ALI WATSON QUARTET CD: Terrarium

 

Pistas

1.Glen 2.Moss 3.Earth 4.Undergrowth 4.Evening Song 5.Terrarium 6.Solace 7.Snowdrift 8.Oak

Intérpretes

Ali Watson - contrabajo

Matt Carmichael – saxo tenor

Alan Benzie – piano

Greg Irons - batería

 

Grabado en Castlesound el 15 y 16 de febrero de 2024

Fecha de publicación: 26 de noviembre de 2024

 

Originario de la costa norte de Escocia, Ali Watson creció en Glasgow antes de mudarse a Londres para estudiar en la Guildhall School of Music. Durante sus estudios comenzó a escribir sus primeras composiciones y formó un trío con el baterista Tom Potter y Tim Lallemant. En el verano de 2022 regresó a Glasgow para formar un nuevo cuarteto con destacados músicos de su ciudad natal: el pianista Alan Benzie, el saxofonista Matt Carmichael y el baterista Greg Irons. El cuarteto fue una sensación en el Festival de Jazz anual de Edimburgo, el Festival de Jazz de Glasgow y los conciertos en Aberdeen y Londres. Además de liderar su propia banda, Ali Watson también actúa regularmente como miembro del quinteto de Matt Carmichael.  

Ali Watson describe su música como compleja, inspirada en el jazz contemporáneo, el folk escocés, la música clásica impresionista y sus maestros del jazz (Aaron Parks, Kit Downes y Larry Grenadier).

Acaba de publicar su  álbum debut que lleva por título “Terrarium”. Watson afirma: “Llamé a mi álbum ‘Terrarium’ principalmente porque quería crear una obra que realmente te atraiga a su propio mundo. Como un terrario, tiene su propia atmósfera y explora los límites entre la naturaleza y la crianza: el terrario inicialmente se crea artificialmente y, a medida que lo abandonas, con el tiempo la naturaleza comienza a tomar el control”.

Watson lidera el cuarteto que fundó allá por 2022: Alan Benzie al piano, el saxofonista Matt Carmichael y el baterista Greg Irons.

“Glen” abre este álbum, con el piano de Benzie que repite un motivo, al que se une el contrabajo de Watson y posteriormente el saxo de Carmichael. Un solo de Watson da paso a una improvisación a la vez que Irons aumenta el ritmo. El tema termina con un suave desvanecimiento, algo común en las composiciones de Watson, dejando la música sin resolver.

Sigue "Moss", una canción más animada que aprovechan para interactuar unos con otros. Solo de Watson, secundado por Benzie. Y sin solución de continuidad, Watson da entrada a "Earth",  de sabor folclórico, que interpreta junto a Irons.

“Undergrowth” es una especie de marcha, cuyo tema se repite interpretado por todos y cada uno de los componentes del cuarteto. Canción triste de carácter intimista.

“Evening Song” de forma tímida con el piano y resto de instrumentos. Y así continua hasta que Benzie improvisa y arrastra a la batería y contrabajo a un sendero más intenso. Para terminar Carmichael ralentizándolo hasta su finalización.  

El corte que da nombre al disco, “Terrarium” comienza con acordes de piano que se repiten y el bajo suavemente punteado La tensión aumenta progresivamente y el piano impulsa al resto con un solo que cautiva. La batería marcando ritmos intrincados contribuye a esa intensidad. Uno de los mejores momentos del álbum.

La relajante “Solace” sirve para el lucimiento de Carmichael,  secundado por el piano, el bajo y una matizada batería. Una preciosa pieza.

“Snowdrift” lo interpretan a dúo Benzie y Watson con el arco. Algo más de dos minutos de introspección absoluta.

El disco cierra con “Oak”. Una melodía donde la sección rítmica repite un ritmo sobre el que vuela discretamente el saxo de Carmichael. De nuevo el desvanecimiento marca de la casa.

Watson comienza la mayoría de sus composiciones en el piano vertical de la casa de su madre, aislándose del resto del mundo que le rodea. Ese aislamiento propicia que sus composiciones evoquen la naturaleza, los paisajes, la fauna y flora de su tierra. Melodías en apariencia simples, inspiradas en el jazz moderno, el folk escocés, la música clásica y sus referentes  Aaron Parks, Kit Downes y Larry Grenadier. El resultado, melodías líricas, delicadas armonías y coloridas texturas íntimas.

Un trabajo hermoso y sensible  donde la improvisación juega un papel protagonista.

 

La Habitación del Jazz

BRENT LAIDLER CD: Hidden Gems

 

Pistas

1.Haba Verde 2.#5 Shomeda Way 3.Gemani (Gem-a-nee) 4.Ballad for B 5.Riffy Business 6.Somewhere in Central Park 7.Evening Song 8.Bop Like 9.Petite Parasol 10.Without a Tres

Intérpretes

 Brent Laidler – guitarra

Jamie Newman –órgano

Scott Pazera – bajo (1-3, 5-9)

Richard "Sleepy" Floyd – batería

Invitados

Mark Buselli – trompeta, fiscorno

Ned Boyd – saxo alto, flauta

 

Sello discográfico: BEL Records

Fecha de publicación: 3 de diciembre de 2024

 

Brent Laidler es un intérprete, compositor y educador de jazz que proviene de una familia en la que todos cantaban o tocaban al menos un instrumento. Cuando era muy joven, su hermano mayor lo inició en su camino musical tocando en su banda de garaje y le convenció para que aprendiera suficientes acordes para tocar en el grupo. Aunque Laidler aprendió a tocar la guitarra, comenzó con la trompeta en la escuela secundaria pero tuvo que dejarla al sufrir trastornos temporomandibulares, lo que limitaba su capacidad para tocar.

Asistió a la Universidad de Western Michigan, con especialización en Educación Musical y en Composición. Sabiendo lo difícil que es ganarse la vida como músico,  estudió en el Instituto Técnico Red Wing para Reparación de Instrumentos de Banda. En 1987 se trasladó a Indiana y trabajó como reparador de instrumentos. Finalmente, abrió su propio negocio Taller de Reparación de Instrumentos de Banda de Brent's Bench, Inc. en Lafayette. Recientemente celebró 21 años como empresario independiente con una extensa lista de clientes que incluye tanto a músicos profesionales como a profesores de universidades y escuelas secundarias.

Laidler ha actuado y grabado con Randy Salman, Leonard Foy, Brent Wallarab y David Baker. Tiene su programa de radio  “The Night Shift”  los sábados por la noche desde las 11 p. m. hasta la medianoche, en  WBAA.

Sus influencias incluyen, entre otros, a Jim Hall, Kenny Burrell, Barney Kessel y Pat Martino.

