con el examen de acceso a conciertos con distinción.

Durante este tiempo, Voltz fundó junto con Max Riefer el nuevo conjunto de música “les éclats du son”. En 2022, el dúo celebró su regreso tras una larga pausa con un concierto en Saarländischer Rundfunk. A esto le siguió una gira de conciertos por el sudeste asiático en 2024.

Entre 2011 y 2016, Sebastian Voltz fue miembro del grupo “Percussion under Construction” del Teatro Estatal de Sarre. Desde 2008 se acompaña con el  clarinetista klezmer Helmut Eisel, con quien ha viajado varias veces a Israel como pianista y conferenciante.

Con el tiempo, Sebastian Voltz se dedicó cada vez más a la música improvisada y al jazz moderno europeo. En 2015 fue invitado por la conocida guitarrista Susan Weinert a unirse a su Rainbow Trio. Esta colaboración produjo dos álbumes.  Con su álbum en solitario “Voyages”, lanzado en 2021, Sebastian Voltz explora los límites entre la tradición clásica y la improvisación del jazz.

Ambos forman este dúo de nombre CHROMA que acaba de lanzar su álbum debut homónimo, compuesto de diez piezas  originales, 4 de Grethen y 6 de Voltz,  y una pieza improvisada.

Desde su primer encuentro, Voltz y Grethen sintieron una fuerte atracción musical. Pero a nadie se le escapa que el piano y la guitarra es una pareja poco común,  Grethen y Voltz lo saben y se aprovechan de ello, sacando lo mejor se ambos instrumentos, que se complementan y fusionan sus timbres sin el menor esfuerzo llegando a yuxtaponerse y confundir al oyente.

La formación clásica de ambos intérpretes y su profundo amor a la música clásica, hacen que estas composiciones tengan una enorme riqueza de sonidos y colores, de modo que, en ocasiones, se las dota de un sonido casi orquestal.

Entre las composiciones podemos disfrutar de temas  sutiles y delicados como “Prelude In d-minor”, “Fontaines” o “Lullaby”; relajantes y elegantes como “Cara”; otras con sonidos más espaciales, “Glare” y “Transitions”.  A destacar “Breathe”, un tema intimista y completamente improvisado. El jazz moderno está presente en el disco y en todos y cada uno de los cortes, los dos instrumentos se complementan a la perfección, brindándonos momentos más tranquilos y prolongados y momentos más intensos y densos.

Voltz y Grethen se intercambian los papeles constantemente y crean música que transmite emociones y belleza.

La Habitación del Jazz

HANNAH GILL CD: Spooky Jazz Vol. 2

 

Pistas

1.I'd Rather Be Burned as a Witch 2.My Man's an Undertaker 3.Love Is a Necessary Evil 4.Hummin' to Myself 5.Love, Your Spell Is Everywhere (Transylvanian Lullaby) 6.Oogie Boogie's Song 7.You Hurt Me 8.Hard Hearted Hannah 9.That Old Black Magic 10.Haunted House Blues 11.Shine On Harvest Moon

Intérpretes

Hannah Gill – voz

Gabe Terracciano – violín

Ricky Alexander – clarinete, saxo tenor

Mike Davis – trompeta, trombón

Justin Poindexter – guitarra

Gordon Webster – piano

Phil Ambuel – contrabajo

Ben Zweig – batería

 

Sello discográfico: Turtle Bay Records

Grabado en Big Orange Sheep

Fecha de publicación: 4 de octubre de 2024

 

La vocalista y compositora Hannah Gill creció en la costa este de Maryland (EE.UU).  Ya desde la escuela secundaria participó en numerosas producciones teatrales y espectáculos. A los 16 años de edad, su padre la llevó a Nueva York para ver un espectáculo en Summerstage. Fue allí donde conocieron al guitarrista Brad Hammonds, cuyo padre era compañero de trabajo de Gill. Hammonds invitó a Gill a grabar voces en su próximo álbum y luego decidieron trabajar juntos.

A la edad de 18 años, después de haber decidido posponer un título universitario y dedicarse a su pasión por la música, se mudó a Nueva York y se asoció con Hammonds para formar "Hannah Gill & The Hours". En 2020, durante la pandemia, Hannah decidió seguir su propia carrera en solitario y lanzó otro EP de su música original, llamado “Songs From Quarantine”. Gill es miembro permanente de Post Modern Jukebox de Scott Bradlee, una banda que adapta  éxitos del pop al jazz.  Actualmente reside en  Brooklyn, Nueva York.

Sus principales referentes son Blossom Dearie, Anita O'Day y especialmente Ella Fitzgerald, de la que tiene un tatuaje en el tobillo. Su álbum debut fue "Everybody Loves a Lover" (2023).

