Libro: GLAM ROCK: La revolución de las lentejuelas Autora: Noelia Murillo

 

Título: GLAM ROCK: La revolución de las lentejuelas

Autora: Noelia Murillo

Editorial: Redbook Ediciones

Colección: Ma Non Troppo

Serie: Música

ISBN: 9788410459137

Idioma: Español

Número de páginas: 224

Encuadernación: Tapa blanda

Fecha de lanzamiento: 14 de febrero de 2025

Medidas: 24cmx17cm

Peso: 650 gr

 

Redbook Ediciones lanza una nueva publicación  dedicada al rock y más concretamente al glam rock, un subgénero del rock nacido a principios de la década de 1970 en Inglaterra. Glam es un apócope de la palabra glamur, por lo que el glam rock, se puede traducir como “rock glamuroso”. En este estilo la sensualidad está presente a través de la puesta en escena de sus intérpretes.

Se puede considerar su inicio cuando en 1971 y ante millones de espectadores del programa de televisión Top of the Pops, Marc Bolan apareció con purpurina en las mejillas, un gesto con el que inauguró una nueva década destinada a hacer del rock algo glamuroso, ambiguo y atractivo.

Los artistas (bandas o solistas) de glam rock  incluyen en su repertorio canciones de rock clásico, metal rock, heavy metal o power ballad. Es decir, su característica no es tanto la música que interpretan como su estética.

En Estados Unidos a este género musical se lo denominó  glitter, si bien no tuvo tanto éxito ya que entonces la sociedad norteamericana no era tan tolerante con algunos conceptos que formaban parte de su discurso.

La autora es Noelia Murillo Carrascosa (Madrid) a quien  la profesión de periodista le ha llevado a medios como El Mundo, 20 Minutos, Onda Cero y Europa Press. En Woman y Stilo, ha publicado artículos sobre moda, cultura o lifestyle. Gracias a su trabajo en Metrópoli, fue redactora de la XIII edición de su anuario gastronómico y entrevistó a diferentes artistas musicales. Con Máster en Industria Musical y Estudios Sonoros por la Universidad Carlos III de Madrid,  ha investigado sobre la contracultura, con interés en la figura de la mujer en el rock de los sesenta y setenta. Siente pasión por el cine clásico y los gatos, aunque, por el momento, no se ha planteado escribir un libro sobre eso.

 

“Glam Rock”  es su primer libro y en él hace un recorrido detallado por los principales exponentes del glam, desde los pioneros como Marc Bolan y David Bowie hasta figuras más recientes como Lady Gaga o Måneskin. A través de un enfoque documentado y una cuidada edición a todo color, el libro examina la evolución del género y su influencia en la música contemporánea.

Dedica distintos capítulos centrados en solistas y bandas como Mötley Crüe, Kiss, Alice Cooper, New York Dolls o Lady Gaga por citar algunos ejemplos.

En las páginas del libro no faltan los tres elementos que caracterizaron el glam rock: la vestimenta, el uso del maquillaje para favorecer la androginia (al menos en sus inicios) y la teatralidad.

Como indican desde la editorial, se trata de contar «la historia de una época que, aunque efímera, permitió a los artistas crear propuestas muy singulares. La gran mayoría lo hicieron con absoluta libertad creativa, a través de personajes y estilismos únicos, aunque también fueron cuestionados por quienes querían mantener el virtuosismo y la formalidad técnica característica de la psicodelia y la contracultura».

El libro contiene un interesante capítulo dedicado al glam en el cine, otro a documentales imprescindibles, una extensa bibliografía y un código QR que conecta con una Play List en Spotify.

La Habitación del Jazz

 

ÍNDICE

-¿Qué es el glam rock?

-Glam para atraer: la belleza de un nuevo género

-Palmadas, pisotones y chaquetas metalizadas glam para bailar

-La cara B del éxito: canciones brillantes y volátiles

-Art Rock una amalgama de glam, pop y rock progresivo

-El glam tardío: raros, inclasificables y olvidados

-Glam que no suena a glam: el camino hacia el punk

-Mujeres y glam: la androginia también en ellas

-El glam lo inventaron las mujeres

-Sleaze rock en los ochenta: festival de la horterada

-Del blanco y negro al estallido de color con el gay rock en España

-Sin miedo a la diferencia: residuos del glam en Latinoamérica

-Ecos del pasado: así ha llegado el glam a nuestros días

-El glam en el cine

-Documentales imprescindibles

-Bibliografía

ELDAD TARMU CD: Silver On Aluminium

 

Pistas

1.The St. Vitus Dance 2.Pyramid 3 No Smokin’ 4.Horacescope 5.Gregory Is Here 6.Opus De Funk 7.Strollin’ 8.Yeah

 

Intérpretes

Eldad Tarmu – vibráfono

Marty Isenberg – contrabajo

Michael Shapira – batería

 

Sello discográfico: Queen of Bohemia

Fecha de publicación: 10 de junio de 2025

 

Eldad Tarmu nació en Los Ángeles, California, donde comenzó su carrera musical estudiando batería y percusión. Aprendió a tocar el vibráfono de jazz con Dave Pike como mentor. Estudió en Israel en la Universidad de Tel Aviv, luego regresó a los EE. UU. y comenzó a realizar giras internacionales con varios conjuntos de jazz, actuando en festivales y salas de música en más de veinticinco países, principalmente en Europa y Asia.

En 1997 lanzó su primer disco, “Aluminum Forest”, seguido de “Get Up Close” en 2001.

Tras graduarse en la Universidad Estatal de California  con un Máster en Música Afrolatina en 2005, fue nombrado Director del Departamento de Jazz de la Escuela de Jazz "Richard Oschanitzky" de la Universidad de Tibiscus (actualmente un departamento de la Universidad del Oeste) en Timisoara, Rumania, tras una colaboración con el bajista, violinista e investigador musical rumano Johnny Bota, que fue uno de los fundadores de la escuela.