Laidler afirma: “Durante el confinamiento adquirí el hábito de practicar leyendo a primera vista los muchos libros “falsos” antiguos que había acumulado, así como más de 14.000 canciones en mi tableta. Empecé a encontrarme con algunos cambios muy bien elaborados que pensé que eran maravillosamente atractivos, pero que, hasta donde yo sé, nunca llegaron a aparecer en un libro real moderno. Sentí que estaba descubriendo "joyas ocultas". Algunas de ellas incluso fueron escritas por artistas de jazz conocidos, pero de alguna manera nunca se incluyeron en el léxico de los estándares. Sin embargo, la calidad de las composiciones es un testimonio de su talento”.

Tras “No Matter Where Noir” (2017) y “Wouldn’t Be Here Without You” (2022) ha publicado su tercer álbum como líder titulado  “Hidden Gems” y se compone de canciones basadas en estos cambios en formas modificadas / reorganizadas o, a veces, combinando dos, a las que Laidler añade sus propias melodías originales. Las piezas creadas no son exactamente contrafactos, sino nuevas composiciones basadas en piezas injustamente ignoradas, algunas de las cuales datan de hace un siglo.

Con su sexteto formado por Mark Buselli (trompeta/fiscorno), Ned Boyd (saxofón y flauta), Jamie Newman (órgano), Scott Pazara (bajo) y Richard "Sleepy" Floyd (batería), Laidler eligió melodías que le parecían divertidas para improvisar, creando canciones significativamente diferentes de las originales y las nombró ingeniosamente de manera que evocan a las inspiraciones originales.

El disco comienza con el enérgico y alegre “Haba Verde” inspirado en una canción de la serie The Muppets (Los Teleñecos). El título es un guiño al color de la rana Gustavo. Una samba de ritmo rápido donde los solos se suceden. Un comienzo de disco alegre y optimista. 

Le sigue la blusera “#5 Shomeda Way”, con sonido a Nueva Orleans. La melodía surgió de la canción principal de un antiguo programa de televisión que se emitió solo una temporada, escrita por Dave Brubeck.

La alegre “Gemani (Gem-a-nee)” se inspiró en una melodía de Cannonball Adderly que no aparece impresa en ningún lado, excepto en una antología de transcripciones solistas. Laidler escribió esta canción para Boyd, porque Cannonball es su saxofonista favorito.

En la balada “Ballad for B” el fiscorno de Buselli vuela proporcionando a esta canción un ambiente misterioso junto al órgano de Newman. Laidler, que también hace un breve solo, tocando acompañando a los solos de sus compañeros.

Laidler encontró los cambios para “Riffy Business” en un libro antiguo de los años 1920 y 1930. Esta pieza se usó  como banda sonora de televisión a principios de los años 1960. Una bossa nova, alegre y rápida.

“Somewhere in Central Park” originalmente era un vals con sonido latino, pero Laidler lo transforma en un tema con mucho swing.

La sensual y relajante “Evening Song” se basa en cambios de Michael Petrucciani. Laidler se recrea en las partes favoritas del original.

En “Bop Like”, “basado en una balada oscura”, cada intérprete realiza su solo pasando el testigo al siguiente colega, como en una carrera de relevos.

En “Petite Parasol” Laidler aplica un estilo hip-hop con toques funk.

El disco cierra con “Without a Tres”, un vals de jazz en el que sólo interviene el trío.

Laidler nos deja una música llena de precisión técnica y muy agradable de escuchar.

 

La Habitación del Jazz

THE NEW YORK SECOND CD: Room For Other People

 

Pistas

1. 983 Third Avenue 2.Florida, 1957 3.The Collectors Corner 4. The Class Photograph 5.Room for Other People 6.Safety Service Comfort 7. The White Dress 8.Location & Date Unknown 9.View of Île Saint-Louis 10.Downstairs for Incoming Trains 11.Room for Other People (Reprise)

 

Intérpretes

Harald Walkate –piano

Teus Nobel – trompeta, flugelhorn

Mark Alban Lotz – flauta

Tom Beek – saxo tenor

Vincent Veneman – trombón

Rob Waring – vibráfono

Lorenzo Buffa – contrabajo

Max Sergeant – batería

 

Grabado en Fattoria Musica,Osnabrück, 4-6 marzo de 2024

 

The New York Second es un conjunto musical con sede en los Países Bajos, que empezó su andadura en 2015. El nombre tiene su origen en el tiempo que supuestamente tarda un taxista en Nueva York en tocar el claxon al coche de delante, desde el momento en el que el semáforo se pone verde, lapso de tiempo que podríamos aplicar a muchas otras ciudades.

Cuenta con las composiciones del director de orquesta y pianista Harald Walkate y han lanzado cuatro álbumes: “Bay of Poets” (2017), “Emergo” (2020),  “Music at Night (And Other Stories)” (2022) y “After the Hours, the Minutes” (2023), estos dos últimos reseñados en La Habitación del Jazz. El grupo se ha presentado como cuarteto, como quinteto,  septeto y en su anterior álbum en trío.

“Room For Other People” es el quinto álbum del grupo. En este álbum, forman un octeto. Repiten Harald Walkate (piano), Lorenzo Buffa (contrabajo) y Max Sergeant (batería). Se incorporan, Tom Beek (saxo tenor), Mark Alban Lotz (flauta baja y contralto), Teus Nobel (trompeta), Vincent Veneman (Kurt Elling, Herbie Hancock, Snarky Puppy, Al Jarreau, Christian McBride, Roy Hargrove, Benny Golson …) (trombón) y Rob Waring (vibráfono).

Walkate acostumbra a crear música alrededor de un  tema.  En “Music At Night” se inspiró en ensayos del escritor Aldous Huxley.

En esta ocasión la inspiración viene de la evocadora fotografía de Vivian Maier (1926-2009) también conocida como "The Nanny Photographer". El título del álbum proviene de una cita de Maier: “Nada está destinado a durar para siempre. Tenemos que hacer espacio para otras personas. Es una rueda: te subes, llegas al final y luego alguien más tiene la misma oportunidad”.

Mientras trabajaba como niñera y acompañada de su Rolleiflex, tomó miles de fotografías, en su mayoría en blanco y negro, en las calles de Nueva York, Chicago y otros lugares. Pero nunca se las mostró a nadie ni intentó venderlas; ni siquiera reveló muchos de sus negativos. Compartía sus fotos con un pequeño círculo de amigos, guardándolas en cajas y llevándolas consigo a sus diversos trabajos como niñera. Sus fotografías no fueron descubiertas hasta poco antes de su muerte en 2009, por el historiador local John Maloof, que compró una caja de negativos en una casa de subastas de Chicago y comenzó a coleccionar y promover su magnífica obra.

Walkate y Beek colaboraron en el diseño de los dos CD anteriores de The New York Second, donde descubrieron una pasión compartida por la fotografía de Vivian Maier.

