lunes, 26 de enero de 2026

EMMA RAWICZ CD: Inkyra

 


Pistas

1. Earthrise 2. Particles of Change 3. Time and Other Thieves 4. A Portrait of Today 5. Lunar 6. Moondrawn (dreaming) 7. Anima Rising 8. All My Yellow Afternoons 9. Marflauta shmallow Tree 10. A Long Goodbye


Interpretes

Emma Rawicz – saxo tenor, saxo soprano

Gareth Lockrane – flauta, flauta, flauta bajo, flauta piccolo

David Preston - guitarra

Scottie Thompson - Rhodes, piano, Prophet

Kevin Glasgow – bajo eléctrico

Jamie Murray - batería


Sello discográfico: ACT Music

Grabado en Livingston Studios, los días 7,8 y 9 de octubre de 2024

Publicado el 3 de octubre de 2025



Emma Rawicz, nacida en North Devon (Inglaterra), es una joven saxofonista, directora de banda y compositora. Ha realizado extensas giras por 15 países; conciertos como solista con la Orquesta de Conciertos de la BBC en el Queen Elizabeth Hall y con la Big Band de la Radio Alemana SWR en la Filarmónica de Berlín.Fue la Artista en Residencia más joven de la historia del Festival de Jazz de Cambridge.

Rawicz también es una educadora apasionada y es muy solicitada como instructora de clases magistrales, habiendo impartido recientemente talleres en Dinamarca, Lituania y Noruega, además de contar con una sólida presencia educativa en el Reino Unido para músicos de todas las edades.

Posee una enorme formación académica que incluye el Trinity College of Music (Londres), la Chetham's School of Music (Manchester), donde estudió piano clásico, trompa y composición, y la Royal Academy of Music (Londres), donde se graduó del curso de jazz con honores de primera clase y obtuvo el "Premio del Director" por su destacada trayectoria.

Rawicz se impone una agenda de trabajo exigente. Durante la pandemia de coronavirus, empezó a documentar sus rutinas de práctica en Instagram, lo que ha permitido que decenas de miles de personas sigan su evolución desde entonces. Realiza giras por toda Europa, tocando en importantes salas de conciertos, encabezando importantes festivales y componiendo constantemente nueva música. Dirige su propia Orquesta de Jazz Emma Rawicz y recientemente se convirtió en Artista de Nueva Generación de la BBC, uniéndose al prestigioso programa con el que la BBC apoya a algunos de los nuevos talentos más prometedores del mundo en diversos géneros musicales.

Con tan solo 23 años, ha publicado dos álbumes “Incantation” (2022) y “Chroma” (2023).

"Parte de la inspiración para la música proviene de Joni Mitchell". Puede que al principio suene extraño, porque las piezas no suenan como música de cantautor. Sin embargo, me sumergí en su música antes de componer el programa. Me fascina su forma de estructurar las melodías, su uso de la armonía, las afinaciones inusuales y los acordes desconocidos que no se escuchan en el jazz. Eso me influyó en el piano y, a su vez, moldeó mi trabajo como compositora. El resultado es una identidad única. También me inspiré en las letras, que aparecen en los títulos de las piezas y que también han inspirado el nombre fantástico del álbum” afirma Rawicz.

Su más reciente trabajo, “Inkyra”, comenzó a gestarse en una clase con Pete Churchill en la Royal Academy of Music. Rawicz y el grupo probaron por primera vez el repertorio en un pequeño club nocturno de Londres, ante un público diverso y de pie. No querían medir tanto el comportamiento de los músicos como el impacto emocional y físico en el público.

El álbum fue grabado con el sexteto formado por Gareth Lockrane (flauta), David Preston (guitarra), Scottie Thompson (teclados), Kevin Glasgow (bajo eléctrico) y Jamie Murray (batería).

Para Rawicz el jazz es, sobre todo, una fuente inagotable de inspiración creativa. “Siempre hay algo nuevo que descubrir. Mientras practicas, se pueden desarrollar muchísimas cosas nuevas”, afirma.

Rawicz nunca busca el camino fácil, y su deseo de desafiar al público es fundamental. Y ese espíritu innovador ha quedado impregnado en las diez composiciones originales que contiene el álbum.

El disco abre con la reflexiva y muy interesante “Earthrise”, una pieza breve, con un sonido cinematográfico espiritual y espacial, cautivador. Preciosa la intervención de Rawicz.

El segundo corte es otra interesante composición titulada "Particles of Change". Rawicz controla el espacio con autoridad, mientras la batería de Murray eleva el tono. Excelente Thompson, tensionando aún más el espectro sonoro. Narrativa melódica compleja con enrevesadas ​y armonías cambiantes.

"Time and Other Thieves” mantiene un ritmo constante gracias a la percusión. El rock sinfónico se funde con sonido sicodélico donde la improvisación se codea con lo escrito dando como resultado otro tema cinematográfico.

En “A Portrait of Today” Rawicz muestra su capacidad para construir narrativas musicales complejas, dinámicos cambios de textura. Sonido fusión de los setenta. Solos de Thompson y Preston. La sección rítmica mantiene la tensión durante todo el desarrollo del tema.

"Lunar” no llega al minuto de duración, sirve para que su sonido espacial y contundente, conecte, sin solución de continuidad, con el siguiente corte del álbum, “Moondrawn”, que presenta un sonido más pesado y poderoso, diversas texturas superpuestas, rock progresivo con momentos de aparente relajación.

La exuberante “Anima Rising” contiene un solo de guitarra de Preston más que notable. Y qué decir de Rawicz, rebosa energía y sensualidad. Jazz a tope con sonido orquestal.

"All My Yellow Afternoons" toma la misma senda instrumental. Murray, incansable, imprime dinamismo y profundidad rítmica, como lo hace en todo el álbum.

"Marshmallow Tree" tiene sabor a samba brasileña. La flauta de Lockrane da ligereza y, como hace en el resto de temas, aporta un amplio lirismo con su sonido.

El álbum cierra con “A Long Goodbye”, una pieza casi tan corta como la de apertura y con las mismas características de aquella.

