viernes, 24 de enero de 2025

JOHN STEIN CD: Next Gen. Jazz for my Grandchildren

 



Pistas

1.AJ 2.Lover Man 3.Kai  4.Star Eyes 5.Ellie 6.Misterioso 7.Lidianna 8.Elyas 9.Hullo Bolinas 10.Road Song  11.Infant Eyes

 

Intérpretes

John Stein - guitarra

Ed Lucie – bajo eléctrico

Mike Connors – batería

 

Sello: Tiger Turn

Grabado el 10 y 12 de junio de 2024  

Fecha de publicación: 31 de enero de 2025

 

John Stein nació y creció en Kansas City (Missouri, EE. UU.). Recibió sus primeras clases de guitarra a los siete años y de jazz, a los trece. Trabajó en clubes locales tocando música rock y luego tomó lecciones de jazz con un pianista. A los treinta años asistió al Berklee College of Music donde fue profesor durante más de treinta y seis años. Recibió una maestría en educación de Harvard y también toca el contrabajo. Ha actuado como líder o acompañante de algunos de los mejores grupos de jazz del mundo, y sus composiciones e interpretaciones abarcan todos los estilos de jazz. Stein es un prolífico artista de grabación como líder, además de las contribuciones que ha hecho a los proyectos de otros artistas. Ha trabajado con Bill Pierce, John LaPorta, David "Fathead" Newman, Larry Goldings, Lou Donaldson, Lonnie Smith, Johnny Vidacovich, Idris Muhammad y Bob Freedman por citar unos pocos.

Ha publicado columnas educativas en Just Jazz Guitar Magazine durante muchos años que se centraban en la composición y los arreglos para guitarra de jazz. Berklee Press publicó estos materiales en un libro titulado: “Berklee Jazz Standards For Solo Guitar”. Por su parte, Stein  recopiló los materiales de composición en los  libros: “Composing Blues For Jazz Performance” y “Composing Tunes For Jazz Performance”.

El trío lo forman junto a John Stein, el contrabajista Ed Lucie (Buddy Rich, Stevie Wonder, Boston Symphony Orchestra, Boston Pops, Peter Bernstein…) profesor en Berklee y el baterista Mike Connors, que ha realizado giras internacionales con muchos grupos de jazz, rock y avant-pop, actuaciones para varios programas de televisión y bandas sonoras de películas. El trío nació durante la pandemia,  cuando comenzaron a tocar en conciertos esporádicos al aire libre. La química musical y de amistad entre ellos es palpable.

Stein publica el próximo 31 de enero “Next Gen. Jazz for my Grandchildren”, su segundo álbum con  este trío y  el número diecinueve de su carrera. Este lanzamiento tiene un significado muy especial para Stein, porque ha compuesto cinco de las once canciones para sus cinco queridos nietos.

Según explica Stein: “El año pasado, el trío lanzó una grabación llamada “No Goodbyes”. Cuando les di copias a mis hijas y sus familias, una de ellas dijo: “Buen papá… pero ¿cuándo vas a escribir música para tus nietos?”. Así que eso me obligó instantáneamente a hacer otra grabación. Aquí está, Next Gen, con una canción dedicada a cada uno de mis nietos. Las cinco melodías originales de este disco llevan el nombre de uno de ellos. Por lo general, cuando compongo música, pienso en cuestiones musicales de melodía, armonía, ritmo, groove, tempo, etc. Una vez que termino una nueva melodía, busco un título para ella, lo cual es realmente independiente del proceso de composición. En este caso, sin embargo, tenía los títulos de antemano, los nombres de mis nietos. Y algo más que tuve en cuenta: sus personalidades. Hay algo de cada niño en la estructura de la canción en sí, y también en la forma en que me inspiro para tocar en cada una de estas melodías”.

El álbum comienza con “AJ”, compuesta en honor de una de sus enérgicas nietas. Un blues que comienza con la  línea del bajo de Lucie, que nos brinda un notable solo, con Connors por detrás empujándolo. Un excelente inicio.

Stein intercala las composiciones dedicadas a sus nietos con estándares, como “Lover Man”, del que hace una elegante y relajada versión.  

Una nueva canción dedicada a sus nietos, en esta ocasión  "Kai", su nieto mayor que es un corredor rápido en el equipo de atletismo de su escuela. Un tema enérgico que describe a la perfección esa circunstancia.

Stein incluye dos canciones dedicadas a los ojos. Una “Star Eyes” con ritmo latino que da paso a “Ellie", compuesta para su nieta más joven, una niña de dos años alegre y llena de energía. Escuchando la batería de Connors, el bajo de Lucie y la guitarra de Stein podemos imaginarnos a  la nieta de Stein corriendo de un lado a otro y haciendo más de una travesura.

Sigue el famoso “Miserioso” de Monk, un blues lento e hipnótico que el trío borda.

La alegre “Lidiana” es otra composición de Stein, en este caso junto a Lucie, a ritmo de bossa, dedicada a otra de sus nietas, de personalidad relajada y espíritu sereno y ojos brillantes, como este tema.  

Su segundo nieto se llama Elyas y a él está dedicada esta canción que lleva su nombre. Una personalidad  coqueta,  tranquila, inteligente y algo arrogante.

Lucie es una gran fan de Steve Swallow, por lo que el grupo incluye su composición  "Hullo Bolinas", un tema en modo vals.

Stein considera a Wes Montgomery una de sus mayores influencias junto a Jim Hall. Por ello incorpora el inolvidable “Road Song”de Montgomery. Swing a raudales.

El álbum cierra con el segundo tema dedicado a los ojos, "Infant Eyes" de Wayne Shorter, una bonita balada, que de alguna manera Stein dedica a todos sus nietos y niños pequeños.

Un disco entrañable, muy bonito y que rebosa amor.

La Habitación del Jazz


martes, 21 de enero de 2025

MON DAVID CD: DNA Continuum

 


Pistas

1.Long As You're Living 2.Blowin In The Wind 3.A Time For Love/Ecclesiastes 3:1-8 4.Four 5.Spirit 6.The Two Lonely People 7.Duke and Billy 8.Murky! (In Praise of Mark Murphy) 9.Luiza 10.Kapampangan Suite/Pamakikalu, Tanaman 11.Scars

 

Intérpretes

Mon David - voz

Josh Nelson – teclados

Larry Koonse – guitarras (1,2,3,4)

 

Grabado en Big City Recording Studio, Granada Hills, California, en mayo-julio de 2024.

Fecha de publicación: 25 de octubre de 2024

 

Mon David es un galardonado vocalista de jazz, compositor, arreglista, músico, poeta y artista visual filipino-estadounidense radicado en Estados Unidos. Comenzó a tocar la batería y la guitarra a los 15 años, y cantaba melodías pop y canciones de teatro musical. Se introdujo al jazz cuando un amigo le dio una copia de una grabación de Mark Murphy, que le dejó una impresión indeleble. En la Facultad de Música de la Universidad de Filipinas estudió  voz clásica, arreglos y composición. David se convirtió en músico de sesión, tocando la batería y haciendo giras con muchas estrellas del pop.