Walkate vio por primera vez las fotografías de Maier en 2014 y dice que tuvieron un “poderoso impacto” en él: “En algún momento me di cuenta de que las fotografías también me estaban dando inspiración musical (empezaron a surgirme ideas para paisajes sonoros y armonías) y decidí componer piezas que acompañaran a las imágenes y seleccioné las 10 fotos que me parecieron más evocadoras”.

El álbum comienza con "983 Third Avenue". La fotografía que inspiró esta composición es un paisaje urbano de Nueva York que probablemente fue tomado en la década de 1940 o 1950  (otras fuentes la datan en 1953) y muestra una plataforma de tren elevada, coches abajo y gente haciendo diversas cosas. La música capta genialmente el bullicio de la avenida, el tráfico, el paso del tren y la gente desarrollando sus actividades. La energía de la gran ciudad. Solos de saxo tenor, flauta y una orquestación de gran envergadura.

"Florida, 1957" es un retrato expresivo de un joven negro, con sonrisa forzada, trabajando un día cualquiera, en una ciudad de Florida en el año 1957, año en que se aprobó la primera Ley de Derechos Civiles que abrió una senda de  esperanza para la gente de color en los Estados Unidos. La suave composición,  de nuevo refleja maravillosamente ese optimismo. Buffa marca un palpitante camino. Los vientos tocan la esperanzadora melodía. Solos de Buffa y Walkate.

"The Collectors Corner" es una foto de tres niños pequeños en las calles de Nueva York, uno mirando hacia arriba, otro mirando a la cámara y una niña tratando de meter algo en un cochecito de bebé. El tema tiene un  amable ritmo soul, apoyado por el contrabajo y la batería. Bonito solo de Beek. Una canción que engancha.

La fotografía que inspira “The Class Photograph” muestra un grupo de jóvenes, que bien podían ser alumnos de una escuela, posando ante la cámara de un fotógrafo. Un bonito solo de piano comienza la canción, y es protagonista durante todo el tema. El contrabajo también tiene su momento de lucimiento. Una pieza preciosa, elegante y conmovedora.

La canción que da título al disco, “Room For Other People” muestra un autorretrato de Vivian Maier, con su imagen reflejada en un escaparate. Uno de los cientos que  tomó. El piano introduce el tema, de forma sencilla, como era Maier. La batería y el contrabajo proporcionan un ritmo sólido. Bonito solo de Nobel.

“Safety Service Comfort” muestra una pareja subida en un carruaje tirado por caballos (éstos no aparecen). Su biógrafa Ann Marks opina que son dos modelos posando para un anuncio publicitario. La música de Walkate muestra quietud, relajación, cariño, como refleja la imagen de la pareja.  

"The White Dress" es la foto que figura en la portada del álbum. Preciosa y enigmática imagen de una mujer con un elegante vestido blanco y una estola de piel blanca, alejándose de la cámara. La composición, lenta, misteriosa y elegante, nos habla de las incógnitas que plantea la fotografía. Precioso solo de Nobel y preciso cierre de Walkate.

"Location & Date Unknown" se inspira en una fotografía de una nevada estación de metro en Chicago. Preciosa fotografía que nos muestra un dueto entre el vibráfono y piano, acompañados de la percusión y contrabajo. Relajante y romántica.

La foto de “View of Île Saint-Louis” no es de Vivian Maier, Walkate la hizo al no poder conseguir los derechos para publicar la original, que se puede ver en Google “Vivian Maier Notre Dame”. Precioso solo de Beek. La canción es otra pieza absolutamente relajante y evocadora.  

 "Downstairs for Incoming Trains" es el letrero que se puede leer en la foto tomada en Penn Station. La composición es  una bossa nova muy lenta, que emula el sonido de un tren. Canción llena de emotividad. Según se acerca el final, va acelerando el ritmo.

El álbum cierra con una repetición que no llega al minuto de la canción principal, trompeta y piano cierran este bonito álbum.

Es enriquecedor la inclusión de un folleto con notas sobre cada canción, así como las imágenes de Maier que inspiraron nueve de las selecciones (la correspondiente a Île Saint-Louis de París, la tomó Walkate desde la misma perspectiva, al no obtener el permiso para reproducir la foto original).

La música de  “Room for Other People” es intrigante, como las fotos de Maier que, según su biógrafa Ann Marks, mostraban reafirmar su propia identidad, la cámara, no como una ventana al mundo, sino como un espejo para el alma; es bella, como las diez imágenes en blanco y negro que la inspiran; es emotiva y notablemente interpretada.

La Habitación del Jazz

 

PETRA ONDERUF QUARTET CD: An Odd Time Of Day

 

Pistas

1.Cremm 2.Tanec 3.Dete 4.Opening 5.Resemblance 6.Julia's Sunset 7.Next Chapter 8.Time of Day 9.Eleven 10.Waiting for M.K. 11.Positive

 

Intérpretes

Petra Onderuf - violín

Rok Zalokar - piano

Luka Dobnikar – contrabajo

Aleš Zorec – batería

Invitados

Jure Pukl -  saxo soprano (5,10)

Gašper Selko – trompeta (1,7,9)

 

Sello discográfico: Kaipati Records

Grabado en junio de 2024 en Studio 22, RTV Maribor, Eslovenia

Fecha de publicación: 17 de enero de 2025

 

 

Petra Onderuf nació en Banska Bystrica, Eslovaquia. Comenzó a tocar el violín a una edad temprana, antes de pasarse al violonchelo 7 años más tarde. Durante sus estudios en el Conservatorio de Brno (República Checa), se dio cuenta de que la música clásica no era para ella, por lo que volvió al violín y descubrió el jazz y la música del mundo. Estudió y se graduó en violín de jazz en el Conservatorio de Klagenfurt (Austria) con Max Grosch, y rápidamente se graduó también en composición y arreglos de jazz con Johannes Berauer. Ha asistido a talleres de jazz con Christian Howes, Mark Feldman, Simone Zanchini, Brian Blade y John Patitucci; a talleres de música india con Sharat Chandra Srivastava y Pt. Suresh Tal Walkar; y talleres de música del mundo con muchos músicos que conoció en su camino.

Su estilo musical se desarrolló a través de sus estudios, viajes y colaboraciones. A través de una rigurosa educación en jazz, se convirtió en una intérprete multidisciplinar, tocando  bebop en un club de jazz una noche y melodías búlgaras en el escenario de un festival folklórico la siguiente. Después de completar sus estudios, incorporó la composición y arreglos de jazz a su actividad.

