Día Internacional del jazz. ¿Y qué más?

 

            La Unesco ha declarado el día 30 de abril como “día internacional del jazz”. No es el primer día internacional, o simplemente el día, de “algo”, que se ha establecido y me temo que no será el último.

           

            Estos homenajes ¿son beneficiosos para el  colectivo  homenajeado?. Pues diría que no han sido perjudiciales que, por otra parte, no es poco, pero tampoco creo que aporten  algo positivo.

           

            Sería deseable que se establecieran los 365 días de la madre, del padre, de los abuelos, de la mujer, de la música, del agua, de la juventud, del alzheimer, etc y por supuesto, del jazz.

           

            Estamos ante otro guiño a la galería. Otra iniciativa sin contenido y sin la menor repercusión en los artistas que viven, o mejor sobreviven, del jazz. Llevada a cabo para justificar los puestos de privilegio que ocupan y así acallar la conciencia de algunos (pero ¿tienen conciencia?).

¿Por qué no se enseña música  en la escuela?.

¿Por qué no hay más programas en radio dedicados al jazz?.

¿Por qué no hay  programas en las TV dedicados al jazz?.

¿Por qué no se promociona más este estilo musical?

¿Por qué no se reconoce la dificultad de su interpretación? 

            Creo que todos podríamos contestar a estas preguntas. No interesa, no es rentable. La palabra mágica, rentable.

            Recibamos a este nuevo día internacional del jazz, como lo que es, un poco más de lo mismo.

Documental sobre la grabación de "LAIO" de Verónica Ferreiro

Os proporcionamos un enlace donde podéis ver el documental sobre la grabación del primer trabajo de Verónica Ferreiro “LAIO”, donde se explica cómo fue el proceso de creación y grabación del mismo. Todo el documental ha sido grabado y producido por los miembros de la banda.

http://www.youtube.com/watch?v=SCqRiqlA_UU

“LAIO” se puede escuchar gratuitamente en Spotify, a través de este enlace: 

Verónica Ferreiro – Laio

LHDJ entrevista a Milton Arias

La Habitación del Jazz ha entrevistado a Milton Arias, contrabajista nacido en Córdoba (Argentina) y líder del grupo Milton Arias Trío.

LHDJ:¿Qué te ha llevado a ofrecer la descarga gratuita de tu disco a través de Internet?

MA: Es una idea que tenía dándome vueltas en la cabeza hace un tiempo ya, solo que todavía no había editado un trabajo donde pudiera tomar esas decisiones solo.
  Básicamente, el motivo es porque me niego a pertenecer a un paradigma de pensamiento que ya está caduco, que se corresponde con el apogeo del capitalismo, pero que está claro que hace años que viene en franca decadencia.
  Entre nosotros, los que trabajamos en el arte, todos sabemos que casi nadie vive de la venta de discos, exceptuando los músicos MUY masivos y las discográficas. Entonces, porqué privar de disfrutarlo plenamente a alguien que tal vez esté interesado en mi trabajo? Creo que también es un intento por legitimizar una practica que todos tenemos, pero que entre los músicos sigue siendo un tabú: la de descargar discos. Todos lo hacemos, pero entre nosotros nos da una especie de culpa. Entonces digo: "ok, te interesa mi trabajo? aquí lo tienes... descárgalo sin culpa. Pero no lo descargues porque sea gratis, solo si te interesa".

  Por otro lado esto abre un montón de posibilidades, teniendo en cuenta que vengo de una ciudad chica, y al ser independiente y auto producido, los costos de difusión masiva están muy fuera de mi alcance.

  Mi objetivo es que, si hay alguien receptivo a este tipo de propuestas, y puede llegar a pasar un momento agradable y se pueda emocionar con mi trabajo, que lo haga, que lo disfrute. Soy consciente de que no es un género que pueda tener llegada a un público masivo, entonces, pongo como prioridad que le llegue a la gente que espera oír algo así, antes de concentrarme en recuperar tardíamente una inversión que a fin de cuentas no dejará ganancias.

LHDJ:¿Por qué elegiste los temas de Metheny, Miles-Evans y  Spinetta?

MA:Sirabhorn me encanta. Aparece en el primer disco solista de Metheny, con Pastorius en el bajo. También porque me lo enseño un guitarrista con el que tome clases un tiempo, y al que quiero mucho. Se llama Osvaldo Brizuela, un gran guitarrista y docente, excelente persona.
  Originalmente es un jazz waltz, pero la melodía sugiere más un 6/8. Esa convivencia del 3/4 y el 6/8 es un pilar fundamental de mucha de la música argentina, sobre todo de la región nor-oeste, herencia de la zamacueca peruana, síntesis de las culturas históricamente más influyentes en la región: Negra, Originaria y Europea.

  Blue in Green es un tema que nunca puedo dejar de tocar. En todos los grupos donde participo trato de hacerlo (je!). Me emociona muchísimo, y es una canción con la que me pasa algo que a muchos músicos nos gustaría que nos pase mas seguido: puedo apagar el cerebro un rato. No pienso en nada mientras lo toco, para mi es lo mas parecido al estado nirvana que buscan los budistas. Debe ser por la forma que tiene: 10 compases... no empieza ni termina con la tónica... tiene una cosa casi hipnótica, circular...  como si nunca hubiera empezado y nunca fuese a acabar...

