YOTAM BEN-OR Quartet CD: Impermanence

 

Pistas

1.Milonga Gris 2.Triangulation 3.By the Way 4.Merengue 5.Ballad for Daniel 6.Omri 7.René 8.Kafka on the Beach  9.Essi 10.Trying

 

Intérpretes

Yotam Ben-Or - armónica

Gabriel Chakarji - piano

Alon Near - contrabajo

Alon Benjamini – batería  

 

Invitados

Lars Danielsson – chelo (5)

Esther Quansah – voz (10)

 

Grabado en Riverside Studio, Colonia, Alemania, el 23-24 de octubre de 2023.

Fecha de publicación: 20 de junio de 2025

 

Yotam Ben-Or es un armonicista y compositor israelí-belga. Nació y creció en Nataf, un pequeño pueblo en la zona de Jerusalén. Comenzó a tomar clases de piano a los 9 años con su tío, quien le regaló una armónica y le enseñó a tocarla. Ben-Or sintió curiosidad por este singular instrumento, que rápidamente se convirtió en su principal objetivo.

Tras graduarse de la secundaria, Ben-Or se mudó a Tel Aviv para asistir al programa colaborativo del Conservatorio de Tel Aviv y The New School for Jazz en Nueva York. Durante sus estudios, Ben-Or actuó por todo el país con los mejores músicos de la escena y grabó con su grupo "Jupiter" el álbum "All Original", presentado y producido por Avishai Cohen (2013).

En agosto de 2014, Ben-Or se mudó a Nueva York tras recibir una beca completa para estudiar en The New School, donde se graduó en mayo de 2016. En marzo de 2015, asistió al Betty Carter Jazz Ahead en el Kennedy Center, dirigido por el pianista Jason Moran. Con Gregoire Maret como mentor, Avishai Cohen como abanderado, Ben Street como profesor y Edmar Castañeda como acompañante en su gira, Ben-Or ha actuado en los grandes escenarios de Nueva York y otras ciudades y en festivales europeos.

En el año  2018 lanzó su álbum debut, "Sitting on a Cloud". A principios de 2022 se lanzaron dos EP: "Endless" y "Deliberations" que se consideran su segundo trabajo.

Ahora acaba de lanzar su tercer álbum, autoeditado llamado "Impermanence" que  ha grabado junto a sus colegas de siempre: el pianista venezolano Gabriel Chakarji, y dos compatriotas,  el contrabajista Alon Near y el baterista Alon Benjamini. También participan dos invitados: el bajista y violonchelista sueco Lars Danielsson y la vocalista estadounidense Esther Quansah.

Según afirma Ben-Or “Titulé este álbum Impermanence”, explica, “porque a diferencia de mis proyectos anteriores, esta vez buscaba la aceptación en lugar de la perfección. En lugar de controlar y afinar cada detalle en el estudio, me centré en la fluidez espontánea entre nosotros, los músicos, y la música en sí”.

El disco abre con "Milonga gris" donde vuela el espíritu de Astor Piazzolla. Una canción con sabor a tango. Una reelaboración de una composición del pianista argentino Carlos Aguirre (de su álbum de 2006, "Camino").

El ambiente se relaja con "Triangulation", un tema de donde el jazz se interpreta en total empatía por el cuarteto que transmite cierta melancolía.

Sigue "By the Way", una canción desenfadada, sin demasiadas aspiraciones.

"Merengue" está compuesta por Chakarji quien la incluyó en el álbum "Vida", grabado con la vocalista Carmela Ramírez. Latin-jazz en estado puro.

"Ballad for Daniel" rompe la inercia y nos sumerge en un ambiente de jazz más europeo, a lo que contribuyen la propia estructura de la pieza y la participación de Lars Danielsson al violonchelo, elevando la carga emocional de la pieza. Serenidad y lírica tristeza.

“Omri”, proporciona otro cambio de ritmo, gracias al inicio propuesto por Near y Benjamini, para terminar de forma suave con el piano de Chakarji.