En 2006  ganó el Concurso Internacional de Jazz Vocal de Londres, superando a otros 106 concursantes de 27 países. Fue contratado por el sello Candid, con sede en el Reino Unido, para grabar el estupendo álbum "My One and Only Love". Luego se mudó con su familia al sur de California, donde se concentró en tocar música jazz en clubes. Ha actuado con leyendas del jazz como David Benoit, Eric Marienthal, Tina May, Lee Gibson, Bobby Enriquez, Boney James, Peter White, Michael Paulo, Kristin Korb, Theo Saunders, Pasadena Jazz Big Band, Chuck Manning y el Pete Churchill Trio, entre otros.

Ha estudiado el arte vocal de los grandes cantantes de jazz, entre los que se incluyen, entre otros, Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Frank Sinatra, Mel Torme, Tony Bennett, Mark Murphy, Jon Hendricks y grupos como Manhattan Transfer. También ha estudiado y aplicado a su música los principios del jazz de Thelonious Monk, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Miles Davis, Horace Silver, John Coltrane y Antonio Carlos Jobim, por nombrar algunos.

David  ha lanzado “DNA Continuum”, una continuación del álbum “DNA” (David.Nelson.Agreement), publicado en 2020. Un proyecto de dúo que contó con la participación del pianista y compositor Josh  Nelson, quien ha tocado y grabado con algunos de los nombres más respetados del jazz y del mundo, entre ellos Natalie Cole, Ivan Lins, Anthony Wilson, George Mraz, Jeff Hamilton, Walter Smith III, Dayna Stephens, Eddie Daniels, Sinne Eeg, Richard Galliano, Kurt Elling, Michael Buble, Tom Scott, Benny Golson, Sheila Jordan, Kenny Washington, Greg Hutchinson, John Clayton, John Pizzarelli, Rufus Wainwright y Lewis Nash. Colaborador habitual de la vocalista Sara Gazarek, ha realizado giras por el mundo durante seis años con la vocalista Natalie Cole.

David dice: "Tocar con Josh es un sueño hecho realidad. Cuando toca con un cantante u otros instrumentistas, su música tiene una calidad casi sinfónica. Como escucha tan de cerca a sus compañeros de banda, realmente no necesitábamos partituras para el primer disco de DNA porque pudimos colaborar y crear en el momento".

En este nuevo trabajo, David y Nelson invitan al guitarrista Larry Koonse que participa en cuatro de los cortes del disco. Koonse, nació en una familia de músicos. Ha estado tocando la guitarra desde que tenía siete años. En sus primeros años estudió con el legendario maestro de la guitarra Jimmy Wyble, y a la edad de quince años grabó un álbum con su padre, el guitarrista Dave Koonse, titulado “Dave and Larry Koonse”. Inmediatamente después de graduarse de la USC, realizó una gira durante seis años como miembro del cuarteto John Dankworth, viajando por todo el mundo y acompañando a Cleo Laine. Es miembro del sexteto de cámara de Billy Child. Ha recibido múltiples nominaciones al Grammy. Ha tocado y/o grabado con Mel Torme, Bob Brookmeyer, Billy Childs, John Patitucci, David Friesen, Karrin Allyson, Luciana Souza, Natalie Cole, Bob Mintzer, Tierney Sutton, Peter Erskine, Hubert Laws, Warne Marsh entre otros y con la Orquesta Percy Faith, Cleo Laine, Jimmy Rowles, Lee Konitz, Larry Goldings,  Alan Broadbent, Ray Brown, Bill Perkins, Toots Thielemanns, Rod Stewart, Linda Ronstadt, David Friesen, Bob Sheppard, Bob Mintzer, Warne Marsh, Charlie Haden, Natalie Cole y muchos otros artistas de jazz. Ha participado en más de 400 álbumes.

A propósito de Koonse David dice: “Siempre estoy buscando nuevos caminos creativos y quería explorar otras posibilidades de tocar con una banda básica, así que incorporé a Larry. Realmente admiro a Larry; su enfoque es siempre de buen gusto y elegante. Él y Josh suelen trabajar juntos, y se puede escuchar su enfoque simpático con sus acompañamientos y hermosos solos”.

Ya desde la primera canción del disco, podemos apreciar la calidad interpretativa de David. En el alegre y divertido “Long As You’re Living”, David nos recuerda a sus ídolos  Jon Hendricks, Mark Murphy y Kurt Elling.  Con un scat de primera clase y un fraseo excelente, junto al extraordinario piano de  Nelson y la guitarra de Koonse, que aparece por primera vez en el disco.    

Sigue “Blowin’ In The Wind”, de Bob Dylan, de la que hace una versión conmovedora, con Koonse aportando una sensibilidad que engrandece la versión.

"A Time for Love", de Johnny Mandel comienza con David recitando el libro del Eclesiastés, con Koonse por detrás. Otra preciosa versión llena de emotividad.

Cambio radical con el tema de Miles Davis y Jon Hendricks, "Four", donde Koonse hace su cuarta y última aparición. David siente lo que canta, y eso lo transmite al oyente, haciéndonos partícipes de ese sentimiento.

Nelson firma el siguiente tema titulado “Spirit”. David canta sin letras como si se tratara de un instrumento más. Nelson dobla al piano y teclados.

Para David la voz humana es el instrumento principal para expresar la profundidad emocional de una canción, estando el  piano en un segundo lugar. Y eso nos lo muestra en  “The Two Lonely People” de Bill Evans y Carol Hall, una triste canción con una hermosa melodía.

Nelson y David han compuesto juntos una melodía que rinde homenaje a Duke Ellington y Billy Strayhorn, a la que han llamado “Duke and Billy”. Un precioso dueto de voz y piano.

David compone “Murky! (In Praise of Mark Murphy)”, una canción tributo a uno de sus referente,  Mark Murphy. David de nuevo muestra sus cualidades como improvisador y con el scat. 

“Luiza” de Antonio Carlos Jobim, la interpreta en portugués y consigue una versión convincente.

David habla tres idiomas: el inglés, el tagalo, idioma nacional de Filipinas y pampango, un idioma que se habla en la parte norte de Filipinas, donde nació y se crio. La canción "Pampango Suite: Pamakikalu/Tanaman" la interpreta en ese idioma materno. David pone la música a un poema de un poeta filipino popular. David y Nelson nos emocionan con esta conmovedora canción.

David dice de Nelson: “Josh es una joya musical poco común. Disfruto de la belleza de su naturaleza intuitiva, su toque sensible, su gusto amplio y su genio creativo. Estoy agradecido y afortunado de tener la maravillosa oportunidad de colaborar con él”. Escuchen el cierre del álbum, “Scars”, una balada de Fran Landesdman y comprenderán porqué lo dice. Un emotivo y digno cierre. 