Durante la pandemia, Gill buscó en Google "Spooky Jazz". La búsqueda no dio ningún resultado, y Gill decidió usar parte de su dinero para grabar un EP digital, al que llamó “Spooky Jazz”.

Cuatro años después, Gill ha grabado la segunda parte, “Spooky Jazz Vol. 2”, acompañada por músicos del álbum anterior y miembros de la lista de artistas de Turtle Bay.

No es fácil crear una lista de canciones de Halloween, pero Gill ha encontrado varias canciones olvidadas que encajan en el proyecto, si bien hay temas que no encajan al cien por cien en esta temática.

El disco empieza con una versión llena de picardía de “I Would Rather Be Burned as a Witch” que interpretara  Eartha Kitt. Gill transmite el espíritu de Kitt con su sensual toque personal. Un tema alegre lleno de swing. Gill interpreta la roquera y explosiva "My Man is an Undertaker" con voz  poderosa. El tercer tema es  “Love is a Necessary Evil”,grabada por  Blossom Dearie en su álbum “May I Come In”. Ambuel aprovecha el protagonismo que se le brinda. Otros solos a destacar, el de Terracciano y Davis. “Hummin’ to Myself” no es precisamente una canción de Halloween, pero Gill le aplica un estado de ánimo sombrío a la interpretación que hace que encaje a la perfección. Solos de Poindexter, Webster, Davis, Alexander y Ambuel. Gill sensual.

Gill no toma “Love, Your Spell is Everywhere” del álbum de Curtis Fuller, “Bluesette”, como  referente, sí lo hace de un disco de 1929 de Ben Selvin. La canción suena a las melodías europeas de los años 30 y 40. Terracciano y Davis tienen su momento de gloria. La canción va aumentando su fuerza y ritmo a medida que avanza. Le sigue "Oogie Boogie's Song" de la banda sonora de la película de Tim Burton "The Nightmare Before Christmas". El arreglo hace un guiño a “Minnie the Moocher”. Gill es una cantante que además de cantar, interpreta el personaje y esta canción es una buena muestra de ello. El blues "You Hurt Me" que Gill interpreta con sentimiento y profundidad y nos recuerda a la gran Beth Hart. Solos de Poindexter y Alexander. De Ella Fitzgerald  Gill elige “Hard Hearted Hannah”, una canción que nos habla de la frialdad de una mujer,  interpretada magníficamente por Gill . Solos de Terracciano, Davis y Webster. "That Old Black Magic" de Arlen y Mercer es quizás la pieza del álbum más estándar que permite el lucimiento de la banda en su conjunto. Vuelve el blues con “Haunted House Blues” interpretada en su día por Bessie Smith, al que los arreglos le dan un aire country a ritmo lento. Gill canta a la perfección este tipo de temas. Solos de Poindexter y Terracciano. El disco finaliza con “Shine On, Harvest Moon” un bonito tributo a The Boswell Sisters. Gill triplica su voz para asimilar el sonido a las tres hermanas. Sonido agradablemente retro.

Gill tiene muchas virtudes como intérprete, entre ellas su atractiva voz, su forma de adaptarse a diferentes estilos y  la facilidad con la que transmite los diferentes estados de ánimo que requieren las canciones.

Un bonito e interesante disco.

La Habitación del Jazz

 

JIM FUNNELL's Word Out CD: New Dream

 

Pistas

1.Crop Circle Crackle  2.Tree of Light 3.Pioneers 4.Greenpoint Graffiti 5.Nicaea 6.Echoes of Cyan 7.Asteroid B612 8.House of Granate 9.Ikigai 10.Full Circle

 

Intérpretes

Jim Funnell – piano, teclados (2,7), melódica (9)

Chris Jennings –contrabajo (1-4,6,7,9,10)

Jeff Boudreaux – batería (1,3,4,6,8)

Akiko Horii – percusión (2,4,7,9)

Invitados

Tomoko Omura – violín (7)

Nino Wenger – saxo alto (10)

 

Grabado en Bopcity (Le Pré-Saint-Gervais, Francia) excepto el violín, grabado en  Brooklyn, NY.

Fecha de publicación: 8 de noviembre de 2024

 

El pianista y compositor anglo-francés Jim Funnell  comenzó a liderar su propia banda en su adolescencia temprana, actuando en clubes de jazz cuando estaba en la escuela secundaria. Dedicándose al estudio del piano clásico y jazz, recibió una beca completa de matrícula del Berklee College of Music, donde estuvo expuesto a una diversidad de estilos y culturas. En Berklee, estudió con Danilo Pérez, Joanne Brackeen, Laszlo Gardony, David Fiuczynski, Joe Lovano y George Garzone. Allí tuvo la oportunidad de actuar con Tiger Okoshi, Dave Douglas, Marcus Miller, Meshell Ndgeocello y los miembros de Yellowjackets Russell Ferrante y Marcus Baylor. Después de graduarse, viajó a México, Argentina, Uruguay y Brasil, empapándose del folclore de América Latina y los ritmos afrolatinos.