  El tema de Luis Alberto lo elegí por una frase de la letra que dice: "se queda oyendo como un ciego frente al mar". Pocas veces oí una imagen tan devastadora. Es indiscutible el valor poético (y musical, por supuesto) de la obra de El Flaco, pero esta ha sido una de sus canciones que mas a logrado conmoverme. Bueno, resulto que hace muy poco, apenas unos meses después de la grabación de este DVD, Luis Alberto falleció, así que este registro quedó como un homenaje personal a su persona, y una forma de agradecimiento por el enorme aporte que ha hecho a la música argentina...  bueno, a la música (a secas).

LHDJ:¿Cómo ves el actual panorama jazzístico argentino?

MA:  Es un excelente momento. Hay una infinidad de artistas tremendamente creativos, muchos aún están en la búsqueda de una identidad sonora, pero que están haciendo trabajos realmente excelentes. Solo por nombrar a algunos: Ernesto Jodos, Alejandro Demogli, Juampy Juarez, Pipi Piazzolla, Mariano Otero, Juan Cruz De Urquiza... y bueno, dejo un montón afuera de la lista, pero que pueden gozar buscando e investigando sus trabajos.

LHDJ:¿Ves posible actuar en  España?

MA: Por supuesto! Uno de mis mas grandes referentes, Gary Willis, vive en Barcelona desde hace algunos años, tengo entendido. Tengo como objetivo poder ir y conocerlo personalmente, y si es posible tomar alguna clase con él, de paso disfrutar de algún concierto, que allí hay unos músicos tremendos! y bueno, de ser posible presentar mi trabajo también.

Bueno amigos, les agradezco profundamente el interés por mi trabajo, y por esa hermosa actividad que llevan a cabo, que es difundir algunas de las músicas mas hermosas del mundo!
Les mando un abrazo enorme desde Córdoba, Argentina... 

Master Jazz de Deborah J. Carter "Disfrutar improvisando"

El 22 de marzo la Escuela de Música Creativa acoge una Master Jazz con la prestigiosa cantante y compositora Deborah J. Carter. Bajo el título "Disfrutar improvisando", Carter abordará el miedo a improvisar, tan habitual en vocalistas de cualquier nivel.

En la sesión se trabajarán conceptos como el fraseo de scat, el uso de la letra en el solo y la improvisación desde un punto de vista melódico, menos explorado que el armónico, como medio para mejorar la interpretación de la melodía original. Esta clase magistral está promovida por la Fundación Música Creativa y cuenta con la colaboración de la AIE.


La clase, que será impartida en castellano, está dirigida a cantantes de cualquier nivel. Desde la organización se aconseja llevar dos temas preparados, si bien no se asegura el uso de todo el material. La clase es a las 11 h. en la Escuela de Música Creativa (C/Palma, 35).




La fecha límite de inscripción es el 20 de marzo y la matricula es de 10 euros. (gratuito para alumnos de la Escuela)

www.musicacreativa.com

Entrevista a YOIO CUESTA

Transcribimos la entrevista realkizada a Yoio Cuesta por Juanma Cantos

YOIO CUESTA

'''Back To The 40's' es un sueño cumplido al que le debo momentos inolvidables''

Yoio Cuesta es una de las cantantes de jazz más reconocidas de Madrid. Buena parte de ello se debe a su impecable primer trabajo en solitario, 'Back To The 40's', un disco con un repertorio infalible de reconocibles estándares de la época dorada del jazz vocal femenino, cantados con elegancia por una intérprete cuya voz engancha desde la primera escucha.

La madrileña abandona temporalmente los escenarios tras su concierto de este viernes (22:30h.) en el Bogui Jazz de Madrid para centrarse en su próxima maternidad. Protagonizará el concierto central del Ciclo "3 Mujeres, 3 Estilos, 3 Noches" del Bogui Jazz, enmarcado en el Festival Ellas Crean'12, con el que el club madrileño pone el foco sobre el talento femenino que Madrid rebosa en torno al jazz.

- En primer lugar, felicidades por su próxima maternidad. ¿Tener en camino a un bebé cambia la mentalidad a la hora de enfrentarse a un escenario, otorga madurez?

- La mentalidad no cambia, sigues teniendo el mismo respeto, responsabilidad, las mismas ganas, lo que cambia son las sensaciones a la hora de interpretar, saber que llevas una vida dentro te llena de emoción, de felicidad, de ilusión y eso se transmite en el escenario.

- Elige para este "hasta luego" un club como el Bogui, ¿qué supone para usted?

- En el Bogui me siento como en casa, tiene unas condiciones de sonido estupendas y toda la gente que forma el equipo del Bogui, empezando por su gerente Dick, camareros, programador, técnicos de sonido, tienen un trato hacia el artista inmejorable. El público va con muchas ganas de escuchar, de sentir, de pasarlo bien y es muy respetuoso. Es una delicia estar cantando y que haya un silencio absoluto.

- Protagoniza el concierto central de un ciclo como "3 Mujeres, 3 Estilos, 3 Noches", dedicado a poner el foco sobre el jazz de carácter femenino. Para usted, ¿qué diferencia el jazz vocal femenino del masculino, aparte de detalles obvios...?

- No hay ninguna diferencia, si acaso la sensibilidad femenina que pueden aportar las mujeres. Lo que sí es cierto es que desde los principios del jazz las mujeres han sido la referencia dentro del jazz vocal: Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Sarah Vaughan, Carmen McRae... mientras que los hombres han estado más centrados en el jazz instrumental.

- Madrid disfruta de grandes cantantes. Algunas como Verónica Ferreiro o Sarah Quist están programadas en este ciclo, pero no son las únicas: Ángela Cervantes, Sheila Blanco, Celia Mur, Eva Cortés, Natalia Calderón, TJ Jazz, Alana Sinkey, Alicia Araque, Natalia Dicenta... ¿Vivimos una (nueva) "época dorada" del jazz vocal femenino en Madrid?

