Libro: Reinas del Blues Autora: Teresa Torres Ilustraciones: Lara Trujillo

 

Título: Reinas del blues. Tres vidas unidas por el éxito y la tragedia

Autora: Teresa Torres

Ilustraciones: Lara Trujillo

ISBN: 978-84-10459-05-2

Editorial: Redbook (Ma Non Troppo)

Colección: Bio Rock

Idioma: Español

Dimensiones: 24 x 17 cm

Peso: 200 gramos

Nº páginas: 156

Fecha publicación: 28-11-2024

Encuadernación: Tapa dura 

 

La editorial Redbook, en el sello Ma Non Troppo, sigue su incesante publicación de interesantes títulos. En esta ocasión se trata de “Reinas del blues. Tres vidas unidas por el éxito y la tragedia”. El libro está escrito por Teresa Torres y las ilustraciones son de Lara Trujillo.

Teresa Torres (Barcelona, España) estudió piano en el Conservatorio del Liceo y es licenciada en historia del arte por la Universidad de Barcelona. Desde 1996 es profesora de música de la Generalitat y actualmente trabaja en el Institut Francisco de Goya. Desde 1987 hasta el 2005 fue teclista y letrista del grupo Los Sobornados y, finalmente, en 1998 empezó a colaborar con las bibliotecas de Barcelona haciendo conferencias y ciclos de temática musical, básicamente sobre ópera y música popular americana. El último ha sido un ciclo en la Biblioteca Vapor Vell titulado «A la sombra de nadie. Historia femenina de la música». Es una gran especialista en el blues, como así demostró en el magnífico libro “El tren de la música”, también publicado por Redbook Ediciones, del que cosechó estupendas críticas.

Lara Trujillo es Graduada en Artes Aplicadas. Entusiasta en dibujar artistas y músicos, ha demostrado un gran interés en el blues, que ha reflejado en varios trabajos.

En este libro, más allá de la realidad histórica, aunque sin traicionarla, un joven músico que conoció a Billie Holiday, a Janis Joplin y a Amy Winehouse, relata momentos de la vida de estas tres extraordinarias mujeres.

Tres vidas y una misma senda: Holiday y John Levy, un mafioso y maltratador confidente de la policía; Joplin, maltratada por hombres que no estaban a su altura; la turbulenta relación entre Winehouse y Blake Fielder-Civil.

Tres conciertos memorables que marcaron sus carreras: Joplin en Monterey, Winehouse en Glastonbury y en Rock in Rio.

Tres canciones que muestran su desgarro en el blues: Winehouse y «Back to Black»; Joplin  y «Cry Baby»; Holyday  y «I’ll Be Seeing You».

Drogas y alcohol en cada uno de los episodios trágicos que acabaron con sus vidas. Holiday  en Nueva York, Joplin  en Los Ángeles, Winehouse  en Londres se enlazan en sus emociones, carencias sentimentales, y también en sus excesos.

Una propuesta original en la que tres mujeres nacidas en distintas épocas triunfan con el mismo estilo y desaparecen en circunstancias muy parecidas.

Tres artistas que han pasado a formar parte de las inmortales con un recorrido vital casi idéntico. Los porqués de su trayectoria.

En el libro se incluye un enlace QR donde poder escuchar las canciones que aparecen en el libro.

Si bien, considero que la importancia y la huella dejada en la música por cada una de estas mujeres son muy diferentes, lo cierto es que las tres están unidas por una  serie de vicisitudes en la vida.  

Con unos textos interesantes y unas ilustraciones que sirven para realzar las situaciones y hechos narrados, este libro es otro imprescindible en la biblioteca de los amantes del blues y de estas tres cantantes. 

 

La Habitación del Jazz

 

Índice

INTRODUCCIÓN

Lo contrario de un florero

CAPÍTULO 1. BILLIE HOLIDAY

01. Todo lo dulce que puede ser un zarpazo

02. Cantar no es nada del otro mundo

03. Historias para no dormir

04. Papi y mami

05. Harlem.The afroamerican beauty

06. Prez.El hombre más importante del país

07. Big bands and big troubles

08. Justicia sorda

09. El dolor del amor y el amor al dolor

10. La última sombra

CAPÍTULO 2. JANIS JOPLIN

11. La venganza de los segundones. El jazz moderno

12. La conquista del oeste. San Francisco

13. Por Arthur: el combustible que mueve al mundo

14. La tejana errante

15. Sol drogas y tristeza cósmica

16. El primer golpe es el que deja marca

17. La caricia del rayo redentor

18. Apoteosis hippie

19. No hay rosa sin espinas

20. Demasiado pura

CAPÍTULO 3. AMY WINEHOUSE

21. Nadando en círculos

22. Última parada: Southgate, London

23. As de diamantes

24. Comienza el espectáculo

25. Todo corazón

26. El peor enemigo

27. Un disco con forma de diván

28. Cuando ruge la marabunta

29. Back to Blake

30. La calma antes de la tormenta

BIBLIOGRAFÍA

LAILA BIALI CD: Wintersongs

 

Pistas

1.Drifting Down Ice 2.Rocky Mountain Lullaby 3.Prelude to Outside 4.Outside 5.Keep on Moving 6.Snow 7.Dance of the Pines 8.Winter Waltz (Belle nuit de Noël, instrumental) 9.Jesus, He is Born (Iesous ahatonnia', instrumental)