Ha colaborado con músicos como David Fiuczynski, Nino Wenger,  Franck Vaillant, Hiroshi Fukutomi, Takashi Sugawa, Asaf Sirkis, Ravy Magnifique, Ryo Noritake, Nate Wong, Gaspard Gabriel, Dominique Muzeau, Ryoichi Zakota y muchos otros.

Ha producido varios sencillos, EP y álbumes, y ha realizado extensas giras por Asia, Europa y las Américas.

“Word Out” toma su nombre de la observación del poeta y novelista austríaco (considerado uno de los poetas más importantes en alemán y de la literatura universal)  Rainer Maria Rilke de que “la mayoría de las experiencias son indecibles”.

Su último trabajo hasta la fecha, “New Dream” es su tercer álbum de estudio que ha grabado junto a su esposa  Akiko Horii en la percusión, el baterista Jeff Boudreaux, y el bajista Chris Jennings. Tambíen le acompañan dos invitados, el violinista Tomoko Omura y el saxofonista Nino Wenger.

Funnell describe el disco como una aventura musical que se desarrolla desde dentro, donde las experiencias son indecibles y las palabras a menudo son inadecuadas para describir emociones sutiles. Sin embargo, los sonidos y los ritmos cumplen ese propósito a la perfección. Funnell explora sus ideales inspirándose en fuentes literarias (Hazrat Inayat Khan, Antoine de Saint-Exupéry, Jacques Ellul, Milan Kundera, René Guénon…).

Funnell  mete en una batidora el post-bop, la música clásica y la música del mundo y nos brinda un álbum peculiar e interesante. Desde el tema que abre el disco “Crop Circle Crackle”, un tema puro jazz, con cierto (o mucho) sabor  a Mingus o  “Tree of Light”, más contemporáneo y con ritmo latino hasta “Pioneers” un tema intimista que relaja el ambiente, pasando por el blues de “Greenpoint Graffiti” cargado de funky  de Nueva Orleans. Funnell rememora sus paseos por Queens y Brooklyn que una vez al mes realizaba para visitar el negocio de taxis de su casero y pagarle el alquiler.

“Nicaea” de John Bacchus Dykes es el único tema no compuesto por Funnell y que aborda en solitario. El clasicismo es evidente. En “Echoes of Cyan” mantiene ese sonido clásico, matizado con jazz contemporáneo.  En  “Asteroid B612”, Tomoko Omura hace su única aparición en el disco. El sonido oriental se entremezcla con el latino. Un tema muy interesante. El jazz vuelve a ser (si alguna vez lo había dejado de ser) el protagonista absoluto en “House of Granate”. Otro tema a escuchar con atención. Llegando al final del álbum, “Ikigai” en la línea de “Tree of Light”, y “Full Circle”, donde interviene Nino Wenger con el saxo alto.

Jim Funnell tiene una voz propia interpretativa y una originales composiciones.

Un álbum a tener en cuenta, rico en matices y estilos.

La Habitación del Jazz

 

BILL LAURANCE & MICHAEL LEAGUE CD: Keeping Company

 

Pistas

1.Katerina 2.You 3.Yours 4.Escher 5.How Does It Feel 6.Stonemaker 7.Africa 8.Clay 9.Where You Wanna Go 10.Trails 11.Ki Keklik Bir Kayada

 

Intérpretes

Bill Laurance - piano

Michael League - oud, bajo sin trastes, voz

 

Sello discográfico: ACT Music

Fecha de publicación: 1 de noviembre de 2024

 

El pianista, compositor  y miembro fundador de la banda Snarky Puppy,  Bill Laurance, acaba de publicar, junto a Michael League el álbum titulado “Keeping Company”.

Laurance asistió a la Universidad de Leeds, donde se especializó en composición clásica, explorando el jazz, el funk y el drum'n'bass. Ha grabado y actuado con artistas de renombre como David Crosby, Morcheeba, Salif Keita, Terence Blanchard, Lalah Hathaway, Laura Mvula, Jacob Collier, Chris Potter, Lionel Loueke, The Metropole Orchestra y la WDR Big Band entre muchos otros. También ha trabajado extensamente en el mundo de la danza con compañías como Alvin Ailey, Ballet Rambert, Matthew Bourne's Adventures in Motion Pictures, Phoenix Dance, Northern Ballet Theatre y el English National Ballet y ha compuesto música para varias empresas, entre ellas, Apple, Sky, Nokia y Hewlett Packard.

Como miembro del grupo Snarky Puppy, galardonado cinco veces con los premios Grammy, Laurance ha realizado giras por todo el mundo, tocando cientos de conciertos para decenas de miles de seguidores.