- Sí, absolutamente. Madrid está llena de grandes talentos. Las conozco a todas, unas compañeras y otras grandes amigas. Cada una de ellas con su timbre, con su estilo, pero estupendas en cualquier caso.

- Echando la vista atrás a esta última temporada, ¿qué le debe Yoio Cuesta a 'Back To The 40's'?

- La vida está llena de pequeños sueños, unos se cumplen y otros no. 'Back To The 40's' es un sueño cumplido al que le debo momentos inolvidables por haber tenido la suerte de contar con músicos maravillosos y estupendas personas. He presentado el proyecto en varios festivales, teatros y clubes de jazz y siempre ha tenido muy buena acogida... Eso te hace sentir bien.

- Estará junto a usted en el escenario Iván Valdés, alguien que, aparte de muy importante en su vida y en su día a día, fue y es crucial en su carrera...

- Sí, Iván Valdés es el padre de 'Back To The 40's' y el padre de mi futura hija, además del amor de mi vida, qué más puedo decir...

- Pero no sólo estará rodeada por Iván; un excelente grupo de músicos le pondrán las cosas más fáciles. Por favor, háganos las presentaciones...

- Pues, como he dicho antes, me siento afortunada de poder contar con Moisés Sánchez al piano, Francisco López al contrabajo, Gonzalo Maestre a la batería, Iván Martín a la viola y Osmay Torres al violín. Todos ellos grandísimos músicos.

- Seguro que, siendo una fiesta de despedida (aunque temporal), guardará sorpresas para este concierto...

- Sí, pero si te lo cuento ya no sería una sorpresa, ¿no te parece?

- ¿Cuándo volveremos a ver a Yoio Cuesta en los escenarios?

- Pues, si quieres que te sea sincera, no me he puesto una fecha, voy a ir fluyendo con el momento... Lo que tengo claro es que quiero disfrutar de mi maternidad, que luego, como dicen las madres, crecen muy rápido (Risas).

- ¿Será con un nuevo trabajo discográfico, sucesor de 'Back To The 40's'?

- El nuevo trabajo todavía está verde, lo iremos madurando durante este año y con mucho esfuerzo, trabajo, dedicación y algo de suerte podrá ver a luz el año que viene. Lo que sí puedo decir es que va ha ser algo muy diferente a 'Back to the 40's'.

TEXTO: JUANMA CANTOS

Entrevista a VERONICA FERREIRO

Transcribimos la entrevista que Juanma Cantos ha realizado a Verónica Ferreiro.

La coruñesa Verónica Ferreiro es una de las más firmes revelaciones del jazz y del neo-soul de nuestro país. Su álbum de debut, 'Laio', ha supuesto un soplo de aire fresco al panorama jazzístico español. Un álbum con una exquisita producción, plagado de grandes canciones, que fue número uno en ventas de jazz en iTunes en su semana de lanzamiento.

A Verónica y a su joven grupo, integrado por Sergio Fernández (director musical, bajista, arreglista, productor), Diego Lipnizky (guitarra), Rubén García (piano y teclados) y Chuchi Crespo (batería), les corresponde abrir este jueves (22:30h.) la segunda edición del Ciclo "3 Mujeres, 3 Estilos, 3 Noches" del madrileño Bogui Jazz, en el marco del Festival Ellas Crean'12.

- ¿Sorprendida, abrumada, agradecida... por las buenas críticas que está recibiendo tu disco?

- Así es, sorprendida, abrumada, agradecida... y además añadiría "feliz".

 - Por cierto, que muy merecidas: Impecable composición, gran ejecución, buena producción... ¿Hay algún secreto para lograr un resultado final tan adictivo?

- ¡¡Muchas gracias!! En mi opinión, el único secreto, si se le puede llamar así, ha sido hacer lo que me ha salido de dentro, sin mirar nada más. Me puse como única norma hacer lo que deseaba, sin límites de ningún tipo. He podido hacer eso y, además, rodeada de amigos y familia. He aprendido que es esencial que tus acciones vayan movidas por el verdadero deseo de hacerlas y así tener la convicción necesaria para llevar los proyectos a cabo y defenderlos. De lo contrario, para mí, nada tiene sentido.

- Te rodeas por un grupo de músicos igual de joven (y de talentoso, por cierto) que tú. ¿La marca Verónica Ferreiro tiene aspiración grupal o es la "capitana" la que "manda"?

- Me considero muy afortunada por estar rodeada de enormes músicos, pero porque, sobre todo, son grandes amigos. Siempre he concebido este proyecto como grupal, pero el peso del proyecto (la composición y la dirección de los temas) recae en Sergio Fernández (bajista y productor) y en mí.  Tengo claro que, hoy por hoy, Verónica Ferreiro y, en concreto, "Laio", es lo que es y suena como suena porque está impregnado de cada una de las cinco personalidades que le damos vida en directo. Juntos hacemos que los temas suenen así, tengan la identidad que tienen. Con otros músicos, sería de otra forma, sería distinto.

- Vuelves a un club como el Bogui Jazz, donde ya actuaste hace un par de meses...

- Sí, y estoy muy agradecida y contenta. Es un club emblemático en el ambiente musical madrileño, y es un placer formar parte de su cartel por segunda vez. Gracias a clubs como el Bogui podemos dar vida a nuestra música, y compartirla con la gente, que al final es de lo que se trata.