 

Intérpretes

Laila Biali – voz, piano

George Koller - contrabajo

Ben Wittman – batería, percusión

Jane Bunnett - flauta (2), saxo soprano (7)

Kevin Turcotte - trompeta (4, 9)

Lori Gemmell - arpa (1, 6, 9)

Sam Yahel - órgano Hammond B3 (4)

Wade O. Brown - voz (4)

Joanna Majoko – coros (5)

Genevieve Marentette – coros (5)

Jackson Welchner - coros (5)

Venuti String Quartet (1, 5, 7, 8)

    Drew Jurecka - violín, bandoneón (8)

    Rebekah Wolkstein - violín

    Shannon Knights - viola

    Amahl Arulanandam - chelo

Chamber Orchestra (2, 3, 4, 6)

violines: Rebekah Wolkstein, Drew Jurecka, Shane Kim,          

   Boris Kupesic, Sydney Chun, Bethany Bergman, William  

   Lamoureux, Nancy Kershaw, Aya Miyagawa, Erika Raum, 

   Stephen Sitarski

violas: Shannon Knights, Diane Leung, Rory McLeod,

   Nicholaos Papadakis

Chelos: Amahl Arulanandam, Naomi Barron, Lydia

   Munchinsky, Kevin Fox

   Rob Mathes – director orquesta de cuerdas

 

Grabado en Canterbury Music Company.

Cuerdas, flauta y saxo soprano grabados en Revolution Recording Studios.

Voz y percusión grabados en Wittman Productions.

Coros y arpa grabados en Phase One Studios.

Fecha de publicación: 1 de noviembre de 2024  

 

Laila Biali es una cantante, compositora y pianista nacida en Canadá. Comenzó a tocar el piano a una edad temprana. Estudió piano clásico durante muchos años. Cuando era joven, Biali aspiraba a convertirse en concertista de piano. Soñaba con ir algún día a Juilliard o Curtis, pero ese sueño se vio truncado cuando tenía 15 años y su familia sufrió un grave accidente automovilístico que le afectó el brazo derecho. Aunque el accidente lo cambió todo para ella, hubo un lado positivo. En el Conservatorio Real de Música se sintió atraída por el jazz y cuando tenía diecinueve años ingresó en el Humber College de Toronto. Cuatro años más tarde lanzó el álbum “Introducing the Laila Biali Trio”. Se mudó a la ciudad de Nueva York y encontró trabajo como pianista y vocalista para otros músicos.

Mientras estaba de gira con Paula Cole, conoció al baterista Ben Wittman, con quien contrajo matrimonio.  

En 2009 cantó coros para el DVD de Sting “A Winter's Night: Live from Durham Cathedral”. Realizó una gira con Chris Botti y Suzanne Vega.

Ha actuado en el Carnegie Hall de la ciudad de Nueva York, en el Glenn Gould Theatre de Toronto y en el Centro Nacional de las Artes Escénicas de Pekín.

Biali fue la ganadora doble más joven de la historia de los Premios Nacionales de Jazz de Canadá cuando fue nombrada “Compositora SOCAN del año” y “Teclista del año”.

Ha sido nominada a los premios JUNO en varias ocasiones “Your Requests” (2023),  “Out of Dust” (2021), “Tracing Light” (2010). Su álbum homónimo de 2018 ganó el premio Juno al Álbum de Jazz Vocal del Año.

Biali presenta el programa de radio nacional de CBC Music, Saturday Night Jazz, un programa semanal que se transmite a millones de oyentes en todo Canadá.

Su décimo trabajo como líder lleva por título “Wintersongs”.  Biali se ha rodeado de un nutrido grupo de músicos. Alguno de ellos colaboradores habituales. El   baterista Ben Wittman, Rob Mathes, uno de los orquestadores más solicitados (Sting, Bruce Springsteen), la reconocida flautista y saxofonista soprano Jane Bunnett, el consumado trompetista Kevin Turcotte, Sam Yahel al órgano y el cantante  Wade O. Brown  entre otros.

Con dos excepciones, todas las pistas fueron compuestas por Biali en una cabaña rodeada de montañas cubiertas de nieve en el corazón de las Montañas Rocosas de Canadá, durante una residencia de dos semanas en el Centro Banff para las Artes y la Creatividad a fines de 2021. Biali se enamoró de los paisajes cubiertos de nieve que tenía ante sí. "No podía creer el paraíso invernal que me rodeaba mientras escribía este proyecto desde mi cabaña en el bosque. Y sin importar cuán bajas fueran las temperaturas o cuán ventoso fuera el clima, me propuse interrumpir mis sesiones de escritura con largas caminatas ataviada con capas de base, una parka hasta los tobillos, botas de nieve y crampones. Sin duda, el tiempo que pasé al aire libre tuvo un impacto igual en la música que escribí mientras estuve allí”. “Cada canción representa una faceta diferente del invierno que he experimentado personalmente, desde la nieve que cae suavemente hasta las tormentas de viento; la sensación que tienes cuando patinas sobre hielo recién glaseado, la emoción de un paseo en trineo o en tobogán, la comodidad de estar escondido en el interior, el cálido resplandor de una chimenea. Es una invitación a la gama completa de experiencias invernales”. “Estrenamos Wintersongs en el Koerner Hall de Toronto en diciembre de 2022 con el cuarteto de cuerdas”, dice Biali. “Pero más tarde ese mes me invitaron a tocar con la London Symphonia [en Ontario]. Fue entonces cuando pude escuchar un par de estas canciones con un grupo de cámara ampliado. Eso nos abrió el apetito para buscar algo aún más amplio, por lo que le preguntamos a Rob Mathes si podía orquestar algunas de las pistas. Nos emocionamos muchísimo cuando aceptó, ¡es un sueño!” afirma Biali.