En 2008, regresó a los EE. UU. para continuar su educación en la Universidad de Stony Brook, donde obtuvo un Máster en Composición Clásica, así como un Doctorado en Artes Musicales en Interpretación de Jazz, bajo la guía de Ray Anderson. Profesor de Estudios Musicales en el Hudson County Community College (HCCC)  y el Raritan Valley Community College de Nueva Jersey, desarrolló e introdujo un curso de Música Latinoamericana para el HCCC.

A lo largo de su carrera, ha colaborado ​​con nombres como Ron Affif, Ray Anderson, Mike Clark, Billy Higgins, Freddie Hubbard, Taj Mahal, Frank Morgan, Poncho Sanchez, Cybill Shepherd y Ernie Watts.

En los últimos años, Eldad Tarmu se ha centrado cada vez más en la música contemporánea original para conjuntos de cámara y vibráfono, componiendo para cuartetos de cuerda, quintetos de viento y obras para piano.

El título de su último álbum hasta el momento, “Silver on Aluminum”, tiene un doble significado: por un lado el vibráfono está hecho de aluminio y por otro, y más importante, este álbum es un tributo a Horace Silver. Este es su décimo álbum como líder y el primero en el que las canciones no son predominantemente originales de Tarmu, que se acompaña de dos jóvenes y excelentes músicos  neoyorquinos: el bajista Marty Eisenberg y el baterista Michael Shapira.

Teniendo en cuenta que Horace Silver compuso más de  300 canciones, no debió de ser nada fácil para Tarmu elegir las ocho que integran el disco y que corresponden a la década de los 50.

Abre el álbum con "The St. Vitus Dance", un tema que lleva el nombre de una enfermedad caracterizada por movimientos rápidos, involuntarios e irregulares de los músculos. Una versión trepidante y enérgica.

Sigue “Pyramid” donde se dejan entrever matices latinos y otros que se alejan de la ortodoxia jazzística.

“No Smokin” es otra melodía que se mueve a un ritmo frenético. Tarmu explica: “Aunque tocamos esta melodía muy rápido, no tocamos demasiadas notas, porque no quería que sonara demasiado mecánica”. La conexión entre los tres miembros del trío es absoluta.

“Horacescope” es un tema animado y también interpretado a una gran velocidad. Tarmu dice: “Dado que la escritura es tan fuerte, es un gran vehículo para la sustitución percusiva que ofrece el vibráfono”.

Tarmu aborda el arreglo original de "Gregory is Here" con un cierto ritmo latino. La sección rítmica no deja de empujar y empujar como en los cortes anteriores.

"Opus De Funk" sigue la misma línea argumental de swing potente y un trabajo en conjunto de muchos diamantes.

"Strollin" baja el ritmo y relaja el ambiente, lo que se agradece en cierta medida.

El disco se despide con otro tema explosivo y lleno de energía, "Yeah". Tarmu explica: "Kessel es mi guitarrista de jazz favorito. Músico que toca en trío. Traté de imaginar su estilo rítmico y cortante y la forma en que se relacionaba con la sección rítmica”.

Los arreglos de Tarmu transcriben canciones que fueron creadas para quinteto en otras que adapta para trío de vibráfono, bajo y batería, capturando totalmente el espíritu de la música de Silver, haciendo que su vibráfono parezca un piano.

Este trabajo de Tarmu  muestra la genialidad compositiva de Horace Silver  y la excelencia interpretativa del trío.

 

La Habitación del Jazz

 

JOSEPHINE DAVIS & THE ENSO ENSEMBLE CD: The Celtic Wheel of the Year Suite

 

Pistas

1.Eos (summer solstice) 2.Lammas 3.Mabon 4.Samhain 5.Gaia’s Breath (winter solstice) 6.Imbolc 7.Ostara 8.Beltane

 

Intérpretes

Josephine Davies –saxo tenor

Michael Chillingworth – saxo alto, saxo soprano

Rachael Cohen – saxo alto

Helena Kay – saxo tenor

Adam Bishop – saxo tenor, clarinete, flauta alto

Tamar Osborn – saxo barítono clarinete bajo

Noel Langley - trompeta, flugelhorn

Reuben Fowler – trompeta, flugelhorn

Nick Smart – trompeta, flugelhorn

Robbie Robson - trompeta, flugelhorn

Anna Drysdale – cuerno francés

Olli Martin – trombón

Maddie Dowdeswell – trombón

Eddie Curtis – trombón bajo

Alcyona Mick - piano

Dave Whitford - contrabajo

Shaney Forbes - batería

 

Sello discográfico: Ubuntu Music

Grabado en Livingston Studios, Londres, el 21 de mayo de 2023

Fecha de publicación: 28 de febrero de 2025

 

Josephine Davis es una saxofonista, compositora y directora británica, que se encuentra a la vanguardia de la escena musical contemporánea del Reino Unido. Ha lanzado cuatro álbumes en Whirlwind Recordings con su trío Satori, un trío de saxofón, bajo y batería que pone énfasis en la improvisación extensa y colaborativa. Es un proyecto que combina su búsqueda de libertad de expresión con su interés por la filosofía y el estilo de vida japoneses. Además Davis es conocida por su enfoque melódico, versatilidad y estilo único como instrumentista.

Fue compositora residente e intérprete de saxo tenor de la Orquesta de Jazz de Londres de 2012 a 2018. Posteriormente formó su propio gran conjunto al que bautizó como "The Ensō Ensemble", que se inspira en la práctica budista zen de un círculo dibujado con una sola pincelada sin editar, que celebra la belleza de lo incompleto y la imperfección, y la polaridad del movimiento y la quietud.

Acaba de lanzar “The Celtic Wheel of the Year Suite” en el sello Ubuntu Music, junto con su grupo The Ensō Ensemble. Este trabajo abre una nueva etapa como  compositora, con  una mezcla de música clásica, jazz y folk, creando un sonido intensamente dinámico influenciado de sus raíces en el archipiélago escocés de Shetland. La inspiración de  Vince Mendoza,  Stravinsky y Maria Schneider, se dejan sentir.