- El concierto coincidirá con el Día Internacional de la Mujer, y estará incluido en un ciclo como '3 Mujeres, 3 Estilos, 3 Noches', que muestra parte del trabajo de mujeres que trabajáis en Madrid en torno al jazz, y se enmarca en un festival sobre creación multidisciplinar femenina como Ellas Crean, con lo que tu concierto representará un ejemplo de esa creación. Ese hecho, ¿imprime responsabilidad? Pero, antes de nada, ¿te sientes un ejemplo?

- Lo cierto es que no, no me siento ejemplo de nada. Creo que para ser un ejemplo de algo hay que tener mucha carrera a la espalda y haber vivido mucho, y yo acabo de empezar a vivir como quien dice. Sin embargo, formando parte de el cartel de Ellas Crean, sí me siento responsable de que el día 8 la gente salga del concierto llevándose algo de "Laio", con la sensación de haber participado activamente en un proyecto creativo y personal. Que no salgan indiferentes.

- ¿Crees que aún es necesario que existan ciclos y festivales como estos, que pongan el foco en la creación femenina o, por el contrario, la música no debería tener género?

- Me encantaría contestar que la música no debería tener género, pero lo cierto es que "socialmente" lo tiene, y todos sabemos que nuestra historia así lo ha demostrado. Durante muchos años la labor creativa de la mujer ha estado en la sombra, y aunque creo que aún hay que avanzar mucho, ciclos como éste han dado y dan la oportunidad de mostrarle a la gente que el talento femenino, en todas sus disciplinas creativas, tiene una sensibilidad diferente.

- Te mueves entre el jazz y el soul. Si tuvieras que elegir un único destino, ¿cuál de las dos paradas preferirías?

- Qué difícil... A día de hoy, quizás me quedaría con el Jazz. Creo que es una forma de vida más que un estilo, y aunque considero que todavía nos falta abrir mucho la mente con respecto a lo que el Jazz es o no es, mi manera de entender la música está más cerca de la libertad y la comunicación que creo que se necesita para desarrollarlo.

- ¿Cuándo tendrá continuidad "Laio"?, ¿estás preparando nuevo material?

- ¡¡Pues muy pronto!! Siempre estamos trabajando nuevas ideas. De hecho, el jueves estrenaremos un par de temas nuevos. Muchas gracias por esta entrevista y... ¡¡nos vemos el jueves!!

TEXTO: JUANMA CANTOS

JAZZ VOCAL: Voces que seducen (y 2)

                A lo largo de los años, los cantantes de jazz, nos han seducido con sus voces, interpretando canciones que han calado en lo más profundo de nuestros corazones, dejando huellas difícilmente borrables.

                Canciones que  fueron compuestas originariamente para operetas unas, para musicales de Broadway otras,  bien piezas instrumentales a las que se les incorporó la letra con posterioridad o bien canciones que poco o nada tenían que ver con el jazz pero que fueron “atrapadas” por  aquél e incorporadas al repertorio jazzístico  para la eternidad. No faltan tampoco composiciones que, aún   habiéndose escrito para ser cantadas, posteriormente se incorporaron al jazz instrumental, ganando en algún caso  intensidad en comparación con la  original. 

      

                Temas como Summertime, The Man I Love, Lover Man, My Funny Valentine, Nature Boy, My Man Is Gone Now, Strange Fruit, In a Sentimental Mood, han sido versionadas hasta la saciedad, con mejor o peor fortuna y constituyen los llamados standards,  indispensables en cualquier discoteca de cualquier buen aficionado.  

 

                En ocasiones, los mismos cantantes se acompañan  con algún instrumento,  piano generalmente (Diana Krall, Patricia Barber); también es relativamente frecuente que instrumentistas hayan hecho sus incursiones en el mundo vocal (Chet Baker, Nat Cole).

                La escucha de estos estándares, interpretados por alguno de los grandes vocalistas, produce en el oyente profundas emociones, favoreciendo que afloren recuerdos, momentos irrepetibles, únicos, que sólo estas canciones pueden hacer rememorar.

                El jazz vocal es una buena forma de introducirse en el mundo del jazz, pues no representa  dificultad su audición y   llega fácilmente al oyente; primero, dejándose llevar por la interpretación vocal desnuda, obviando la instrumentación para, posteriormente,  captar todos y cada uno de los instrumentos por separado, oyendo sus múltiples matices sonoros, sus arreglos, arropando la interpretación, para terminar oyendo el conjunto instrumental que junto a la voz conforman esas piezas de extraordinaria belleza.

               Oscar Wilde dijo que “el arte de la música es el que más cercano se halla de las lágrimas y los recuerdos”. Compruébalo, lo tienes al alcance de tu equipo de música.

JAZZ VOCAL: Voces que seducen (1)

                A pesar de que las fuentes del jazz son en gran parte vocales (blues, cantos de los campos de trabajo, godspell, cantos africanos..) el jazz vocal ocupa una pequeña parcela, o no tan pequeña, dentro del extenso terreno jazzístico. Pero este hecho no resta importancia a este género, más bien todo lo contrario, su influencia sobre el jazz ha sido y sigue siendo, muy importante.

                Es cierto que son un ramillete de elegidos cantantes los que han interpretado jazz y aún menos los que lo han hecho a lo largo de toda su carrera; Billie Holiday, Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Carmen McRae, Betty Carter, Nina Simone, son sólo una pequeñísima muestra, de una maravillosa representación del colectivo femenino que, sin necesidad de aplicar artificiosos métodos publicitarios, han sabido llenar  páginas y páginas de extraordinario jazz vocal  ganándose un merecido lugar en un hipotético  cuadro de honor.