David sabe sondear las profundidades emocionales de una canción y si ésta no las tiene, las crea.

La cantante de jazz y pianista Dianne Schurr ha dicho de Mon David: “Su técnica es impecable pero tiene convicción emocional, una combinación brillante que no muchos cantantes tienen hoy en día. Tiene una larga y maravillosa aventura por delante aquí en los EE. UU. y en otras partes del mundo”.

David cree, y compartimos esa opinión, que el arte de la poesía, la música y el jazz pueden ayudar a lograr una conexión humana profunda entre personas de diversas partes del mundo.

Es un privilegio poder disfrutar de intérpretes de la calidad de David, Nelson y Koonse.   

La Habitación del Jazz


jueves, 16 de enero de 2025

Javier Rojo CD: Música para amansar fieras

 


Pistas

1.Black, White and Colours 2.Late April 3.Lonely Night 4.Riba 5.Clemirunas 6.Coefusión Monstruosa 7.Plátanos, Aguacates y Naranjas 8.Música Para Amansar Fieras 9.Yolanda 10.Lonely Night (Alternate Take)

Intérpretes

Javier Rojo – saxo tenor

Álvoro Ocón – trompeta

Eliott Knuets - guitarra

Noé Sécula - piano

Joan Codina – contrabajo

Genius Wesley – batería

Fernando Brox – flauta (4)

 

Sello discográfico: Fresh Sound.

Grabado en Jazzcampus, Basilea, Suiza, en el verano de 2024.

Fecha de publicación: 10 de enero de 2025.

 

El  saxofonista, clarinetista y compositor Javier Rojo nació en Guadalajara (España) y actualmente reside en Basilea (Suiza).

Rojo ha compartido escenario con renombrados artistas como Lionel Loueke, Chano Domínguez, Carles Benavent, Aaron Parks, Marc Miralta entre otros, actuando en festivales de Suiza, Austria, Canadá y dentro de la escena española en festivales como el de Cádiz, Córdoba, Elche, Begur, Guadalajara, Teatre Coliseum (Festival Mas i Mas), Jamboree Jazz Club o La Pedrera.

Actualmente está finalizando su Master en Interpretación en el Jazzcampus de Basilea, con mentores de la talla de Mark Turner, Brad Mehldau, Jorge Rossy, Larry Grenadier, Jeff Ballard, Chris Cheek o Ambrose Akinmusire.

Acaba de lanzar su álbum debut titulado “Música Para Amansar Fieras”, en formato sexteto, junto a cinco músicos emergentes. El sexteto, nacido en el prestigioso Jazzcampus de Basilea (Suiza), está formado por Javier Rojo (saxofón);  el pianista francés Noé Sécula (Brad Mehldau, Jorge Rossy, Larry Grenadier…); el guitarrista Eliott Knuets (Wynton Marsalis, Aaron Parks, Jorge Rossy…); el baterista y percusionista norteamericano Genius Wesley (David Binney, Gerald Clayton, Sean Jones, Buster Williams, Azar Lawrence…); el contrabajista español Joan Codina (George Garzone, Joel Frahm, Perico Sambeat, Jason Palmer, Enrique Oliver, Tony Lakatos, Joe Farnsworth …) y el trompetista español Álvaro Ocón (Perico Sambeat, Django Bates, Gorka Benítez, David Xirgu, Horacio Fumero, Lluis Vidal…).

Como artista invitado figura el español Fernando Brox (Ernesto Aurignac, Horacio Fumero, Perico Sambeat, Toni Belenguer, Jorge Rossy, Ramón Prats, Martin Leiton,  Dimitri Skidanov, Aldo Cavigglia, Manel Fortiá, Lionel Loueke, Miguel Zenón, Elena Pinderhuges, Aaron Parks, Wolfgang Muthspiel, Guillermo Klein, Joe Lovano, John Patittuci, Danilo Perez…)

Siete jóvenes músicos con una gran experiencia a pesar de su juventud.

El disco fue grabado en el verano de2024 en el Jazzcampus, Basilea, Suiza, tras una gira de más de quince días por España, iniciada en junio de ese mismo año.

El repertorio del sexteto está se compone de temas  compuestos por Rojo  y otros miembros de la banda. En el caso concreto  de este álbum, todos los temas llevan la firma de Rojo.

En palabras de Rojo “Este álbum es el resultado de un viaje profundo y revelador. Este álbum no solo marca un hito en mi carrera como líder, sino que también representa una búsqueda continua de mi propia identidad musical. Cada nota, cada melodía, encarna las experiencias y emociones que he vivido a lo largo de los últimos cinco años desde que comencé a tocar el saxofón. Elaborado con el máximo cuidado, este álbum busca expresar mis sentimientos más auténticos, imprimiendo lo más profundo de mí en cada composición, cada una de las cuales tiene un significado profundo y personal”.

La conexión personal y profesional que comparten los componentes del sexteto es esencial para entender el resultado final de este trabajo. Y eso es patente desde el primer corte del disco, “Black, White, and Colours”, una vibrante pieza con la trompeta de Ocón y la guitarra de  Knuets como protagonistas. Rojo aporta al saxo un sonido aterciopelado que nos hace recordar los sonidos de la Costa Oeste.

En la breve “Late April” el grupo de deja llevar por la improvisación con un tema recurrente que se mantiene a lo largo de su desarrollo.

Rojo escribió “Lonely Night” durante un período emocionalmente intenso, utilizando la composición como una forma de procesar sus sentimientos, en muchas ocasiones a altas horas de la noche. Sécula, al piano, plasma esos sentimientos a la perfección. Wesley y Codina “a por todas”. Rojo nos brinda otro momento especial al tenor.

Con “Riba” rinde homenaje al pueblo de su madre, Riba de Saelices, un lugar que considera su hogar. Este corte cuenta con la intervención del invitado Fernando Brox a la flauta que aporta ligereza y frescura.

“Clemirunas” es una deliciosa composición, introvertida, con un saxo tenor pletórico de sentimientos y un solo de Codina, secundado por Sécula, que intensifican el sentimiento de dolor que transmite este tema.    

“Coefusión Monstruosa” sigue la línea argumental del tema que abre el álbum, un tema de grupo.

En “Plátanos, Aguacates y Naranjas” se lanzan por la pendiente, sin frenos, donde todos brillan y en especial lo solos de Rojo y Sécula.

Le sigue “Música Para Amansar Fieras”, una composición que Rojo dedica a sus primos jóvenes, niños pequeños cuya energía inquieta se calmaba solo con su interpretación del piano. A modo de canción de cuna, el saxo y el piano, seguidos de la guitarra, van tejiendo una tela de clama y sosiego que sin duda consigue los  objetivos marcados. 