Ha grabado y actuado con numerosas bandas, entre las que destacan Wild Strings Trio, Karavana iluzij, Terrafolk Symbolic Orchestra, Trio A Cuerdas, Primo Tempo, Swinging Strings, Cana flamenca, Sedef, Sabahbluz, Leon Matek, Narayani entre otras. Ha actuado en prestigiosos escenarios y festivales de todo el mundo. También ha colaborado en espectáculos de teatro y danza, además de grabar para varios proyectos musicales y películas. Escribe para conjuntos y big bands, además de impartir talleres de jazz para instrumentistas de cuerda.

Con su cuarteto ha publicado “An Odd Time of Day”, su álbum debut, donde  combina junto a su pasión por el jazz contemporáneo, su formación clásica y de jazz y su amplia experiencia en estilos étnicos

El disco representa el sueño que Onderuf tenía desde hace mucho tiempo de lanzar un álbum de sus propias composiciones.

El título "An Odd Time of Day" se refiere a esos momentos de transición únicos entre el día y la noche, que Onderuf describe como “momentos en los que el cielo no es ni brillante ni oscuro, ni de noche ni de mañana". Momentos en los que uno puede experimentar una conexión más profunda con su entorno.

El objetivo de Onderuf con este álbum es transportar a los oyentes a ese estado especial de conciencia y existencia, con la esperanza de que la música los lleve a ese lugar extraño y sencillo de “simplemente ser”.

Las once piezas originales reflejan las ideas, experiencias, emociones  acumulados en sus viajes a través de varios países y culturas durante los últimos nueve años.

El disco abre con "Cremm", pieza intensa, arrítmica, que cuenta con la participación especial de Gašper Selko en la trompeta, lo que agrega otra capa de profundidad. Zalokar ejecuta un enorme solo. El contrabajo y batería se baten en duelo. De fuerte sabor árabe.

 “Tanec” comienza con solo de violín que nos transporta a Oriente Medio. Se suman el resto del cuarteto y el tema toma un carácter decadente, de la Europa de los años 30, gracias al violín de Onderuf. El pianista Zalokar aporta  sus improvisaciones rebosantes de imprevisibilidad. Un tema que no deja respiro con constantes giros de tiempo.

En "Dete", Onderuf toca el violín como si de un arpa se tratara.  La improvisación está presente como en todo el álbum. El contrabajo mantiene un bonito diálogo con el piano. “Opening” es un brevísimo, pero bello, tema de contrabajo solo. 

En "Resemblance" aparece por primera vez en el álbum, Jure Pukl al saxo soprano. De nuevo los cambios alternos de tiempo son protagonistas. Improvisación de Pulk arropado por el resto del cuarteto. Interesante pieza.

Le sigue "Julia's Sunset", una balada que comienza tímidamente con el piano que da paso al violín con arco que agrega emotividad. De esa melodía encantadora se pasa a un arreglo más rítmico y entrecortado, con el piano, la batería y contrabajo empujándose con energía entre ellos. Onderuf colabora en esa urgencia con un ardiente solo para acabar de forma relajada.

En “Next Chapter” introduce la melodía Onderuf  que adquiere un protagonismo total a lo largo de la composición.

"Time of Day" es un precios tema que comienza con un bucólico y evocador violín, mientras el piano desgrana notas sueltas que aportan dramatismo.

El contrabajo introduce “Eleven” y mantiene el pulso junto a Zorec,  mientras Onderuf y Zalokar dialogan de forma elegante, sin presiones. 

“Waiting for M.K.” cuenta con la presencia de Pukl al soprano. Sonidos de Oriente Próximo, bañados con jazz, improvisaciones y energía desbordante.

 El disco termina con “Positive”, una elegante composición que comienza dentro de unos cánones jazzísticos más ortodoxos. El cuarteto hace una exhibición de empatía y saber hacer, con solos de Onderuf y Zalokar empujados en todo momento por Dobnikar y Zorec.

El álbum es un compendio de intrincadas y complejas melodías, que crean un sonido rico y expansivo. Como explica Onderuf: “La música tiene el poder de conectarnos, inspirarnos y ayudarnos a darle sentido al mundo. Para mí, este álbum es una forma de compartir mi historia y, con suerte, resonar con la tuya. Se trata de encontrar la belleza en los momentos extraños de la vida y celebrar lo inesperado ”.

La Habitación del Jazz   

TOWNER GALAHER ORGAN GROUP CD: Brothers

 

Pistas

1.Brothers 2.Hit It and Quit It 3.Rio-lization 4.The Diamond Chalice 5.Piece of the Action 6.Cahva Bite? 7.Past Present and Future 8.Seventh Heaven

 

Intérpretes

Towner Galaher - batería

Jimmy Sanders – Hammond B3, Fender Rhodes, clavinet

Randy Monroe – bajo eléctrico

Marvin Horne - guitarra

Craig Handy – saxo tenor

 

Sello discográfico: Rhythm Royale Records

Fecha de publicación: 3 de enero de 2025

 

Towner Galaher nació en Portland, Oregón. Empezó a tocar la batería a los nueve años y estaba tan dedicado a aprender y tocar que pasó directamente de la escuela secundaria a la escena de los clubes. Su mentor en Portland fue Mel Brown, que tocaba jazz entre giras con sus dos principales actuaciones, The Temptations y The Supremes. Galaher ha pasado 45 años en la educación musical, incluidos 21 años enseñando en las escuelas públicas de la ciudad de Nueva York.

En una escuela local, Art Blakey animó a Galaher a mudarse a la ciudad de Nueva York, lo que hizo en el otoño de 1986.

Estudió jazz y funk con el baterista de Headhunters, Mike Clark, y luego percusión afrocubana con Frankie Malabe y Johnny Almendra, percusión brasileña con Duduka da Foncesa y percusión de Nueva Orleans con Ricky Sebastian. Galaher combina orgánicamente todos esos diversos elementos rítmicos en su forma de tocar y componer.

“Brothers” es el quinto lanzamiento del baterista y compositor Towner Galaher como líder. Sigue a “Towner Galaher Organ Trio Live” (2023), “Uptown!” (2012), “Courageous Hearts” (2009) y “Panorama” (2007).

Le acompañan sus colaboradores de muchos años, el organista Jimmy Sanders y el bajista Randy Monroe a los que se unen el saxofonista tenor Craig Handy (Cedar Walton, Elvin Jones,  Joe Henderson…) y el guitarrista Marvin Horne (Chico Hamilton, Elvin Jones, Aretha Franklin...) ambos figuras reputadas en la escena del jazz de Nueva York.

El álbum presenta ocho composiciones originales escritas tanto en colaboración como individualmente por Galaher y Sanders, que recuerdan a los sonidos vibrantes de jazz y fusión de la década de los 70.