El álbum se compone de 8 piezas que representan las ocho partes de la Rueda Celta del Año. Davis explica: “Este proyecto comenzó hace 10 años cuando escribí mi primera pieza para la London Jazz Orchestra durante un período en el que me levantaba muy temprano. Inspirada por la salida del sol, la bauticé en honor a Eos, la diosa del amanecer. Una década después, con varias piezas de orquesta de jazz en mi haber y trasladándome fuera de la ciudad durante el confinamiento, me sentí instintivamente atraída a profundizar mi relación con la tierra y la naturaleza salvaje que me rodea, al mismo tiempo que quería expandir esta primera pieza. El resultado es la suite de ocho partes, cada movimiento inspirado en una época particular del año y lo que esta me depara a nivel emocional y espiritual”.

El primer corte del disco se llama “EOS (summer solstice)” y la compuso Davis durante las madrugadas mientras trabajaba como compositora residente de la London Jazz Orchestra. El nombre de Eos es el de la diosa del amanecer y celebra la gloria del sol en el día más largo del año. Davies plasma ese momento de luz y de generosidad de la tierra con elementos orquestales bien diferenciados sin atropellarse unos a otros.

Le sigue “LAMMAS” que celebra la llegada del otoño y la cosecha. Lughnasa (de Lugh, dios que da nombre a esta celebración) también se conoce como Lammas, y marca el punto medio entre el solsticio de verano y el equinoccio de otoño. De tono más oscuro que el anterior tema, presenta una gran presencia de las trompetas.

“MABON” es el equinoccio de otoño, la noche y el día vuelven a tener la misma duración y se honra la plenitud de la cosecha. Los huertos y jardines están llenos de frutas y verduras. Este es un momento para dar gracias a la Tierra que nos sostiene y para considerar cómo podemos vivir en reciprocidad con la naturaleza. Davis aporta un ritmo funky  contenido, con los vientos llenando el espacio sonoro. Tema interesante y hasta ahora el más jazzístico.

“SAMHAIN” representa el fin de la cosecha y la llegada de la mitad oscura del año, los meses con menos luz solar, la caída de las hojas y la descomposición que genera nueva vida.  El saxo con sonidos chirriantes evoca todo lo dicho. La melodía apenas aparece y lo progresivo hace su aparición.

“GAIAS’S BREATH (Winter solstice)” es el solsticio de invierno y el regreso del sol. Es un momento de renovación, renacimiento y la promesa de días más largos por venir. El solsticio de invierno es el momento preciso en el que el sol alcanza su punto más al sur en el cielo, lo que marca el inicio del invierno astronómico. Davis da mucho protagonismo a esta composición y le dota de trece minutos, la de mayor duración del álbum.

Un inicio orquestal, da paso a un sonido más big band y jazzero pero siempre imbuido de una majestuosidad  que da paso a un solo de batería, retomando la orquesta el tema principal para dar por finalizado el tema.

“IMBOLC” se encuentra a medio camino entre el solsticio de invierno y el equinoccio de primavera. La fertilidad se abre paso. La poesía, la creatividad, el fuego y la forja, la curación y la fertilidad los resume Davis en poco más de  minuto y medio.

“OSTARA” es el equinoccio de primavera, celebra el renacimiento, la renovación y la fertilidad, mientras la tierra despierta del letargo invernal y la vida comienza a florecer nuevamente. El nombre Ostara proviene de la diosa germánica del mismo nombre, que estaba asociada con el amanecer, la primavera y los nuevos comienzos. Se celebra el regreso del calor y la luz del sol, el punto del año en el que la noche y el día tienen la misma duración. Hay equilibrio entre la oscuridad y la luz. Davis desarrolla un tema que va in crescendo.

El disco cierra con “BELTANE” celebrando el apogeo de la primavera y la llegada del verano,  una celebración vibrante de la fertilidad, el fuego, la creatividad y el crecimiento. Los animales salen a pastar, las flores florecen y los días son más largos y brillantes. Tras un comienzo orquestal, Davis da paso a fases más relajantes y pastoriles propias de la época del año reflejada.

A lo largo de los ocho movimientos de la suite, Davies consigue sostener el drama y el movimiento, la majestuosidad y la sencillez, la oscuridad y la luz, junto a  improvisaciones  sobresalientes.

“The Celtic Wheel of the Year Suite”  es un proyecto ambicioso, el mayor desafío  de Davis como profesional, como intérprete y, sobre todo, como compositora.

No es un disco comercial que llegue fácilmente  a todo el público, pero eso no importa.

La Habitación del Jazz

 

Libro: En los santuarios del Rock: Los grandes festivales Autor: David López

 

Título: En los santuarios del Rock. Los grandes festivales

Autor: David López

Editorial: Redbook Ediciones

Colección: Ma Non Troppo

Serie: Música

ISBN: 9788410459144

Idioma: Español

Número de páginas: 232

Encuadernación: Tapa blanda

Fecha de lanzamiento: 31 de enero de 2025

Medidas: 24 cm x 17 cm

Peso: 490 g

 

Redbook Ediciones, dentro de su sello Ma Non Troppo, ha publicado un nuevo libro dedicado al rock. En esta ocasión a los grandes festivales que marcaron un antes y un después en este género musical.

Su autor es David López. Nacido en Jerez de la Frontera  (Cádiz, España), estudió filología hispánica y se doctoró en 2004. Ha sido docente de español para extranjeros y posteriormente copywriter, redactor y corrector. En 2008 puso en marcha su blog personal, El Cofre de Bechamel, que le llevó primero a colaborar con Rock in Spain y luego en Miusyk. Desde entonces redactando a diario a través esta última WEB  da a conocer noticias y curiosidades del  mundo del rock. Su satisfactoria experiencia en la industria musical le ha permitido ver a bandas míticas y conocer mejor cómo funciona el negocio de la música.   