“Yolanda” es un tema alegre, que como un tren arrolla todo a su paso. Brillantes solos y acompañamientos.

El disco cierra con una toma alternativa de “Lonely Night”.

 

Sus colegas rebosan calidad y la interacción entre todos ellos es total, dando como resultado un sonido internacional.

Rojo proporciona al saxo un sonido especialmente suave, personal, sus composiciones tienen cuerpo y sus improvisaciones son enérgicas, naturales y coloridas.  

“Música Para Amansar Fieras” es un excelente álbum debut, de un excelente sexteto al que hay que seguir de cerca.

La Habitación del Jazz


lunes, 13 de enero de 2025

Elin Forkelid CD: Songs to Keep You Company on a Dark Night

 


Pistas

1.Music For Four 2.Landslide 3.Ytterligheter 4.Anemoia 5.Introducing 6.Revisiting 7.Ida Lupino

Intérpretes

Elin Forkelid – saxo tenor, saxo alto, saxo barítono

Tobias Wiklund – trompeta, corneta

David Stackenäs – guitarra

Mats Dimming – contrabajo

 

Sello discográfico: Sail Cabin Records

Grabado en Atlantis Metronome, Stocolmo, Suecia, el 12 de enero de 2024.

Fecha de publicación: 15 de noviembre de 2024

 

Elin Forkelid (de soltera Larsson) nació en el sur de Suecia. Comenzó a tocar el saxofón a la edad de 14 años, después de haber cantado previamente en coros y tocado el piano. A los 20 años de edad se mudó a Estocolmo para estudiar saxofón y jazz en el Royal College of Music de esa ciudad. Comenzó con su primera banda propia, Elin Larsson Group, con la que editó su álbum debut “Live And Alive” (Playing With Music/Border 2009). En 2010, la radio sueca de jazz la nombró Revelación del año.

A su debut le siguieron los álbumes “Let You In” (Playing With Music/Border 2011) y “Growing Up” (Playing With Music/Border 2013). En 2013 recibió otro prestigioso premio, el Premio Lars Gullin, en reconocimiento a su trabajo en favor del desarrollo del jazz sueco.

Entre otros proyectos formó el cuarteto Sol Sol con David Stackenäs, Mauritz Agnas y Anna Lund, que lanzó dos álbumes. También es miembro de Anna Högbergs Attack, PACE y del Oya Sextet. Ha actuado con Lina Nyberg, Susana Santos Silva, Jan Allan, Anne Paceo, Rigmor Gustafsson, Georg Riedel, Lena Willemark y muchos otros. En 2019 recibió el Jazzkannan del Riksförbundet Svensk Jazz. También ha actuado con la orquesta FIRE! de Mats Gustafsson. Actualmente trabaja principalmente con su propia banda Elin Forkelid Plays For Trane, un quinteto que toca interpretaciones voluntarias de la obra del gigante del jazz, John Coltrane.

En 2020, fundó su propio sello discográfico, Sail Cabin Records, para lanzar sus propios proyectos. Durante los últimos 15 años, ha sido una voz destacada en la escena del jazz y la improvisación suecos.

Ha recibido elogios por sus habilidades como compositora. Le gusta componer para distintas formaciones y se centra en las individualidades de los músicos para los que compone en ese momento.

Hoy en día se encuentra en un punto intermedio entre el jazz, el free jazz y la improvisación libre. Su curiosidad y su amor por el arte de la improvisación la llevan a conocer nuevos lugares y rostros. Está casada con el pianista Adam Forkelid.

Su nuevo disco se llama “Songs to Keep You Company on a Dark Night” y está inspirado en el álbum “Angel Song” (ECM, 1997) del trompetista Kenny Wheeler que grabó junto a Lee Konitz, Dave Holland y Bill Frisell; un disco que ha acompañado durante mucho tiempo a Forkelid quien afirma: “Para este álbum, quería tomar un camino diferente. Quería explorar otro lado de mí y de mi arte. A veces pienso en que cada ser humano está lleno de contradicciones; cada personalidad consta de tantos lados diferentes, pero a veces tendemos a olvidarnos de eso y nos limitamos. Sin embargo, una cosa que todos los seres humanos tienen en común es la necesidad de consuelo de vez en cuando. Escribí estas canciones como un intento de llevar un poco de consuelo a quien lo necesite. Algunas canciones sencillas para hacerte compañía en una noche oscura”.

Este trabajo es el cuarto álbum de Sail Cabin Records. Además del guitarrista David Stackenäs, colaborador habitual de Forkelid, el álbum cuenta con la participación del trompetista Tobias Wiklund y el bajista Mats Dimming. No hay baterista ni percusionista.

El proyecto se lanzó en un concierto durante el Festival de Jazz de Estocolmo de 2023.

El álbum incluye siete canciones, cinco compuestas por Forkelid, una de Carla Bley, la titulada "Ida Lupino" y "Landslide" de Stevie Nicks del repertorio de Fleetwood Mac.

 El comienzo del álbum es relajado. La composición de Forkelid “Music For Four” es una delicada canción donde la guitarra de Stackenäs acompaña el diálogo entre el saxo de Forkelid y la corneta de  Wiklund, mientras  Dimming nos hace olvidar la ausencia de percusión. El resultado es un excelente trabajo de conjunto.    

Sigue el tema pop de Stevie Nicks, “Landslide” a la que dotan de un fuerte sabor jazzístico. La corneta de  Wiklund lleva el peso del tema, en compañía de Forkelid, mientras Stackenäs y Dimming aportan la esencial rítmica.

Cambio radical con la alegre y vibrante “Ytterligheter”. La corneta y el barítono establecen un  diálogo en lo más alto. La guitarra y el contrabajo les animan a ello. Un tema lleno de swing, improvisación y frescura.

"Anemoia" es una bonita balada de Forkelid en la que la guitarra marca la entrada dando paso al contrabajo de Dimming con arco, cuyo profundo sonido contrasta con el sonido claro de la guitarra. Wiklund hace un hermoso solo, como si de una vocalista se tratara. El solo de Stackenäs, con estilo roquero,  aviva al resto de compañeros, elevando el tono de la canción. Una preciosa composición de Forkelid.

“Introducing” comienza con una fanfarria y fragmentos improvisados. Dimming establezca la base rítmica a seguir. Tema trepidante en la que los cuatro músicos dejan claro su valía interpretativa y su capacidad de improvisación.

Estamos llegando al final, y lo hacemos con "Revisiting", la quinta composición de Forkelid en este interesante álbum. La canción abre con un solo de Stackenäs acompañado de Dimming. Los vientos comienzan de un modo algo tímido pero, a medida que avanza el tema, van tomando protagonismo en base a sus improvisaciones. Una bella balada.  