Galaher, dedica “Brothers” al teclista Johnny Sanders, fallecido en 2009. Galaher relata: “Conocí a Johnny cuando tenía 20 años, cuando llegó a la casa de un amigo y sacó un Fender Rhodes de su camioneta. Tuvimos una sesión improvisada allí mismo, en la cocina”. Poco después, conoció a Jimmy Sanders, hermano de Johnny, que tocaba el B3, y los tres se hicieron amigos íntimos y compatriotas musicales. Aunque finalmente tomaron caminos separados, Jimmy y Johnny se fueron a Nashville y Galaher a Nueva York en 1986, su conexión fue profunda.

Galaher es un fanático del sonido del órgano Hammond B3 y, como en dos de sus álbumes anteriores, este instrumento es un ingrediente fundamental en esta nueva propuesta.

El álbum comienza con "Brothers". Sanders escribió la progresión de acordes y el ritmo, mientras que Galaher escribió la melodía. Esta fue la primera pista que grabaron del disco. Un excelente inicio lleno de groove y funky a tope, donde se intuye la gran conexión entre los componentes del grupo.

Galaher estudió con Mike Clark, que estaba en el grupo de Herbie Hancock, The Headhunters. Galaher dice: “Mike me mostró un ritmo que se quedó conmigo a lo largo de los años. Jimmy y Randy estaban profundamente influenciados por este grupo y durante nuestro primer día de ensayos, dije: 'Veamos si podemos hacer algo con este ritmo'”. Y ya lo creo que hicieron algo, se llama “Hit It and Quit It” y es el segundo corte del disco.

Sigue la melodía brasileña “Rio-lization”, compuesta por  Sanders, que nos traslada al sonido banda sonora de película de los 70.

Galaher había escrito “The Diamond Chalice” en guitarra cuando tenía veintitantos años. “Craig Handy interpretó la melodía y el sentimiento de manera hermosa”, dice Galaher. “Siempre me llena de asombro y aprecio cuando un músico interpreta una composición mía que le da vida de manera tan plena”.

Cuando Galaher estaba empezando a explorar la escena musical de Portland, se encontró con un grupo llamado “Piece of the Action”, en el que participaba Jimmy Sanders. El grupo inspiró a Galaher a escribir la canción  “Piece of the Action”. Handy, con su saxo tenor,  es el protagonista principal de esta bonita balada.

En una melodía llamada "Cahva Bite?", compuesta por Galaher y Sanders, el conjunto comienza con un ritmo fuerte y enérgico, que mantiene el listón del álbum a un nivel alto.

“Past Present and Future”, otra composición de Sanders.  El título alude a los proyectos musicales pasados (y futuros) de Galaher, Sanders y Monroe. Solos explosivos de Horne y Handy.

Como se ha dicho, el álbum es un homenaje a Johnny Sanders, entonces, que mejor cierre que  “Seventh Heaven” escrita por los dos hermanos Sanders hace muchos años. Soul, funky, góspel, un final lleno de ritmo como no podía ser de otra manera.  

“Brothers” es un bonito homenaje a Johnny Sanders, a la camaradería, a la hermandad y a la amistad.

La Habitación del Jazz

 

JACOPO FERRAZZA CD: Prometheus

 

Pistas

1.Prologue 2.The Cave 3.Prometheus 4.The Rediscovery of Fire 5.Pillory 6.Titan Rises 7.Oceanine Chorus 8.I Am Everywhere

 

Intérpretes

Jacopo Ferrazza – contrabajo, sintetizadores

Alessandra Diodati - voz

Enrico Zanisi - piano, sintetizadores, electrónicos

Livia De Romanis – chelo

Valerio Vantaggio – batería

 

Sello discográfico: Teal Dreamers Factory

Grabado en el estudio La Strada, en abril de 2024

Fecha de publicación: 24 de enero de 2025

 

Jacopo Ferrazza,  considerado uno de los contrabajistas/compositores europeos más interesantes, nació en Frascati, una ciudad cercana a Roma. Es pianista y bajista acústico y eléctrico. La primera música de jazz que escuchó  se remonta a 1993 cuando su  padre le llevó al festival de Villa Celimontana en Roma, donde escuchó a  la orquesta de Paquito D’Rivera.

Comenzó a estudiar guitarra a los 8 años, piano a los 12, bajo eléctrico a los 14 y contrabajo a los 18. Se graduó en bajo clásico y piano clásico en el conservatorio italiano de Frosinone "Licinio Refice".

Estudió bajo con John Patitucci, Ares Tavolazzi, Marco Panascia, Aldo Perris, Luca Cola y con su padre Angelo. Estudió piano clásico con Annalaura Cavuoto, Pablo Tellez y Carlo Negroni. Comenzó a tocar jazz en Roma en 2003 y durante estos años ha actuado como acompañante de: David Liebman, George Garzone,  Fabrizio Bosso, Enrico Rava, Enrico Pieranunzi, Greg Hutchinson, Paolo Fresu, Roberto Gatto, Maria Pia De Vito, Flavio Boltro, Adam Pieronczyk Jorge Vistel, Amana Melomè, Roberta Gambarini, Harold Bradley  y muchos otros. Tres de sus referentes son Ray Brown, Charlie Haden y John Patitucci. Ha ganado numerosos premios y galardones.

Desde 2022 es profesor titular en el conservatorio "Refice" de Frosinone enseñando composición de jazz y música de conjunto de jazz.

Ha grabado más de 40 álbumes como sideman y 5 como líder para su propio sello Teal Dreamers Factory: “Rebirth” (2017) y “Theater” (2019) para Cam Jazz y “Wood Tales” (2021), “Fantàsia” (2022) y “Prometheus” (2025), publicado el pasado 24 de enero, donde repiten los mismos componentes que en su anterior álbum “Fantasia” pero,  en esta ocasión, no figuran artistas invitados.

Según dice el propio Ferrazza: “Prometheus” es el resultado de un largo viaje de exploración musical y espiritual que he estado realizando durante años y que exigía ser plasmado en papel durante el verano de 2023, cuando me encerré en casa durante dos semanas, día y noche, para escribir esta música que marca un antes y un después en mi vida artística y personal”. Y continua: “La necesidad de redescubrir el fuego y el potencial infinito que hay dentro del ser humano me llevó a revisitar el mito de Prometeo y a componer un viaje paso a paso que pudiera representar un camino de despertar y evolución. Prometeo representa al hombre contemporáneo oprimido por los miedos, el conformismo y las dudas. El fuego, símbolo de vitalidad, intuición y creatividad, se convierte en metáfora del potencial humano que, resistiendo a las presiones externas, evoluciona y redescubre su auténtica esencia”.

El disco contiene 8 temas compuestos por Ferrazza. Abre con un breve “Prologue”, con voces y sintetizadores que muestran la grandeza de la historia que cuenta.

Le sigue “The Cave”, que se inicia con el piano de Zanisi.  Diodati canta y  Vantaggio irrumpe con una potente batería. Esta canción es una mezcla de géneros que van desde el rock, jazz, música clásica y de cámara, donde el ritmo tiene diferentes cambios durante su desarrollo. La voz de Diodati juega un papel importante en la creación del impacto emocional de "The Cave" y contrasta su dulzura con la abrasadora batería.