“Wintersoings” tardó tres años en producirse y es su proyecto más ambicioso hasta la fecha.

El tierno número de apertura del álbum, “Drifting Down Ice”, nos transporta a la belleza y tranquilidad de un paisaje invernal, con Biali tarareando cálidamente sobre las notas de su piano. Un comienzo esperanzador.

El suave "Rocky Mountain Lullaby", dedicado a los imponentes picos del Parque Nacional Banff, incorpora la flauta de Bunnett, aportando frases y solos que acentúan  el carácter pastoril de la canción.  El listón sigue alto.

Le sigue la bella canción “Outside”, precedida de un preludio de corte clásico, donde Brown canta junto a Biali. El tema es de gran envergadura, con una gran orquestación de Rob Mathes.

La breve "Keep on Moving", supone un giro de 180º con lo escuchado hasta ahora. Las voces de Joanna Majoko, Genevieve Marentette y Jackson Welchner, junto al  Venuti String Quartet apoyan esta animada canción llena de ritmo.

La lírica “Snow” nos devuelve al espíritu relajado inicial. La Chamber Orchestra y el arpa de Gemmel, protagonistas, junto a la cristalina voz de Biali. Canción que bien podía formar parte de una banda sonora de película. 

“Dance of the Pines” es un viaje sonoro inspirado en la flora, la fauna y la aurora boreal. La voz y el piano de Biali, el saxo soprano de Bunnett, la batería de Wittman, el contrabajo de Koller y el Venuti String Quartet consiguen enamorarnos y emocionarnos. Un excelente tema lleno de fuerza y misterio.

El instrumental “Winter Waltz” es una encantadora versión de la canción francesa que coescribió con Sonia Johnson y que se lanzó en 2023 con el título “Belle Nuit de Noel” con letra interpretada por Biali. A destacar el piano de Biali, el Venuti String Quartet y el bandoneón de Drew Jurecka. Un precioso tema.

El disco cierra con otro instrumental, “Jesus, He Is Born (lesous ahatonnia’)”, un villancico del siglo XVII atribuido por primera vez a Jean de Brébeuf, un misionero jesuita que llegó a Nueva Francia (Canadá) en 1625 para trabajar entre la tribu huron. La pieza es más conocida como “The Huron Carol”. Una extraordinaria versión con Biali al piano, Kolleren el contrabajo, Wittman en la batería,  Turcotte a la trompeta  y Gemmell en el arpa, que sin alejarse del espíritu original del tema, se le dota de un fuerte carácter jazzístico.

Afortunadamente “Wintersongs” es mucho más que un álbum navideño al uso. Es un sentido homenaje al invierno. Biali nos regala unas excelentes composiciones que integran el jazz, el pop y el clásico; una voz cálida y pura y una interpretación al piano llena de calidad, alegría y atrevimiento desenfadado

Un  precioso disco.  

La Habitación del Jazz

 

Libro: Un Canon Personal Autor: Brad Mehldau

 

Título: Un canon personal

Autor: Brad Mehldau

Editorial: Berenice

Colección: Sinatra

ISBN: 9788411319126

Idioma: Español

Número de páginas: 432

Encuadernación: Tapa blanda

Fecha de lanzamiento: 10/09/2024

Dimensiones: 24 x15 cm

Peso: 659 gr

 

La editorial Almuzara dentro del sello Berenice, con el título “Un canon personal” ha publicado la primera parte de la autobiografía de uno de los pianistas de jazz más importantes de todos los tiempos, Brad Mehldau.

Pero antes de hablar del libro, un breve repaso a su biografía. Mehldau nació en Florida. Comenzó a tocar el piano a una edad temprana y estudió en la New School for Jazz and Contemporary Music en Nueva York. Su carrera despegó en la década de 1990 como miembro del Joshua Redman Quartet, pero fue su trabajo con el Brad Mehldau Trio, junto al bajista Larry Grenadier y el baterista español Jorge Rossy, lo que le dio notoriedad internacional.

Mehldau se caracteriza por su capacidad para reinventar estándares del jazz y por sus sofisticadas versiones de canciones de artistas contemporáneos como Radiohead y The Beatles. Ha colaborado con infinidad de músicos (Joshua Redman, Pat Metheny, Charlie Haden, Lee Konitz,  Michael Brecker, Wayne Shorter, Peter Bernstein, Kurt Rosenwinkel, Mark Turner, Christian McBride, Brian Blade, John Scofield, Charles Lloyd…) ha compuesto obras para orquesta y bandas sonoras para cine (Ma Femme Est une Actrice, Million Dollar Hotel, Space Cowboys, Eyes Wide Shut, Midnight In The Garden of Good and Evil, Mon chien stupid) consolidándose como uno de los músicos más innovadores de los últimos lustros. También destacan sus interpretaciones de obras clásicas de Bach, Fauré o la colaboración con la mezzosoprano  Anne Sofie von Otter y la soprano René Fleming,  por citar solo algunas. Ha sido nominado trece veces a los Grammy ganándolo en una ocasión.