El cierre del disco es “Ida Lupino”, un clásico de Carla Bley. Forkelid con el barítono, protagonista y el solo de Stackenäs que reinventa la melodía. Un tema agradable que es un final brillante a un álbum equilibrado.

Elin Forkelid muestra sus dotes como intérprete, compositora y líder de banda, sabiendo permanecer al margen y dando el protagonismo a sus compañeros o tomando el liderazgo interpretativo según convenga.

“Songs to Keep You Company on a Dark Night” es un excelente trabajo de un excelente cuarteto.

La Habitación del Jazz

 


jueves, 9 de enero de 2025

Josep Suquet trío CD: Supervival

 


Pistas

1.Supervival 2.The Day of the Broken Mirror 3.Dreams 4.Impressions íntimes (I) 5.A Thousand and One Nights 6.8 d’Abril 7.Bossa Pra Você 8.Alfonsina y el Mar 9.28

 

Intérpretes

Josep Suquet - piano

Ot Granados - contrabajo.

Rubén Bueno - batería.

 

Sello discográfico: Seguell Microscopi  

Grabado en los estudios Sol de Sants, los días 18 y 19 de julio de 2024.

 

El pianista y compositor Josep Suquet nació en Palafrugell (Girona, España); actualmente reside en Barcelona. Estudió derecho en Barcelona. Desde pequeño estudió piano y más adelante piano jazz en diversas escuelas de música, incluidas el Aula de Música Moderna y Jazz, El Taller de Músics y el Conservatorio de Liceo de Barcelona, donde se graduó en grado superior en piano jazz.

En el año 2021, Suquet publicó el álbum “Impressions”   con la participación de Curro Gálvez en el contrabajo y Pablo Gómez en el cajón. Este disco recoge cinco canciones originales y dos versiones con arreglos propios del autor.

Durante cuatro años vivió en Berlín, Alemania, lugar donde participó en varios proyectos musicales y artísticos. Ha tocado en diversas formaciones de jazz, tanto en la capital alemana como en Cataluña. En Berlín publicó el EP “End of Summer”, bajo el seudónimo de Jovyn, junto al productor británico Kelvyn Hallifax. El álbum incluye composiciones propias en el ámbito de la música jazz, pop y electrónica.

También ha compuesto música para el sector audiovisual así como un cortometraje de animación de la conocida artista húngara Melinda Szabó-Nyulász. Esta composición la ejecutó él mismo en directo, al piano en el Festival Interfilm de 2018, en el icónico teatro Volksbühne de la capital alemana.

Josep Suquet Trío lo forman el propio Josep Suquet al piano, Ot Granados en el contrabajo y el canario Rubén Bueno a la batería, todos ellos destacados músicos de la actual escena del jazz barcelonesa. Acaban de presentar su último trabajo titulado “Supervival”. El título es una palabra inventada que simboliza la resiliencia humana frente a la adversidad, es una celebración de la energía creativa, aquella que nos empuja a superar nuestros obstáculos. Y eso es precisamente lo que nos transmite el primer corte del disco, el que da título al disco. Una mezcla de sonidos latinos, incluso de copla en ocasiones, unidos a elementos de jazz moderno.

En “The Day of the Broken Mirror” la repetición de un tema sirve de canalización al resto de la composición, una bonita pieza que nos parece haber escuchado antes. El tercer corte, “Dreams” sigue un patrón-argumento similar al anterior, con un interesante solo de Granados. Suquet introduce “Impressions íntimes (I)”, un fragmento de una pieza de mayor duración compuesta por Federico Mompou,  incorporándose posteriormente Granados y Bueno, a la que aplican el baño del jazz pero conservando el espíritu original.

“A Thousand and One Nights” es una obra de corte más clásico, donde los giros flamencos son patentes, para terminar con un atractivo tema repetitivo.

Le sigue “8 d’Abril” que tras una introducción un tanto plana, cambia a una melodía en forma de copla sin más.  

Suquet introduce “Bossa Pra Você” en modo clásico, derivando inmediatamente a un ritmo brasileño que se mantiene hasta la conclusión del tema.

La famosísima, y preciosa, composición de Ariel Ramírez con letra de Félix Luna titulada “Alfonsina y el Mar” es versionada por el trío que aporta su firma personal, pero conservando en gran medida el espíritu de sus creadores.

El último tema se titula “28”, la pieza más breve del álbum. Una composición que transmite nostalgia  y que sirve de cierre de un trabajo digno y bien elaborado.

 

La Habitación del Jazz

   


martes, 7 de enero de 2025

Nordsnø Ensemble (feat. Kit Downes) CD: | ett omaka par

 


Pistas

1.Början 2.Hopp 3.Tvivel 4.Tro 5.Midnattssol 6.Älvdans 7.Slutet

Intérpretes

Anna Berglund – voz

Vincent Dombrowski – saxo, flauta

Ken Dombrowski – trombón

Lucy Liebe – guitarra

Sandro Sáez - piano

Vincent Niessen – contrabajo

Johannes Metzger – batería

Lukas Schwegmann - percusión

Invitado

Kit Downes – órgano

 

Sello discográfico: STS|STS Records

Grabado en mayo de 2022, en la iglesia Phillipus & Rimbert en Hamburgo, Alemania.

Fecha de publicación: 13 de diciembre 2024

 

El galardonado octeto alemán Nordsnø Ensemble publicó “Nordsnø Ensemble“(2016) y  “om svalor och smältvatten“ (2020). Manteniendo una periodicidad de cuatro años, acaba de publicar su tercer trabajo titulado “ett omaka par“(Una extraña pareja). Los tres en el sello STS|STS Records.

El disco fue grabado durante dos días en la iglesia Phillipus & Rimbert en Hamburgo, y muchas de las pistas fueron capturadas en vivo frente al público asistente.

Nordsnø Ensemble es conocido por fusionar el  folclore escandinavo y jazz contemporáneo, consiguiendo un nuevo sonido especial.

El grupo está formado por Anna Berglund en la voz, Vincent Dombrowski en el saxofón y la flauta, su hermano Ken Dombrowski en el trombón, Lucy Liebe en la guitarra, Sandro Saez en el piano, Vincent Niessen en el bajo, Johannes Metzger en la batería y Lukas Schwegmann en la percusión.

Como artista invitado figura el pianista/organista  británico, nominado al Mercury Prize, Kit Downes, reconocido por su trabajo con el grupo “Enemy” y su aclamado álbum “Obsidian” en el sello ECM. La incorporación de Downes, agrega profundidad, tensión y emoción, mediante la interpretación del órgano de iglesia.

La música del álbum está compuesta por el saxofonista Vincent Dombrowski y las letras son de Anna Berglund.

El grupo mezcla con maestría el folclore escandinavo y el jazz contemporáneo.

Las letras, escritas en sueco, surgieron a través de entrevistas con cada miembro de la banda sobre el concepto de "pares desiguales". Algunas son recitadas y otras cantadas, creando escenarios sonoros etéreos y místicos de gran profundidad como en el tema que abre el disco, “Början”.