López ha recopilado cantidad de información sobre los festivales más famosos, los comentarios de quienes asistieron, su historia, secretos, anécdotas y curiosidades,  eliminando cualquier tipo de comentario crítico. Es un libro sobre los festivales y los conciertos más decisivos en la historia del rock, de las estrellas del folk, rock, dance y del metal.

El libro contiene las fotos más icónicas de los festivales  y una gran cantidad de anécdotas y curiosidades insospechadas. En definitiva todo lo que te gustaría saber sobre los grandes festivales del rock.

Un libro que no decepciona de lectura imprescindible para quienes quieran conocer cómo fueron en realidad esos conciertos. Cada concierto se acompaña de códigos QR donde poder ver los vídeos disponibles en YouTube. También se acompaña de un QR de la lista de reproducción en Spotify.

 

La Habitación del Jazz

 

ÍNDICE

Introducción

PARTE 1: LOS MÁS GRANDES

Reading, más de seis décadas de música (1961)

Monterey Pop Festival (1967)

Isle of Wight (1968)

Woodstock, el festival más mítico (1969)

Glastonbury, un referente desde 1970

Concert for Bangladesh  (1971)

Canet Rock (1975-1978)

Monsters of Rock Donington (1980-1996)

WOMAD (1982)

Live Aid (1985)

Rock in Rio (1985)

Farm Aid, el festival más solidario (1985)

Nelson Mandela: su 70 cumpleaños (1988)

Wacken, más de tres décadas de heavy metal (1989)

Moscow Peace Festival (1989)

Espárrago Rock, pioneros de un modelo todavía vigente (1989)

The Freddie Mercury Tribute: Concert for AIDS Awareness (1992)

Live 8 (2005)

Cosquín Rock, el festival más importante de Hispanoamérica

Hell and Heaven Fest, ¡arriba los rudos!

Rock al Parque, la propuesta Colombiana

PARTE 2:

COCIERTOS QUE CAMBIARON LA HISTORIA DEL ROCK

Elvis Presley, Aloha from Hawaii (1973)

La despedida de The Band (1976)

Queen en el Madison Square Garden (1977 y 1982)

Pink Floyd, presentan The Wall en directo (1981 y 1990)

The Rolling Stones  en el estadio Vicente Calderón (1982)

Rock & Ríos (1982): una revolución para el rock nacional

Cream en el Royal Albert Hall (2005)

Lista de reproducción Spotify

Bibliografía consultada

 

 

ADAM BEN EZRA CD: Heavy Drops

 

Pistas

1.Heavy Drops 2.Play It Cool 3.Cosmic Nomad 4.Rise Up 5.Free Fly 6.Hazy Steps 7.Portrait of Natalie 8.Taming the Bull 9.Escape Route 10.Lazy Butterfly

 

Intérpretes

Adam Ben Ezra – contrabajo, voz, teclados, flauta

Michael Olivera Garcia – batería, percusión

Omer Mor – guitarra eléctrica (2)

 

Grabado en Camaleón Music Studio, Madrid, España. Grabaciones adicionales en Adam Ben Ezra Studio en São Luís, Portugal.

Fecha de publicación: 28 de febrero de 2025

 

Adam Ben Ezra nació en Tel Aviv, Israel. Es un multiinstrumentista, compositor y educador autodidacta. Comenzó a tocar el violín cuando tenía cinco años; guitarra cuando tenía nueve. Después de una temporada con el bajo eléctrico a los 16 años, se enamoró del rico timbre del contrabajo dedicándose en cuerpo y alma a su aprendizaje.

Ha  ido añadiendo a su arsenal el piano, el clarinete, el laúd, la flauta e incluso el BeatBox, aprendiendo en gran medida, de forma autodidacta.

Ha realizado cientos de espectáculos en todo el mundo y ha compartido cartel con artistas como Snarky Puppy, Pat Metheny, Victor Wooten y  Richard Bona por nombrar algunos.

Ben Ezra es una auténtica estrella de Internet con más de 20 millones de visitas a sus vídeos hasta la fecha.

Colaboró con la cantante Achinoam Nini ("Noa"), apareciendo en su álbum de 2014 “Love Medicin” y en giras por América del Norte y Europa.

En 2022 se retiró a la campiña del sur de Portugal, donde la paz reinante y el entorno impulsaron a Ben Ezra a componer una gran cantidad de piezas breves de un minuto para contrabajo, grabadas con una cámara sin bucles ni sobre grabaciones, con las que llegó a nuevas audiencias en línea, explorando nuevas posibilidades de su instrumento, utilizando técnicas de auto acompañamiento,  utilizando el cuerpo del contrabajo bajo como instrumento de percusión.

Su discografía incluye álbumes como el debut “Can’t Stop Running” (2015), “Pin Drop” (2017), ‘Hide and Seek’ (2020) y “Intermission” (2021).

Su música se inspira en músicos como J.S. Bach, Jaco Pastorius, Bobby McFerrin y Chick Corea,  incorporando elementos de jazz, funk, música latina, mediterránea y de su país de origen,  a su forma de tocar.

Su último lanzamiento se titula "Heavy Drops", grabado a dúo junto al contrabajista Michael Oliver. También aparece invitado el guitarrista Omer Mor en uno de los temas.

El disco se grabó en vivo en Madrid. Posteriormente Ben Ezra  agregó capas adicionales de bajo, voz, flauta y sintetizadores en su estudio casero, agregando efectos, pedales y loops.

El disco abre con la canción que da nombre al disco “Heavy Drops”. Tema que nos hace bailar irremediablemente. El contrabajo de Ben Ezra  y la percusión de Olivera son hipnóticos. Influencias latinas y de Oriente Medio. Excelente comienzo.

La curiosidad que caracteriza a Ben Ezra se deja ver en “Play It Cool”, ritmo reiterativo, instrumentación sobre grabada, única aparición del guitarrista  Omer Mor. Resultado óptimo.

“Cosmic Nomad” es una vorágine de ritmo. El contrabajo de nuevo como instrumento protagonista, sin concesiones.

