viernes, 28 de marzo de 2025

BROODMEN CD: Liminality

 



Pistas

1.Homeland 2.State of things 3.Amsterdam 4.Lament 5.Can’t stand the heat 6.Badalamenti Gore 7.Through the Woods 8.Still standing 9.Rumenka blues 10.Everything’s going to be alright

 

Intérpretes

Dragan Alimpijević Pik – guitarra

Zoltán Simon - batería

Lazar Novkov – acordeón

Vasa Vučković – saxo (3)

 

Grabado en Studio Road, Serbia

Fecha de publicación: 21 de marzo de 2025

 

El primer álbum de Broodmen se publicó en 2017 y llevaba por título “Secondary Emotions”. Marcó el inicio de una trayectoria única, y a pesar de estar separados geográficamente (Simon ahora reside en Alkmaar, Países Bajos), la banda continúa escribiendo y grabando música juntos, superando la distancia física con creatividad y pasión. El grupo acaba de publicar su segundo álbum, titulado “Liminality”.

El guitarrista Dragan Alimpijević Pik y el baterista Zoltán Simon llevan años tocando juntos, con la incorporación del aclamado acordeonista Lazar Novkov, conocido por su trabajo con Frame Orchestra, lleva al trío serbio a un territorio sonoro poco común en el jazz moderno, aportando una dimensión inesperada y profunda al sonido de Broodmen.

El disco se grabó en directo, en una sola toma, en el verano de 2021, en los estudios de Pik,  Studio Road en Serbia.

Los diez temas del disco han sido compuestos por Pik y Simon. La inusual combinación de guitarra, batería y acordeón crea un sonido diferente y con fuerte personalidad.

Desde el tema que abre el disco “Homeland”. Broodmen deja claro lo que nos va a ofrecer en este nuevo trabajo.

El acordeón es el protagonista en primera instancia, hasta que, tras una pausa,  la guitarra toma el relevo con sonido roquero. La batería precisa y constante, mantiene el ritmo y la intensidad.

“State of Things” comienza con una guitarra ondulante y el acordeón, dando una sensación de flotación, apoyado por un sonido balcánico. Tema con momentos reflexivos alternando con otros más intensos.

En “Amsterdam” aparece el invitado Vasa Vučković al  saxo, con aullidos estridentes e inquietantes. Canción roquera que nos transporta a los años 60-70 del rock progresivo, terminando con un  solo de batería que se desvanece gradualmente.

“Lament” es una melancólica canción, transmisora de serenidad, con el acordeón llenando el espacio por detrás de la guitarra. Una tristeza reflexiva flota y te envuelve en sus brazos. El acordeón va ampliando su sonido progresivamente así como la guitarra. Derivando por senderos más roqueros, para volver a los inicios.

“Can’t Stand The Heat” es un tema con garra que combina con espacios melódicos, todo ello revestido de un cierto sonido afrancesado.

“Badalamenti Gore” rinde homenaje al fallecido compositor Angelo Badalamenti. Sonido atmosférico, enigmático y en ocasiones eclesiástico.

"Through the Woods" es una onda expansiva, libre y por supuesto, roquera. La labor de Simon es digna de mención. El sonido a rock sinfónico es identificable una vez más.  

“Still Standing” es una canción pop-rock sin mayores pretensiones, que suena a banda sonora de los setenta.

Sigue “Rumenka blues”, que lleva el nombre de un pueblo cerca de Novi Sad, un tema que a modo de bolero va aumentando la intensidad para terminar como empezó.

El disco cierra con "Everything's Going to Be Alright", una conclusión suave, pero segura, que cierra el círculo. El grupo ofrece una tranquilidad contenida al oyente.

Los tres músicos muestran sus habilidades y sincronía.

La guitarra de Pik se desliza por el rock, simultaneando con asombrosa facilidad los momentos melódicos con otros mucho más duros. El acordeón de Novkov lleva la profundidad emocional de la música folclórica serbia al mundo del jazz, funcionando en ocasiones como instrumento de percusión u órgano de rock progresivo. El toque ligero y enérgico al mismo tiempo de la batería de Simon impulsa al trío tejiendo texturas coloridas.

“Este es un camino hacia lo desconocido”, explican, “un camino en el que exploramos las emociones que se esconden bajo la superficie racional. Es un intento de dejar atrás el conocimiento y la experiencia y adentrarnos en un nuevo territorio inexplorado”.

“Estos somos nosotros, Broodmen, y si nos preguntas, esto es lo más honesto que podemos ser”.

 

La Habitación del Jazz


miércoles, 26 de marzo de 2025

JOEP VAN RHIJN CD: Between Fact & Fiction

 


Pistas

1.Vergane Glorie 2.         Zweefmolen 3.Morgenrood 4.Vertier 5.Trust 6.   0p Pad 7.       A Lady 8.Wowuwowuwow

 

Intérpretes

Joep Van Rhijn – fliscorno     

Yoon Seung Cho - piano

 

Grabado en Brickwall Studio, Seúl, Corea del Sur

Fecha de publicación: 19 de marzo de 2025

 

 

El trompetista y compositor Joep van Rhijn nació en los Países Bajos, donde comenzó a tocar la trompeta, a temprana edad, en la banda de viento local. Durante un año de intercambio en el instituto en Estados Unidos, Van Rhijn se familiarizó con el jazz, lo que lo inspiró a continuar sus estudios en el Conservatorio Príncipe Claus de los Países Bajos. Tras sus estudios, participó activamente en la escena musical de su país, realizando giras con grupos como The Jig, Rotterdam Ska Jazz Foundation, Jamal Thomas Band y Flower To The People. En 2012, Van Rhijn se mudó a Corea del Sur, donde ha estado activo con su trío y su banda Blow Out. Lanzó tres álbumes como líder y tocó en los principales festivales y salas de Corea. Ha compuesto, arreglado y grabado música para artistas de música tradicional coreana, grupos de danza moderna y artistas de K-pop.

El pianista de jazz Cho Yoon Seung nació en Seul. Creció bajo la influencia de su padre, Cho Sangkook, baterista de jazz de primera generación. Tras emigrar a Argentina en 1986, se sumergió en la música sudamericana, actuando en su adolescencia en el Teatro San Martín y el Teatro Cervantes, llegando a aparecer en el programa de Radio Tango. En 1989 comenzó sus estudios de música clásica en el Conservatorio Nacional de Buenos Aires con Inés Gómez Carrillo, discípula de Arthur Rubinstein. Posteriormente, estudió jazz y música clásica en el Berklee College of Music y el Conservatorio de Nueva Inglaterra gracias a una beca. Cho Yoon Seung también fue el primer asiático seleccionado para el prestigioso Instituto de Jazz Herbie Hancock, entre solo siete estudiantes a nivel mundial. Fue profesor en el Instituto de Músicos de Hollywood hasta 2010, mientras tocaba con la Ron King Big Band. Colaboró con artistas de renombre como New York Voices, Gary Novak, Laura Fygi y Eric Benet entre otros.