Rawicz define “Inkyra” como un “viaje cósmico”. Un viaje que nos sorprende con sutiles matices y gradación de texturas, con temas audaces, enérgicos y sutiles, llenos de contrastes, capaces de transmitir pasión y ternura.

Un disco, y una intérprete y compositora, a tener en cuenta.

La Habitación del Jazz






viernes, 23 de enero de 2026

MARINA PACOWSKI CD: New Jazz Standards Volume 7 The Music of Carl Saunders

 


Pistas

1.August In New York 2. High On Blueberry Pie 3.Theme For Jobim 4.Feels Like Home        5.Is That Asking Too Much? 6.Looking At You 7.  I Need A Dream 8.Sweet Talk  9.You're So Cute 10.Do Be Do Be Do 11.Alone 12.Can You Dig Being Dug? 13.Always In My Heart  14.   Minute Waltz

 

Interpretes

Marina Pacowski – voz (1-13), piano (14)

Rickey Woodard – saxo tenor (1,5,9,12), saxo soprano (3,10)

Ron Stout – trompeta (1, 3, 6, 9, 10, 12)

Scott Whitfield – trombón (1, 3, 5, 7, 9, 10, 12, 13)

Larry Koonse – guitarra (1, 3, 9, 10, 12)

Josh Nelson - piano (1-13)

John Clayton - contrabajo (1, 4-8, 12)

Ken Wild – contrabajo (2, 3, 9, 10)

Roy McCurdy – batería (1-3, 5-10, 12)

Invitados especiales

John Proulx - voz (8)

Ken Peplowski – clarinete (8)

 

Sello discográfico: Summit Records 

Publicado el 9 de mayo de 2025

 

Marina Pacowski nació en Biarritz (Francia) y reside en Los Ángeles (EEUU). Es una artista polifacética: pianista de concierto, pianista colaboradora muy solicitada y vocalista.

A sus padres les encantaba la música estadounidense. Su padre, un exitoso cirujano, también tocaba el clarinete y el saxo, y junto a su hermano, que toca la guitarra, formaban parte de una banda de jazz al estilo de Nueva Orleans, mientras que a su madre le encantaban los musicales estadounidenses y los estándares del jazz. Siempre soñó con trasladarse  a los Estados Unidos debido a su fascinación por la escena musical estadounidense y su amor por el jazz. Finalmente se trasladó en 2017 para establecerse en Los Angeles (EE.UU)

Como pianista, ha realizado giras internacionales, actuando en Francia, Italia, España, Alemania, Países Bajos y Bélgica, así como en Estados Unidos. Ha actuado y/o impartido conferencias en lugares de gran prestigio. Pianista colaborativa y amante de la música de cámara,  recibió el Premio a la Mejor Música Colaborativa 2017 de la Sociedad Internacional de Contrabajistas, por un jurado que incluyó al legendario contrabajista de jazz Ron Carter. También fue laureada en el Concurso Internacional Belvedere de Viena, Austria, en la categoría de Director Musical de Pianista de Ópera.

Como vocalista de jazz, ha actuado en los locales de jazz más importantes de Los Ángeles y fue invitada a un homenaje al guitarrista Kenny Burrell en el Catalina Jazz Club. Fue invitada especial en marzo de 2022 para el homenaje a las Leyendas Negras, donde rindió homenaje a Ella Fitzgerald.

Pacowski es una apasionada educadora musical. Fue profesora en Francia del Conservatorio de Música “Maurice Ravel” durante muchos años antes de trasladarse a Estados Unidos. Actualmente, tiene su propio estudio privado en Los Ángeles, donde imparte clases de piano e improvisación vocal de jazz. Colabora con la Sociedad de Investigación Filosófica de Los Ángeles, donde creó y presenta la serie de conciertos "Spirit and Music".

Tras su primer lanzamiento en 2023, “Inner Urge” (ver reseña en este blog), en este su nuevo álbum, “NEW JAZZ STANDARDS VOL 7: The Music Of Carl Saunders” Pacowski presenta la música de su amigo, el gran maestro de la trompeta y compositor, Carl Saunders.

Aunque Saunders no es un nombre muy conocido, era reconocido entre los músicos de jazz como un trompetista y compositor de talla mundial. A lo largo de su dilatada carrera, colaboró ​​con figuras como Stan Kenton, Buddy Rich, Bill Holman, Clare Fischer, Frank Sinatra, Ella Fitzgerald, Mel Tormé y Paul Anka. Entre los amigos más cercanos de Saunders se encontraba el trombonista Scott Whitfield, coproductor de este disco junto a Pacowski, y Ken Poston, director musical de la emisora ​​de jazz de San Diego, KSDS.

Durante los años 60 y 80, Saunders tocó con innumerables bandas, incluyendo la trompeta principal de Ella Fitzgerald, Tony Bennett y Frank Sinatra. Saunders también fue el trompeta solista de Paul Anka y Robert Goulet, y con directores de orquesta como Harry James, Maynard Ferguson, Benny Goodman y Charlie Barnet.

Produjo una serie de álbumes de nuevos estándares de jazz con solistas de primer nivel. Los volúmenes 1 a 6 fueron producidos por el propio Saunders, y tras años de búsqueda del vocalista adecuado para grabar el volumen 7, finalmente eligió a Pacowski. Lamentablemente, el álbum se grabó después del fallecimiento de Saunders en 2023 a los 80 años.

Pacowski conoció a Saunders cuando el trombonista Scott Whitfield la llevó a su casa a una sesión de improvisación privada.

“Carl era conocido por sus exigentes estándares. Me emocionó mucho que me acogieran en un círculo íntimo tan especial de artistas y amigos”, afirma Marina Pacowski.

El álbum abre con “August in New York”, una canción con un arreglo alegre y letra de Pat Tuzzolino. Pacowski muestra su talento para el scat.

"High on Blueberry Pie" es un divertido homenaje a uno de los postres favoritos de Saunders. La canción tiene un significado especial para Pacowski porque Saunders la cantó para ella mientras lo acompañaba al piano. Afloran los recuerdos de los momentos que compartieron. A destacar el solo de piano de Nelson.

"Theme for Jobim" lleva letra de Alan Bergman. Pacowski utiliza su voz mostrándose sensual. Solos de Koonse Y Clayton. Whitfield comenta: «Marina vuelve a estar en el ritmo en esta canción, y su solo de scat, etéreo y lírico, merece ser transcrito».