En el precioso tema titulado “Hopp”, el folclore escandinavo está presente. Los vientos aportan un exquisito sonido medieval junto a la delicada voz de Berglund. A destacar el contrabajo de Niessen y guitarra de Liebe.

En “Tvivel”, durante los primeros cinco minutos del tema, Downes nos envuelve con el sonido majestuoso del órgano de iglesia. Su fuerte sonido nos traslada a épocas ancestrales. Luego la flauta de Vincent Dombrowski da paso al resto de instrumentos.

Tras el huracán, “Tro” aporta tranquilidad y sosiego en uno de los temas que más jazz contienen. 

“Midnattssol” es un tema complejo, con mucho rock duro y alternativo, en claro contraste con el anterior corte del disco.

“Älvdans” cuenta de nuevo con Downes que abre este tema lleno de giros jazzísticos con un acertadísimo Vincent Dombrowski, una sensual Berglund y una sección rítmica potente.

El disco termina con “Slutet” que introduce Niessen. Berglund recita, de fondo sonidos que asemejan un intenso tráfico y ruidos chirriantes de otro planeta. Pero mediado el tema, el piano da paso a los vientos de los hermanos Dombrowski que nos introducen en un mundo diferente, orquestal, cinematográfico. Finalmente Belgrund canta amorosamente una bella canción de nana que cierra la canción.

El grupo Nordsnø Ensemble, en su nuevo trabajo “ett omaka par“crea en el oyente estados de ánimo místicos con sus canciones populares escandinavas salpicadas de jazz, todo ello con un gusto exquisito. Pura música, con una  hermosa voz y excelentes arreglos.

La Habitación del Jazz


jueves, 2 de enero de 2025

ARBOR CD: Arbor

 


Pistas

1.Polygona 2.Fundamental 3.In Shambles 4.Sketch 5.Counterfactual 6.Blues 7.Dream Machine 8.Nicotine

 

Intérpretes

Michalis Tsiftis – guitarra

Yiannis Vagianos – contrabajo

Yiannis Papadpoulos - piano

Nick Thessalonikefs - batería

 

Grabado en enero de 2024 en Sierra Studios, Atenas, Grecia 

Fecha de publicación: 6 de diciembre de 2024

 

ARBOR (árbol en latín) es un grupo griego de jazz contemporáneo de reciente creación, como respuesta a los incendios forestales que han asolado Grecia cada verano durante décadas y como protesta contra la mala gestión y la destrucción de los hábitats naturales del país. El grupo  está formado por cuatro de Atenas y Ámsterdam. ARBOR está liderado por el guitarrista Michalis Tsiftis y el pianista Yiannis Vagianos. Ambos se conocieron en los Premios de Jazz Franco Ambrosetti en 2022 (donde ganaron el primer y el segundo premio), estableciéndose una afinidad musical instantánea, de tal modo que en el invierno de 2023 decidieron formar el cuarteto. Michalis Tsiftsis se graduó en la Universidad Jónica, donde estudió guitarra de jazz. Durante sus estudios se convirtió en miembro de la escena de jazz de Atenas. Luego se mudó a Nueva York para continuar sus estudios en la Manhattan School of Music, mientras enseñaba en la Wheels School. Fue miembro del Baby Trio de George Kontrafouris. También colaboró, entre otros, con Dimitris Tsakas, Takis Paterelis, Dimitris Papadopoulos, Yiannis Papadopoulos y Billy Pod. En 2017 formó el grupo Chieftet. También formó un trío con Kimon Karoutzos y Panagiotis Kostopoulos. Además, es miembro del grupo Billy Pod's.

Yiannis Vagianos nació en Atenas. Tras finalizar sus estudios de ingeniería en Grecia, se trasladó a Róterdam para cursar un Grado en Interpretación de Jazz. Tiene una licenciatura en Música (Contrabajo de Jazz) por la Universidad de las Artes de Codarts. Actualmente es estudiante de Máster (Contrabajo de Jazz) en el Conservatorio de Ámsterdam. Durante su estancia en los Países Bajos ha estado actuando por todo el país con numerosos proyectos de diferentes estilos musicales que abarcan, entre otros, el jazz tradicional, el jazz moderno, la música del mundo, la música clásica, la música turca, la latina, etc. Además, ha realizado varias giras con la Codarts Young Talent Big Band, con el CHI Quartet y ha grabado con varios proyectos y compositores (la última fue para la banda sonora del cortometraje "54"). También es un educador activo, dando clases particulares de contrabajo, bajo, teoría musical y entrenamiento de bandas.

Yiannis Papadopoulos nació en Atenas. Se graduó en la Escuela de Música de Palini. Luego estudió música de jazz en el Departamento de Estudios Musicales de la Universidad Jónica con Dimitris Kalantzis, George Kontrafouris y Dimos Dimitriadis. Desde 2010, cuando regresó a Atenas, comenzó a colaborar con la mayoría de los músicos de jazz griegos más importantes, así como con artistas internacionales, como J.D Walter, Manfred Schoof, Jean-Loup Lognon y Tivon Pennicott. Es miembro fundador del Next Step Quintet. Su primer álbum personal titulado "Mirrorself" se lanzó en 2021.

Nick Thessalonikefs nació en Atenas. A los 14 años empezó a estudiar música en una escuela privada local. En 2008 entró en el Instituto Tecnológico de Atenas para estudiar “Conservación de Antigüedades y Obras de Arte”. Ese mismo año se convirtió en alumno de la Escuela de Música Moderna, donde asistió a cursos privados con el instructor de batería Michael Kapilidis, quien lo inspiró y lo introdujo en el mundo de la música jazz. En 2009 se unió a un programa de estudios de dos años “Programa Profesional de Batería” y en 2011 se graduó con honores. En 2014 se mudó a Ámsterdam y fue admitido en el programa de Licenciatura de Jazz en el Conservatorio de Ámsterdam. Es miembro fundador del trío de piano “Canvas”, con el que lanzó el álbum “Common Ground” en 2017 y “Transitions” en 2018. En 2018 se graduó con honores en el programa de licenciatura del Conservatorio de Ámsterdam.

El álbum  debut de ARBOR lleva el nombre del grupo, “Arbor” y está integrado por ocho temas originales. Tsiftsis y Vagianos aportaron algunas ideas y composiciones antiguas que fueron completadas por piezas escritas específicamente para este cuarteto. Desde el principio, ambos músicos se involucraron en este proyecto y lo apoyaron con todas sus fuerzas.

El álbum abre con la dinámica y rítmica “Polygonal”. Interesante fraseo de  Papadpoulos al piano que dialoga con la guitarra de Tsiftis. Vagianos y  Thessalonikefs les apoyan rítmicamente. Una pieza que fluye ligera.