Van Rhijn ha publicado “Between Fact & Fiction”, un disco con composiciones de Van Rhijn, a dúo con Cho Yoon Seung,  que nos sumerge en un mundo de ensoñación y calidez.

Según el propio Van Rhijn “Este álbum es una búsqueda del equilibrio entre la transparencia y la claridad musical”.  

Un álbum personal e íntimo, donde Van Rhijn y Cho Yoon Seung muestran una empatía total, entre ellos y con el oyente.

Ocho temas llenos de lirismo como  “Vergane Glorie” y “Morgenrood”. O como en la minimalista  “A Lady” donde además está presente el romanticismo, También hay momentos para el juego y cierta diversión como en “Zweefmolen”. Van Rhijn dota al fliscorno de un sonido sensual y clásico colmo podemos apreciar en “Vertier”, en “0p Pad” o en “Trust” donde comienza el piano, como si de una obra del romanticismo clásico se tratara.

El disco cierra con “Wowuwowuwow”, el corte de mayor sabor a jazz, lleno de swing.

Van Rhijn se centra en el detalle, en el lirismo y lo mismo podemos decir de Cho Yoon Seung.

Este álbum hay que escucharlo en absoluto silencio, con poca o ninguna luz, para poder saborear toda su belleza.

Piano y trompeta se complementan y brillan con luz propia sin imposiciones de uno al otro. La música de este álbum es relajante, serena y profunda.

 

La Habitación del Jazz


lunes, 24 de marzo de 2025

JUAN DE DIEGO - GREBALARIAK CD: Azken Uda

 


Pistas

1.Marinela 2.Aterpe 3.Ali Kinsasan 4.Azken Uda 5.Zirimiri 6.Tifliseko Gizona 7.La Montagne Infidèle 8.La Lava Va 9.Txefhino 10.Bagoaz

 

Intérpretes

Juan de Diego – trompeta, fliscorno

Toni Saigi – piano

Ramon Prats - contrabajo

Pere Loewe - batería

 

Sello discográfico: Errabal Jazz

Grabado el 11 y 12 de octubre de 2024 en los estudios Sol de Sants de Barcelona

Fecha de publicación:

 

El trompetista Juan de Diego, nacido en Bilbao (España)  compaginó su carrera de Ingeniero Técnico Industrial con sus estudios musicales, matriculándose en solfeo, trompeta y armonía en el Conservatorio Superior de Bilbao. Posteriormente se trasladó a Barcelona donde fija su residencia, obteniendo el título superior de trompeta y cursando estudios en el Taller de Músics de la Ciudad Condal.

Forma parte de diferentes formaciones, además de liderar proyectos personales como Juan de Diego trio, Freaky Trio, Trakas. Desde 1993 lidera, junto a su hermano Víctor de Diego, el quinteto De Diego Brothers,  con tres discos en su haber.

Ha asistido a diversos seminarios, recibiendo clases de músicos tan relevantes como Brad Meldhau, John McNeil, Kurt Rosenwinkel, John Swanna, Joe Magnarelli, Mike Mossman, Jorge Pardo y Jorge Rossy

Participa en el proyecto Lucio, una reflexión escénica, con The New Jazz Collective, grabando el disco “Lucio” (Errabal, 2021).

Ha formado parte de grupos como Asociación Libre Orkesta, Brassass Company, Barcelona Big Latin Band, Barcelona Acoustic Band (BAb) de Alfons Carrascosa, 666, Bandaéria de Xavi Maristany, Barcelona Jazz Orquesta, Lucrecia, Groove Station, además de colaborar con numerosos grupos como Eladio Reinón Supercombo, Big Band de Bellaterra, Big Band Taller de Músics, Segundo Cónclave…

Ha publicado más de cuarenta discos e innumerables colaboraciones con numerosos artistas, entre otros muchos, ha trabajado con Benny Golson, Nicholas Payton, Jesse Davis, Frank Wess, Dick Oatts, Carl Allen, Wendell Bronious, Eric Reed, Dennis Rowland, Sean Leavitt, General Alcazar, Perico Sambeat, Ben Wolfe, Melva Houston, Jeff Ballard, Armando Manzanero, Olga Guillot, Tony Hadly (Spandau Ballet), Ruper Ordorika, o Guillermo Klein entre otros.

Además ha colaborado con la compañía de danza contemporánea L’anònima Imperial, con la cual ha realizado diversas giras por Europa.

Actualmente es profesor de trompeta jazz en el Conservatorio Superior Pablo Sarasate de Navarra.

Grebalariak es el nombre del proyecto más personal de Juan de Diego, y el título de su primer álbum (Errabal, 2021). Grebalariak (Los huelguistas) es un homenaje a los movimientos sindicales de principio del siglo XX en Barcelona (España).

Con ese mismo proyecto, acaba de publicar "Azken Uda" (El último verano). Inicialmente el disco  iba a titularse  “ATERPE” (refugio), pero al fallecer su madre este verano, decidió cambiarlo.

El disco contiene diez composiciones de De Diego, donde conviven la elegancia, el ritmo brasileño, el swing y el jazz más ortodoxo.

El elegante swing del tema que abre el disco, titulado “Marinela”, de evolución cambiante, al que sigue el más íntimo y enigmático “Aterpe”, de corte fílmico. Todos los componentes del cuarteto tiene la oportunidad de expresar su estilo musical y maestría, sin necesidad de exhibiciones personales.

“La pelea en la selva” (The Rumble in the Jungle) es un histórico combate de boxeo que tuvo lugar el 30 de octubre de 1974 en Kinsasa, Zaire (actual República Democrática del Congo), que enfrentó al por entonces campeón del mundo de los pesos pesados, George Foreman contra el anterior campeón, Muhammad Ali.

“Ali Kinshasan” rinde homenaje al mítico combate, un alegato contra la guerra de Vietnam y toda una reivindicación de derechos civiles.

De Diego dedica “Azken Uda” a su madre. Un precioso y emotivo tema. El recuerdo y el dolor a flor de piel.

“Zirimiri” descarga el ambiente de tensión emocional, pero no de tensión musical.

“Tifliseko gizona” es un tema de puro jazz, con Saigi de protagonista y la rítmica secundándole y De Diego interviniendo cuando así lo requiere el tema.      

De Diego compuso música para la película muda de Jean Epstein “La montagne infidèle” (1923) y se estrenó en la Filmoteca de Catalunya en el año 2022. Una pieza documental perdida de la obra del cineasta y teórico francés, donde se recreaba la erupción del volcán Etna en 1923. La tensión y desconcierto del momento están servidos.