El tema titulado "René", está dedicado al veterano mánager René Hess (conocido por su trabajo con figuras como Lars Danielsson, Jan Lundgren y otras grandes figuras europeas), quien se sintió impulsado a fichar Ben-Or: “Su concierto en St. Moritz fue una revelación total para mí: me quedé atónito con este joven músico, que ni siquiera tenía treinta años, con su increíble presencia escénica y su increíble dominio de su pequeño instrumento. Gracias a los dioses del jazz por permitirme descubrir a este gran artista”.

“Kafka en la Playa” nos devuelve a un mundo más desenfadado. Chakarji percute el teclado mientras Ben-Or toca la melodía, dando paso a un bonito solo de piano de Chakarji.

“Essi” vuelve a serenar los ánimos, con una mezcla de música argentina y francesa, en cierta medida contemplativa y romántica.

El álbum cierra con la canción “Trying”, grabada la primavera pasada en Nueva York. Ben-Or escribió la letra, y en esta ocasión también tocó el piano y colaboró con Esther Quansah, su compañera,  en el coro. Canción de corte jazzístico y, principalmente, pop.

El cuarteto es más que un grupo de músicos que se han unido para tocar jazz, es una la reunión de amigos.

La técnica de Ben-Or con la armónica es innegable y su visión rítmica de la melodía también.

Sus composiciones se inspiran en el mediterráneo, su tierra natal, en Argentina y otros ritmos sudamericanos sin olvidar el jazz estadounidense y europeo.

 

La Habitación del Jazz

 

K' TAM CD: Mosaico de luz

 

Pistas

1.Otros aires 2.Ruta de la plata 3.SCL – MIR – BCN 4.Volando 5.Línea 1 6.Mosaico de luz 7.Soleá Pa’l compadre 8.¿Dónde dejaste el duende?

 

Intérpretes

Jorge Pisa “El Boli” – guitarra

Adrián Royo – piano

Javier Rodríguez – contrabajo

Álvaro López – batería

 

Sello discográfico: Errabal Jazz

Grabado en los estudios Pottoko de Beasain  (Guipuzcoa, España)

 

K´TAM está formado por cuatro excelentes músicos: por un lado, el guitarrista y compositor Jorge Pisa “El Boli”, además de colaborar con artistas como Farruquito, JoséMercé, Pepe Bao, Raimundo Amador, se ha venido consolidando como uno de los guitarristas más relevantes dentro del contexto del flamenco contemporáneo. Por otro lado, el pianista, productor, arreglista y compositor mirandés, Adrián Royo posee una fructífera y reconocida trayectoria junto a diferentes proyectos y artistas, bien sea como autor, productor o arreglista, coronando su trayectoria con la edición de su aclamado y galardonado primer disco llamado “Pangea”. Javier Rodríguez posee una dilatada carrera como bajista, contrabajista, arreglista y compositor, ha transitado por una gran variedad de estilos musicales y tendencias, colaborando con diferentes artistas y materializando una sólida carrera como músico de sesión junto a nombres como Barbara Mason, Lenny Williams, Dan Penn o Betty Lavette. Por último, Álvaro López un destacado percusionista especializado en flamenco. Un músico muy activo y referente de la escena de Barcelona que ha colaborado en numerosos espectáculos como Barcelona y Flamenco junto artistas de la talla de Antonio Canales, Jorge Pardo, Juan Gómez Chicuelo o Tati Amaya.

El disco comienza con “Otros aires” y “Ruta de la plata”, sonidos mediterráneos, llenos de luz y mar. Flamenco fusionado con jazz y música popular. Le sigue “SCL-MIR-BCN”, con ligero sabor brasileño sin abandonar el flamenco y el jazz. Unas bulerías con “Volando”, suenan a Paco de Lucía. “Línea 1” no deja de sonar a K’TAM, pero añade un toque de fusión  y pop de años pasados. El corte que da título al álbum, “Mosaico de luz” es una agradable composición que sigue los cánones del álbum. Y qué decir de “Soleá pal compadre”, flamenco en estado puro. El disco cierra con ¿Dónde dejaste el duende?, una pieza de flamenco-jazz creativo y bailable.

“Mosaico de luz” es un proyecto que aglutina ritmos latinos, jazz, fusión y, fundamentalmente,  flamenco.