A continuación, “Fundamental”, una pieza que nació como una composición de larga duración, a modo de suite, pero que fue reduciendo su duración. Una alegoría a la vida misma, donde lo superfluo y las comercialización de productos innecesarios nos invade, obligándonos a seleccionar lo realmente importante, lo necesario y esencial. Composición de estructura compleja y ampulosa en cierta medida.

“In Shambles”, compuesta por Tsiftis  cuando estudiaba en Nueva York y tuvo que adaptarse al estilo de vida y al ritmo de la ciudad, que variaba de lento a frenético. En palabras de Tsiftis: “Así, la melodía de la canción comienza con un tempo rápido con acordes que cambian de manera impredecible y gradualmente se convierte en una sección lenta con cada solo que se modula a un tempo más rápido hasta que volvemos al tempo y la sensación originales”. La canción  es la única que incorporó Tsiftis no compuesta específicamente para el cuarteto.

“Sketch” (originalmente “Sketch 1”) contrasta con los tres cortes anteriores. La compuso Vagianos en menos de 2 horas. Según afirma Vagianos: “Es la única que encuentro lo suficientemente buena como para ser interpretada. Es, de hecho, un boceto de una pieza que elegí no terminar nunca. De esta manera, refleja la realidad del músico moderno que a menudo tiene una cantidad muy limitada de tiempo para crear algo con valor artístico. Además de eso, contradice la actitud perfeccionista hacia la música y la vida y abarca la idea de que una obra de arte nunca está terminada: es solo una imagen fija del momento en el tiempo en el que el artista dejó de trabajar en ella” Un interesante tema.

Sigue “Counterfactual” .El pensamiento contra factual es un concepto de la psicología que implica la tendencia humana a crear alternativas posibles a eventos que ya han ocurrido. En los últimos años, los griegos se han enfrentado a una multitud de incendios forestales en todo el país provocados por incendios provocados y las consecuencias de estos en el medio ambiente y las comunidades por igual (contaminación del aire, inundaciones, personas y sus mascotas atrapadas en los incendios o sin hogar). Esto ha planteado la pregunta "¿qué pasaría si hubiéramos tomado precauciones para evitar que todo esto sucediera a una escala tan grande, qué pasaría si cuidáramos el medio ambiente y no nos limitáramos a ver cómo se quema cada año?". Composición de fuerte intensidad.

En “Blues”, Vagianos lleva el blues a otra dimensión  espacial, donde la libertad de los componentes del cuarteto se expresa en estructuras improvisadas.

“Dream Machine” relaja el ambiente. La melodía se inspiró en “La máquina de sueños” creada por el artista Brion Gysin (Reino Unido 1916 – 1986) y el científico Ian Sommerville en la década del 1960, tras leer ambos la novela “El cerebro viviente” de W.Gray Walter. La máquina es una lámpara cilíndrica giratoria que genera distintas frecuencias de encendido y apagado de luces, quien la utilice debe acercar su rostro a la lámpara manteniendo los ojos cerrados. Las frecuencias lumínicas provistas por la máquina de sueños, están diseñadas para entrar en sincronía con las ondas alfa, normalmente presentes en el cerebro humano en estado de relajación. El resultado que se busca es generar hipnóticas y geométricas alucinaciones, de las que se puede salir con sólo abrir los ojos.

Esta melodía de ritmo lento utiliza un patrón de batería simplista y una línea de piano arpegiada con una armonía que se repite para intentar evocar el mismo efecto en el oyente, antes de introducir la melodía. La composición  presenta un tempo lento y meditativo que induce a la meditación introspectiva.

El álbum cierra con “Nicotine”, compuesta por Papadopoulos. Un tema que encaja perfectamente en el conjunto del álbum. Los momentos de melancolía se mezclan con otros más enérgicos.

El sonido de Arbor es personal. Sus composiciones fusionan la intensidad con el lirismo. Los ritmos complejos y frases irregulares se combinan con otros más convencionales. El resultado es un sonido electro acústico, contemporáneo, roquero en ocasiones, un jazz moderno con improvisaciones y vibrante.

Este álbum es el reflejo de una preocupación y profunda  tristeza por los incendios descontrolados que asolan Grecia año tras año. Es un grito para que la sociedad ponga fin a esto.

 

La Habitación del Jazz


lunes, 30 de diciembre de 2024

Libro: Rock: La era dorada 1953-1962 Autor: Jordi Sierra i Fabra Ilustraciones: Carles Esquembre

 


Título: Rock la era dorada 1953-1962

Autor: Jordi Sierra i Fabra

Ilustraciones: Carles Esquembre

Editorial: Redbook (Ma Non Troppo)

ISBN: 9788410459090

Idioma: Español

Series: Novela Gráfica

Encuadernación. Tapa dura 

Páginas: 92

Dimensiones   23 × 23 cm

Peso: 550 gramos

Fecha de lanzamiento: 21 de octubre de 2024

 

La editorial Redbook publica una nueva entrega en el sello Ma Non Troppo dentro de la serie Novela Gráfica: ”Rock la era dorada 1953-1962”. Su autor es el escritor Jordi Sierra i Fabra y las ilustraciones de  Carles Esquembre.

Jordi Sierra i Fabra (Barcelona, España) empezó a escribir novelas con ocho años y, debido a su tartamudez, sufrió acoso escolar, sus profesores creían que no llegaría a nada en la vida y su padre le pidió que no fuera escritor, porque aquella profesión no tenía salida. Con todo en contra aprovechó la lectura, la escritura y la música para convertirse en autor superventas, situándose entre los 10 autores más leídos en centros escolares de España. “Os diré algo: cada golpe que recibí me hizo más fuerte. Tenía un sueño; quería ser escritor. Así que recibí muchos golpes y me los tragué. Y esos me hicieron más fuerte. Nunca pudieron conmigo. Un día llorando en casa descubrí que había una persona que sí creía en mí. ¿Sabéis quién? Yo. Es suficiente”, explica el autor.

Con más de 500 títulos escritos y más de 12 millones de libros vendidos, su trayectoria ha sido reconocida con prestigiosos galardones, entre otros,  como la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2017, el Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil, el Premio Ateneo de Sevilla y en el año 2012 el Premio Cervantes Chico otorgado por la ciudad de Alcalá de Henares, a toda su trayectoria como creador en el campo de literatura infantil y juvenil. Es el creador del Proyecto Escritores por la Infancia y de la Fundación Jordi Sierra i Fabra, que promueve la literatura y escritura entre los más jóvenes.

Amante de la música rock, inició su andadura profesional como director de algunas de las revistas musicales más influyentes en España (Disco Express, Popular I, etc.). Ha publicado más de sesenta libros de historia y biografías de artistas del rock, y simultáneamente ha cultivado todos los géneros literarios: relatos infantiles, novela juvenil y de adultos, ciencia ficción, humor, poesía, guiones de película.