Inspirada en el mismo suceso, De Diego desarrolla el delicado “La lava vo”. Los ríos de lava, imparables, mortales  y sedosos, fluyen. 

El brasileño “Txefinho”, es un colorista tema que relaja el ambiente para terminar con “Bagoaz”, otra composición que recorre caminos zigzagueantes. 

En palabras de De Diego, "Los jazzeros, al igual que los montañeros necesitamos refugios (clubes de jazz, asociaciones...) para aguantar el camino escarpado. Lugares donde descansar, coger fuerzas y encontrar sentido a lo que hacemos". Este disco es un buen refugio para los aficionados al jazz.

La interpretación del cuarteto es brillante, transmitiendo calma y cercanía hasta en los momentos de tensión.

 Por su parte, De Diego muestra su lado de compositor elegante y reconfortante.

Un bello trabajo dedicado a la memoria de su madre.

La Habitación del Jazz 


viernes, 21 de marzo de 2025

RAFA ACEVES TRIO CD: Emeki

 


Pistas

1.Whisper Not 2.Blue In Green 3.In Love In Vain 4.Over The Rainbow 5.Marian 6.Dolphin Dance 7.Never Let Me Go 8.La Tarara

 

Intérpretes

Rafa Aceves – piano

Marcelo Escrich – contrabajo

Hilario Rodeiro - batería

 

Sello discográfico: Errabal Jazz

Grabado en los estudios Pottoko de Beasáin (Guipuzcoa,España).

 

El pianista Rafa Aceves, nacido en Bilbao (España), es un experimentado músico cuya trayectoria comenzó de manera profesional en 1992. De formación autodidacta, se licenció en Musikene en la rama de interpretación de piano-jazz. Compositor, arreglista y músico de sesión, ha realizado numerosos trabajos para bandas sonoras, documentales y televisión.

Ha colaborado a lo largo del tiempo con artistas como Txuma Murugarren, Petti,  Doctor Deseo, Atom Rhumba, Mamba beat y acompañando en los últimos tiempos, a la cantante y compositora chilena Cristina Narea en su proyecto Viento Sur.

El contrabajista argentino Marcelo Escrich, cuenta con una incesante y prolífica carrera plagada de colaboraciones en diferentes proyectos, siendo hoy en día uno de los músicos más solicitados. Trabajos como los aclamados “Pagoda”, “Aporía” junto a Javier López Jaso o “Diez años después” junto a Miguel Salvador, dan buena muestra de su trayectoria.

El compositor, productor y baterista gallego Hilario Rodeiro, además de formar parte de proyectos como Pamplona Jazz Orquesta, R.S. Faktor, o CiTriC cuenta con el aval de haber realizado discos como “Transoceánica”, “Respira, “Cosmic Latte” o “Lila no Ceo”. Una reconocida carrera coronada con premios como Premios BBK al mejor disco (R.S. Faktor), V Concurs de Jazz de Barcelona (Citric) o Academia de la Música (Mama Cabra).

Los tres, en trío, acaban de publicar su primer trabajo titulado “Emeki”.

El disco abre con “Whisper Not” de Benny Golson, de la que hacen una elegante versión donde los tres músicos pasean delicadamente por la melodía. Sendos solos de  Escrich y Rodeiro.

Sigue “Blue In Green” de Bill Evans y Miles Davis. Aceves transmite el espíritu de Evans, dando paso al contrabajo  y batería, retomando posteriormente la melodía con la misma sensibilidad.

Jerome Kern escribió “In Love In Vain”, una de sus más de setecientas canciones. Versión con un buen swing y dinámicas improvisaciones. Como en los anteriores cortes, la batería y el contrabajo tienen su momento para los solos.

Una preciosa adaptación del clásico de Harold Arlen, “Over The Rainbow” es introducida por Aceves. Rodeiro con escobillas y Escrich acariciando las cuerdas del contrabajo, consiguen enamorarnos con esta balada.

Aceves escribe “Marian” como homenaje a su hermana. Una romántica canción interpretada con enorme sensibilidad por el trío, que pone de manifiesto la calidad  como compositor de Aceves. 

Herbie Hancock está presente con “Dolphin Dance”. Los tres músicos se dejan el espacio suficiente y necesario para redondear esta versión. 

El disco continúa con “Never Let Me Go”, del compositor Jay Livingston, otra preciosa canción que el trío trata con la delicadeza y el respeto merecidos. Un nuevo momento para soñar.

El disco termina con la canción “La Tarara”, compuesta por el poeta español Federico García Lorca, a partir de varias canciones infantiles castellanas. La letra nos habla de una mujer loca que se pasea por los campos, bailando; de hecho la misma palabra “tarara” significa “de poco juicio”. Una vez nos introducen en la canción tal cual, vuelan imaginativas improvisaciones. Últimamente se ha puesto de moda versionar esta canción en discos de jazz. Mientras la versión sea de calidad como en esta ocasión, bienvenida sea.

La producción es muy buena y el disco rebosa elegancia,  frescura y buen hacer. Este trabajo merece ser conocido y promovido más allá de su zona de influencia.

 

La Habitación del Jazz


jueves, 20 de marzo de 2025

ARBENZ VS ARBENZ Meets RON CARTER CD: The Alpine Session

 


Pistas

1.It Don't Mean A Thing 2.Alive 3.Evolution 4.Lullaby 5.All The Things You Are 6.Old Shaman

 

Intérpretes

Michael Arbenz - piano

Florian Arbenz - batería

Ron Carter – contrabajo

 

Grabado el 16 de marzo de 2024 en Gabriel Recording, en los Alpes Suizos.

Fecha de publicación: 21 de febrero de 2025

 

Florian Arbenz y Michael Arbenz  son gemelos nacidos en Basilea (Suiza) en el seno de una familia de músicos;  su madre es violonchelista y su padre pianista y director de la Escuela de Música de Basilea (Suiza).  

Michael Arbenz es pianista, compositor y arreglista  de formación clásica y músico de jazz. Estudió en el Conservatorio de Basilea (Suiza).

Ha liderado varias bandas durante los últimos años. Con  su trío VEIN ha viajado por toda Europa, América del Norte y del Sur y Asia. Ha grabado y/o tocado con Greg Osby, Dave Liebman, Wolfgang Puschnig, Glenn Ferris, Muneer B. Fennell, Kent Carter, Matthieu Michel, Marc Johnson y Andy Sheppard entre otros muchos. Ha ofrecido conciertos de música clásica con Pierre Boulez, Paul Sacher, Jürg Wyttenbach, el Ensemble Contrechamps y Hans Zehnder, entre otros.