Es, ante todo, un improvisador pero también un defensor de la arquitectura formal de la música. Ambos planteamientos dotan a sus interpretaciones y composiciones de una intensidad emocional y belleza inusuales. 

En la primera parte de su autobiografía, Mehldau nos muestra el Nueva York de finales de los años 80 y principios de los 90, los músicos de jazz que se convirtieron en  su verdadera familia, frente a la adoptiva que le crio. También nos describe la atmósfera de los clubes de Manhattan y Brooklyn. Nos habla de la formación del cuarteto con Joshua Redman, sus propios grupos, que desembocaron en su aclamada serie de grabaciones “Art of the Trio” con el bajista Larry Grenadier y el baterista Jorge Rossy, posteriormente reemplazado por Jeff Ballard. Su amistad con Jorge Rossy, a quien menciona en varias ocasiones a lo largo del libro no solo elogiando sus cualidades como músico y su inestimable aportación al trío sino también agradeciendo el apoyo que le brindó en momentos difíciles de su vida personal. La amistad que compartían se consolidó a lo largo de los años.

Desde una perspectiva personal nos relata  sus primeros años en la escuela, de la música que escuchaba en su niñez, sus influencias, que van desde Schubert, Beethoven, Bach, Schumann y Brahms, pasando por el jazz de Miles Davis y Billy Holiday  hasta el pop de Billy Joel, Supertramp, el rock progresivo, Rush, Bob Dylan, o las lecturas James Joyce y Thomas Mann.

Mehldau se sincera sobre temas muy personales, como el acoso escolar y las luchas con su sexualidad desde muy joven, así como  la manipulación sexual por parte del director de su instituto. Estas circunstancias le condujeron al consumo excesivo de marihuana, alcohol, alucinógenos y, más tarde, heroína, y el momento en que consideró el suicidio y se mudó a Los Ángeles para rehabilitación a fines de la década de 1990.

“Un canon personal” es una autobiografía sincera, cruda y honesta, escrita como Mehldau escribe e  interpreta su  música, pasando del rigor intelectual y densidad de información a un relato emocional y directo, con un estilo  introspectivo y en ocasiones, filosófico.

En el panorama editorial español no abundan precisamente las publicaciones relacionadas con el jazz, por eso agradecemos a la editorial Berenice la publicación de este libro.

Un extraordinario libro, imprescindible para los incondicionales de Brad Mehldau (entre los que me encuentro), los aficionados al jazz y a las biografías. 

 

La Habitación del Jazz

IVO NEAME CD: Zettalogue

 

Pistas

1.The Rise of the Lizard People 2.Drone Yer Sorrows 3.Zettalogue 4.Pala 5.Être sur le Train de Gravy 6.Personent Hodie 7.The Trouble with Faith

 

Intérpretes

Ivo Neame – piano

George Crowley – saxo tenor

Tom Farmer - contrabajo

James Maddren – batería

 

Sello discográfico: Ubuntu Music

Grabado en Livingston Studios, Londres, el 23 y 24 de agosto de 2022  

Fecha de publicación: 25 de octubre de 2024

 

El pianista, compositor y director de orquesta Ivo Neame, nació en Kent en el seno de una familia cervecera de los Shepherd Neame. Asistió a la King's School de Canterbury y estudió saxofón de jazz en la Royal Academy of Music de Londres, en un grupo que incluía al pianista Gwilym Simcock, y fue asesorado por Martin Speake y Steve Buckley, así como por el fundador de F-IRE Collective, Barack Schmool. Neame ha adquirido renombre internacional y se ha consolidado como una de las figuras más innovadoras y dinámicas de la escena del jazz contemporáneo. Colabora habitualmente con conjuntos tan diversos como la Frankfurt Radio Big Band y la London Sinfonietta. Es más conocido por su trabajo con Kairos Quartet, Phronesis y Marius Neset Quintet, por nombrar solo algunos así como sus colaboraciones con numerosos otros artistas, entre ellos Hermeto Pascoal, Kenny Wheeler y Gilad Hekselman.

En 2023 también fue nombrado "artista residente" de la Orquesta de Jazz Contemporáneo de Colonia.

Además de componer e interpretar, Neame es miembro asociado de la Royal Academy of Music, miembro asociado de PRS y profesor de piano de jazz en la Guildhall School of Music and Drama. También es miembro de la Featured Artists’ Coalition y del Ivors Academy Jazz Committee.

Ha actuado con artistas como Guy Barker, Julian Siegel, Stan Sulzmann, Matthew Herbert, Jim Mullen, Wynton Marsalis  y Tim Garland entre otros.

Su último trabajo hasta la fecha lleva el título de “Zettalogue”. Le acompañan en esta aventura tres de los mejores músicos de jazz del Reino Unido: El contrabajista Tom Farmer; el baterista James Maddren y el saxofonista George Crowley.

“Zettalogue”, décimo álbum bajo su propio nombre, es el resultado de tres años de maduración. Incluye composiciones originales de Neame, unas recientes y otras más antiguas.