En "Feels Like Home", con letra de Alan Bergman,  se acompaña de Koonse y Clayton, contrastando su tono alto de voz con el sonido bajo del contrabajo. Saunders comentó que, en esta canción,  buscaba un aire a Johnny Mandel. Una bonita canción.

Pacowski domina el scat y en “Is That Asking Too Much?” lo vuelve a demostrar. Brillan  Nelson, Woodard,  Clayton y McCurdy.

“Looking at You” presenta retos armónicos y su hermoso contorno melódico, que, según ella, es «como surfear en una hermosa ola». Stout, el trompetista favorito de Saunders en Los Ángeles, aparece en la canción.

“I Need a Dream” fue escrita por el tío de Saunders, el líder de la banda y multiinstrumentista Bobby Sherwood. Pacowski comenta: «Carl estaba orgulloso de provenir de una familia de músicos, y siempre la tocaba cuando quedábamos con él en su casa, así que nos alegra mucho grabarla». Un toque latino nunca viene mal.

"Sweet Talk", la escribió Saunders como una versión de "Girl Talk" de Bobby Troup. Pacowski hace dueto con  Proulx. Participación especial de Ken Peplowski al clarinete.

El título de "You're So Cute" proviene de un comentario de una de las parejas de toda la vida de Saunders: "¡Te sales con la tuya porque eres tan linda!". Tema lleno de swing y picardía.

En  “Do Be Do Be Do” de nuevo el scat es protagonista. Una canción rápida con solos  de Stout, Whitfield, Nelson, Koonse y McCurdy.

El amor perdido está presente en "Alone", que interpreta a dúo con Nelson al piano. Un bonito tema.

Le sigue "Can You Dig Being Dug"  con letra del propio Saunders. Quizás el tema más blusero y jazzístico del álbum.

Llegando al final, escuchamos la conmovedora balada  "Always in My Heart", a dúo con Nelson.

Cierra el disco "The Minute Waltz", con Pacowski en el piano solo. Un homenaje a Saunders al que le gustaba  escucharla interpretar a Chopin en su casa. Un final original.

Pacowski y los músicos que le acompañan (algunos de los  más destacados del sur de California) poseen una profunda familiaridad con el material de Saunders.

“NEW JAZZ STANDARDS VOL 7: The Music Of Carl Launders” es una fantástico y emotivo homenaje a la música del maestro trompetista y compositor Carl Saunders.

No solo atraerá a los seguidores de Pacowski, sino que también contribuirá a un mayor conocimiento de la música del Carl Saunders.

La Habitación del Jazz

 

miércoles, 21 de enero de 2026

SONG YI JEON Nonet CD: The Earthy Suites

 


Pistas

1.Seya Seya (Korean folk song) 2.Suite One 3.Suite Two

 

Interpretes

Song Yi Jeon – voz, efectos

Baptiste Stanek – saxo soprano

Max Treutner – saxo tenor

Moritz Renner – trombón tenor

Yosef Itskovich -  trombón bajo

Fabio Gouvea – guitarra eléctrica

Noé Sécula – piano

Roberto Koch – contrabajo

Marton Juhasz – batería

 

Grabado en enero de 2022 en Jazzcampus Studio, Basilea, Suiza

Publicado el 1 de julio de 2025

 

Originaria de Corea del Sur y residente en Berlín (Alemania), Song Yi Jeon es una cantante y compositora que combina con destreza la armonía del jazz moderno y los compases irregulares con melodías cantables que cautivan al oyente al instante.

En su familia no hay músicos. Song Yi Jeon empezó con el jazz a los 20 años. Estudió composición clásica en la Universidad de Música y Bellas Artes de Graz, Austria, y canto de jazz en la Academia de Música de Basilea, Suiza. Gracias a su formación en composición clásica, utiliza su comprensión de la estructura armónica para crear improvisaciones incomparables.

En 2013, como primera becaria del Quincy Jones CJ&E, estudió en el Berklee College of Music, donde desarrolló su sonido único y recibió el Premio Billboard Endowed.

Song Yi Jeon debutó en Blue Note en Nueva York con gran éxito gracias al lanzamiento de su mini álbum a principios de 2015, y en 2018 lanzó su primer álbum, “Movement of Lives”, con su quinteto, en el que participan Vitor Goncalves, Kenji Herbert, Peter Slavov, Jongkuk Kim y Rogerio Boccato. En noviembre de 2022, Song Yi Jeon lanzó su álbum a dúo, “Home”, con el guitarrista brasileño Vinicius Gomes, bajo el sello Greenleaf Music de Dave Douglas. Recientemente lanzó el álbum “Solitary Bloom” en trío con el baterista brasileño Pauo Almeida y el pianista italiano Lorenzo Vitolo.

Ha actuado con reconocidos músicos como Guillermo Klein, Bill McHenry, Jeff Ballard, Vadim Neselovskyi, George Garzone, Tiger Okoshi, Alain Mallet, Peter Slavov, Billy Drewes, Simon Shaheen, Wolfgang Muthspiel, Ambrose Akinmusire, Billy Childs, Julian Lage, Django Bates, John Hollenback, Guillermo Klein, Norma Winstone y otros.

Fue seleccionada para formar parte de la Mentora y Discípula de la Iniciativa Artística Rolex 23-24, y como Discípula Musical, trabajó estrechamente con Dianne Reeves. Song Yi Jeon dice al respecto: «Nunca olvidaré el día que la conocí en Nueva York. Dianne Reeves, vocalista ganadora de premios Grammy, había escuchado toda mi música. Y entendió inmediatamente lo que quería decir con ella. Eso me impresionó. Alguien que ha ganado 5 premios Grammy, mi ídolo, me estaba diciendo: ‘Conozco esta música’. Simplemente me dejó alucinada. Dianne me ha dado tanto. No me dice lo que está bien o mal, espera a que yo haga una pregunta o sugerencia, escucha y hablamos. Es muy considerada. Me ha ayudado a sentir un amor más profundo por lo que hago. Me proporcionó esta experiencia de estar frente a miles de personas en festivales y conciertos durante las giras en Europa. Me dio la confianza para creer que puedo hacer cualquier cosa, que puedo ser cualquier cosa y que lo que hago es bueno”.