“Rise Up” comienza al más puro estilo jazzístico. Ritmo medio-lento, para un tema enigmático y sugerente.

Con “Free Fly” vuelve el ritmo que incita a moverse, a no parar. Tema con matices country.

El jazz–fusión está presente en “Hazy Steps”, con sintetizadores, voces y la percusión que marca el camino a seguir y da personalidad a la composición. Con este dúo uno no puede dejar de moverse.

“Portrait of Natalie” es una delicada, relajante  y elegante canción en la que el contrabajo es más que un contrabajo. Preciosa.

En “Taming the Bull”, el Medio Oriente y sobre todo el flamenco son la base de esta canción. La versatilidad del contrabajo en las manos de Ben Ezra es pasmosa.  

“Escape Route” es una carrera hacia no se sabe dónde, una huida,  no se sabe de qué. La integración de percusión y contrabajo es genial.

El disco termina con “Lazy Butterfly”, un colofón a la altura del resto del álbum.

Ben Ezra ha redefinido al contrabajo, dándole nueva vida y lo ha elevado a la categoría de instrumento principal y no solo de acompañamiento.

Pocas veces, por no decir ninguna, había visto elevar al  contrabajo a este nivel de sonido y ritmo; posibilidades no ensayadas con anterioridad, de gran  creatividad. La unión musical con Olivera es todo un acierto, la conexión es instantánea creándose una fluidez que no necesita de engrase.

Un disco para disfrutar.

La Habitación del Jazz

 

ELAINE DAME CD: Reminiscing

 

Pistas

1.Tell Me Something Good 2.Use Me 3.Reminiscing 4.Wish You Were Here 5.Sing Child 6.Nothing Seems to Matter 7.Midnight at the Oasis 8.Last Dance 9.Love Will Find a Way

Intérpretes

Elaine Dame – voz, flauta (3)

Chris Madsen – saxo tenor y saxo soprano (4,5,6,9)

Tom Vaitsas - piano, órgano (9), Fender Rhodes (3)

Sam Peters – contrabajo

Jon Deitemyer - batería

Victor Garcia – trompeta (1)

Art Davis – trompeta (3)

Neal Alger - guitarra (2, 3)

Alyssa Allgood – armonía vocal (5)

Christy Bennett – armonía vocal (5)

 

Grabado en Transient Sound, Chicago

Fecha de publicación: 21 de febrero de 2025

 

Elaine Dame creció en Michigan. Su talentosa madre era flautista y cantante, y la introdujo a la música a muy temprana edad. La joven Dame, siguiendo los pasos  de su madre, estudió flauta clásica, canto y teatro en la Universidad Pepperdine en el sur de California y completó su educación en la Universidad Estatal de California, Northridge. Tras nueve años en Los Ángeles, regresó a sus raíces y se mudó de nuevo a Chicago para dedicarse a la actuación en la escena teatral de la ciudad. Pero todo cambió cuando leyó “The Artist's Way”, publicado en 1992 y reconocido como uno de los "100 mejores libros de autoayuda de todos los tiempos"; el libro está diseñado para ayudar a las personas a aprovechar sus talentos y habilidades creativas. Su lectura le abrió los ojos y se dio cuenta de que su verdadera vocación era cantar jazz y no el teatro. No pasó mucho tiempo hasta que Dame se convirtió en una habitual de la escena del jazz de Chicago, actuando en los mejores clubes y encabezando el cartel del Festival de Jazz de Chicago. Dame es una apasionada de la educación, imparte  talleres de jazz vocal en todo el país y como instructora privada de jazz vocal.

Además, su labor filantrópica es importante. Todos los años organiza y presenta un evento musical benéfico para una buena causa.

Tras sus dos primeros discos, “Comes Love” (2005) y “You’re My Thrill” (2014), ha publicado “Reminiscing”.

En 2019, Dame se propuso cumplir un sueño que tenía desde hacía mucho tiempo: grabar un álbum de canciones pop de los años 70 reinterpretadas como melodías de jazz moderno y actual. Tenía previsto empezar a grabar en 2020 cuando estalló la pandemia, un año devastador para ella marcado por la pérdida de sus padres. Tras la pandemia, sufrió una depresión y pensó en dejar de cantar por completo. Sin embargo, en 2024, volvió a encontrar su equilibrio y el resultado es este disco, una colección de nueve canciones pop de los años 70.

Dame no se limita a versionar sin más estas canciones, las dota de nueva vida y las sumerge en un jazz moderno, conservando su esencia originaria.

Dame dice: “Tengo una conexión emocional muy profunda con todas estas melodías. Puedo recordar días específicos, e incluso momentos específicos del día, en los que las escuché por primera vez”.

El disco abre con un tema de Steve Wonder titulado  "Tell Me Something Good", interpretado en su día  por Chaka Khan y Rufus. El funk-soul está presente, pero Dame le aliña con un ritmo de mambo rápido. Solo de trompeta de Victor García. La canción pierde su original carácter sensual, pero no importa.   

En 1972, Bil Withers compuso e interpretó el famoso “Use Me”. Dame la reinterpreta dando protagonismo a la guitarra de Alger y al  piano de Vaitsas. Gracias a los arreglos que le aplican, la canción gana en matices jazzísticos sin perder toda la carga sexual del original.

La canción que da título al disco “Reminiscing", compuesta por Graeham  Goble e interpretada en 1978 por los  australianos  Little River Band, es una balada suave, a la que se le aplica un ritmo íntimo de bossa nova. Solos de guitarra, flauta (de Dame) y trompeta. Dame la canta con un tono inocente y sexy. Dame eligió esta canción porque fue elegida como tema para su fiesta de graduación de la escuela secundaria.

David Gilmour y Roger Waters compusieron “Wish You Were Here”, un tema que Pink Floyd elevó a lo más alto. La versión de Dame es un vals que le recuerda a la interrupción del noviazgo que tuvo en la universidad.