La música de Neame incluye influencias de la música Karnatic (música clásica del sur de la India), el hip-hop y la música de África occidental, lo que se traduce en ritmos complejos, estructuras intrincadas y enérgicas, alegres y emotivas,  y esto es lo que vamos a poder escuchar en este trabajo.

“Zettalogue” comienza con "The Rise of the Lizard People". Un comienzo potente, donde el espíritu libre cabalga a sus anchas. El cuarteto disfruta, Farmer y   Maddren, generan impulsos que recogen Neame y Crowley.

"Drone Yer Sorrows" sigue por el sendero abierto en el primer corte. Tema con algo menos de intensidad pero no exento de gran empuje.

“Zettalogue” es una explosión de energía donde brillan individual y colectivamente los miembros del cuarteto.

El ritmo se reduce en "Pala", y el grupo reflexiona en modo orquesta libre. Interesante solo de Neame.  

"Être sur le Train de Gravy" es un verdadero viaje en tren, un tren lleno de ritmo y giros,  con Crowley en el tenor de forma visceral, intenso, con Neame “on fire” ambos  ellos fundamentales en el resultado final, como también  lo son  Farmer y Maddren .

"Personent Hodie" está basada en un villancico medieval del siglo XII, que Neame solía cantar en coros en su juventud. Una reelaboración sin duda interesante e imaginativa del villancico.

El disco cierra con  "The Trouble With Faith", que inicia con un solo de piano de Neame, al que sigue un conmovedor solo de Crowley que deja el camino para que se incorpore el contrabajo al que secunda el piano en un precioso diálogo. Tema reflexivo y  minimalista, que rompe con el estilo de todo lo escuchado con anterioridad. Un excelente final para un excelente disco.

 

La Habitación del Jazz

 

Libro: Hans Zimmer. El gran maestro de la música de cine Autor: Conrado Xalabarder

 

Título: Hans Zimmer: El gran maestro de la música de cine

Autor: Conrado Xalabarder

Editorial: Redbook Ediciones

Colección: Ma Non Troppo

Serie: Música

Idioma: Español

ISBN: 978-84-10459-08-3

Encuadernación: Rústica

Nº páginas: 256

Dimensiones: 17x24

Peso: 0,64 kg

Fecha de edición: 2024

 

La editorial Redbook, dentro de la colección Ma Non Troppo, acaba  de editar, “Hans Zimmer, El gran maestro de la música de cine”,  el primer libro en castellano sobre el celebérrimo compositor y en realidad también el primero a nivel mundial que se centra en explicar, mostrar y demostrar la aportación dramatúrgica y narrativa de su música. Su autor, Conrado Xalabarder (Barcelona, España) es uno de los mayores y más reconocidos especialistas en música de cine a nivel internacional En 2001 creó la web MundoBSO, la mayor página web de bandas sonoras comentadas del mundo. Es autor de varios libros, entre ellos “Enciclopedia de las Bandas Sonoras”, “Música de cine: Una ilusión óptica” y “El Guion Musical en el Cine”. También ha participado en varios libros colectivos. Colabora desde 1996 en Fotogramas, la revista de cine de mayor difusión en España, escribiendo comentarios sobre bandas sonoras. Es profesor universitario y ha impartido cursos, charlas y masterclases de música de cine por toda España, en Portugal, Polonia, México, Colombia y Argentina. Ha entrevistado, compartido charlas o conferencias con compositores de la talla de los ganadores del Oscar Ennio Morricone, Jerry Goldsmith, Maurice Jarre, Elmer Bernstein, Luis Bacalov, John Addison, Michael Giacchino, Dave Grusin, Ludovic Bource, los nominados al Oscar Bruno Coulais, Patrick Doyle, Mark Isham, Bruce Broughton, John Scott, Joel McNeely, Lucas Vidal, Fernando Velázquez, Christopher Young, Wataru Hokoyama, Christopher Lennertz, Blake Neely, Bear McCreary, Lolita Ritmanis, Kristopher Carter, Michael McCuistion, Boris Slavov, Trevor Morris, Richard Bellis, así como la práctica totalidad de los compositores españoles. También colabora como asesor musical (uso de la música) en películas y otros proyectos audiovisuales.

Hans Zimmer nació el 12 de septiembre de 1957 en Frankfurt, Alemania. Desde una edad temprana, mostró un profundo interés por la música, comenzando su carrera en la industria musical como miembro de varias bandas antes de dar el salto a la composición de bandas sonoras para cine y televisión. Su primer gran éxito llegó con «Rain Man» en 1988, por la cual recibió su primera nominación al Oscar. Desde entonces, Zimmer ha trabajado en una impresionante variedad de proyectos, colaborando con algunos de los directores más reconocidos del mundo, incluyendo Christopher Nolan, Ridley Scott y Ron Howard.

Zimmer es conocido por su capacidad para fusionar música electrónica con orquestaciones tradicionales, creando paisajes sonoros únicos que se han convertido en su sello distintivo. A lo largo de su carrera, ha sido nominado doce veces a los premio Óscar, ganándolo en dos ocasiones por El Rey León (1994) y Dune (2021), así como varios Globos de Oro, Bafta, Emmy, Grammy y Saturn. Su influencia en la música de cine moderna es innegable, y su legado continúa creciendo con cada nueva obra.