 

Song Yi Jeon ha publicado “The Earthy Suites”, el álbum debut de su conjunto, un noneto, SYJ Nonet.

En este disco, Song Yi Jeon rinde homenaje al Samulnori,  un vibrante género musical coreano de percusión, derivado de la música folclórica y ritual agrícola (nongak), que se interpreta con cuatro instrumentos principales: (kkwaenggwari) un pequeño gong metálico de sonido agudo y penetrante;  (Jing) un gong más grande de sonido profundo y resonante; (Janggu) un tambor en forma de reloj de arena, tocado en ambos extremos y (Buk) un tambor de barril que proporciona una base rítmica potente. Juntos crean ritmos enérgicos que simbolizan la naturaleza y han sido adaptados para escenarios interiores, ofreciendo una experiencia cultural intensa y popular. La etimología de la palabra es: "Samul" significa "cuatro cosas" y "nori" "tocar" o "juego", refiriéndose a los cuatro instrumentos. Cada uno de estos instrumentos de percusión simboliza un elemento natural: viento, lluvia, truenos y nubes.

Este género fue popularizado en 1978 por cuatro maestros bateristas (Kim Duk Soo, Lee Gwang Soo, Choi Jong Sil, Kang Min Seok) que bajo el nombre de Samulnori, llevaron esta música tradicional al escenario moderno.

Al igual que las primeras tradiciones musicales afroamericanas, el Samulnori se originó como música agrícola, ayudando a los trabajadores a encontrar ritmo y energía a través de la danza y el canto. También sirvió como música ritual, expresando oraciones, emociones y experiencias colectivas.

“The Earthy Suites” comienza con  "Seya Seya", una canción folclórica coreana, que rinde homenaje a la revuelta campesina Donghak del siglo XIX contra una dinastía corrupta y el imperialismo extranjero.

Tras dos minutos de una ferviente polifonía vocal (cuyas partes Song Yi Jeon interpreta en una regrabación), el  desarrollo orquestal se intensifica, subrayado por la guitarra eléctrica de Fabio Gouvea.

Le siguen las dos suites, parte central del disco. La primera, “Suite One” es la de mayor duración del álbum, más de 21 minutos. Esta es una interesante pieza, que combina el jazz moderno con el folclore coreano y, más concretamente, con la percusión de Samulnori. Song Yi Jeon hace un amplio uso de sonido sampleado, procedente del álbum del décimo aniversario, “Samulnori”, "After 10 Years: SamulNori Master Drummers/Dancers Of Korea, 1978-1988".

Con la incorporación del cuarteto Samulnori, el resultado final suena a big band, en vez de un noneto. Dependiendo del momento de la canción, el Samulnori a veces lleva la voz cantante, y en otros es Song Yi Jeong quien asume ese rol.

Combina el jazz tradicional coreano (étnico) con un fuerte componente percusivo. La razón por la que el Samulnori no suena como un simple sampleo es gracias a los arreglos de la líder. Sin el conocimiento previo de esta circunstancia,  no sería fácil distinguirlo, llevando al oyente a creer que se tratara de una orquesta.

“Suite One” es una pieza llena de fuerza y ritmo, donde los músicos se lucen, individual y colectivamente. Y qué decir de los scats de Song Yi Jeon, con su voz hipnótica, que como un instrumento realiza improvisaciones deslumbrantes. No es de extrañar que Dianne Reeves dijera de ella: “Es una cultivadora del sonido, del sonido sin palabras, capaz de llegar al interior y crear esa experiencia tan preciosa como artista que todos deseamos, esa experiencia de alma a alma”.

La "Suite Two" comienza con la voz de Song Yi Jeon. Extensas y bellas vocalizaciones que aportan una variedad de estados de ánimo, casi lamentos, acompañados de sutiles improvisaciones instrumentales. El conjunto orquestal cobra vida gradualmente en un crescendo, antes de concluir con una desintegración gradual.

La letra está extraída del poema de Yun Dong-ju "Una Noche de Contar las Estrellas". 

Song Yi Jeon hace uso del primer y más poderoso instrumento, la voz, y la moldea aplicándole colores,  timbres y sonidos increíbles.

“The Earthy Suites” es un trabajo ambicioso se desmarca de cualquier conformismo establecido. Un álbum cautivador y  rebosante de inspiración, ritmo y energía, donde la antigüedad y la vanguardia se dan la mano.

 

La Habitación del Jazz


lunes, 19 de enero de 2026

OLVIDO LANZA CD: Anj' hara - Vínculos

 


Pistas

1.La Pantera imperial 2.Flores de un día 3.Olvido i el Mull 4.La proximidad de lo lejano 5.Anj'Hara's dawn 6.No me olvido de la promesa 7.El Oráculo I,II,III,IV 8.Rhapsody of love 9.Tres: I ver el fuego, II estar el fuego, III ser el fuego 10.Violido 11.L'Ocellet i la papallona 12.Duérmete luna 13.Gracias a la vida (bonus track)

 

Intérpretes

Olvido Lanza – violín, voz (2,5,7,10-13), rabel y tambor oceánico (12)

Josep Mas Kitflus – teclados (3)

Antonio Coronel – percusión (6)

Ángel Pereira –marimba y percusión (7)

Tomás San Miguel – base electrónica (8)

Carles Benavent – bajo eléctrico (9)

Pedro Javier González – guitarra (10)   

Cesar Angeleri – guitarra y voz (13)

 

Sello discográfico: Satélite K

Publicado el 27 de junio de 2025

Olvido Lanza, española nacida en Barcelona, inició su formación musical a los 5 años de edad. Destacar de su extensa formación el estudio con Xavier Turull; en Suiza (Gstaad) en la escuela de Yehudi Menuhin, formando parte de la Camerata Lysy y en EEUU, con Vartan Manoogian.