Le sigue “Sing Child”, que interpretó la banda liderada por mujeres, Heart, que la incluyó en el álbum “Dreamboat Annie”. Dame dice: “Me mostró que, ¡Dios mío, las mujeres podían rockear!”. Dame hace un alegato  en contra del sexismo desenfrenado que todavía existe hoy. Intervienen en los coros Allgood y Bennett. Solo de Madson al saxo. La rítmica fundamental.  

"Nothing Seems to Matter" es una canción de Bonnie Raitt, que ella misma interpretó. Una canción llena de sentimiento y nostalgia, sentimientos que Dame transmite a la perfección.

"Midnight at the Oasis" de David Nichtern, fue un gran éxito de Maria Muldaur. Dame le agrega algo más de ritmo pero sin perder su carácter sugerente.

“Last Dance” de Paul Jaraba y llevado a la cima del éxito por Donna Summer. Dame la ralentiza y la convierte en una balada maravillosa. Dame afirma: “En este punto de mi vida, es una canción bastante significativa. Realmente trata de ese último capítulo: ‘Simplemente baila conmigo una última vez’”. Dame la eleva emocionalmente.

El disco cierra con “Love Will Find a Way” de David Jenkins y Cory Lerios que interpretó Pablo Cruise,  un grupo no muy recordado. La canción fue un gran éxito en 1978. Solo de Madsen y Vaitsas al órgano. Una canción rock sin más, que en la voz de Dame gana enteros.

Dame ha estado escuchando música de los 70 una y otra vez desde secundaria. “Creo que es una de las mejores músicas jamás inventadas, tan increíblemente diversas. Podría haber hecho tres discos de estas canciones” afirma Dame.

“Reminiscing” traerá recuerdos a más de un oyente del disco al volver a escuchar canciones que tienen un peso específico durante toda una década y más.

La interpretación de Dame y sus acompañantes, de primera.

 

La Habitación del Jazz

LIBÉRICA - Manel Fortià CD: ALÉ - Iberian Chants

 

Pistas

1.Rossinyol 2.Sant Joan Feu-lo Ben Gran 3.Malaguenya de Barxeta 4.Granaïna de Montaverner 5.Lo que lloró (granaína) 6.La Tarara 7.Cants de Batre 8.El Comte Arnau 9.A Dibujar Esta Rosa (alegrías) 10.Cançó del Lladre 11.El Garrotín

 

Intérpretes

Pere Martínez, voz

Carles Dénia - voz (3 4,7)

Antonio Lizana – voz y saxo  (2,8, 9,10)

Alba Careta – voz y trompeta (3,4,6,8,10)

Aina López – saxo alto (1,3,4,7)

Max Villavecchia – piano

Manel Fortià – contrabajo

Oriol Roca - batería (1,6,7,11)

Raphael Pannier – batería (2,3,4,8,10)

 

Sello discográfico: Segell Microscopi

Grabado en El Local Estudi en Vilablareix (Cataluña, España) entre marzo y junio de 2024.

Fecha de publicación: 16 de enero de 2025

 

Manel Fortià es un músico inquieto. A lo largo de su carrera ha recibido varios premios y reconocimientos y ha grabado más de 50 discos como líder y como acompañante. Ha tocado junto a  músicos de la talla de Dave Liebman, Chris Cheek, Eliot Zigmund, Ari Hoenig, Chano Dominguez, Raynald Colom, Arturo O’Farrill, Stephane Belmondo, Perico Sambeat, Scott Hamilton, Antonio Serrano, Marc Miralta entre muchos otros. Tras tres años en  Nueva York volvió a Barcelona (España) con las pilas cargadas y nuevos  proyectos producto de esa experiencia. Publicó “Fang i Núvols” (2020, Microscopi) a dúo con la cantante Magalí Sare; “Arrels” (2021, Microscopi)  publicado bajo el proyecto denominado Libérica y el disco titulado “Despertar” (2022) a trio con el pianista Marco Mezquida y el baterista Raphael Pannier.

Tras el reconocimiento obtenido con “Arrels”, Libérica ha podido tocar con gran éxito de público en escenarios tan emblemáticos como el Bimhuis de Ámsterdam, Lantaren Venster de Róterdam, el Festival de Jazz de Vitoria, Castello Sforzzezzo de Milán, Budapest Music Center, Unterfahrt de Múnich…

Fortià acaba de publicar “ALÉ – Iberian Chants”, el segundo álbum del quinteto Libérica, grupo integrado por Manel Fortià, Pere Martínez, Antonio Lizana, Max Villavecchia y Raphael Pannier. En esta grabación se les unen Carles Dénia, voz;  Alba Careta, voz y trompeta; Aina López, saxo alto y Oriol Roca, batería.

Básicamente son tres los puntos de nuestra geografía en los que se apoyan los temas del disco: Comunidad Catalana, Comunidad Valenciana y Comunidad Andaluza. El disco abre con  “Rossinyol”, introducido de puntillas por el contrabajo de Fortià al que se suma la voz de Martínez. El dramatismo se dispara cuando entra el saxo de López que acaba en un diálogo de voz y saxo. Una soleá llevada al jazz de forma brillante.

Una nana tarraconense titulada “Sant Joan Feu-lo Ben Gran” es el segundo corte. Las voces de Martínez y Lizana se enzarzan en un diálogo sustentado por la batería de  Pannier y el contrabajo de Fortià. Bulerías jazzísticas llenas de fuerza.

Sigue un fandango con el clásico valenciano “Malagueña de Barxeta”, con el dúo Dénia y Martínez, junto a la trompeta de Careta. Solo desgarrado de López.

Una soleá por bulerías podemos escuchar en otro clásico valenciano, “Granaïna de Montaverner”, que inicia Fortiá con el arco. Dénia, Careta y López los protagonistas junto a Pannier. Otra intensa canción.

Le sigue una bonita granaína titulada “Lo que lloró” con Martínez, Villavecchia y Fortià

El clásico entre los clásicos, “La Tarara” con mezcla de letras de Lorca, Camarón y letras valencianas de la canción de Pascua que lleva el mismo título. Careta a la trompeta, el contrabajo, el piano y la batería (Roca en esta ocasión) configuran la instrumentación que acompaña la potente voz de Martínez. Una original versión.