Es un apasionado de la docencia y continúa impartiendo clínicas en instituciones musicales de todo el mundo.

Laurance experimenta una amplia gama de sonidos y combinaciones de conjuntos. Una buena muestra de las vías creativas exploradas por  Laurance abarca son la grabación a piano solo, “Affinity” (2022);  “Where You Wish You Were” (2023, ACT Music) a dúo junto a Michael League;  la extensa colaboración con el álbum “WDR Big Band Live at the Philharmonie Cologne” (2019) y el álbum sinfónico “Bloom”, grabado con The Untold Orchestra (2024). Otro proyecto activo de Laurance es el trío junto al bajista Menelik Claffey y el baterista Oscar Ogden.

Por su parte Michael League, nacido en California, es el fundador, compositor, productor y bajista del grupo de jazz-fusión neoyorquino Snarky Puppy. También es fundador y propietario del sello discográfico GroundUP Music.

League,  hijo de una familia amante de la música, su madre, flautista clásica y el padre gran aficionado al rock clásico y el soul. De pequeño ya se interesó por la música, y tocaba la batería y el violín y a los 13 años se pasó a la guitarra. En el instituto formó su propio grupo de jazz-funk, y a los 17 empezó a tocar el bajo cuando le propusieron ocupar la plaza vacante en el grupo de jazz senior del instituto. Conocía poco el instrumento, pero se fue sintiendo cada vez más fascinado. Estudió jazz en la Universidad del norte de Texas. Se trasladó a Brooklyn (Nueva York) en el 2009. League formó el grupo Snarky Puppy en 2004,  durante su primer curso en la Universidad del Norte de Texas, junto a  nueve de sus compañeros. League es el compositor de la mayor parte de su repertorio original, así como el productor de todos los álbumes del grupo.

A principios de los años 2000, Laurance, intentaba ganarse la vida en la escena musical de Leeds, cuando se le presentó un trabajo informal con un joven Michael League en la banda del cantante Michael Solomon Williams. Los conciertos en el norte de Inglaterra le permitieron forjar una amistad con League, que estaba buscando un nuevo pianista, y League invitó a Laurance a los EE.UU. para grabar el primer álbum de Snarky Puppy, “The Only Constant”.

League  también ha trabajado con gente como Kirk Franklin, Walter Hawkins, Magda Giannikou cuando era todavía una artista desconocida.

Laurance y League se unieron en dúo en 2020. Su primer trabajo fue “Where You Wish You Were” (2023). Ahora lanzan su segundo álbum titulado “Keeping Company”.

El álbum muestra una asociación musical íntima, con Laurance centrándose en el piano acústico y League en el bajo sin trastes y el oud, creando un sonido que combina influencias occidentales y de Oriente Medio.

El álbum es justo lo contrario de lo que Snarky Puppy representa. La extroversión y el empuje son sustituidos por un enfoque más íntimo.

La preparación de este disco consistió en la escritura de  numerosos bocetos y composiciones por parte de ambos músicos. Esa abundancia de material tuvo que reducirse hasta quedarse con los 11 temas del disco.

En este trabajo el dúo profundiza y prueba nuevos sonidos. Toda la grabación es  prácticamente en directo, sin sobregrabaciones innecesarias.

Laurance huye de los malabarismos  grandilocuentes, centrándose en melodías sencillas, rítmicas que dejan espacios para su compañero. El sonido es escaso, pero suficiente, no hay estridencias y la música suena espontánea.

Las improvisaciones, con pocas notas, se enmarcan en una atmósfera de sonidos brillantes, las justas para contar historias.

Las composiciones se nutren de jazz, rock, blues, clasicismo inglés, sonidos medievales, renacentistas, árabes y orientales, incluso trazas de flamenco y sonidos contemporáneos, mezclas que dan como resultado paisajes musicales envolventes que te atrapan.

Ambos intérpretes dialogan constantemente. El uno con el otro, tomando la iniciativa alternativamente y demostrando que la colaboración se cimienta sobre   años de amistad y aprecio musical mutuo.

Como afirma el propio Laurance: "Creo que tanto a Michael como a mí nos mueve la idea de superar los límites, lo cual es importante. Pero este álbum es diferente. Cada idea compositiva tiene mucho peso, y todo tiene un propósito muy específico. No había ninguna sección rítmica tras la que esconderse, sólo se trataba de melodía y acordes. E instintivamente intentábamos crear un lugar al que la gente quisiera ir, que le resultara reconfortante. Creemos que ahora, quizá más que nunca, hacen falta lugares así".

Laurance y League nos proponen un viaje sonoro maravilloso, lleno de equilibrio y absolutamente contemplativo.

Uno de los mejores álbumes de este 2024.

La Habitación del Jazz