El baterista y compositor Florian Arbenz  ha realizado giras, conciertos y producciones de CD como solista con Kirk Lightsey, Greg Osby, Glenn Ferris, Wolfgang Puschnig, Bennie Maupin, Matthieu Michel, Hermon Mehari, Nelson Veras, Claudio Pontiggia y otros. En el ámbito de la música clásica, ha trabajado como percusionista en numerosos conciertos y festivales (Luzerner Festspiele, Basler Musik Forum, Schleswig-Holstein Musik Festival), entre otros, con Heinz Holliger, Kent Nagano y Paul Sacher.

Ha trabajado como líder, colaborador y miembro de los grupos VEIN, Amp y New Jazz Trio.

Entre 1995 y principios de la década de 2000, trabajó con su hermano en el New Jazz Trio, que lanzó dos álbumes.

Desde 2007 realiza giras regulares con el trío VEIN (con el bajista Thomas Lähns y Michael Arbenz al piano) y ha publicado 13 CD con esta banda  hasta 2019. También es miembro del trío de Tibor Elekes.

En 2020 se lanzó el álbum dúo Reflections of the Eternal Line con el saxofonista Greg Osby.

En el año 2000, ambos hermanos recibieron el Premio Europeo de Cultura (en reconocimiento a su compromiso con el jazz y la música clásica).

De Ron Carter qué decir. Podríamos llenar páginas y páginas recorriendo su carrera profesional. Su padre era conductor de autobús en Detroit. Contrabajista y violonchelista de jazz estadounidense, ha aparecido en más de 2220 sesiones de grabación (es el contrabajista de jazz más grabado de la historia). Ha ganado tres premios Grammy. Su carrera se extiende por más de 60 años. Ha participado en numerosos álbumes icónicos de Blue Note en la década de 1960, además de ser el pilar del  “Segundo Gran Quinteto " del trompetista Miles Davis entre 1963 y 1968.

Se puede decir que no hay músico que no haya tocado con Carter (Chico Hamilton, Jaki Byard , Cannonball Adderley , Randy Weston , Bobby Timmons y Thelonious Monk, Eric Dolphy , George Duvivier, Roy Haynes, Don Ellis , Mal Waldron, Miles Davis, Herbie Hancock , Wayne Shorter, Tony Williams, Sam Rivers , Freddie Hubbard , Duke Pearson , Lee Morgan , McCoy Tyner , Andrew Hill , Horace Silver, Joe Henderson , Houston Person , Hank Jones , Gabor Szabo,  Lena Horne, Bill Evans, B.B. King, Dexter Gordon, Wes Montgomery, Cedar Walton, Billy Joel, Christian McBride…)

A principios de la década de 1990, Carter se convirtió en profesor emérito distinguido del departamento de música del City College de Nueva York, donde enseñó durante 20 años, y recibió un doctorado honorario del Berklee College of Music en la primavera de 2005. En 2008 se unió a la facultad de la Juilliard School en la ciudad de Nueva York, enseñando bajo en el programa de Estudios de Jazz de la escuela.

Los tres músicos se reunieron en los Alpes Suizos para grabar este álbum titulado “Alpine Session”.

El álbum abre con "It Don't Mean A Thing" de Duke Ellington. Pero en este caso, la versión se desvía tanto del original, que Michael Arbenz comparte la autoría en los créditos del disco. Una canción elegante, sobria, donde los tres músicos brillan con luz propia. El solo de Carter es perfecto como es habitual en él y domina el espacio. El piano es intenso y rítmico y la batería con continuos redobles mantiene el pulso y el swing sin excesos. Un excelente comienzo.

Le sigue “Alive” de Florian Arbenz, un contraste con respecto al anterior tema. Una elegante canción a tempo lento. Piano, bajo y batería conviven en perfecta armonía explorando sutiles sonidos. 

Continúa con otra composición de Florian Arbenz titulada “Evolution”, un tema donde las individualidades se integran, dando lugar a un extraordinario ejercicio de pasión, ritmo e intensidad a raudales. Impresionante la habilidad de Carter que lleva al trío a un estadio catártico. Los hermanos Arbenz participan de ese estado. Las improvisaciones, brutales. Fantástico tema.

Michael Arbenz aporta “Lullaby", una balada basada en la "Canción de cuna" ("Guten Abend, gut' Nacht") de Brahms. Una preciosa reinvención de este clásico con delicados fraseos del piano, batería y contrabajo. La química entre los tres es más que notable.

"All The Things You Are" de Jerome Kern de la que hacen una alegre versión, brillante y vibrante. Las improvisaciones de Michael Arbenz son secundadas por Carter y Florian Arbenz. Unos a otros se lanzan e impulsan sin descanso.

Y prácticamente sin solución de continuidad desembocan en "Old Shaman", otra composición de Frorian Arbenz, el tema de mayor duración del  álbum. Un tratado de improvisación en el que todos participan aportando lo mejor de cada uno (que es muchísimo). Un cierre de lujo para un álbum de lujo.

Los hermanos Florian y Michael Arbenz muestran su indiscutible calidad y  respecto a Ron Carter, sin palabras, mejor escúchale.

Hacía mucho tiempo que no escuchaba algo tan bueno, tan lleno de energía y de vitalidad. Un disco fascinante lleno de jazz clásico fusionado con jazz actual, tradición e innovación se dan la mano.


La Habitación del Jazz


lunes, 17 de marzo de 2025

ALISON RAYNER QUINTET CD: SEMA4

 


Pistas

1.Espíritu Libre 2.Looking For A Quiet Place 3.Semaphore 4.Hamble Horror 5.Signals From Space 6.Trip Dance 7.Riding The Waves 8.The Handkerchief Tree 9.All will Be Well

 

Intérpretes

Alison Rayner – contrabajo

Buster Birch – batería, percusión

Deirdre Cartwright – guitarra

Diane McLoughlin – saxofones

Steve Lodder – piano

 

Sello discográfico: Blow  The Fuse Records en asociación con ECN Music

Grabado en vivo en el Vortes Jazz Club. Londres, el 21 y 22 de mayo de 2024

Fecha de publicación: 7 de marzo de 2025

 

 

La contrabajista y compositora Alison Rayner ha estado tocando jazz y otros estilos contemporáneos desde mediados de los años 70. Pasó cinco años en los 80 con el grupo de jazz latino The Guest Stars, recorriendo los principales escenarios y festivales internacionales de jazz en diecisiete países y grabando tres álbumes. Actualmente lidera el quinteto ARQ, que  durante los últimos seis años ha realizado extensas giras por el Reino Unido y Europa.

Rayner también toca y graba con, entre otros, Deirdre Cartwright, Chris Hodgkins, Carol Grimes, el cuarteto de jazz latino Chico Chica y Zoe Lewis y ha actuado con artistas como Tal Farlow, Jayne Cortez, Denardo Coleman, Peter King y John Etheridge.

Es codirectora de Blow the Fuse, una asociación liderada por artistas en Londres desde 1989, que organiza noches de club de jazz, promueve giras, eventos a gran escala y produce discos en Blow the Fuse Records. Ha tocado en alrededor de 30 álbumes.