                Ha sido y sigue siendo mayoría la presencia femenina y dentro de esta, la de color, sin que esto sea óbice para que también entre los varones haya  habido una nutrida representación de intérpretes, como  Louis Armstrong, Jimmy Rushing, Little Jimmy Scott, Nat “King” Cole,  Mark Murphy o Kurt Elling.

                Incluso, a todos ellos, se les podría  acusar de no haber sido fieles al cien por cien en algún momento de su carrera a los cánones o estructuras del jazz, pero aplicar tanto rigor rayaría lo absurdo y nos privaría de poder  disfrutar de muchos cantantes más o menos fieles al género.

La crisis económica llega al Jazz

La crisis económica azota al Jazz madrileño. La falta de patrocinadores obliga a suspender la 19ª edición del ciclo de Jazz es Primavera en el San Juan Evangelista.

Desde este humilde blog hacemos un llamamiento a empresas de cualquier sector para que patrocinen estas actividades culturales tan necesarias en nuestra ciudad.

A continuación transcribimos la nota publicada por El Colegio Mayor San Juan Evangelista

"Los recortes acosan a la cultura y a esta Asociación le ha tocado de pleno. Si ya fue relevante la retirada como patrocinador de la Obra Social Unicaja hace 2 años, ahora inesperadamente se une la desaparición del patrocinio total de El Corte Inglés que durante 28 años nos ha estado ayudando. Hace un mes nos han comunicado que dejarán ya de patrocinarnos por lo que al no contar esta Asociación con otros recursos desaparecerá desde este año este Ciclo importante de jazz que se venía celebrando durante los meses de marzo y abril. El CICLO DE JAZZ ES PRIMAVERA ha llegado hasta la 19ª edición, pero también ha desparecido el Festival Flamenco por Tarantos que se ha quedado en la 21ª edición.

De todas maneras agradecemos a estas dos entidades privadas su colaboración durante tantos años, que ha ayudado a mantener en pie de una manera destacada nuestras actividades.

Por todo esto peligra el Festival de Jazz de noviembre, será el 31º y por ahora solo dependerá de los recursos que se consigan de patrocinadores oficiales, INAEM (Ministerio de Cultura), Área de las Artes del Ayuntamiento de Madrid y Consejería de Cultura de la Comunidad de Madrid. Tal como están las cosas quizás se reduzcan las cantidades conseguidas hasta ahora en el caso de que se nos concediesen y ya desafortunadamente solo se podría hacer la mitad del programa que los años pasados.

Por supuesto ojalá se presenten nuevos mecenazgos de cualquier índole, pública o privada y esperamos vuestras sugerencias de simpatizantes, socios y amigos para que este Club no desaparezca en tiempos ya próximos."

GRAMMYs 2012 (Jazz)

Categoría: Best Pop Duo/Group Performance

Body And Soul

Tony Bennett & Amy Winehouse

CD: Duets II

(Columbia Records)

Categoría: Best Traditional Pop Vocal Album

CD: Duets II

Tony Bennett & Various Artists

(Columbia Records)

Categoría: Best New Age Album

CD: What's It All About

Pat Metheny

(Nonesuch)

Categoría: Best Improvised Jazz Solo

500 Miles High

Chick Corea, solista

CD: Forever (Corea, Clarke & White)

(Concord Records)

Categoría: Best Jazz Vocal Album

CD: The Mosaic Project

Terri Lyne Carrington & Various Artists

(Concord Jazz)

Categoría: Best Jazz Instrumental Album

CD: Forever

Corea, Clarke & White

(Concord Records)

Categoría: Best Large Jazz Ensemble Album

CD :The Good Feeling

Christian McBride Big Band

(Mack Avenue Records)

El Saxofón: protagonista indiscutible (y2)

Hay más de catorce tipos de saxofones, si bien son cuatro los más usados y populares: el soprano, alto, tenor y el barítono. Un quinto tipo, el saxo bajo, no es demasiado usado, pero su potente sonido le hace muy atractivo. En cualquier caso, el saxo, permite una increíble variedad de tonos

Está  extendida la creencia de que la popularidad al saxo le viene del jazz lo cual es totalmente falso, ya que hasta los años veinte nos se incorpora de forma clara a este estilo musical. En New Orleans, se usó escasamente y sólo de manera rítmica no como solista., como  el clarinete, la trompeta o el trombón.

Se considera a Barney Bigard como el primero en tocar un tenor en una orquesta de jazz (King Oliver) en 1924 y al gran clarinetista Sydney Bechet  de los  primeros  que improvisó con un saxo soprano  marcando el camino de muchos saxofonistas posteriores.El soprano decayó en cierta manera hasta que el colosal John Coltrane lo elevó a categoría  superior.

Si exceptuamos el piano, la batería y el bajo acústico, la denominada sección rítmica, el saxofón se ha convertido por méritos propios en el  instrumento rey del  jazz. Se encuentra como pez en el agua en este estilo musical, en el que la improvisación y las conversaciones entre instrumentos forman parte de su naturaleza.

La lista de soxofonistas sería interminable, los más grandes, aquellos cuya aportación a este instrumento y al jazz ha sido fundamental para su desarrollo: John Coltrane, Coleman Hawkins, Bix Beiderbecke, Sydney Bechet, Charlie Parker, Stan Getz, Lester Young. Dexter Gordon, Sonny Rollins, Ben Webster, Archie Shepp, crearon el ambiente que ayudó a la música contemporánea a ampliar su espectro sonoro, al emplear timbres hasta entonces desconocidos y crear nuevas combinaciones sonoras y nos han dejado momentos irrepetibles.