“Prometheus”,  la canción principal, comienza con un minimalista piano, incorporándose la voz, sintetizadores y el chelo que representa el fuego, tomando una fuerza progresiva.

En la mitología griega, Prometeo es un dios del fuego y es recordado por desafiar a los dioses olímpicos arrebatándoles el fuego y entregándoselo a la humanidad en forma de tecnología, conocimiento y ayudando al crecimiento de la civilización. Se dice que Zeus, el rey de los dioses olímpicos, condenó a Prometeo al tormento eterno por este libertinaje. La potente “The Rediscovery of Fire” nos traslada a ese escenario. La voz de Diodati  actúa como hilo conductor a lo largo del álbum, dialogando de forma constante con el resto de instrumentos.

"Pillory" y "Titan Rises" representan la lucha y el despertar del individuo. En "Pillory", de corte medieval, Ferrazza interpreta un largo solo de bajo. Los sonidos de cámara de “Titan Rises” se mezclan con sonidos etéreos y jazzísticos.

El intimista "Oceanine Chorus" sigue la línea argumental establecida por Ferrazza para este álbum.

El disco cierra con "I Am Everywhere". La voz de Diodati profundiza emocionalmente en el oyente y muestra su dominio ante intervalos rítmicos cambiantes e inusuales.

"Prometheus" es una obra ambiciosa, que abandona el convencionalismo para adentrarse en una voluptuosidad no exenta de riesgo y cargada de simbolismos y conceptualidad. Todo ello para representar el mito de  Prometheus, Zeus, la propia Humanidad, los elementos naturales como el fuego, montañas, acantilados, agua.

La combinación de elementos e instrumentos acústicos con elementos e instrumentos electrónicos,  crea un especial y cambiante paisaje sonoro, con multitud de texturas sonoras donde los cinco componentes del grupo realizan un trabajo encomiable.

La Habitación del Jazz

 

RED GAZELLE TRIO CD: On A Human Level

 

Pistas

1.Til Mor (prolog) 2.Murky Waters 3.Unfiltered Serenity 4.Point of Departure 5.While We Wait 6.Antidote 7.All at Once, Once Again 8.Punktum 9.Could Have Been 10.Vuggevise (epilog)

 

Intérpretes

Kristoffer Vejslev – guitarra

Peter Price - contrabajo

Simon Forchhammer – batería

Invitados

Ned Ferm – saxo (3,5,7,8)

Jakob Sørensen – trompeta (2-4,6,7,9)

 

Sello discográfico: Zack’s Music

Grabado en mayo de 2023 en Copenhague   

Fecha de publicación: 31 de enero de 2025

 

 

El Red Gazelle Trio es un célebre conjunto de jazz formado por el guitarrista Kristoffer Vejslev, el bajista Peter Price y el baterista Simon Forchhammer.

Kristoffer Dyssegaard Vejslev es un guitarrista y compositor danés que actualmente vive en Copenhague. Graduado en el Conservatorio de Ámsterdam, donde estudió con figuras destacadas como Jesse Van Ruller, Reinier Baas y Peter Bernstein, recibió clases particulares de Jakob Bro. Como compositor está profundamente influenciado por su padre, Jakob Vejslev, y su abuelo, Tony Vejslev. Su estilo de interpretación es una combinación de jazz moderno y con un elemento nórdico, y su forma de tocar la guitarra y sus composiciones poseen un fuerte carácter lírico, derivado de la influencia de su padre y abuelo, famosos por sus melodías ambientadas en poesía danesa.

Vejslev  ha escrito más de 70 composiciones y ha publicado cinco álbumes con grupos como Red Gazelle Trio, Vulture Forest, Vejslev Exploration Band y Vejslev / Brunbjerg / Elhøj.

El trío Red Gazelle debutó con el álbum  “Udkig”, al que siguió “In The Midst Of It All”. Ahora han publicado su tercer álbum de estudio, “On A Human Level”, donde invitan al  saxofonista estadounidense, afincado en Copenhague, Ned Ferm y el trompetista Jakob Sørensen. Ferm es un multiinstrumentista y compositor aclamado internacionalmente, primer estadounidense admitido en el Conservatorio de Música Rítmica de Copenhague, ha colaborado con iconos como Yusef Lateef, Billy Taylor, Harold Mabern, Roswell Rudd, Airto Moreira y muchos otros. Por su parte, Sørensen, estudió en la Real Academia de Música de Aarhus antes de unirse al Instituto de Jazz de Berlín. Ha actuado con la DR Big Band, Etta Cameron, Gerard Presencer, Andrew D'Angelo y la Orquesta de Jazz de Aarhus, entre otros.

El disco lo integran diez temas, todos compuestos por Vejslev excepto “Could Have Been”, que lleva la firma de Price.

El proceso de composición seguido por el grupo, según Vejslev es el siguiente: “Cada pieza comienza con una idea melódica que construimos juntos. Este enfoque colaborativo garantiza que el carácter distintivo de nuestro grupo brille en cada composición, sin importar quién proporcione la chispa inicial”.

El disco abre y cierra con dos bellas composiciones  acústicas de guitarra,  delicadas, breves y con sabor folclórico nórdico: “Til Mor (prolog) “ y “Vuggevise (epilog)”.

Las canciones del álbum fueron compuestas a lo largo de cuatro años,  comenzando durante la pandemia con temas reflexivos  como la breve “Murky Waters”, una melancólica composición, a la vez que inquietante, con la trompeta y la guitarra  protagonistas,  o por el contario alegres como “Punktum”, de las últimas que compuso,  que describe la alegría y asombro de la futura paternidad de Vejslev. Un tema que se inicia con el bajo, la batería, el saxo y la guitarra al unísono, hasta que entra el vibrante saxo de Ferm de forma brillante.

“Unfiltered Serenity”, el corte de mayor duración,  comienza con el bajo y la batería marcando un fuerte ritmo, casi militar. Sørensen y Ferm dialogan en sendos solos, con Vejslev marcando un excelente solo. Sonido progresivo que coge fuerza hasta  que se ralentiza y se desvanece. Un interesante tema.

Le sigue “Point of Departure”. Una pieza de media duración, con una base repetitiva, sobre la que la vuela la trompeta con sonidos etéreos.

En “While We Wait”, Price se deja oír dando paso a Ferm que nos brinda un sólo abrasador, con toques country.

En “Antidote” la guitarra y la trompeta dialogan con calma, creando una bella y ensoñadora atmósfera llena de melancolía.

La melodía repetitiva en “All At Once, Once Again” marca su característica distintiva, donde todos los participantes tienen su momento de gloria, siempre arropados por el resto de músicos.