“Hans Zimmer, El gran maestro de la música de cine” no es un libro biográfico ni histórico. Tampoco es un libro crítico, sino expositivo, una mirada a lo que la música de Zimmer aporta a sus películas. El lector puede contrastar esto viendo las  películas y sacar sus propias conclusiones.

El autor nos sumerge en el universo creativo de uno de los compositores más influyentes de nuestro tiempo, explorando tanto su carrera como sus composiciones más emblemáticas.

Cada capítulo incluye una ficha técnica que consta del cartel oficial de la película y algunos fotogramas de la misma. También se proporciona un resumen del argumento y una ficha técnica de la película, junto a un código QR con audios de la banda sonora y un QR que accede a un blog especialmente creado donde encontrar materiales diversos como escenas de películas, vídeos explicativos, etc.

Además, el autor ha incluido un capítulo con los colaboradores y directores de orquesta que han contribuido al éxito de Zimmer. Otro capítulo con sus trabajos para televisión y otro que resume toda su carrera filmográfica. Estos glosarios adicionales proporcionan una visión aún más completa de la carrera de Zimmer.

Una obra imprescindible para los amantes de la música, del cine y, por supuesto, de Hans Zimmer. Un libro que hay que leer lentamente para poder apreciar todos los detalles y matices que el autor señala.

La Habitación del Jazz

 

INTRODUCCIÓN

El origen de todo. La etapa británica

RAIN MAN

BLACK RAIN

PASEANDO A MISS DAISY

DE REPENTE, UN EXTRAÑO

THELMA & LOUISE

LLAMARADAS

LA FUERZA DE LA ILUSION

LA ASESINA

AMOR A QUEMARROPA

LA CASA DE LOS ESPÍRITUS

Remote Control: La empresa de Hans Zimmer

EL REY LEÓN

MAREA ROJA

MÁS ALLÁ DE RANGOON

DOS MUERTES

ALARMA NUCLEAR

LA MUJER DEL PREDICADOR

EL PACIFICADOR

MEJOR … IMPOSIBLE

LOS ÚLTIMOS DÍAS

EL PRÍNCIPE DE EGIPTO

Zimmer y la animación

LA DELGADA LÍNEA ROJA

GLADIATOR

HANNIBAL 

PEARL HARBOR 

BLACK HAWK DERRIBADO

THE RING (LA SEÑAL)

EL ÚLTIMO SAMURAI

Trilogía Robert Langdom

EL CÓDIGO DA VINCI

ÁNGELES Y DEMONIOS

INFERNO

Hans Zimmer y Jack Sparrow

THE HOLIDAY (VACACIONES)

EL DESAFÍO: FROST CONTRA NIXON

SHERLOCK HOLMES

ORIGEN

12 AÑOS DE EXCLAVITUD

RUSH

INTERSTELLAR

Zimmer en el mundo del cómic

CHAPPIE 

DUNKERQUE

BLADE RUNNER 2049

DUNE (Partes 1 y 2)

SIN TIEMPO PARA MORIR

TOP GUN: MAVERICK 

THE CREATOR 

Otras bandas sonoras

Zimmer en televisión

Sus principales colaboradores

Filmografía

TANIA GRUBBS QUINTET CD: The Sound of Love

 

Pistas

1.But Not for Me 2.Slow Hot Wind 3.(A Rhyme) This Time 4.Duke Ellington's Sound of Love 5.Strange Meadowlark 6.The Sculptor's Hands 7.Something to Live For 8.Blackbird 9.Sunshine on My Shoulders 10.I Can Tell You Are Always There 11.Four 12.Dreamsville 13.If You Could See Me Now 14.Two For the Road

 

Intérpretes

Tania Grubbs - voz

 Ron Affif - guitarra

David Budway – piano

Jeff Grubbs - contrabajo

James Johnson III - batería

 

Grabado en Audible Images Pittsburgh,PA

Fecha de publicación: 4 de octubre de 2024

 

Tania Grubbs es una cantante y compositora originaria de Ohio. Comenzó a aprender sobre jazz y el Gran Cancionero Americano mientras asistía a la Escuela de Música Dana de la Universidad Estatal de Youngstown. Su esposo, Jeff, también asistió a la misma escuela, pero los dos se conocieron en un concierto. El trabajo orquestal de Jeff llevó a la pareja a Fort Lauderdale, donde Tania impulsó su carrera cantando en clubes de jazz y actuando en numerosos escenarios de conciertos y producciones teatrales. Fue vocalista destacada de la Orquesta Filarmónica de Florida y miembro de la Orquesta Voices of the Boca Pops. En 1996, la pareja se mudó a Pittsburgh cuando Jeff obtuvo un puesto en la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh. Desde que vive en esa ciudad, Tania ha recibido cuatro veces las becas Ready for Life, fundadas por la Fundación Heinz. También ha sido vocalista destacada de la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh, Civic Light Opera, Chamber Music Pittsburgh, Pittsburgh Cultural Trust Jazz, Pittsburgh Jazz Society, Westmoreland Jazz Society, West Virginia Jazz Society, WD Packard Big Band and Concert Band y Pittsburgh Bass Symposium.