Entre 1985 y 1987, formó parte de la Orchestre des Jeunes de la Mediterranee. También formó parte de múltiples orquestas, O.B.C., la ONCA con Gerard Claret, la Orquesta de Cámara del Palau de la Música, la Orquesta del Gran Teatre del Liceu y la Orquesta de Cámara del Teatre Lliure  con la que realizó numerosas grabaciones para el sello Harmonia Mundi. En 1990 participa en el Albert Guinovart ensemble junto a la vocalista Carme Canela y entre los años 1992 y 2001 es pieza clave en diferentes espectáculos del compositor Carles Santos como Asdrúbila, Figa Santos Fagotrop y La Pantera Imperial, entre otras performances.

En 2010 presenta su primer solo de nanas, “Nani Nana”, una selección de canciones de cuna de diferentes países del mundo y en 2012 presenta “El jardín de los prismas” en trio de violín, bandoneón y piano.

Su versatilidad como músico la llevan a trabajar en diversos campos y estilos musicales con reconocidos artistas, como el propio Carlos Santos , Alfonso de Villalonga, Albert Guinovart, Mayte Martin, Sol Picó, Miguel Poveda, Martirio, Maria del Mar Bonet, Manolo García, Joan Manuel Serrat, José Luis Montón y Marcelo Mercadante, entre otros.

Ha colaborado mucho en teatro y danza, entre los que se destacan una producción en el Teatre Nacional de Catalunya y el Teatre Odeon de Paris.

En 2023 participa como primer violín en el proyecto de cuerdas Kitflus Ensemble que se estrena en el Festival de Jazz de Barcelona.

En 2025 contribuyó a activar la propuesta “Al Sur del Tango” junto a la artista Martirio y los músicos Jesús Lavilla y Marcelo Mercadante. Ha formado el dúo Ramas al viento junto al guitarrista argentino Mariano Olivera

Olvido Lanza, una de las violinistas más destacadas y versátiles del panorama musical actual, da un paso al frente con la publicación de su primer disco como solista, titulado “Vínculos - Anj’Hara”.

El álbum, reúne un conjunto de piezas compuestas expresamente para ella por grandes nombres de la música española. El resultado es una obra, que aún alejada del jazz, resulta fascinante, intensa y profundamente personal.

El título remite a los lazos que han forjado su carrera como acompañante. Cada canción es una forma de agradecimiento y a la vez un autorretrato.

Trece canciones: once compuestas para Lanza y para este álbum por músicos con los que ha compartido escenarios, grabaciones y amistades; una nana original y una versión.

El primer tema del disco es “La pantera imperial” de  Carles Santos. Lanza nos muestra su poderío técnico con el violín, en este bonito y desafiante tema de gran intensidad, grabado en la Iglesia románica de Ardeña. 

En el mismo escenario, grabó Lanza “Flores de un día” de Cristina Vilallonga, que dedica la pieza a la memoria de Uma Yramat. Podemos escuchar a Lanza cantando unos versos correspondientes a esta obra.

Cambio de estilo con el tema “Olvido i el Mull” de Josep Mas “Kitflus”, grabado en su estudio. Mull es el monstruo que imaginó Kitflus, cuándo Mollet era un lago. El propio Kitflus acompaña a los teclados.

De nuevo podemos escuchar a Lanza con su violín, sin acompañantes, en “La proximidad de lo lejano” de Lluís Vidal, grabado  en la Canica Cuadrada. En la época de la Orquesta de Cambra del Teatre Lliure, Lanza coincide con Lluís Vidal, quien ha escrito para ella esta canción, que nos deja sabor a Piazzolla, uno de los autores que les unió.

“Anj’Hara ‘s dawn” fue compuesta por el pedagogo y escritor alemán Phil Unseld. Grabada en el estudio casero de  Anj´hara. Un viaje hacia la libertad del pueblo gitano. Lanza incorpora su voz, sin palabras, a modo de canto árabe.

Sigue la bulería “No me olvido de la promesa”, compuesta por Joan Albert Amargós. Lanza la toca con pasión junto a la percusión de Antonio Coronel. La canción se grabó en el estudio casero de Carles Benavent.

Mauricio Vilaveccia traslada a Lanza al Oráculo de Delfos,  centro religioso y profético de la Antigua Grecia, ubicado en el Templo de Apolo, a los pies del Monte Parnaso, donde la sacerdotisa Pitia (Pitonisa), entraba en trance y  transmitía enigmáticas profecías de Apolo a reyes, generales y ciudadanos, influyendo en decisiones políticas y militares cruciales. Lanza incorpora la voz, junto a la marimba y percusiones de Ángel Pereira. El tema se grabó en Heartwork.

“Rhapsody of Love”, compuesta por Tomás San Miguel, que acompaña con unas bases electrónicas, es una bonita canción de amor, de intensa pasión. Grabada en Heartwork

El baterista Guillermo McGill aporta su composición titulada “Tres: I ver el fuego, II Estar el fuego, III ser el fuego”. Según McGill, Lanza es una mujer muy espiritual y la define con esta canción. Acompaña a Lanza Carles Benavent con el bajo eléctrico. Grabado en la Iglesia románica de Ardeña y Homestudio Carles Benavent.

“Violido” es una canción popular a la que Pedro Javier González ha hecho los arreglos y acompaña con la guitarra a Lanza, quien también canta. Canción de sabor hispanoamericano, grabada en el estudio casero de  Pedro Javier González.

Estamos llegando al final del disco con otra canción titulada “L'Ocellet i la Papallona” a la que el guitarrista Feliu Gasull, ha hecho los arreglos. Lanza pone violín, letra y voz en esta nana de sabor mediterráneo. Grabada en el estudio casero de Feliu Gasull.  

“Duérmete luna” es una composición de Lanza dedicada a  su madre, una sentida y onírica nana, cargada de sensibilidad y simbolismo, donde la artista, además del violín, pone la voz, y toca el rabel y el tambor oceánico.

El disco cierra con un bonus. Se trata de la  conocidísima y preciosa “Gracias a la vida” de Violeta Parra. Le acompaña con la guitarra el argentino Cesar Angeleri que, junto a Lanza, cantan este himno a la vida y a la amistad. Grabada  en LeskoMusicHouse.

Olvido Lanza, una extraordinaria violinista, con este trabajo,  da un paso muy importante en su carrera y se muestra tal como es.

Un bonito disco de agradecimiento mutuo, de Lanza a los músicos que le han aportado las canciones, y de éstos con esas aportaciones.