“Could Have Been” es una hermosa y melancólica pieza, donde el sabor nórdico está presente de nuevo. Todos los componentes del grupo interactúan de forma suave, de puntillas.

Red Gazelle Trio abarca desde los solos acústicos de guitarra, pasando por dúos, tríos, o los cuartetos y quintetos que incluyen a los invitados, con aportaciones muy inspiradas. En todas estas formaciones, atrapan al oyente con un jazz dinámico, melancólico en ocasiones,  ritmos cautivadores, composiciones líricas y  atmosféricas.

Red Galleze Trio mantienen una fuerte empatía con el oyente, a través de diferentes paisajes emocionales

Sin duda, “On A Human Level”, es un buen álbum.

La Habitación del Jazz

Macha Gharibian CD: Phenomenal Women

 

Pistas

1.You Love Her 2.Mana Mana 3.Celebrate 4.Survoler La Lune 5.Nare Nare 6.Nobreza 7.Prelude To A Ritual 8.Phenomenal Women 9.Plage Solaire 10.Kef Time 11.Petite Zibeline 12.Ya Dirati 13.Outro

 

Intérpretes

Macha Gharibian - piano, voz, Fender Rhodes

Lea Maria Fries - voz

Linda Oláh - voz

Dré Pallemaerts -  batería

Kenny Ruby – bajo eléctrico, teclados

Isabel Sörling - voz (3)

 

Sello discográfico: Rue Bleue – Meredith Records

Grabado en Midilive Studio, Villetaneuse, Francia, del 4 al 8 de marzo de 2024 y el 8 de mayo de 2024 en Seventeen Studio, Paris.

Fecha de publicación: 24 de enero de 2025

 

 

La vocalista, pianista y compositora Macha Gharibian nació en París, es hija de Dan Gharibian, cantante, guitarrista y buzuki y líder de los grupos folk Bratsch y Papiers d'Arménies. Aprendió a tocar el piano desde los cinco años. Estudió en la Escuela Nacional de Música de París (École Normale de Musique de Paris). Debutó profesionalmente junto a su padre en el grupo Papiers d’Arménies, con el que grabó dos álbumes: “Papiers d’Arménies” (2006) y “Guenats pashas” (2020).

Hizo su debut como artista independiente en 2013 con el álbum "Mars", seguido más tarde por "Trans Extended" (2016), "Joy Ascension" (2020) y "Joy Ascension Live" (2021). Ha actuado en festivales por todo el mundo.

En 2023, fue Laureada con la Orden de las Artes y las Letras. También escribe para el teatro y compone bandas sonoras para películas, colaborando con directores como Simon Abkarian, Steve Faigenbaum, Nicolas Tackian, Delphine Morel y Benjamin Nakache.

Entre sus influencias podemos señalar a Nina Simone, Jeanne Lee y Joni Mitchell.

Gharibian tiene ascendencia armenia, corazón parisino y neoyorquina de adopción. Precisamente, mientras estuvo en Nueva York a mediados de la década de los 2000, conoció el trabajo de la fallecida poeta, actriz y activista de derechos humanos afroamericana (y colaboradora de Martin Luther King) Maya Angelou, cuyo verdadero nombre era Marguerite Ann Johnson.  

Gharibian acaba de lanzar  “Phenomenal Women”, su cuarto álbum, que toma el nombre de un poema de Angelou, a la que vio en un vídeo recitando su poema en Londres en 1987. Gharibian se sintió impulsada a rendir homenaje musical a la poeta y a la fuerza de todas las mujeres.

Inspirándose en la música étnica de su infancia, especialmente en la voz de su padre al que escuchó cantar en armenio, ruso, griego y romaní, Gharibian combina su herencia cultural personal con estilos contemporáneos, cantando en cinco idiomas en “Phenomenal Women”, inglés, armenio, francés, portugués y árabe.

En este disco cambia el formato de trío, junto a su colaborador de muchos años, el baterista belga Dré Pallemaerts, y el bajista Kenny Ruby, e incorpora a la  cantante suiza  Lea Maria Fries y las suecas Linda Oláh e Isabel Sörling.

Si bien este álbum habla del poder de la mujer, la dulzura de Gharibian está presente como en trabajos anteriores y así lo podemos apreciar en canciones como la que abre el disco titulada "You Love Her", que trata de un amante que no puede comprometerse por su adicción a la bebida. Gharibian se dobla en este tema. Los ritmos africanos están presentes en “Mana Mana”, un tema alegre y bailable. En “Celebrate” canta junto a Isabel Sörling. La canción nos cuenta cómo las mujeres logran “encontrar un camino” a través de los desafíos de la vida, para mantenerse fuertes y empoderadas. Una bonita canción. Gharibian canta en varios idiomas, el francés es el elegido en “Survoler La Lune”, una bonita canción que sigue un patrón, tipo reggae, marcado por el piano. También elige este idioma en el tema titulado “Petite Zibeline”, en la línea del anterior, a modo de nana.

Todos los temas son composiciones de Gharibian excepto "Nare Nare", una bonita canción folclórica tradicional Armenia, cantada en armenio, con arreglos de la propia Gharibian. Otro corte no original es “Nobreza” de Djavan, con arreglos de Gharibian, que canta en portugués. Un tema introvertido, nostálgico, minimalista y muy bello.

El tercer tema no original es “Ya Dirati” de Farid El Atrach. Aquí canta en árabe, una lengua que le era completamente desconocida pero cuyas riquezas deseaba explorar desde hacía tiempo. Gharibian quedó  impresionada al escucharla durante un concierto de la cantante siria Lynn Abid. La transcribió fonéticamente y le puso música, sin saber el título, el autor ni el sentido. Sólo unos meses después logró contactar con Abid, de quien se enteró que era una canción de la extravagante cantante siria Asmahan. La letra transcribe la angustia de un sultán que se dirige a su pueblo, instándolos a no odiarlo. Asmahan, una mujer poderosa, sospechosa de espionaje y cuya trágica muerte en un accidente de tráfico (su coche cayó al río Nilo)  a los 31 años dio lugar a mil y una fantasías.

Volviendo a las composiciones de Gharibian, “Prelude To A Ritual”, es un corto y bello tema con voz y piano exclusivamente que da paso a “Phenomenal Women” canción que da título al álbum. Una muy bonita canción con voces que aportan una dimensión etérea y cósmica junto al Rhodes de Gharibian y un ritmo tribal que hace mover los pies. “Plage Solaire” son 59 segundos de relax, sin más, y sin menos, que cede el paso al enérgico “Kef Time”, otro tema de corte africano que pide bailar.

El disco cierra con “Outro”, una breve canción relajante de nos traslata a las profundidades marinas.          