A lo largo de 2018 y 2019, Tania estrenó una serie de experiencias de conciertos innovadoras en Alphabet City de City of Asylum, donde escribió y produjo una serie de seis conciertos de 80 minutos, titulada I AM Series. Ella los explica como "minidocumentales", que involucraron colaboraciones con numerosos artistas diferentes de toda la región de Pittsburgh y más allá.

Su último trabajo hasta la fecha se titula  “The Sound Of Love” y le acompaña un cuarteto formado por el pianista David Budway (Branford Marsalis, Michael Brecker, Hubert Laws), el bajista Jeff Grubbs  (bajista de la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh, Nat Adderley, Kenny Burrell, Joe Lovano), el guitarrista Ron Affif (Kenny Kirkland, Roy Hargrove, Jeff “Tain” Watts) y el baterista James Johnson III (Kenny Garrett, Benny Golson, Ahmad Jamal, Monty Alexander).

El  álbum  se grabó en un solo día y abre con “But Not For Me” de los hermanos Gershwin. La canción comienza con un dueto de voz y batería. Las versiones cantadas de esta canción, en general, son lentas y las instrumentales más rítmicas. Tania Grubbs elige esta última forma de abordar este bonito tema.

Le sigue el clásico compuesto por Norman Gimbel y Henry Mancini, “Slow Hot Wind”. Una bonita versión con  bonitos solos de Budway y  Affif, junto a un interesante trabajo de Jeff Grubbs y Johnson.

Sin abandonar el carácter melodioso suena  “(A Rhyme) This Time” de Earl Klugh y Al Jarreau. Tania Grubbs nos muestra su preciosa voz cálida.

Sobre la siguiente canción, “ Duke Ellington's Sound of Love” de Charles Mingus, Tania Grubbs dice: “Creo que “Sound of Love” de Duke Ellington es una de las melodías más hermosas jamás escritas por Charles Mingus, o por cualquier compositor, de hecho”. Sin duda una canción nada fácil de cantar que Tania Grubbs pasa con nota.

TRania Grubbs y su marido Jeff, arreglaron originalmente “Strange Meadowlark” de Dave & Iola Brubeck como un dúo para voz y bajo, pero finalmente la adaptaron para cuarteto y así se grabó. 

“The Sculptor’s Hands”, es la única canción original de Tania Grubbs. Está inspirada en Thaddeus Mosley, escultor de madera y amante del jazz de Pittsburgh aclamado internacionalmente.

De Billy Strayhorn, oriundo de Pittsburgh, eligen la canción titulada “Something to Live For”. La versión que nos ofrecen es elegante y cautivadora.

Qué decir del famoso “Blackbird” de John Lennon  y Paul McCartney, una de las canciones de The Beatles más cercanas al jazz. La versión se ajusta bastante al original, eso sí, aplicándoles su toque personal.

“Sunshine on My Shoulders” de John Denver/Dick Kniss/Mike Taylor se convierte en manos de Jeff Grubbs, en una preciosa melodía, más compleja y llena de evocaciones.

La bonita balada “I Can Tell You Are Always There”, de David Budway y el músico de Pittsburgh,  Lou Tracey sirve para que Tania Grubbs muestre su rango vocal.

Voz y contrabajo, perfecta forma de abrir “Four” de Miles Davis y Jon Hendricks, antes de que se incorporen el resto de componentes del cuarteto. Solo impecable de Affif.

“Dreamsville” de Henry Mancini, Jay Livingston y Raymond Evans, con cierto aire bossa, nos hace soñar. Atención al solo de Jeff Grubbs.

Llegamos al final del álbum  con  la canción “If You Could See Me Now”, de  Tadd Dameron, a la que Tania Grubbs aporta la emoción necesaria, con ese estilo expresivo que la caracteriza. Bonito tema y bonita interpretación del quinteto.

El álbum cierra con “Two For The Road” de Leslie Bricusse y Henry Mancini. Un dueto de Tania Grubbs y Budway. La canción se grabó en una sola toma. Sensibilidad e intimismo por parte de ambos intérpretes.

Tania Grubbs, canta de maravilla y junto a los excelentes  músicos que le acompañan, sabe crear historias llenas de emotividad  con su precioso timbre de voz  y honestidad interpretativa.

 

La Habitación del Jazz

 

STEVE SIECK CD: Crazy That Way

 

Pistas

1.The Mystery of Love 2.Crazy That Way 3.Paris Apartment 4.Good Morning, LA 5.You Are Everything to Me 6.We Will Find a Way  7.Only Human 8.Temple of Soul 9.That Moment 10.September Seems So Far Away 11.I Still Want You So 12.We Can Get Together Again

 

Intérpretes

Steve Sieck – voz (1,2,4,6-10,12)

Tawanda Suessbrich-Joaquim - voz (5, 6), coros (1, 4, 9, 10)

Mark Winkler - voz (3)

Nicolas Bearde - voz (11)

Sidney Jacobs – voz (6)

The Perry Sisters

 -Lori, Darlene, Carol y Sharon Perry – coros (6, 8)

Dori Amarilio - guitarra

Mitchel Forman - teclados

Rene Camacho – contrabajo (1, 3-11)

Kevin Axt – contrabajo (2, 12)

Gene Coye – batería (1, 6-9, 11)

Ray Brinker – batería (2, 12)

Kendall Kay – batería (3, 5)

Chris Bailey – batería (4, 10)