 

La Habitación del Jazz


viernes, 16 de enero de 2026

WES SMITH CD: We, The Funky Volume1

 



Pistas

1.We, the Funky 2.Sunrises 3.Baby Steps 4.Ventura 5.Penthouse 6.Hdub Hiatus

 

Interpretes

Wesley Smith – saxo alto y soprano, flauta y flauta alto, Fender Rhodes (4), sintetizadores

Frank Abraham – bajo eléctrico (1, 2, 3, 5)

Donald Barrett – batería

Sam Barsh - Fender Rhodes (1, 2, 3, 5)

Christopher Bautista – trompeta (2)

Maurice “Mobetta” Brown – trompeta (4)

Michael Cottone – trompeta (1)

Khrystian Foreman – trombón (3)

Dimitry Goredetsky – bajo eléctrico (4)

Justin Kirk – trombón (5)

 

Publicado el 15 de enero de2026  

 

El californiano Wes (Wesley) Smith, residente en Los Angeles (EE.UU),  es un multiinstrumentista, compositor y productor muy solicitado que forma parte del grupo que acompaña a la leyenda del soul, Booker T. Jones y ha actuado en directo con artistas de renombre mundial como Stevie Wonder, Justin Timberlake y Poncho Sanchez, entre otros. Ha grabado  para Pharrell Williams, Robin Thicke, Jennifer Lopez, Zendaya y muchos otros.

Uno de los momentos más destacados de su carrera fue tocar en la Casa Blanca con la banda de Booker T. Jones, con la presencia del presidente Barack Obama y la primera dama Michelle Obama.

Graba regularmente para la industria del cine y la televisión y participó en la película ganadora del Premio de la Academia en 2014, "Whiplash".

Smith ha publicado “We, The Funky. Volume 1”, su primer álbum completo de composiciones originales.

El mini-álbum consta de cinco pistas. La primera, da  nombre al mismo, “We, the Funky”, un tema desenfadado, de buen ritmo, donde brilla la trompeta de Michael Cottone.

La suave y rítmica “Sunrises” cuenta con Smith tocando tanto el saxo como la flauta. Un tema sin demasiada trascendencia, apto para escuchar de fondo.

"Baby Steps" refleja la experiencia de la reciente paternidad de Smith. Destacan Sam Barsh en el Fender Rhodes y Khrystian Foreman al trombón.

El cuarto corte titulado "Ventura Penthouse", nos muestra un funky moderno y original. Podemos escuchar a Smith con el Fender Rhodes y el saxo. La trompeta de  Maurice "Mobetta" Brown suena muy muy bien, y la batería y el bajo eléctrico colaboran a que este tema sea realmente interesante y agradable.

El disco cierra con "Hdub Hiatus", en la misma línea que sus predecesores, cuenta con Frank Abraham al bajo eléctrico, Sam Barsh en el Fender Rhodes y Justin Kirk al trombón.

Un disco que se siente como un agradecimiento, una celebración a las personas, los lugares y las historias que han marcado su trayectoria. “Vivir en Los Ángeles ha sido maravilloso”, reflexiona Smith. “Este álbum celebra la alegría y la luz de esa experiencia, y de las relaciones que han hecho de mi trayectoria musical algo tan especial”. Y añade: "He recorrido una carrera musical única, sorprendente, moderna y completamente personal", afirma. "Espero que este álbum también se sienta así".

Un álbum donde el funky, el jazz, el soul, el pop y el estilo cinematográfico se funden de forma natural y que te hará mover los pies.


La Habitación del Jazz


martes, 13 de enero de 2026

BALLIN' THE JACK ORCHESTRA Vinilo: Con Man Firmation

 


Pistas

CARA A

1.Moonglow 2.Rena hjärtat 3.Prelude To A Kiss 4.The Swedish Apple 5.Gee Baby, Ain't I Good To You

CARA B

1.Blues For Ronnie 2.Mood Indigo 3.A Foggy Day 4.But Beatiful 5.Con Man Firmation

 

Interpretes

Ture Trygger – saxo alto, saxo soprano, clarinete

Charlie Malmberg – saxo barítono

Olle Eklind – trombón (A3, A4, B3, B4)

Thomas Driving - trompeta

Dicken Hedrenius –  trombón y trombón bajo (A1, A2, A5, B1, B2, B5)

Håkan Trygger - contrabajo

Martin Wikström - batería

Anders Färdal - guitarra

 

Sello discográfico: Trygger Music

Grabado e 26-27 de abril de 2025  en la casa del trompetista Thomas Driving, en las afueras de Estocolmo (Suecia)

Publicado el 20 de noviembre de 2025

 

Håkan Trygger es contrabajista, arreglista, compositor y director de orquesta de Estocolmo. Es el fundador del sello discográfico de jazz Trygger Music. Håkan interpreta tanto jazz tradicional como música contemporánea. También trabaja en proyectos experimentales que combinan la música improvisada con otras formas artísticas, como la danza, el cine, la poesía y el teatro. Ha tocado en numerosas bandas. Estudió en la Real Escuela Superior de Música de Estocolmo.

Actualmente es miembro del Cuarteto Coco Chatru  y escribe para su banda Ballin' The Jack Orchestra (BTJO).

BTJO es un octeto de jazz, sueco, localizado en Estocolmo. Está formado por  Ture Trygger (saxo alto, saxo soprano, clarinete) hijo de Håkan, Charlie Malmberg (saxo barítono) que también forma parte de Coco Chatru, Olle Eklind (trombón), Thomas Driving (trompeta), Dicken Hedrenius ( trombón y trombón bajo), Håkan Trygger (contrabajo), Martin Wikström (batería) y Anders Färdal (guitarra). Es decir, en esta banda tenemos el  50% del Cuarteto Choco Chatru, del que hemos reseñado sus álbumes “Limbokolia” y “Lost Christmas”.

El nombre de la banda, "Ballin' the Jack" (o "Balling the Jack") proviene de una canción popular de 1913 escrita por Jim Burris con música de Chris Smith. Introdujo un baile popular del mismo nombre con "Folks in Georgia's 'bout to go insane". Se convirtió en un clásico del ragtime, el pop y el jazz tradicional, y se ha grabado cientos de veces.