Gharibian demuestra su amplía paleta de sonidos vocales, que transita por la energía, la celebración, la oración, la alegría y la melancolía y su preocupación por los idiomas que mejor expresen en cada caso el sentido de las canciones.

Si bien el disco podía ser catalogado como de “músicas del mundo”, Gharibian sabe dar ese toque “jazzístico” a sus composiciones, de gran belleza y sensibilidad.     

 

La Habitación del Jazz

ETIENNE MANCHON TRIO CD: Weird Life

 

Pistas

1.Regard Noir 2.Askja 3.C'est bientôt mon anniversaire 4.Road Trip 5.Daldosse donne des ailes 6.Seshipo 7.Patou 8.Annexe 9,5  9.Early Flight 10.Big Up Catherine 11.Iris

 

Intérpretes

Etienne Manchon – piano, teclados

Clément Daldosso – contrabajo

Théo Moutou – batería

 

Grabado el 12-15 febrero de2024 en Alhambra Studios, Rochefort

Fecha de publicación: 24 de enero de 2025

 

Nacido en Nancy,Francia, Etienne Manchon es un joven pianista apasionado del jazz y la música contemporánea desde la adolescencia. A sus 27 años cuenta con más de 500 conciertos en su haber, como líder y sideman en muy diversos estilos. Su debut discográfico fue en 2017, con el disco titulado “Originals”. Su primer álbum de trío, “Elastic Borders”, fue lanzado en 2019, con Pierre de Bethmann, Pierre Lapprand y Ossian Macary como invitados especiales. A este le siguió en 2022 “Streets”, en el que confirmó sus dotes como compositor y siguió esculpiendo su personal universo sonoro, lo que le valió ser nombrado entre los 10 músicos a seguir en 2023 según Jazz Magazine y Jazz News.

En 2020 creó el dúo Congé Spatial con Pierre Lapprand, que experimentó un rápido desarrollo que los llevó a grabar un primer álbum en octubre de 2022.

Paralelamente a sus proyectos como líder, ha colaborado con Yves Rousseau, Jean-Marc Padovani, Alban Darche, Tom Ibarra, Nicolas Gardel, Daoud… También ha actuado como director artístico de la cantante Amandine Bontemps y del grupo de turbo-jazz Bøl.

Además de su trabajo en el jazz y la música contemporánea, también acompaña regularmente recitales de música barroca y clásica, en particular al barítono Philippe Estèphe, a Aude Extrémo (Palazzetto Bru Zane), al coro Les Éléments, al Ensemble Lyra y al coro Dulci Jubilo.

Fuertemente influenciado por Pink Floyd, a quien descubrió a los quince años, también se inspira en el increíble pianista y teclista Jozef Dumoulin, así como en la vibrante escena neoyorquina (Ben Wendel, Mark Guiliana, Taylor Eigsti).

A Manchon también le apasiona escribir y hacer arreglos para grupos pequeños y grandes, influenciado principalmente por personalidades como Kenny Wheeler, Maria Schneider o Dave Holland.

En el universo sonoro de Manchon encontramos rock progresivo, música experimental, música clásica, jazz, jazz escandinavo, por nombrar solo algunos colores de la paleta estilística en constante evolución del trío.

El ritmo es protagonista principal en sus composiciones, sin dejar de lado la melodía y el tratamiento del sonido como parte fundamental.

Junto a Manchon, el trío lo forman dos de los mejores instrumentistas de la escena parisina, Clement Daldosso y Théo Moutou. Durante una década Manchon y Moutou han estado tocando juntos en una variedad de proyectos, desde la música clásica hasta el metal, desde sus días universitarios en Toulouse. En 2016, formaron un trío con Daldosso para un proyecto, pero la química surgió y el trío sigue adelante para regocijo de sus seguidores.

Con dos EP y dos álbumes en su haber desde 2018, "Weird Life" es su tercer álbum de estudio.

“Weird Life” comienza con "Regard Noir", una pieza de jazz rock, llena de energía donde los teclados de Manchon proporcionan una serie de efectos y voces que dan la sensación de tratarse de un grupo más numeroso. La batería y el bajo contribuyen a dinamizar el tema y a modernizar una canción que suena a los setenta.

“Askja” se refiere a un volcán en Islandia. Un inicio lírico y elegante de Manchon al piano acústico, contrasta con la inquietante y rítmica batería y el bajo, que aportan una sensación de persecución obsesiva. Manchon se deja llevar y hay ráfagas de fuerte percusión de las teclas y cuerdas. El final, en seco tras uno de esos momentos abrasadores.

“C'est Bientôt mon anniversaire”, comienza con un misterioso bajo marcando la línea a seguir. Manchon le sigue alternando momentos líricos con otros efectos, incluido rasgado de cuerdas. La batería, paradójicamente, es quien pone algo de calma en el tema, no dejándose llevar por los momentos más efervescentes. Una composición introspectiva, misteriosa, de tono grave pero convincente.

En  “Road Trip”  el sintetizador fluye transportándonos por paisajes de ensueño y de un frescor mañanero, haciéndonos evocar momentos de felicidad ya pasada. Solo de Daldosso rico en matices, que desemboca en un solo de Manchon con el sintetizador más explosivo.

La ensoñadora "Daldosse Donne Des Ailes", todo un tributo a Daldosso, que es el protagonista absoluto de este tema, Manchon y Moutou acompañan con toques alegres y cristalinos. Composición más en la línea del jazz actual.

“Seshipo” es una canción con aromas aflamencados y clásicos. Un hermoso diálogo entre Manchon y Daldosso apoyado por Moutou. El tempo va ganando impulso según avanza y la energía se deja notar en este interesante tema.

"Patou", es un tema lleno de ritmo, con un guiño al “Bolero” de Ravel. Una pieza enérgica, libre, aventurera con los tres intérpretes en perfecta armonía.

“Annexe 9.5”, una nueva muestra del espíritu innovador y aventurero de Manchon como compositor e interprete. Pausas, arranques rítmicos, secundados por la rítmica. Otro tema lleno de encanto.

"Early Flight" baja el tono optimista que veníamos disfrutando, pero te sumerge en un mundo sensual donde los sonidos etéreos, vocalizaciones y teclados son los protagonistas  de este suave vuelo.

Estamos llegando al final de este interesante trabajo.

La alegre “Big up Catherine”, nos propone un jazz intenso, vibrante, hermoso, lleno de influencias de difícil catalogación.

“Weird Life” cierra con la única pieza no compuesta por Manchon. Se trata de "Iris" una composición de Wayne Shorter con la que rinden homenaje a su figura. Una versión minimalista, cargada de espiritualidad.

Este trío es una bocanada de frescura, creatividad y de inventiva desbordante. Sus composiciones tienen  momentos con ritmos frenéticos, momentos más íntimos, la urgencia se combina con la calma. Un grato encuentro  emocional.

 

La Habitación del Jazz