 

 

La Habitación del Jazz

NUCLI TRIO + Convidats CD: Interpreten la Música Laietana

 

Pistas

1. On Ones nones 2.To de re per a mandolina i clarinet 3.L'Home dibuixat 4.No em val haver viscut 5.Tria C.E.D. 6.Laietánia 7.La mata 8.Subwoofers 9.Beixamela 10.No juguis amb set miralÏs

 

Intérpretes

NUCLI Trío

Guillem Plana – guitarra (1-4,6,7,9,10)

Aleix Forts – contrabajo (1-4,6,7-10)

David Viñolas – batería (1,3,4,6,7,9), percusión (2,10)

Invitados

Jordi Soley – teclados (1,2,7,9,10)  piano (5)   (Companyia Eléctrica Dharma)

Eduard Altaba - contrabajo (7-9)  (Blay Tritono, Tropopausa)

Miquel Ángel Lizandra – percusión (1,9), batería (2,7,10) (Orquestra Mirasol)

Jordi Bonell - guitarra eléctrica (4)

Alba Careta – voz (4), trompeta (10)

Sello discográfico: Errabal Jazz

Grabado en la Sala Mompou de la sede de la SGAE en  Cataluña (España) los días 20-21 de noviembre de 2023

Nucli Trio nace en el año 2018 y lo forman Guillem Plana a la guitarra, Aleix Forts al contrabajo y David Viñolas a la batería. En sus inicios, empiezan haciendo estándares de los 50’s y de los 60‘s del pasado siglo y poco a poco van añadiendo composiciones propias. Rápidamente, Nucli Trío comienzan a girar y en el año 2021 editan un disco homónimo en este mismo sello. Paralelamente se establecen como grupo residente en la Jazz Cava de Vic donde ofrecen los recitales Nucli Trío invita a... donde comparten música con figuras de la escena jazzística.

En 2023 se conmemoró el 50 aniversario de la apertura de la sala Zeleste de Víctor Jou. El Zeleste fue inicialmente una sala de copas y conciertos pero poco a poco fue creciendo y se estableció una oficina de management, un sello discográfico y una escuela de música moderna. Gracias al Zeleste se consolidó toda una serie de grupos e intérpretes como la Orquestra Mirasol, Jordi Sabatés, Toti Soler, Companyia Elèctrica Dharma, Blay Tritono, Barcelona Traction, Música Urbana, Tropopausa, Jaume Sisa o Gato Pérez entre otros.

El 50 aniversario de la apertura del Zeleste fue la chispa ideal para que Nucli Trío empezara a dar forma al proyecto de interpretar la Ona laietana con la colaboración de músicos de aquella época. Elegir el repertorio fue complejo porque era necesario captar toda la esencia de los grupos e intérpretes. Después había que establecer a los músicos layetanos que podrían formar parte del proyecto. Estos fueron Miquel Angel Lizandra, que formó parte de la Orquestra Mirasol, actualmente reside en los Países Bajos donde se ha establecido como uno de los grandes maestros de la percusión latina. Jordi Soley, teclista, fundador de la Companyia Elèctrica Dharma, formación que todavía se mantiene en activo y Eduard Altaba de Blay Tritono y Tropopausa. Los tres cubrían un enorme abanico de todo lo que significaba Zeleste. Miguel Ángel la fuerza renovadora e iniciática de la Orquestra Mirasol, Jordi Soley el empuje y el éxito de la Companyia Elèctrica Dharma, y el contrabajista Eduard Altaba, uno de los grandes improvisadores. En la época de Zeleste formó parte de Blay Tritono y Tropopausa. Los seis empezaron a ensayar para aparecer en el Festival de Jazz de Vic y en la Nova Jazz Cava de Terrassa. De estos conciertos y del buen entendimiento entre el sexteto, surgió la idea de grabar este disco titulado “Nucli Trio Interpreten La Música Laietana”. Además, para la grabación se sumó una colaboración muy especial, la del guitarrista Jordi Bonell, fallecido hace unos meses,  que había militado en Secta Sónica y Música Urbana y Alba Careta, voz y trompeta que añade un toque de juventud al disco.