BTJO tiene su orígen en la banda sueca Gugge Hedrenius Big Blues Band, en la que Håkan tocó durante 10 años. Malmberg también desde los 90 con el LP "Jazz Ballroom Night" y Driving durante casi 30 años; mientras que Dicken Hedrenius (hijo de Gugge) ha estado involucrado en la banda toda su vida. Tal era el prestigio de la banda que, a lo largo de los años, ha tenido como invitados a  Mel Lewis, Hank Crawford, Sabu Martinez entre otros.

El estilo de la BTJO dista mucho del mostrado por el Coco Chatru Quartet. Como ellos mismos dicen, se trata de una "banda sin generación", con un rango de edad de entre 18 y 81 años.

El álbum contiene una mezcla de originales (cuatro) y de estándares (seis), con arreglos de  Håkan Trygger. La música es una mezcla de jazz contemporáneo, con raíces  en el jazz Americano de los años 40 y 60, junto a jazz tradicional sueco.

La cara A del disco comienza con el clásico “Moonglow” (Eddie Delange, Irving Mills, Will Hudson) que marca el estilo del resto del álbum.

Le sigue “Rena hjärtat” original de Håkan Trygger, que mantiene el estilo big band de club. Le sigue otro clásico, "Prelude To A Kiss" (Duke Ellington, Irving Gordon, Irving Mills) con sonido a club donde se “cuecen” asuntos no demasiado legales. Una gran versión.

Sigue otro original de Håkan Trygger, "The Swedish Apple" que nos anima a bailar sin freno.

La cara A cierra con "Gee Baby, Ain't I Good To You" (Andy Razaf, Don Redman). De nuevo el ambiente ensombrecido y humeante de club, se deja traslucir en esta interesante versión.

La cara B comienza con “Blues For Ronnie” original de Ture Trygger, que rinde homenaje al fantástico baterista de jazz (y fantástica persona), Ronnie Gardiner, originario de Estados Unidos pero residente en Suecia durante muchos años. Swing a raudales.

Qué decir del extraordinario “Mood Indigo” (Barney Bigard, Duke Ellington), un clásico donde los haya y una excelente versión. La versión de “A Foggy Day” (George Gershwin, Ira Gershwin) nos devuelve a un mundo más amable, seguida de la romántica “But Beatiful” (Jimmy Van Heusen, Johnny Burke).

El álbum cierra con “Con Man Firmation” otro original de Håkan Trygger, canción  que da nombre al disco.

“Con Man Firmation” es un excelente álbum, con una interpretación inmejorable que merece ser escuchado más de una vez para apreciar la excelencia de sus arreglos e intérprets.

La Habitación del Jazz


miércoles, 7 de enero de 2026

HERB ROBERTSON - CHRISTOPHER DELL - CHRISTIAN RAMOND - KLAUS KUGEL CD:Blue Transient

 


Pistas

CD 1

1.Blue Transient - Part 1 2.Blue Transient - Part 2 3.Blue Transient - Part 3

CD 2

1.Blue Transient - Part 4 2.Blue Transient - Part 5 3.Blue Transient - Part 6 4.Blue Transient - Part 7

Interpretes

Herb Robertson - trompetas

Christopher Dell - vibráfono

Christian Ramond - contrabajo

Klaus Kugel - batería

 

Sello discográfico: NEMU records

Grabado en marzo de 2024 en Alemania

Publicado el 16 de septiembre de 2025

 

Nacido en Nueva Jersey, Herb Robertson fue un trompetista, fliscornista y compositor de jazz vanguardista, fallecido en diciembre de 2024. Comenzó a tocar la trompeta a los diez años. Dos años más tarde, su profesor de música de secundaria lo introdujo al jazz, presentándoles las grabaciones de Miles Davis, Donald Byrd, Freddie Hubbard y otros grandes trompetistas de jazz.

En su adolescencia, Robertson comenzó a coleccionar discos de jazz y música clásica, escuchando con intensidad y absorbiendo todos los estilos, desde Louis Armstrong hasta la vanguardia, con especial énfasis en el hard-bop.

Entre 1969 y 1973, asistió al Berklee College of Music de Boston para especializarse en interpretación instrumental, período en el que desarrolló al máximo sus habilidades de improvisación.

Posteriormente, se trasladó a Canadá, donde dirigió diversas formaciones de jazz y jazz-rock. Sin embargo, en 1975, Robertson tuvo que interrumpir su carrera musical debido cuando la tensión de actuar cada noche con bandas de jazz-rock a todo volumen le hizo perder temporalmente su talento como trompetista. Robertson modificó su estilo, convirtiéndose en un artista más lírico y exploratorio.

A finales de los 70, conoció al saxofonista alto Tim Berne, su alma gemela musical. Sus grupos de los 80 le dieron a conocer a un público más amplio. Su lirismo, sus distorsiones tonales y el uso de sordinas evocaban el jazz del pasado, mientras que su improvisación, más libre, era bastante futurista, lo que encajaba a la perfección con la música de Berne y su interpretación emotiva.

Durante esta época también conoció a Mark Helias, con quien mantuvo una conexión musical durante mucho tiempo.

Robertson grabó su primer álbum como líder en 1985 y desde entonces ha participado en más de 100 proyectos discográficos.

Trabajó con muchos de los nombres más importantes del jazz de vanguardia y moderno, entre ellos Anthony Davis, David Sanborn, George Gruntz, Bill Frisell, Paul Motian, Dave Ballou, Michael Moore, Terry Jenoure, Andy Laster, Joe Lovano, Judi Silvano, John Lindberg, Gerry Hemingway, Marc Ducret, Simon Nabatov, Mark Feldman, Steve Swell, Mark Solborg, John Zorn, Phil Haynes, Roswell Rudd, Rashied Ali, Ray Anderson, Paul Motian, Dewey Redman, Evan Parker, Agustí Fernández, Jean-Luc Cappozzo, Frank Gratkowski, Simon Nabatov, Michiel Braam, Matthias Schubert, Mark Dresser, la Orquesta de Liberación Musical Charlie Haden, entre muchos otros.

El trompetista Dave Douglas lo ha citado como una importante influencia.