Rayner enseña en escuelas de verano de jazz en el Reino Unido y en el extranjero. Fue nominada en la categoría de "Mejor contrabajo" en los premios British Jazz Awards de 2018 y 2019.

Junto a Rayner, el quinteto lo forman la saxofonista,  compositora y arreglista Diane McLoughlin. Titulada de  posgrado en composición de jazz de la Guildhall School of Music, posee un máster en composición cinematográfica del London College of Music. Lidera la orquesta Giant Steppes, y dirige el grupo de jazz de cámara The Casimir Connection. El pianista y compositor Steve Lodder ( Naná Vasconcelos, orquesta Living Time de George Russell, Sarah Jane Morris, John Harle, Carla Bley, Andy Sheppard…). Ha sido socio musical de Paul McCartney en los proyectos “Standing Stone” y “Ecce Cor Meum” y arreglista musical de los Zappatistas. Estudioso del órgano en Cambridge,  ha escrito varios libros, uno sobre Stevie Wonder, otro sobre el órgano Hammond y The Keyboard Bible. El baterista Buster Birch, licenciado en música de la Universidad de Londres y diplomado de posgrado en jazz de la Guildhall School of Music. Ha actuado en prácticamente todas las salas de conciertos y clubes de jazz más importantes de Londres, realizado giras por más de 30 países y ha grabado más de 30 CD. Es un galardonado profesor de jazz y ha publicado una serie de libros interactivos sobre improvisación en todo el mundo. Tiene su propio espectáculo Buster plays Buster, en el que su cuarteto de jazz toca en directo durante proyecciones de películas clásicas de Buster Keaton. La guitarrista y compositora Deirdre Cartwright (Tal Farlow, Marjorie Whylie…), ha grabado cinco álbumes con su propio grupo. Fundadora de Blow the Fuse con Rayner, presentadora en BBC Radio 3 y de la BBC TV (serie Rockschool). Ha escrito siete libros sobre cómo tocar la guitarra.

La relación entre estos músicos viene de muy atrás. Por ejemplo Rayner y Deirdre Cartwright colaboran desde la  década de 1970. Con Steve Lodder y Diane McLoughlin, Rayner lleva trabajando más de 30 años. Buster Birch se unió al grupo en 1998.

El quinteto ARQ ,  había publicado tres álbumes con el sello Blow The Fuse Records: “August” (2014), “A Magic Life” (2016) y “Short Stories” (2019).  Su nuevo lanzamiento lleva por título “SEMA4” grabado en vivo en el Vortex Jazz Club en Dalston, al este de Londres. En principio no estaba previsto el lanzamiento de esta actuación, pero después de escuchar la grabación, Rayner supo que habían creado algo que tal vez no hubieran hecho en un estudio y afirma: “A veces hay que hacer concesiones en ciertas cosas con una grabación en vivo, pero sentí que habíamos logrado una gran onda y energía, algo realmente especial”.

ARQ “ha construido algo más grande que la suma de sus partes”, dice Rayner. “Quería la sensibilidad de un grupo en el que ensayamos y trabajamos juntos. Para mí, eso era muy importante, establecer una conexión, escribir para la gente de la banda. Cuando trabajas con gente durante años, realmente escuchas su forma de tocar”.

El disco abre con el tema de Rayner, “Espíritu Libre”  inspirado en un viaje al País Vasco (España). En esta composición se deja entrever la mezcla de influencias en las composiciones de Rayner, jazz, música latina, rock y folk. Es una forma brillante y alegre de comenzar el disco.

“Looking For A Quiet Place” de McLoughlin da un giro de 180 grados. Tema suave y meditativo que invita a la calma en este mundo un tanto acelerado. Interesante canción en donde podemos apreciar la expresiva y conmovedora guitarra de Cartwright, a la vez que roquera. Precioso sonido del saxo de McLoughlin.

 “Semaphore” de Rayner,  abre con el bajo de Rayner y, junto con Birch, crea un ritmo muy bailable que se transforma en reggae con Mcloughlin y Cartwright intercambiando solos. El título se debe a un divertido error, Rayner dijo que trabajarían en esta pieza en 7/4, pero Buster escuchó semáforo.

“Hamble Horror” de Lodder, empieza con atmósfera clásica que desemboca en un jazz trepidante, y rock progresivo, que evoca heroicidades cinematográficas. El listón sigue alto.

“Signals From Space” de Cartwright, está inspirado en las vibraciones de una estrella de neutrones que se captan en la Tierra, con los armónicos elegidos inteligentemente por la guitarrista que se suman a la atmósfera tensa y misteriosa. Los solos de saxo, contrabajo y piano brillan en el firmamento.

Rayner también es la autora de  “Trip Dance”, una pieza animada con sonido balcánico, donde sin duda se divierten los cinco músicos, echando fuera la adrenalina acumulada.

McLoughlin aporta "Riding The Waves" basada en la imagen de un surfista en las olas, arriba y abajo.

Lodder aporta "The Handkerchief Tree", inspirada en una planta llamada “Davidia involucrata” que semeja a pañuelos colgantes y que Lodder pudo ver en un parque del norte de Londres.

Rayner cierra el álbum con "All Will Be Well". Emotiva pieza compuesta durante los dos años en los que la hermana menor de Rayner enfermó gravemente. La esperanza de una mejoría, truncada  finalmente. Todos y cada uno de los músicos muestran su fuerza interpretativa, potencia y lirismo mezclados con sabiduría. Rayner dedica este disco a su hermana fallecida en 2023.

Rayner, con su contrabajo de sonido potente, melódico y cálido, junto a Birch, y su potente pero comedida pulsación en la batería, impulsan al  grupo, unido a la sensibilidad y energía del piano de Lodder, el lirismo de McLoughlin a los saxos y la sensibilidad y energía de Cartwright en la guitarra, conforman un quinteto cohesionado que brilla en los solos pero dejando espacio al resto cuando se necesita.

La grabación en directo es un acierto, permitiendo captar la energía de las interpretaciones tal cual.

La Habitación del Jazz

 

 


viernes, 14 de marzo de 2025

Mathias Landæus - Nina De Heney - Kresten Osgood CD: Dissolving Patterns

 


Pistas

1.Dissolving Patterns 2.Primordial Plot 3.Blues Excavation 4.Puddle of Light 5.The Gift 6.Body Rejoice 7.Fear of Nothing 8.Breathing Magnet 9.Asteroid Heroes 10.Lullaby Boomerang

Intérpretes

Mathias Landæus - piano

Nina de Heney - contrabajo

Kresten Osgood  - batería

 

Grabado el 13 de noviembre de 2023 en Studio Epidemin

Sello discográfico: SFÄR

Fecha de publicación: 7 de marzo de 2025

 

Los veteranos de la escena escandinava del jazz y la improvisación, el pianista Mathias Landæus, la bajista Nina de Heney y el baterista Kresten Osgood tocaron juntos por primera vez en 2013 como parte de la serie de conciertos Underground en Lund, Suecia.