De los diez cortes del disco, dos son composiciones propias: “Laietánia” de David Viñolas, inspirada en el sonido layetano e interpretada por Nucli Trío en solitario y  "Subwoofers", una corta improvisación libre de Eduard Altaba y Aleix Forts en la que únicamente intervienen los dos contrabajos.

A resaltar la pista titulada “Tria C.E.D.” interpretada a piano solo por Jordi Soley, que nos recuerda a Tete Montoliu.

Este álbum es un homenaje a la época dorada del Zeleste y a los músicos que formaron parte de esa Barcelona underground, contracultural y ecléctica de los 70.

Estamos ante un trabajo en el que su principal aportación es el haber reunido un repertorio y unos músicos que protagonizaron ese movimiento de los años 70.  

Disco recomendado para los amantes de la música de la Ona Laietana, de su época y de aquello que representó.

 

La Habitación del Jazz

 

BOBBY MARTÍNEZ New Sextet CD: Primeros siete segundos

 

Pistas

1.Esperando 2.Primeros siete segundos 3.Lo que no te conté 4. One for Bob 5.Unintended Consequences 6.Charukesi  7.Buenas tardes, señor elefante 8.Cool and Blue 9.Moebius

 

Intérpretes

Bobby Martínez – saxo

Carlos Rossi – trompeta

Nacho Fernández –guitarra

Iñigo Ruiz de Gordejuela – piano

Darío Guibert – contrabajo

César de Frías – batería

 

Sello discográfico: Errabal Jazz

 

Bobby Martínez, nació en Filadelfia, en el seno de una  familia cubana exiliada en Estados Unidos. Comenzó a tocar el saxofón a los 6 años bajo la tutela del Maestro Rolando Lluis. A los 7 años ofreció su primer concierto como solista en el Milander Auditorium de Hialeah, Florida. Su precoz talento lo llevó a unirse a la Hialeah High School Jazz Band y, poco después, a convertirse en músico profesional a los 11 años, realizando giras por América con Amador Bendayán y el grupo Los Kings.

Posteriormente, continuó su formación en el Miami-Dade Community College con John Georgini.

Durante su juventud en Miami, formó parte de la Miami Sound Machine junto a Gloria Estefan, además de participar en otras bandas como Paragon, Secret Society y Willy Chirino. También colaboró con artistas de renombre como Celia Cruz, Joe Williams, Richie Cole, Paquito D’Rivera, Pat Metheny, Paco de Lucía, Julio Iglesias, Camilo Sesto, Miguel Ríos, Ana Belén, Manuel Machado,  Moisés Porro o el pianista Pepe Rivero entre otros.

En Nueva York perfeccionó su técnica con el saxofonista y clarinetista Eddie Daniels, y más adelante se consolidó como figura clave del latin jazz, aportando visibilidad a este género junto a su primo, el trompetista Jerry González.

En 1998 se trasladó a España, donde se integró rápidamente en la escena jazzística madrileña, colaborando con músicos como Perico Sambeat, Bob Sands y Germán Kucich. En Madrid inició  una intensa labor pedagógica, impartiendo clases en instituciones como la Escuela de Música Creativa y la Universidad Alfonso X el Sabio.

Bobby Martínez es reconocido por su estilo personal, enérgico y sofisticado, con una mezcla de swing y ritmos latinos que lo han convertido en un referente para nuevas generaciones de músicos. Su influencia se extiende tanto en el ámbito interpretativo como en el pedagógico, y su aportación al jazz y a la música latina es ampliamente valorada en Europa y América.

Actualmente, compagina su labor como músico en escenarios y festivales internacionales con la docencia y la dirección de big bands y proyectos pedagógicos en España.

Para este nuevo álbum titulado  “Primeros 7 segundos”, Bobby Martínez se rodea de músicos experimentados: el trompetista Carlos Rossi (Bob Sands Big band, Jerry González Big Band, Norman Hogue, Javier Colina), el guitarrista Nacho Fernández (The Machetazo, Tactus Collective), el contrabajista Darío Guibert (The Machetazo) el baterista César de Frías (Pedro Iturralde, Skytrain) y el pianista y compositor Iñigo Ruiz de Gordejuela.

Respecto al título, “Primeros 7 segundos”, para algunos psicólogos es el tiempo en que tardamos en formarnos una primera impresión al conocer a alguien.