El Saxofón: protagonista indiscutible (1)

El saxofón pertenece a la familia de los vientos y dentro de esta al subgrupo de las  maderas. Fue inventado por Antoine-Joseph  Sax (Dinant, Bélgica), fabricante de instrumentos y clarinetista, que lo registró en Paris en 1846. Durante los veinte años que duró la patente introdujo pocas modificaciones que sí  introdujeron posteriormente  otros fabricantes.

Se desconoce que  lo inspiró. Una teoría apunta al figle (instrumento de viento, con llaves que abren y cierran el paso del aire) al que incorporó  una boquilla de clarinete y llaves del oboe. La más verosímil  es que  intentara crear un instrumento que transmitiera nuevos efectos tonales y técnicos.

La primera interpretación en público se hizo en 1841 por el propio Sax, en Bruselas.Se trató de una obra de  su amigo Hector Berlioz,  adaptada al saxofón.Este compuso  en 1844 la primera obra conocida para saxofón: el sexteto Canto Sagrado, estrenada el 3 de febrero del mismo año en Paris, bajo la dirección del propio Berlioz y con el propio Adolfo Sax al saxofón.

Como suele ocurrir con toda novedad y más aún con las que triunfan,  suscitó recelos y críticas entre fabricantes de instrumentos e intérpretes

Fueron las bandas militares las primeras en adoptar este instrumento, hasta tal punto que Sax fue  nombrado, en 1854, "fabricante de instrumentos musicales de la Casa Militar del Emperador" lo que contribuyó a un uso casi exclusivo por parte de estas bandas.

Pese al apoyo de Berlioz y otros clásicos, su incorporación a las orquestas sinfónicas fue lenta. Compositores como  Bizet,  Ravel, Prokofiev, Strauss y Gershwin, lo emplearon en algunas de sus obras. Poco a poco se usó en circos, espectáculos de  vaudeville y callejeros que contribuyó a que aumentara su popularidad y a que se introdujera en orquestas de baile 

El sonido de saxofón es tan dulce como un ángel

Hector Berlioz

PIANO JAZZ (y 4)

Son muchas las mujeres pianistas que han dejado su impronta en el jazz. Carla Bley, practicante del free jazz, Diana Krall,  Nina Simone, Carmen McRae, Diane Schuur, Shirley Horne, Elliane Elias o Geri Allen, son un pequeño exponente de este colectivo.

       Mención aparte merece el panorama jazzístico japonés  con pianistas como Makoto Ozone, Yosuke Yamashita, Aki Takase, Hiromi Uehara  o Haruku Nara.

No olvidemos la infinidad de veces que un o una  cantante se han acompañado exclusivamente de un piano tanto en grabaciones como en actuaciones en directo. Se crean momentos mágicos. Recomiendo los dos discos de Tony Bennett con Bill Evans o los que grabó Jenne Lee con Mal Waldron.

Son muchos los pianistas que dejo en el tintero, Scott Joplin, Bud Powell, Keith Jarrett, el incomparable Thelonius Monk, Tete Montoliu, Michel Petrucciani, Brad Meldhau  y muchos más.

Pero ¿qué sería de un pianista sin el piano?. Son varias las marcas de piano de prestigio: Petroff, Yamaha, Bechstein, Haway, por citar sólo algunas. EL pianista austriaco Rudolf Buchbinder, dijo  "Un pianista sin un Steinway, para mi, es lo mismo que un cantante sin voz”. Quizás sea esta compañía, Steinway & Sons  la de mayor prestigio de entre todos los  fabricantes de pianos.

Fundada en 1853 en Manhattan  (New York) por el inmigrante alemán Heinrich Engelhard Steinway (fabricó su primer piano en la concia de su casa)  ha sido galardonada en multitud de certámenes. Sus 12.116 piezas conforman el piano elegido por nueve de cada diez pianistas de concierto  e incontables intérpretes y compositores de todo el mundo. Ninguno de ellos es patrocinado por Steinway & Sons.

Escuchen a pianistas, disfruten de las posibilidades musicales  que ofrece este instrumento, déjense llevar por su sonido.

“A veces un Steinway toca mejor que el pianista y esto es, entonces, una maravillosa sorpresa”.  

Marta Argerich

PIANO JAZZ (3)

La forma de interpretar el piano de jazz ha sufrido una evolución paralela a la que ha llevado a cabo el propio jazz. En 1921 comienza el auge de los cantantes de blues acompañados principalmente de pianistas como James P. Johnson, uno de los pioneros del estilo stride y  Fletcher Henderson; ambos fueron  dos de los más solicitados.

En los años 40, Duke Ellington da un giro al piano con creaciones llenas de color que conforman un universo sonoro particular, cercano a la naturaleza, a la que describe de forma inigualable (recuérdese el llamado estilo jungle) a través de una forma de interpretar  muy reconocible.

Algunos pianistas se han especializado en la formación de tríos, como Oscar Peterson, un referente entre los pianistas. A finales de los 40 surge el estilo cool  de la mano entre otros de Lennie Tristano, pianista blanco y renombrado profesor de gran creatividad.

El hard bop trae nuevos nombres a la escena pianística; Red Garland, Horace Silver, y Mal Waldrom entre otros. También destaca Horace  Parlan que con su mano derecha paralizada por una poliomielitis, ha potenciado sus interpretaciones  con la mano izquierda, añadiendo acordes muy bien colocados con su mano paralizada.