Mathias Landæus nació en Suecia. Vivió en Nueva York en los años 1990, donde estudió con Jaki Byard y Richie Beirach, entre otros. Tras regresar a Suecia se convirtió en uno de los pesos pesados de la escena del jazz de Estocolmo. Ha sido miembro de la banda de la cantante Lina Nyberg, Sonic Mechatronik Arkestra, Norrbotten Big Band y de sus propias bandas Reunion y Mathias Landaeus House of Approximation. Ha realizado discos en solitario, con su propio trío y con otros grupos. Fundó el Glenn Miller Café y el Club Underground de Estocolmo  donde invitaba a tocar a jóvenes músicos. También ha tocado, entre otros, con Benny Golson, Jonas Kullhammar, Magnus Lindgren y Tim Hagans. Recientemente ha iniciado la red de músicos "Jazz por la justicia climática". Artista inquieto que gusta de explorar nuevos horizontes ha lanzado más de veinte álbumes como líder.

Nina De Heney, nació en Suecia y creció en Suiza. Estudió con Miroslav Vitous en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra en Boston de 1981 a 1983. Nina se mudó a Suecia en 1983, donde estudió nuevamente de 1988 a 1993 en el Conservatorio de Música de Gotemburgo, donde también obtuvo un Diploma de Solista de 2004 a 2006. Empezó a hacer actuaciones en solitario en 1992, a menudo trabajando con bailarines y en 2008 fundó el festival Dance 'n' Bass junto con la bailarina y coreógrafa Anna Westberg. Sus tres álbumes en solitario “Archipelago”,”2” y “Three” han sido aclamados por la crítica y recibió el Premio al Músico de Jazz del Año 2012. Nina ha trabajado en la escena del jazz y la improvisación en Suecia durante muchos años con varios grupos y actualmente trabaja en dúo con la pianista Lisa Ullén y en trío con Karin Johansson al piano y Henrik Wartel en la batería.

El baterista y compositor danés Kresten Osgood es una de esas personas que desafían y se adueñan de las categorías a la vez. Un baterista e improvisador extraordinario que, con el máximo respeto por la tradición, la desafía en cualquier momento de su labor creativa. Tiene alrededor de 100 álbumes en su haber, ha estado de gira prácticamente en todas partes, ha estado tocando y/o grabando con leyendas como Roscoe Mitchell, Paul Bley, Lee Scratch Perry, William Parker, Masabumi Kikuchi, Derek Bailey, Wadada Leo Smith, Jason Moran, Michael Blake, Kurt Rosenwinkel, John Tchicai, Tim Berne, Justin Vernon, Peter Brötzman, Joshua Redman, Billy Preston, Alan Silva, Brad Mehldau, Mats Gustafsson, Bennie Maupin, Lonnie Smith, Sam Rivers, Henry Grimes, Yusef Lateef, Warren Smith y muchos otros. También es un exitoso rapero, compositor, pianista, vocalista, saxofonista y trompetista, un verdadero multiinstrumentista, un poderoso organizador que es una fuerza impulsora extremadamente importante para impulsar y hacer avanzar la vida musical en Copenhague, artista con sus propios programas en televisión y radio, ganador de numerosos premios y honores, un hombre de caleidoscopio muy agudo, independientemente del contexto, siempre desarrolla su máximo potencial.

El trío que conforman estos tres músicos ha actuado esporádicamente, a menudo incorporando artistas invitados como Herb Robertson, Signe Emmeluth y Per 'Texas' Johansson. Acaban de publicar su álbum debut que lleva por título “Dissolving Patterns”. Grabado en noviembre de 2023 en una única sesión de estudio antes de una actuación en Gotemburgo, el álbum presenta la música exactamente como se desarrolló, pieza por pieza, en el orden en que fue grabada.

Landæus tenía una asignatura pendiente: grabar la magia que se produce cada vez que este trío se reúne para tocar, y con este disco lo ha logrado.

Sobre tocar con el trío, la bajista Nina De Heney dice: “A menudo estoy en el bosque, donde prefiero caminar por los senderos más pequeños, mis pensamientos vagan mientras miro y escucho los sonidos de la naturaleza. Tocar con Mathias y Kresten me da la misma sensación de libertad, paz y felicidad, es como caminar por nuevos senderos sinuosos cada vez que nos encontramos, en un bosque muy hermoso lleno de frutas mágicas y todo sabe como la primera vez”.

Las diez piezas del disco son pura improvisación, de atmósfera impredecible, o quizás sí, donde la química musical entre los componentes del trío es evidente.

Según Osgood: “Una de las ideas más cercanas a mi corazón es que la improvisación tiene el potencial de ser el lugar donde nace la música más interesante. Supera con creces a la composición, o al menos, tiene el potencial de hacerlo”

La improvisación se combina con un minimalismo, dando como resultado un producto de difícil asimilación. Música oscura en ocasiones, enérgica en otras. El piano es el instrumento principal y catalizador de lo que ocurre en el estudio, pero siempre bien acompañado del contrabajo (con y sin arco) y batería. De Heney realiza espectaculares introducciones y excelentes solos. Por su parte Osgood también añade su buen hacer ya sea con solos minimalistas o momentos rápidos. 

El tipo de música que podemos escuchar en este álbum,  no dejará indiferente al oyente.

 

La Habitación del Jazz

 


miércoles, 12 de marzo de 2025

STEFAN SIRBU, JULIETA EUGENIO, CLOVIS NICOLAS, ANTHONY PINCIOTTI CD: Reverie

 


Pistas

1.Drydown 2.Elsa Au Miroir 3.No Worries 4.Reverie 5.Sweet 6.That Very Vienne 7.V.S.T. (Valse Sans Titre)

Intérpretes

Stefan Sirbu – piano, Fender Rhodes

Julieta Eugenio – saxo tenor

Clovis Nicolas – contrabajo

Anthony Pinciotti – batería

 

Grabado el 7 de mayo de 2024 en Tedesco Studios, Nueva York.

Fecha de publicación: 7 de marzo de 2025

 

Stefan Sirbu nació en Moldavia; actualmente reside en Alemania, un cambio que sin duda ha moldeado su sensibilidad musical y su enfoque de la composición. 

Tras el éxito de su álbum debut, “Autumn Whispers” (2021), acaba de publicar un nuevo trabajo titulado “Reverie”.  