En “Cants de Batre” vuelve el dúo Martínez – Dénia. El arco del contrabajo acrecienta la tensión y profundidad de la improvisación del resto de los instrumentos.

Los fandangos y las bulerías están presentes en “Comte Arnau” con Careta y su trompeta al máximo.

De Cádiz son estas alegrías “A dibujar esta rosa” con Lizana y Fortià a dúo.

Alegrías, soleá por bulerías y seguiriya en el clásico   “La canción del lladre”. Martínez, Lizana,  Villavecchia, Careta, Fortià y Pannier, protagonizan este bello tema y esta bella versión.  

El disco cierra con una versión de otro famoso, “El Garrotín” en lo que llaman una New Orleans seguiriya. Martínez, Villavecchia Fortià  y Roca echan el resto.

Este disco y su música, son un homenaje a las tierras de España, sus culturas y estilos musicales, que son fusionados por Fortià con un sentido del ritmo y melódico notables y con gran creatividad.   

Las voces del catalán Pere Martínez,  el valenciano Carles Dénia y el gaditano Antonio Lizana, son la clara demostración de esa fusión. Alba Careta con su voz y la trompeta junto a Aina López en el saxo aportan una enorme energía a los temas. Y qué decir de la sección rítmica con Max Villavecchia al piano,  los bateristas  Raphael Pannier y Oriol Roca y el contrabajo de Manel Fortià, fantástica.

El objetivo está conseguido, flamenco y jazz hermanados de forma natural y orgánica. 

El proyecto Libérica debe continuar fusionando otros folclores de España: gallegos, vascos, castellanos, etc.

La Habitación del Jazz

ALI WATSON QUARTET CD: Terrarium

 

Pistas

1.Glen 2.Moss 3.Earth 4.Undergrowth 4.Evening Song 5.Terrarium 6.Solace 7.Snowdrift 8.Oak

Intérpretes

Ali Watson - contrabajo

Matt Carmichael – saxo tenor

Alan Benzie – piano

Greg Irons - batería

 

Grabado en Castlesound el 15 y 16 de febrero de 2024

Fecha de publicación: 26 de noviembre de 2024

 

Originario de la costa norte de Escocia, Ali Watson creció en Glasgow antes de mudarse a Londres para estudiar en la Guildhall School of Music. Durante sus estudios comenzó a escribir sus primeras composiciones y formó un trío con el baterista Tom Potter y Tim Lallemant. En el verano de 2022 regresó a Glasgow para formar un nuevo cuarteto con destacados músicos de su ciudad natal: el pianista Alan Benzie, el saxofonista Matt Carmichael y el baterista Greg Irons. El cuarteto fue una sensación en el Festival de Jazz anual de Edimburgo, el Festival de Jazz de Glasgow y los conciertos en Aberdeen y Londres. Además de liderar su propia banda, Ali Watson también actúa regularmente como miembro del quinteto de Matt Carmichael.  

Ali Watson describe su música como compleja, inspirada en el jazz contemporáneo, el folk escocés, la música clásica impresionista y sus maestros del jazz (Aaron Parks, Kit Downes y Larry Grenadier).

Acaba de publicar su  álbum debut que lleva por título “Terrarium”. Watson afirma: “Llamé a mi álbum ‘Terrarium’ principalmente porque quería crear una obra que realmente te atraiga a su propio mundo. Como un terrario, tiene su propia atmósfera y explora los límites entre la naturaleza y la crianza: el terrario inicialmente se crea artificialmente y, a medida que lo abandonas, con el tiempo la naturaleza comienza a tomar el control”.

Watson lidera el cuarteto que fundó allá por 2022: Alan Benzie al piano, el saxofonista Matt Carmichael y el baterista Greg Irons.

“Glen” abre este álbum, con el piano de Benzie que repite un motivo, al que se une el contrabajo de Watson y posteriormente el saxo de Carmichael. Un solo de Watson da paso a una improvisación a la vez que Irons aumenta el ritmo. El tema termina con un suave desvanecimiento, algo común en las composiciones de Watson, dejando la música sin resolver.

Sigue "Moss", una canción más animada que aprovechan para interactuar unos con otros. Solo de Watson, secundado por Benzie. Y sin solución de continuidad, Watson da entrada a "Earth",  de sabor folclórico, que interpreta junto a Irons.

“Undergrowth” es una especie de marcha, cuyo tema se repite interpretado por todos y cada uno de los componentes del cuarteto. Canción triste de carácter intimista.

“Evening Song” de forma tímida con el piano y resto de instrumentos. Y así continua hasta que Benzie improvisa y arrastra a la batería y contrabajo a un sendero más intenso. Para terminar Carmichael ralentizándolo hasta su finalización.  

El corte que da nombre al disco, “Terrarium” comienza con acordes de piano que se repiten y el bajo suavemente punteado La tensión aumenta progresivamente y el piano impulsa al resto con un solo que cautiva. La batería marcando ritmos intrincados contribuye a esa intensidad. Uno de los mejores momentos del álbum.

La relajante “Solace” sirve para el lucimiento de Carmichael,  secundado por el piano, el bajo y una matizada batería. Una preciosa pieza.

“Snowdrift” lo interpretan a dúo Benzie y Watson con el arco. Algo más de dos minutos de introspección absoluta.

El disco cierra con “Oak”. Una melodía donde la sección rítmica repite un ritmo sobre el que vuela discretamente el saxo de Carmichael. De nuevo el desvanecimiento marca de la casa.

Watson comienza la mayoría de sus composiciones en el piano vertical de la casa de su madre, aislándose del resto del mundo que le rodea. Ese aislamiento propicia que sus composiciones evoquen la naturaleza, los paisajes, la fauna y flora de su tierra. Melodías en apariencia simples, inspiradas en el jazz moderno, el folk escocés, la música clásica y sus referentes  Aaron Parks, Kit Downes y Larry Grenadier. El resultado, melodías líricas, delicadas armonías y coloridas texturas íntimas.