Y como no, uno de los pianistas más influyentes de su época y de épocas posteriores, Bill Evans (no confundir con el saxofonista de mismo nombre). Evans ya había coqueteado con experiencias modales junto a Miles Davis, pero fue McCoy Tyner, pianista del cuarteto de  John Coltrane, quien desarrollara un estilo  modal de gran influencia en los pianistas posteriores.

Pianistas cantantes, como Nat “King” Cole, Hoagy Charmichael, el alter ego de Duke Ellington, han dado paso a  otros actuales como Jammie Cullum , Ben Sidran o Harry Conick Jr que también se acompañan al piano.

PIANO JAZZ (2)

Cuando el  piano se sitúa en un escenario, su protagonismo está garantizado. Su sola presencia ya es todo un espectáculo. Tanto si es como solista,  en cuyo caso es el dueño de la escena,  como si es en  dúo o  en trío, en cuyo caso ese protagonismo queda algo matizado, al menos en apariencia, pues el piano marca el camino a seguir a sus acompañantes.

Cuando forma parte de sextetos, octetos, nonetos o incluso si se integra en  una  big band,, evidentemente su posición se diluye entre el resto de componentes si bien,  la mayoría de las veces, suele jugar un papel relevante.

En cualquier caso, un buen pianista solista debe ser un buen acompañante, aunque a algunos no les gustara este papel (Ar Tatum). Por el contrario y aunque no es demasiado frecuente, los hay que han hecho dúo con otros pianistas,  como Herbie Hancock-Chick Corea o Hank Jones –Tommy Flanagan entre otros. En general, los pianistas de jazz son grandes solistas y se adaptan perfectamente a otras formaciones.

Como he comentado, en los inicios del jazz, la formación del pianista era más completa que la del resto de músicos, lo que propició que fueran grandes compositores y arreglistas.

Quizás el origen de la improvisación en el jazz esté en los pianistas. Las largas sesiones de hasta 12 horas que soportaban aquellos  en los salones y burdeles,  agotaba su repertorio, por lo que se veían obligados a alargar sus interpretaciones a base de improvisaciones.

PIANO JAZZ (1)

Si tuviera que elegir un instrumento de entre todos, sin duda sería el piano. Este instrumento  ha estado presente en los más nobles salones y salas de concierto y en los burdeles de más baja estopa. Ha sido tocado por  los más ilustres compositores e intérpretes  así como por otros, digamos que,  de menos alta alcurnia. Su uso se ha cultivado más en determinados estilos o épocas, véanse los barrocos o los  clásicos, pero también es muy común en el  jazz, el blues y hasta en el pop, pasando por infinidad de estilos etiquetados como new age, trip hop, soul, rock y un largo etcétera.

Desde un aspecto teórico, los pianos tienen  88 teclas si bien los hay que disponen  de algunas más. La nota más baja de un piano vibra con una frecuencia de 27.5 hercios y la más alta a 4.186 hercios lo que le convierte en un instrumento con un  registro amplísimo. Los otros instrumentos utilizan subconjuntos de los tonos disponibles. Esta circunstancia influye en la capacidad tan enorme que tiene este instrumento para  comunicar emociones.

Centrándonos en el jazz, el piano ha tenido desde sus inicios un gran protagonismo. Ha sido parte integrante de este estilo, jugando un papel multifacético siendo una herramienta muy importante para la comprensión de la teoría del jazz y contribuyendo de forma decisiva en la composición y arreglos. No conviene olvidar que  el ragtime incipiente estilo jazzístico allá por 1897, se componía básicamente para piano y se interpretaba con piano.

En el jazz, al pianista siempre se le ha considerado como el más “culto”, así en argot americano a los pianistas,  además de llamárseles los eighty-eighter (88 teclas) también se les llamó  (Nueva Orleáns) los professor.

Jam session: El clímax jazzístico (y 2)

Normalmente las jam session son reuniones informales de músicos en pisos, fiestas o en determinados locales en los que de forma espontánea se reúnen  una vez finalizados los conciertos o actuaciones en los que han participado. Otra característica, no imprescindible,  íntimamente ligada a ellas, es su horario nocturno, after hours, iniciándose pasada la medianoche y  terminando a altas horas de la madrugada. En las décadas de los 40, 50 e incluso 60, también eran habituales en horarios de tarde y prolongándose hasta la madrugada.

Ya hemos hablado en este blog de  la baronesa Pannonica de  Koenigswarter, Nicca, mecenas, musa y amiga de muchos intérpretes  de jazz en los años 50 y 60. Pues bien fueron famosas las jam session que organizaba en la habitación del hotel donde vivía. No menos famosas eran las jam sessions del Minton’s Playhouse en New York, el más famoso local de jam sessions en los años 50 y 60. Aquí se reunían Ben Webster y Lester Young en maratonianas sesiones. 

El director de cine Robert Altman, recreo en la película Kansas City, el ambiente de su ciudad natal, cuando contaba con diez años de edad, mafia y música de jazz se daban la mano en los años treinta. Altman nos brinda los duelos que mantenían en las  jam session que protagonizaron Lester Young y Coleman Hawkins (interpretados por los músicos Joshua Redman y James Carter) en el Hey-Hey Club. Lester y Coleman se disputaban la corona de rey del jazz y tenían como espectador, nada más y nada menos que a Charlie Parker.

Excelente película y excelente banda sonora que recomiendo su visión y audición y que nos permite vivir esos  momentos mágicos.  

Cuando no me ve nadie, como ahora, gusto de imaginar a veces si no será la música la única respuesta posible para algunas preguntas.