Compuso música para danza, teatro y documentales. También tocaba el trombón de pistones, la tuba, la trompa alto en Mi bemol y otros instrumentos pequeños.

En 2005, junto con la Dra. Ana Isabel Ordóñez, fundó su propio sello discográfico para promover el jazz de vanguardia y la nueva música en sus formas más extremas. Ambos fundaron la compañía Ruby Flower Records. Robertson dejó la compañía en 2009 para dedicarse a su propia creatividad.

El trío de Dell, Ramond y Kugel es conocido por su trabajo con el clarinetista alemán Theo Jörgensmann (fallecido recientemente);  con el cuarteto con el músico  estadounidense Sabir Mateen, y recientemente como los Transatlantic Five con su compatriota, trompetista estadounidense, Nate Wooley y Ken Vandermark.

El trío junto a Robertson, realizó una gira en marzo de 2024 en Alemania, documentado en el álbum doble titulado “Blue Transient”. Quien les iba a decir que sería la última de Robertson y por tanto, la última del cuarteto como tal. Este disco tiene un doble valor: como aventura musical experimental y como testimonio de la importante contribución de Robertson a la música moderna.

El Disco UNO contiene tres temas; inicialmente transita por senderos tímidos e inquietantes, sonidos futuristas, que desembocan en extremos sonoros, vanguardistas y cercanos al caos sonoro, donde cada intérprete tiene su momento de gloria individual y colectiva. Robertson toca registros extremos y Dell hace lo propio con sonidos metálicos.

El disco DOS lo integran cuatro cortes que mantienen la línea argumental de los primeros. Pasajes de aparente  tranquilidad que derivan en sonidos potentes, incluso brutales.    

Con Robertson, musicalmente hablando, uno de los innovadores más destacados, explorador radical del ritmo y de las posibilidades sonoras de la trompeta, el cuarteto va un paso más allá. “Una vez que empiezo a improvisar, simplemente no puedo pensar en otras cosas”, dijo Herb Robertson en una entrevista en All About Jazz.

“Blue Transient” no es un álbum para escuchar como música ambiental ni de fondo. Requiere atención, paciencia y, sobre todo, gustarte el free jazz, música  experimental, música de vanguardia, o como se quiera denominar.

La Habitación del Jazz


viernes, 2 de enero de 2026

ALEX VENTLING CD: Wavemakers

 



Pistas

1.Tracking 2.Omaha 3.Trondheim I 4.Trondheim II 5.Traces 6.Trondheim III 7.January 8.Spiral 9.Four Refractions

 

Intérpretes

Alex Ventling – piano, sintetizador

Tuva Halse - violín

Amund Stenøien –vibráfono

August Glännestrand - batería, drum machine

Sissel Vera Pettersen – voz (2)

 

Sello discográfico: Particular Recordings Collective

Grabado el 12-13 de enero de 2024 en Musikkloftet AS, Noruega

Publicado el 11 de diciembre de 2025

 

 

Alexander (Alex) Ventling,  es un pianista, cineasta y compositor suizo nacido y criado en Nueva Zelanda. Tras una breve estancia en Nueva York tras finalizar la secundaria, recibió una beca en el Berklee College of Music, pero decidió asistir al Jazzcampus Basel. Completó su Máster en Piano Jazz y Pedagogía Musical en agosto de 2019, estudiando con grandes figuras como Mark Turner, Jorge Rossy, Larry Grenadier, Guillermo Klein, etc. Comenzó el programa European Jazz Masters en otoño de 2020 en el Conservatorio de Música Rítmica. Allí inició su proyecto denominado “Copenhagen Duo Series”, una serie de colaboraciones en dúo

Actualmente lidera dos bandas, "Alex Ventling Trio" y "Alex & the Wavemakers", además de realizar numerosos trabajos como acompañante.

Su último disco publicado hasta la fecha lleva el nombre de su grupo, “Wavemakers”. Junto a Ventling, encontramos a la violinista Tuva Halse, el vibrafonista Amund Stenøien, el baterista August Glännestrand y Alex Ventling al piano y sintetizador. Todos ellos se conocieron en la renombrada NTNU Jazzlinja de Trondheim.

El primer tema del  álbum "Tracking", es pura relajación. Ventling y Halse te mecen con sus frases cortas, a modo de latidos de corazón. Pero la canción nos depara una sorpresa; a partir del minuto cuatro, la tensión crece, eso sí, sin abandonar la belleza inicial. Buen comienzo.

“Omaha”, cuenta con la vocalista invitada Sissel Vera Pettersen y está inspirada en la playa neozelandesa donde Ventling aprendió a caminar de niño. La suave coz de Pettersen, sin letra,  evoca esos momentos mágicos, tiernos y frágiles. El sonido es orgánico y refleja la  práctica de la meditación Vipassana, de la que es practicante Ventling.

En "Trondheim 1", como si de una tranquila conversación se tratara, dialogan el piano, la batería y el violín, que suena como una voz. Canción minimalista e inquietante, con reminiscencias indias y orientales.

"Trondheim 2"es una curiosa pieza, con sonidos disonantes y cinematográficos, que engancha.

Le sigue “Traces”, una pieza que apenas dura un minuto, donde los sonidos entrecortados son los protagonistas. 

"Trondheim 3", cierra la serie “Trondheim”, con su ritmo repetitivo que, en un momento dado, da un giro añadiendo ricas texturas al sonido.

"January" aporta frescura y  ambiente relajado, no exento de intriga.

"Spiral" es el tema de mayor duración del álbum. Una composición lenta, intrigante, experimental y elegante, llena de recovecos rítmicos.

El disco cierra con “Four Refractions”, donde se pueden apreciar los hipnóticos cambios de ritmo característicos de Alex Ventling y los Wavemakers.

Un grupo de canciones que fusionan el jazz de cámara y contemporáneo con atmósferas nórdicas, todo bañado con un estilo poético y cinematográfico que bien podría calificarse de  intelectual sin llegar a ser empalagoso, sino todo lo contrario. Ventling aporta una voz propia a las melodías frágiles, sofisticadas y potentes al mismo tiempo.

Un trabajo muy interesante de un músico muy interesante.

La habitación del Jazz