El primer tema es el trepidante “Esperando” una composición de Martínez, que al poco de empezar asume el liderato, que posteriormente cede a Rossi con su trompeta y a Fernández en la guitarra. Un gran comienzo.

El tema que da título al disco “Primeros siete segundos” lleva la firma de Rossi. Una pieza como la anterior, llena de energía, con Guibert y De Frías, a tope  lanzando al grupo.

Rossi repite con su “Lo que no te conté” pero el fraseo es más relajado por parte de todos los intérpretes. Un tema elegante que ayuda a bajar la tensión acumulada hasta ahora.

Martínez rinde homenaje a Bob Sands con “One for Bob”, saxofonista americano, residente en Madrid, que falleció hace 4 años y con el que Martínez compartió muchos momentos musicales. Una emotiva balada, llena de nostalgia y agradecimiento.

El disco sigue con “Unintended Consequences”  de Iñigo Ruíz de Gordejuela, un tema que se aparta de lo escuchado hasta el momento y con aroma vanguardista. Buen solo de Fernández a la guitarra, flanqueado por los metales.

“Charukesi” de Fernández, deja su huella con la música que absorbió durante su etapa en Nueva York, y que el resto de componentes transmiten, apoyándose en zonas de improvisación.

A continuación el ligero “Buenas tardes, Señor Elefante” de Martínez, con los solos de contrabajo de Guibert y de piano de Ruiz de Gordejuela, como lo más destacable del tema.

“Cool and Blue” de Rossi, donde los seis miembros del sexteto tienen su momento de gloria.

El tema que cierra el álbum es “Moebius” de Guibert, que publicó en el disco “Tejidos” (Errabal Jazz, 2024). Un original tema que comienza con sonido big band que progresa a unos interesantes solos de piano y saxo.

Este sexteto nos ofrece una de mezcla de jazz moderno, ritmos afrocubanos, bop y funk que da como resultado un sonido de jazz americano donde los vientos suenan dinámicos y la sección rítmica empuja con fuerza.

 

La Habitación del Jazz

SHEZ RAJA CD: Spellbound

 

Pistas

1.Quantum Spirits 2.Maharishi Mindtrip 3.Spellbound 4.Together We Fly 5.Lucid Path to the Golden Lotus 6.Vishnu 7.Through the Multiverse 8.Quantum Spirits (Live) 9. Rabbits (Live)

 

Intérpretes

Shez Raja – bajo eléctrico

Dennis Chambers – batería (3,6)

Guthrie Govan – guitarra eléctrica (8,9)

John Etheridge – guitarra eléctrica (1,6)

Roopa Panesar – sitar (4,7,8)

Tony Kofi – saxofón (3,7)

Ahsan Papu – bansuri (5)

Zohaib Hassan – sarangi (2)

Fiza Haider – voz (4)

Gurdain Rayatt – tabla (3,5)

Vasilis Xenopoulos – saxofón (1,6,9)

Sophie Alloway – batería (4,5,7,8,9)

Jamie Murray – batería (1,2)

Chris Jerome – teclados (8,9)

 

Sello discográfico: Gearbox Cut (Gearbox Records)

Grabado en Digital Fidelity Studios, Lahore, Pakistán

Piezas en vivo grabadas en el Pizza Express Live Soho, Londres

Fecha de publicación: 20 de junio de 2025

 

Shez Raja nació de padre indio y madre inglesa en el noroeste de Inglaterra. Estudió violín clásico desde los nueve años y a los doce lo cambió por el bajo eléctrico.

Formado en el Leeds College of Music, Raja realizó giras por el Reino Unido con diversos grupos antes de convertirse en un músico de sesión muy solicitado.

Ha actuado en el Festival de Glastonbury, el prestigioso Ronnie Scott’s Jazz Club, el Royal Festival Hall, el Southbank Centre, el Shepherd's Bush Empire, el Islington Assembly Hall y el London Forum, además de realizar una gira europea con el artista de hip-hop MC Lyte, disco de platino.

Durante sus años de formación, viajó a la región de Punjab, en el subcontinente indio, con su padre y se sumergió en la cultura musical de sus raíces sudasiáticas, aprendiendo a tocar la tabla.