Sirbu dice:”La idea de grabar algunas de mis canciones con esta banda en particular me vino a la mente durante la pandemia. Quería producir un disco que uno pudiera escuchar durante un corto viaje a casa, para desconectarse durante el tiempo de un viaje en autobús al anochecer o un paseo tranquilo por una ciudad al anochecer. No demasiado tiempo; solo el tiempo para dejar que la mente divague, como en un sueño, y luego "despertar" al silencio después de la última pista”. Sin  duda, palabras que incitan a la escucha de este disco.

Sirbu vio a la saxofonista Julieta Eugenio y el bajista Clovis Nicolas transmitir canciones en vivo desde la sala de estar de éste último e inmediatamente supo que había encontrado a los colaboradores perfectos para este proyecto y dice “incluso a través de una pantalla, sentí una conexión musical entre ellos que era profunda y fluida”.

Los llamó y finalmente cuando Sirbu regresó a Nueva York tras un descanso de 4 años, ese proyecto se hizo realidad. Completa el cuarteto, el baterista  Anthony Pinciotti, que falleció el 30 de diciembre de 2024, solo unos meses después de su valiosísima contribución a esta grabación. Son músicos conectados con la tradición del jazz neoyorquino, que contribuyen a engrandecer las composiciones de Sirbu, mostrando una química total entre los cuatro.

El disco abre con “Drydown” que en palabras de Sirbu, se siente como "un estándar que siempre había estado ahí, en el mejor sentido posible. “Drydown" es el término que se usa en perfumería para describir el olor que queda de un perfume mucho después de habérselo aplicado. Esta es una metáfora adecuada para describir cómo escribí esta canción. La composición comienza con una cadencia que toqué al final de otra canción, dejándola resonar; me gustó el sonido del acorde de abajo y seguí tocando esa frase hasta que escuché el siguiente acorde y lo desarrollé en la composición que escuchas en la primera pista de este álbum”. Una bella y romántica balada, de corte jazz clásico, en la que, según Sirbu, se escuchan ecos de  "Lush Life" y "Body and Soul". El sonido del saxo de Eugenio es cálido y reconfortante, recordándome al sonido de Ernie Watts.

Sigue  "Elsa Au Miroir" que Sirbu ya incluyó en su anterior disco en 2021 y se presentó como balada. En esta ocasión la versión es más dinámica. Sirbu toca el Fender Rhodes. Una canción muy agradable.

Sirbu escribió “No Worries” en 2019 para el proyecto “Riesling Da Groove” con el trompetista de Basilea Jonathan James ND. La pandemia impidió el desarrollo del proyecto. Un tema alegre, despreocupado, que hace que muevas los pies y te balancees. En definitiva, una canción despreocupada, con ritmo contagioso y bailable.

La canción que da nombre al álbum, “Reverie” la compuso Sirbu con el sonido de Julieta Eugenio en mente. Sirbu afirma: “Durante varios meses estuve (y todavía lo estoy) absorbido por la belleza de los corales de J.S. Bach en la edición de Riemenschneider. Inspirado por ellos, he escrito varios corales que nunca llegaron a publicarse; este tema le debe algo a esos estudios”. Otra hermosa composición. 

En "Sweet" Sirbu vuelve a utilizar el Rhodes. Canción sin demasiadas aspiraciones, que tiende al pop suave y relajado.

Sobre "That Very Vienne" Sirbu dice: “refleja el estado de ánimo de un joven que deambula sin rumbo por las calles nocturnas de Vienne, una pequeña ciudad francesa que alberga un gran festival de jazz. Asistí cuando era estudiante y significó mucho para mí. Autobiográfica en cierto modo, es oscura al principio, reflexiva, se resuelve en un rayo de luz musical que señala la esperanza y la luz al amanecer”. En la línea de las baladas anteriores, relajante y cautivadora. 

El disco cierra con un vals “V.S.T. (valse sans titre” que Sirbu compuso hace dos décadas y que con el tiempo  se ha convertido en una de sus obras más queridas y la más conocida y solicitada.

Sirbu hace mención a la portada del disco creada por Charlotte Morot, una pintora francesa afincada en el sur de Francia. “Su calidad etérea, la delicada interacción entre transparencia y opacidad, color y su ausencia, me han cautivado. Como gran parte de la música que he compuesto para este álbum, señala una experiencia emocional y un estado de transformación; una emoción, justo antes de que la forma y el pensamiento tomen forma completa” afirma Sirbu.


La Habitación del Jazz

 


martes, 11 de marzo de 2025

Libro: GLAM ROCK: La revolución de las lentejuelas Autora: Noelia Murillo

 


Título: GLAM ROCK: La revolución de las lentejuelas

Autora: Noelia Murillo

Editorial: Redbook Ediciones

Colección: Ma Non Troppo

Serie: Música

ISBN: 9788410459137

Idioma: Español

Número de páginas: 224

Encuadernación: Tapa blanda

Fecha de lanzamiento: 14 de febrero de 2025

Medidas: 24cmx17cm

Peso: 650 gr

 

Redbook Ediciones lanza una nueva publicación  dedicada al rock y más concretamente al glam rock, un subgénero del rock nacido a principios de la década de 1970 en Inglaterra. Glam es un apócope de la palabra glamur, por lo que el glam rock, se puede traducir como “rock glamuroso”. En este estilo la sensualidad está presente a través de la puesta en escena de sus intérpretes.

Se puede considerar su inicio cuando en 1971 y ante millones de espectadores del programa de televisión Top of the Pops, Marc Bolan apareció con purpurina en las mejillas, un gesto con el que inauguró una nueva década destinada a hacer del rock algo glamuroso, ambiguo y atractivo.

Los artistas (bandas o solistas) de glam rock  incluyen en su repertorio canciones de rock clásico, metal rock, heavy metal o power ballad. Es decir, su característica no es tanto la música que interpretan como su estética.

En Estados Unidos a este género musical se lo denominó  glitter, si bien no tuvo tanto éxito ya que entonces la sociedad norteamericana no era tan tolerante con algunos conceptos que formaban parte de su discurso.

La autora es Noelia Murillo Carrascosa (Madrid) a quien  la profesión de periodista le ha llevado a medios como El Mundo, 20 Minutos, Onda Cero y Europa Press. En Woman y Stilo, ha publicado artículos sobre moda, cultura o lifestyle. Gracias a su trabajo en Metrópoli, fue redactora de la XIII edición de su anuario gastronómico y entrevistó a diferentes artistas musicales. Con Máster en Industria Musical y Estudios Sonoros por la Universidad Carlos III de Madrid,  ha investigado sobre la contracultura, con interés en la figura de la mujer en el rock de los sesenta y setenta. Siente pasión por el cine clásico y los gatos, aunque, por el momento, no se ha planteado escribir un libro sobre eso.

 

“Glam Rock”  es su primer libro y en él hace un recorrido detallado por los principales exponentes del glam, desde los pioneros como Marc Bolan y David Bowie hasta figuras más recientes como Lady Gaga o Måneskin. A través de un enfoque documentado y una cuidada edición a todo color, el libro examina la evolución del género y su influencia en la música contemporánea.