                                                              

                                               Antonio Buero Vallejo

Jam session: El clímax jazzístico (1)

JAM SESSION

Sabido es que una de las características más representativas de este estilo musical (jazz) es la improvisación. Pero como en casi todo en la vida, hay grados. Se puede improvisar en determinados momentos dentro de una melodía conocida; se puede improvisar partiendo de una armonía sugerida por uno de los participantes o bien, se puede improvisar de principio a fin, es decir, subirse al escenario sin ensayos previos, sin  tener nada preestablecido, sin determinar previamente las canciones a interpretar, o sea, la improvisación pura; la música es creada en ese mismo momento. Con la improvisación,   el jazz  alcanza su máxima expresión, su máxima dificultad. No hay que confundir improvisación con free jazz, pues se puede improvisar melódicamente.

Además de los conciertos o actuaciones en clubes o bares, hay una modalidad que es el paradigma de la improvisación: las  jam session (sesión de improvisación). Pero estamos ante una improvisación sobre melodías conocidas, sin preparación ni arreglos predefinidos. De alguna manera las jam sessions que se formaban en las calles de New Orleans  constituyen el origen del jazz

El término jam parece tener  sus orígenes en la década de los veinte y se refiere a "un pasaje corto, improvisado libremente, por toda la banda". El origen de esta palabra es confuso, pero podría proceder del idioma wolof , lengua del pueblo del mismo nombre  y que es hablada por el ochenta por ciento de la población de Senegal.

El ragtime: un precursor del jazz (y 2)

El ragtime  y el incremento de las ventas de pianos y pianolas, produjeron unas sinergias que propiciaron que este estilo musical tuviera un extraordinario auge durante los primeros años del siglo XX. Como suele ocurrir con casi todo lo novedoso, fue atacado, menospreciado por multitud de críticos que afirmaban que tenía sus días contados.La Federación de Músicos  Americanos ordenó a  sus miembros que desistiesen de tocar ragtime, declarando que “los músicos sabemos lo que es bueno y si la gente no lo sabe tendremos que enseñarles”.

Dentro de este estilo musical se suelen considerar cuatro escuelas o corrientes: la de Sedalia, la de St. Louis,  la de  Nueva Orleáns y la de Harlem, que dio origen al stride, estilo pianístico  muy vigoroso.

Sin duda, el máximo exponente de este estilo fue Scott Joplin. Hijo de esclavo,  destaca como el más importante compositor de rags. Limpiador de suelos y  ventanas antes que músico,  de muy pequeño empezó tocando los pianos de las casas a las que acudía su madre como limpiadora.

Claro que hubo otros compositores que cultivaron este estilo, pero no  con la elegancia de Joplin. Su ambición compositora le llevó a ser el autor de dos óperas y un ballet entre otras muchas composiciones más o menos complejas.

No suficientemente valorado en su época, es redescubierto en la década de los 70, concretamente en el  año 1973, gracias a  la  película “El Golpe”, cuya principal canción, “The Entertainer”, fue un single de gran éxito. Hoy en día está considerado uno de los mayores músicos negros.

Al igual que otros muchos músicos de jazz, Scott Joplin murió joven, 48 años de edad,  en este caso de una parálisis cerebral  provocada por la sífilis.

“Si hubiera sabido que iba a vivir tanto tiempo, habría cuidado mi salud”.

Eubie Blake * (1883-1993)

* Músico de jazz, interpretó  ragtime hasta bien entrada la década de los setenta.

El ragtime: un precursor del jazz (1)

Previo a los  estilos  Nueva Orleáns y dixieland (a ambos se les  agrupa en el  denominado jazz clásico), existió y coexistió con ellos durante un buen número de años, el conocido como  ragtime. También llamado rag,  nació en  Sedalia, al sur del estado de Missouri. El ragtime es una música compuesta y pianística. Como es música compuesta le falta el rasgo más característico del jazz,  la improvisación.

A diferencia del blues, el  gospel y los cantos de trabajo, expresiones musicales de las  duras circunstancias de sus creadores e intérpretes y de la miseria que sufrían, el ragtime es  música creada por un escaso grupo de  negros cultivados musicalmente y conocedores de la técnica musical  existente en el último decenio del siglo XIX  y en particular las obras de los grandes compositores europeos de ese  siglo (Chopin, Listz…). Por eso la  estructura de los rags,  es la de la música de piano del siglo XIX, pero eso sí, con un aliño fundamental, el ritmo que sólo podía imprimir  la raza negra. A veces estas piezas tenían  la forma de  vals  o  minueto clásico.

El origen de la palabra podría ser ragging o ragged time (tiempo o ritmo irregular) debido a la técnica en algunas piezas,  consistente en tocar de forma insistente con la mano izquierda mientras la derecha ejecutaba los ritmos más  variados o melodías.

Si bien hay que huir de las etiquetas que identifican  algo o alguien como “el primer o mejor de” no hay más remedio que marcar una composición como la primera pieza de ragtime escrita, y este honor recae en   “Mississippi Rag” (1897) compuesta  por William Krell.

Los rags se distribuían en rollos que se oían en los pianos (de hecho, los músicos que interpretaban rags, fueron los primeros en grabar piano rolls). La pianola, inventada por Edwin S. Votey, era un aparato que se fijaba sobre un piano normal y permitía que éste “tocara” solo. Las pianolas empezaron a ser comercializadas en  el año 1897. Esta música fue la causante de la creciente popularidad de los pianos en EEUU en el periodo 1890 - 1909, de modo que la producción pasó de cien mil a trescientos mil pianos  al año. Así mismo, contribuyeron al auge de las pianolas   en los hogares norteamericanos  y en los lugares de reunión (bares,  clubes….).