Ha colaborado con músicos de la talla de Mike Stern, Randy Brecker, Dennis Chambers, Guthrie Govan, Trilok Gurtu y Wayne Krantz, Dennis Rollins, Denys Baptiste, Oren Marshall, Soweto Kinch, Shabaka Hutchings, Jay Phelps, Andy Sheppard, Monika Lidke y Claude Deppa y Arun Ghosh entre otros.

Sus influencias en el bajo incluyen a Marcus Miller, Jaco Pastorius,  Stanley Clarke, Ralphe Armstrong (quien tocó el bajo en otra de las influencias musicales de Raja, The Mahavishnu Orchestra) y el bajista Brian Bromberg.

Su más reciente trabajo es  “Spellbound”, su octavo disco como líder.

El tema que abre el álbum, “Quantum Spirits”, aparece dos veces, primero en un corte de estudio y después en directo desde la sala de jazz Pizza Express del Soho de Londres. En el estudio a la intensa guitarra eléctrica está en las manos de  John Etheridge, Vasilis Xenopoulos al saxofón blusero y Jamie Murray a la enérgica batería. Un tema donde  el jazz, el rock y el funk se funden.

La versión grabada en directo cuenta, por supuesto con Raja, con el guitarrista Guthrie Govan, el teclista Chris Jerome, el saxofonista Vasilis Xenopoulos y la baterista Sophie Alloway. La duración es muy similar y ambas versiones tienen una calidad fuera de toda  duda y son igualmente buenas. Raja, como es habitual en él, no realiza largos solos de bajo, todo lo  contrario, deja que otros músicos sean protagonistas de los temas que interpretan, adoptando un papel de “colaborador necesario”. 

“Maharishi Mindtrip” es la única interpretación en trío del álbum, con Raja acompañado por Zohaib Hassan, Intérprete de séptima generación del sarangi (un instrumento de cuerda de mástil corto con sonido cantado) y Jamie Murray a la batería. Tras un contundente solo de Murray, Hassan toma el mando de la canción, con Raja incansable  impulsándolo. Una pieza energizante de fuerte contenido oriental.

“Spellbound”, canción que da título al álbum, cuenta con la presencia del gran Dennis Chambers en la batería. Un tema de jazz- rock-indo. Tony Kofien el saxofón y Gurdain Rayatt con la tabla, junto a Raja, completan el elenco que interpreta esta potente y rítmica canción, donde Chambers muestra quien es.

"Together We Fly" es la única canción que cuenta con la preciosa voz de Fiza Haider, como si de un instrumento se tratara. Una bonita balada donde Alloway usa escobillas y el maestro Roopa Panesar nos brinda un solo de sitar.

"Lucid Path to the Golden Lotus" incluye al maestro  Rayatt en la tabla y al maestro Ahsan Papu en bansuri, una flauta de bambú. Una pieza llena de sensualidad con una extraordinaria interpretación de Papu secundada por el bajo de Raja, en uno de los mejores momentos del disco (y hay muchos).

“Vishnu” reúne a Chambers y Etheridge, junto a Xenopoulos. Es asombrosa la facilidad con la que Raja crea potentes riffs que lanzan al resto de componentes. Otro interesante tema rebosante de ritmo y sonido.

“Through The Multiverse”cuenta con la participación de Panesar, Raja y Alloway una combinación que funciona como un reloj, además del potente solo de Kofi.

El disco cierra con “Rabbits” grabado en vivo en la sala de jazz Pizza Express del Soho de Londres. La formación es la misma que en el otro corte allí grabado, “Quantum Spirits”. Otro tema pleno de fuerza centrado en el bajo de Raja y la guitarra de Govan.

Shez Raja es uno de los bajistas más destacados del Reino Unido. Fusiona, sin aparente esfuerzo, el mundo occidental y el oriental. Una emocionante mezcla de jazz, groove, funk y música oriental, con una chispa de misticismo.

Raja es un bajista muy ingenioso que utiliza la afinación, la técnica y la tecnología (en forma de pedales de efectos) para transformar el sonido de su bajo Fodera de cinco cuerdas, fabricado artesanalmente. Además, Raja es un compositor prolífico.