Un trabajo hermoso y sensible  donde la improvisación juega un papel protagonista.

 

La Habitación del Jazz

BRENT LAIDLER CD: Hidden Gems

 

Pistas

1.Haba Verde 2.#5 Shomeda Way 3.Gemani (Gem-a-nee) 4.Ballad for B 5.Riffy Business 6.Somewhere in Central Park 7.Evening Song 8.Bop Like 9.Petite Parasol 10.Without a Tres

Intérpretes

 Brent Laidler – guitarra

Jamie Newman –órgano

Scott Pazera – bajo (1-3, 5-9)

Richard "Sleepy" Floyd – batería

Invitados

Mark Buselli – trompeta, fiscorno

Ned Boyd – saxo alto, flauta

 

Sello discográfico: BEL Records

Fecha de publicación: 3 de diciembre de 2024

 

Brent Laidler es un intérprete, compositor y educador de jazz que proviene de una familia en la que todos cantaban o tocaban al menos un instrumento. Cuando era muy joven, su hermano mayor lo inició en su camino musical tocando en su banda de garaje y le convenció para que aprendiera suficientes acordes para tocar en el grupo. Aunque Laidler aprendió a tocar la guitarra, comenzó con la trompeta en la escuela secundaria pero tuvo que dejarla al sufrir trastornos temporomandibulares, lo que limitaba su capacidad para tocar.

Asistió a la Universidad de Western Michigan, con especialización en Educación Musical y en Composición. Sabiendo lo difícil que es ganarse la vida como músico,  estudió en el Instituto Técnico Red Wing para Reparación de Instrumentos de Banda. En 1987 se trasladó a Indiana y trabajó como reparador de instrumentos. Finalmente, abrió su propio negocio Taller de Reparación de Instrumentos de Banda de Brent's Bench, Inc. en Lafayette. Recientemente celebró 21 años como empresario independiente con una extensa lista de clientes que incluye tanto a músicos profesionales como a profesores de universidades y escuelas secundarias.

Laidler ha actuado y grabado con Randy Salman, Leonard Foy, Brent Wallarab y David Baker. Tiene su programa de radio  “The Night Shift”  los sábados por la noche desde las 11 p. m. hasta la medianoche, en  WBAA.

Sus influencias incluyen, entre otros, a Jim Hall, Kenny Burrell, Barney Kessel y Pat Martino.

Laidler afirma: “Durante el confinamiento adquirí el hábito de practicar leyendo a primera vista los muchos libros “falsos” antiguos que había acumulado, así como más de 14.000 canciones en mi tableta. Empecé a encontrarme con algunos cambios muy bien elaborados que pensé que eran maravillosamente atractivos, pero que, hasta donde yo sé, nunca llegaron a aparecer en un libro real moderno. Sentí que estaba descubriendo "joyas ocultas". Algunas de ellas incluso fueron escritas por artistas de jazz conocidos, pero de alguna manera nunca se incluyeron en el léxico de los estándares. Sin embargo, la calidad de las composiciones es un testimonio de su talento”.

Tras “No Matter Where Noir” (2017) y “Wouldn’t Be Here Without You” (2022) ha publicado su tercer álbum como líder titulado  “Hidden Gems” y se compone de canciones basadas en estos cambios en formas modificadas / reorganizadas o, a veces, combinando dos, a las que Laidler añade sus propias melodías originales. Las piezas creadas no son exactamente contrafactos, sino nuevas composiciones basadas en piezas injustamente ignoradas, algunas de las cuales datan de hace un siglo.

Con su sexteto formado por Mark Buselli (trompeta/fiscorno), Ned Boyd (saxofón y flauta), Jamie Newman (órgano), Scott Pazara (bajo) y Richard "Sleepy" Floyd (batería), Laidler eligió melodías que le parecían divertidas para improvisar, creando canciones significativamente diferentes de las originales y las nombró ingeniosamente de manera que evocan a las inspiraciones originales.

El disco comienza con el enérgico y alegre “Haba Verde” inspirado en una canción de la serie The Muppets (Los Teleñecos). El título es un guiño al color de la rana Gustavo. Una samba de ritmo rápido donde los solos se suceden. Un comienzo de disco alegre y optimista. 

Le sigue la blusera “#5 Shomeda Way”, con sonido a Nueva Orleans. La melodía surgió de la canción principal de un antiguo programa de televisión que se emitió solo una temporada, escrita por Dave Brubeck.

La alegre “Gemani (Gem-a-nee)” se inspiró en una melodía de Cannonball Adderly que no aparece impresa en ningún lado, excepto en una antología de transcripciones solistas. Laidler escribió esta canción para Boyd, porque Cannonball es su saxofonista favorito.

En la balada “Ballad for B” el fiscorno de Buselli vuela proporcionando a esta canción un ambiente misterioso junto al órgano de Newman. Laidler, que también hace un breve solo, tocando acompañando a los solos de sus compañeros.

Laidler encontró los cambios para “Riffy Business” en un libro antiguo de los años 1920 y 1930. Esta pieza se usó  como banda sonora de televisión a principios de los años 1960. Una bossa nova, alegre y rápida.

“Somewhere in Central Park” originalmente era un vals con sonido latino, pero Laidler lo transforma en un tema con mucho swing.

La sensual y relajante “Evening Song” se basa en cambios de Michael Petrucciani. Laidler se recrea en las partes favoritas del original.

En “Bop Like”, “basado en una balada oscura”, cada intérprete realiza su solo pasando el testigo al siguiente colega, como en una carrera de relevos.

En “Petite Parasol” Laidler aplica un estilo hip-hop con toques funk.

El disco cierra con “Without a Tres”, un vals de jazz en el que sólo interviene el trío.

Laidler nos deja una música llena de precisión técnica y muy agradable de escuchar.

 

La Habitación del Jazz