Dedica distintos capítulos centrados en solistas y bandas como Mötley Crüe, Kiss, Alice Cooper, New York Dolls o Lady Gaga por citar algunos ejemplos.

En las páginas del libro no faltan los tres elementos que caracterizaron el glam rock: la vestimenta, el uso del maquillaje para favorecer la androginia (al menos en sus inicios) y la teatralidad.

Como indican desde la editorial, se trata de contar «la historia de una época que, aunque efímera, permitió a los artistas crear propuestas muy singulares. La gran mayoría lo hicieron con absoluta libertad creativa, a través de personajes y estilismos únicos, aunque también fueron cuestionados por quienes querían mantener el virtuosismo y la formalidad técnica característica de la psicodelia y la contracultura».

El libro contiene un interesante capítulo dedicado al glam en el cine, otro a documentales imprescindibles, una extensa bibliografía y un código QR que conecta con una Play List en Spotify.

La Habitación del Jazz

 

ÍNDICE

-¿Qué es el glam rock?

-Glam para atraer: la belleza de un nuevo género

-Palmadas, pisotones y chaquetas metalizadas glam para bailar

-La cara B del éxito: canciones brillantes y volátiles

-Art Rock una amalgama de glam, pop y rock progresivo

-El glam tardío: raros, inclasificables y olvidados

-Glam que no suena a glam: el camino hacia el punk

-Mujeres y glam: la androginia también en ellas

-El glam lo inventaron las mujeres

-Sleaze rock en los ochenta: festival de la horterada

-Del blanco y negro al estallido de color con el gay rock en España

-Sin miedo a la diferencia: residuos del glam en Latinoamérica

-Ecos del pasado: así ha llegado el glam a nuestros días

-El glam en el cine

-Documentales imprescindibles

-Bibliografía


lunes, 10 de marzo de 2025

ELDAD TARMU CD: Silver On Aluminium

 


Pistas

1.The St. Vitus Dance 2.Pyramid 3 No Smokin’ 4.Horacescope 5.Gregory Is Here 6.Opus De Funk 7.Strollin’ 8.Yeah

 

Intérpretes

Eldad Tarmu – vibráfono

Marty Isenberg – contrabajo

Michael Shapira – batería

 

Sello discográfico: Queen of Bohemia

Fecha de publicación: 10 de junio de 2025

 

Eldad Tarmu nació en Los Ángeles, California, donde comenzó su carrera musical estudiando batería y percusión. Aprendió a tocar el vibráfono de jazz con Dave Pike como mentor. Estudió en Israel en la Universidad de Tel Aviv, luego regresó a los EE. UU. y comenzó a realizar giras internacionales con varios conjuntos de jazz, actuando en festivales y salas de música en más de veinticinco países, principalmente en Europa y Asia.

En 1997 lanzó su primer disco, “Aluminum Forest”, seguido de “Get Up Close” en 2001.

Tras graduarse en la Universidad Estatal de California  con un Máster en Música Afrolatina en 2005, fue nombrado Director del Departamento de Jazz de la Escuela de Jazz "Richard Oschanitzky" de la Universidad de Tibiscus (actualmente un departamento de la Universidad del Oeste) en Timisoara, Rumania, tras una colaboración con el bajista, violinista e investigador musical rumano Johnny Bota, que fue uno de los fundadores de la escuela.

En 2008, regresó a los EE. UU. para continuar su educación en la Universidad de Stony Brook, donde obtuvo un Máster en Composición Clásica, así como un Doctorado en Artes Musicales en Interpretación de Jazz, bajo la guía de Ray Anderson. Profesor de Estudios Musicales en el Hudson County Community College (HCCC)  y el Raritan Valley Community College de Nueva Jersey, desarrolló e introdujo un curso de Música Latinoamericana para el HCCC.

A lo largo de su carrera, ha colaborado ​​con nombres como Ron Affif, Ray Anderson, Mike Clark, Billy Higgins, Freddie Hubbard, Taj Mahal, Frank Morgan, Poncho Sanchez, Cybill Shepherd y Ernie Watts.

En los últimos años, Eldad Tarmu se ha centrado cada vez más en la música contemporánea original para conjuntos de cámara y vibráfono, componiendo para cuartetos de cuerda, quintetos de viento y obras para piano.

El título de su último álbum hasta el momento, “Silver on Aluminum”, tiene un doble significado: por un lado el vibráfono está hecho de aluminio y por otro, y más importante, este álbum es un tributo a Horace Silver. Este es su décimo álbum como líder y el primero en el que las canciones no son predominantemente originales de Tarmu, que se acompaña de dos jóvenes y excelentes músicos  neoyorquinos: el bajista Marty Eisenberg y el baterista Michael Shapira.

Teniendo en cuenta que Horace Silver compuso más de  300 canciones, no debió de ser nada fácil para Tarmu elegir las ocho que integran el disco y que corresponden a la década de los 50.

Abre el álbum con "The St. Vitus Dance", un tema que lleva el nombre de una enfermedad caracterizada por movimientos rápidos, involuntarios e irregulares de los músculos. Una versión trepidante y enérgica.

Sigue “Pyramid” donde se dejan entrever matices latinos y otros que se alejan de la ortodoxia jazzística.

“No Smokin” es otra melodía que se mueve a un ritmo frenético. Tarmu explica: “Aunque tocamos esta melodía muy rápido, no tocamos demasiadas notas, porque no quería que sonara demasiado mecánica”. La conexión entre los tres miembros del trío es absoluta.

“Horacescope” es un tema animado y también interpretado a una gran velocidad. Tarmu dice: “Dado que la escritura es tan fuerte, es un gran vehículo para la sustitución percusiva que ofrece el vibráfono”.

Tarmu aborda el arreglo original de "Gregory is Here" con un cierto ritmo latino. La sección rítmica no deja de empujar y empujar como en los cortes anteriores.

"Opus De Funk" sigue la misma línea argumental de swing potente y un trabajo en conjunto de muchos diamantes.

"Strollin" baja el ritmo y relaja el ambiente, lo que se agradece en cierta medida.

El disco se despide con otro tema explosivo y lleno de energía, "Yeah". Tarmu explica: "Kessel es mi guitarrista de jazz favorito. Músico que toca en trío. Traté de imaginar su estilo rítmico y cortante y la forma en que se relacionaba con la sección rítmica”.

Los arreglos de Tarmu transcriben canciones que fueron creadas para quinteto en otras que adapta para trío de vibráfono, bajo y batería, capturando totalmente el espíritu de la música de Silver, haciendo que su vibráfono parezca un piano.

Este trabajo de Tarmu  muestra la genialidad compositiva de Horace Silver  y la excelencia interpretativa del trío.

 

La Habitación del Jazz