Alex Budman – vientos (1, 2, 4, 6, 8-10, 12)

Dave Richards – trompeta (2, 6, 8,12)

Jeff Kaye – trompeta (4, 10),  flugelhorn (5)

Eric Jorgensen – trombón (2, 8,12)

 

Sello discográfico:  Accordant Music

Grabado en Casa Amarilio

Fecha de publicación: 25 de octubre de 2024

 

Steve Sieck es un vocalista y compositor de jazz y pop nacido en Omaha y criado en Des Moine. Sieck  ha tenido un largo y variado recorrido musical: gira por Iowa tocando en bailes para adolescentes; mudarse a la ciudad de Nueva York para apoyar a un cantautor respaldado por una importante editorial;  estudios de armonía clásica y contrapunto; una experiencia fortuita en un taller/retiro vocal en el norte del estado (Mientras trabajaba en Nueva York como consultor de estrategia empresarial, no había escrito una canción en muchos años. Al escuchar esto el líder del taller lo desafió a "escribir una canción esta noche y llamarla “Mejor tarde que nunca". Sieck escribió inmediatamente la música y la letra y recibió una respuesta entusiasta del grupo al día siguiente. En pocos años, había escrito suficientes canciones para interpretar sets completos en clubes nocturnos y cabarets en todo Nueva York); una serie de espectáculos de cabaret y jazz en Manhattan, y en 2021 una mudanza a California, atraído por la llegada de un nieto y una disposición al cambio influenciada por la pandemia. Todo esto le ha llevado a su estatus actual como compositor e intérprete en la escena musical de Los Ángeles.

Su segundo álbum, "Crazy That Way", se lanzó el pasado 25 de octubre. Incluye 12 canciones originales que abarcan el jazz pop, R&B, bossa, góspel y swing de big band. La mayoría de las canciones fueron escritas en Los Ángeles.

Resulta curioso ver como Sieck invita a otros amigos vocalistas, de jazz y góspel que tienen un protagonismo destacado en las canciones donde intervienen: El vocalista y letrista Mark Winkler (que ha lanzado 21 álbumes como líder y tiene más de 250 canciones grabadas por cantantes conocidos);  Tawanda  (ganadora del Concurso Internacional de Jazz Sarah Vaughan 2021, ahora de gira como vocalista destacado con Post-Modern Jukebox);  Nicolas Bearde (cantante y compositor galardonado y fiel del Área de la Bahía, que ahora está completando su séptimo álbum grabado) y Sidney Jacobs (vocalista de jazz, compositor, arreglista, productor y miembro más reciente del legendario grupo The 5th Dimension).

El álbum lo ha producido y arreglado Dori Amarilio que en palabras de Sieck: "entiende mi forma de escribir, aporta ideas asombrosas a cada uno de los diferentes géneros que llevo a su estudio y recurre a una red de músicos de clase mundial para ayudar a que mis canciones cobren vida por completo”. Amarilio toca la guitarra en todas las pistas.

Steve Sieck abre este álbum con la bonita bossa nova “The Mystery of Love”, sobre el viaje del amor a través de una vida. Melodía conmovedora de influencia brasileña con Tawanda en los coros.

El amor sigue siendo el tema central de este disco, y en “Crazy That Way” hace referencia a su frecuente locura.  Sieck interpreta esta canción, como es habitual en él,  con gran sensibilidad y dominio de la narración, resultando creíble. La instrumentación de big band arropa al cantante. 

Y en al amor no faltan los arrepentimientos. Mark Winkler, con un registro similar al de Sieck, canta “Paris Apartment”, un vals de jazz que cuenta la historia de dos estadounidenses en París y lo que podría haber sido...

Sieck está muy agradecido a la ciudad de Los Angeles y le dedica esta canción, “Good Morning, LA”, una carta de amor a su ciudad adoptiva.

Tawanda es la voz principal en “You Are Everything to Me”, una bonita balada romántica de amor y devoción pura.

Sigue "We Will Find a Way", el poder del amor para crear un mundo mejor. Tawanda y Sidney Jacobs comparten la voz principal en este tema, mitad góspel, mitad pop, con The Perry Sisters en los coros. 

"Only Human", una balada pop sobre la fragilidad y la pasión humanas. Un tema de sabor latino con Amarilio coloreando una vez más las canciones de Sieck.

Cambio radical con "Temple of Soul", una canción de R&B donde los vientos y los coros de The Perry Sisters son fundamentales. Tema que evoca a Earth, Wind & Fire

El amor, siempre el amor, y ese momento en el que se siente, “That Moment”, una melodía pop con aroma a jazz. 

Y que mejor época para enamorarse que el verano, "September Seems So Far Away", celebra una apasionada historia de amor de verano. Otra vez el pop con sabor a jazz.

Nicolas Bearde canta  en la romántica "I Still Want You So", una afirmación sobre el amor y pasión duraderos.

El disco cierra con "We Can Get Together Again" una alegre canción que celebra el final del impuesto aislamiento por la pandemia.

Sieck mezcla sabiamente el pop, el jazz, lo latino, la bossa y el R&B. Las influencias Donald Fagen, Stevie Wonder y Bob Dorough, son palpables.

Un disco muy agradable con canciones para disfrutar y fáciles de escuchar.

La Habitación del Jazz