Carles Esquembre es un autor de cómic, músico e ilustrador formado en la Escola Joso de Barcelona. Ha trabajado como ilustrador freelance, concept artist y storyboard para Dacsa Produccions, Marallavi Films, Umbracle Cine, Tigre de Paper, Videomapping Pro, entre otros, y sus dibujos han sido publicados en prensa nacional como El País, Público y revistas internacionales como la revista Brain de Oxford University Press.

Como historietista, en España ha publicado con Planeta Cómic las novelas gráficas “Las tres heridas de Miguel Hernández”, “Lorca. Un poeta en Nueva York” y “Los hermanos Machado”. Se encarga del color y el concept art de la adaptación al cómic del musical “El Fantasma de la ópera” (Titan Comics) junto al dibujante José María Beroy y como colorista para la editorial Z2Comics.

Ha sido invitado para dar conferencias y presentar sus trabajos en distintas universidades de países como Estados Unidos (Utah State University), Finlandia (Suomen Sarjakuvaseura Finnish Comics Society) y Francia (Université Paul Valéry Montpellier), así como por universidades españolas como la Universidad de Alcalá y la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria.

Sierra i Fabra, con la maestría que le caracteriza, nos habla del estadio en el que se encontraba el rock’n roll en los primeros años de la década de los cincuenta. Recorre artistas de los EE.UU como Little Richard, Chuck Berry, Bill Haley & The Comets, Jerry Lee Lewis, Bo Diddley, Fats Domino, Buddy Holly y el indiscutible Elvis Presley, que con su primer éxito, «That’s All Right», ya indicaba lo que se esperaba de él.

El libro nos habla de las raíces del rock,  cómo empezó todo, cómo el rock sustituyo paulatinamente a las big bands y a los grandes  crooners como  Frank Sinatra o Nat King Cole.

Un recorrido por los primeros años del nacimiento de este estilo musical, aún presente en nuestros días, y que revolucionó, no sólo  la música, sino también la forma de ver la vida de muchos jóvenes.

Una historia del rock única narrada y dibujada con gran maestría.

La Habitación del Jazz

 


jueves, 26 de diciembre de 2024

NEFF IRIZARRY CD: Cambio (Change)

 


Pistas

1.Adelante (Come Forward) 2.Cuatro Minutos (Four Minutes) 3.Cabo Rojo (Cape Red) 4.Cargado (Loaded) 5.The Rain Song 6.El Swing de La Finca (Farm Swing) 7.Hija Mia (My Daughter) 8.Lluvia (Rain) 9.San Miguel de Los Acordes (St Michael of the Chords) 10.Vitamina R (Vitamin R) 11.Todo lo que Fuiste (All that you were)

 

Intérpretes

Neff Irizarry - guitarras

Martin Fabricius - vibráfono

Jimmy Haslip - contrabajo

Ricardo Padilla - percusión

 

Grabado de octubre a diciembre de 2023

Fecha de publicación: 13 de septiembre de 2024

 

Neff Irizarry, es un compositor, guitarrista, autor y educador  especializado en jazz latino y contemporáneo.

En Berklee, durante 1992 y 1996  tuvo contacto con músicos que ejercieron de  maestros/mentores y que, hoy día, continúan alimentando sus pasiones musicales. Fue elegido para ser alumno de Steve Khan durante su residencia en 1994, quien notó el arduo trabajo que estaba invirtiendo en la guitarra de jazz latino contemporáneo moderno bajo la supervisión de Victor Mendoza y le dio una tutela adicional que combinada con la experiencia de Berklee hizo que su carrera en el norte de Europa creciera de forma sólida y constante hasta el día de hoy. Sus raíces  puertorriqueñas, le han proporcionado ese sentido latino de la melodía y el ritmo que inspiró su primer disco "Nepenthe" (2000) producido por Jimmy Haslip.  

Ha colaborado y tocado con artistas como Antonio Sanchez, Victor Mendoza, João Donato, Eddie Henderson, Randy Brecker, Will Calhoun, Evan Price, Jeff Lorber, Lonnie Liston Smith, Lee Pearson,  Stephen Webber, Brian Melvin, Gianni Bardaro, Sebastian Studnitzky, Gene Perla, Marc Quiñones, David Lyttle, Antonio Quijano, Seamus Blake,  Anders Bergcrantz, Mathias Heise, Jacob Hatholt, Jason Hunter, Voro Garcia, Deniss Pashkevich entre otros.

Sus libros sobre guitarra de jazz latino están considerados como los más completos.

Irizarry rememora sus inicios como estudiante de guitarra: “Recuerdo vívidamente hasta el día de hoy el momento en que la Sra. Parker, mi maestra de música de 6º grado, nos dijo que íbamos a aprender a tocar la guitarra o el piano. Mientras me miraba fijamente a los ojos, pronunció esa palabra que ha cambiado mi vida para siempre: tocarás la ‘guitarra’”.

Su trabajo más reciente lleva por título “Cambio (Change)” y está formado por once temas, todos firmados por Irizarry a excepción de “The Rain Song” compuesto por Jimmy Page y Robert Plant de Led Zeppelin.

El cuarteto lo integran junto a Irizarry, el contrabajista y productor del álbum, Jimmy Haslip (aprendió a tocar el bajo de forma autodidacta y estudió, entre otros, con Jaco Pastorius a mediados de los setenta, cuando acababa de incorporarse a Weather Report);  el vibrafonista Martin Fabricius (Tomasz Stanko, Steve Swallow, Lew Soloff,  Ornettes Colemans Prime Time, Jamaaladeen Tacuma…) y el fantástico percusionista Ricardo Padilla.

“Cambio” es un magnífico homenaje al jazz latino, con toques puertorriqueños e influencias escandinavas, lo que se traduce en una energía vibrante y un gran sentido rítmico. La forma de atacar los temas de Irizarry deja patente a alguno de sus favoritos como Jim Hall, Pat Metheny o Steve Kahn.

En este álbum no encontramos instrumentos esenciales en el jazz, como el saxo o el piano. Sin embargo si está presente el vibráfono, en las manos de Martin Fibricius que recuerda a Milt Jackson en el Modern Jazz Quartet.

La batería también está ausente, pero encontramos a Ricardo Padilla, a la percusión, como complemento perfecto junto al contrabajista Jimmy Haslip, productor del disco, ambos aportando el ritmo ideal para que el resto de componentes se expresen libremente.

En los once temas del disco, la constante es la interpretación en equipo, sin alardes personales, plena colaboración del grupo.    

Al escuchar “Cambio”, no dejarás de seguir el ritmo con los pies, manos y cabeza, pero si te dejas llevar, puede que te levantes y comiences a bailar.

“Cambio” es un álbum pasional, interpretado por cuatro músicos pasionales. 

La Habitación del Jazz