“Spellbound” es un viaje musical fascinante, lleno de energía y sensibilidad intercultural.

 

La Habitación del Jazz

JIM SELF CD: My America 3: My Country

 

Pistas

1.Chompin' at the Bit 2.Wabashed 3.Jolene 4.Wichita 5.Rocky Top 6.Crazy 7.The Devil Went Down… 8.  Your Cheatin’ Heart 9.Folsom Prison Line 10.Sixteen Tons 11.I Can't Stop Loving You / Dog tags

 

Intérpretes

Jim Self - F Tuba, CC Tuba, Fluba (mezcla de tuba y fliscorno)

Kim Scharnberg - arreglos

Kye Palmer- trompeta, fliscorno

Bill Booth – trombón, Euphonium

Phil Feather – saxo alto, saxo tenor, flauta

Steve Marsh – saxo tenor, clarinete

Chris Woods – violín country

Doug Livingston - pedal steel guitar

John Chiodini – guitarras acústicas, guitarras eléctricas

Steve Fister – guitarras eléctricas, Dobro, guitarras slide  

Bill Cunliffe - piano

Mike Valerio – contrabajo, bajo eléctrico

Ken Wild – contrabajo, bajo eléctrico

Joe La Barbera – batería

Brian Kilgore – percusión

 

Sello discográfico: Basset Hound Music

Grabado en Tritone Studios, Glendale, California

Fecha de publicación: 13 de junio de 2025

 

Jim Self creció en Oil City, Pensilvania. Se graduó en 1961 en Oil City High School y luego obtuvo una licenciatura en educación musical en Indiana State College (actual Indiana University of Pennsylvania) en 1965. Posteriormente, realizó una maestría en interpretación de tuba en la Catholic University of America y un Doctorado en Artes Musicales en la University of Southern California (USC).

Self es una leyenda viva. Tiene su sede en Los Ángeles, California. Desde 1974 ha trabajado para los principales estudios de Hollywood colaborando en más de 1500 películas, cientos de programas de televisión y discos. Sus solos en películas importantes incluyen las partituras de John William para Jurassic Park, Solo en Casa, Solo en Casa 2, Hook, Wall-E, La Leyenda del Zorro, La Guerra de los Mundos, King Kong, Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, Avatar, Tintin, Toy Story 3, Star Wars 7, y fue la “voz” de la nave nodriza en Encuentros en la Tercera Fase, entre otras muchas.

Ha grabado y trabajado con artistas de la talla de Cassandra Wilson, Claus Ogerman, Mel Torme, Leon Redbone, Maynard Ferguson, Randy Newman, Bette Midler, Barbra Streisand, Frank Sinatra, Placido Domingo, Randy Newman, Weird Al Yankovic, Don Ellis y Jon  Hendricks por citar unos pocos.

Ha sido el tubista principal de compositores como John Williams, James Horner, James Newton Howard y John Debney.

Como compositor, Self ha publicado más de 90 obras para tuba, conjuntos de metales, banda, orquesta y música de cámara.

En 2003 Self publicó un álbum llamado “My America”. Incluía canciones de las diversas partes del país donde trabajó y vivió. En 2022 publicó “My America 2: Destinations”. Ahora, en 2025, publica la tercera entrega, titulada “My America 3: My Contry”, esta vez con temas de country-western. En las tres ocasiones junto al arreglista, productor y amigo Kim Scharnberg.  Esta es la vigésimo cuarta grabación en solitario.

La serie “My America” se caracteriza por arreglos ingeniosos de canciones populares estadounidenses, con la tuba como protagonista y la colaboración de destacados músicos de estudio de Los Ángeles. Los arreglos, a cargo de Kim Scharnberg, exploran una variedad de géneros y estilos, desde el jazz tradicional hasta el R&B, el boogie woogie, el hip-hop y ahora el country.

Self dedica el disco a su querido amigo el trombonista Terry Cravens un destacado músico que ha tocado con importantes orquestas como la Filarmónica de Los Ángeles bajo la dirección de directores tan destacados como Zubin Mehta, Carlos Maria Giulini y Erich Leinsdorf.

El álbum consta de 11 melodías, diez de las cuales son fácilmente reconocibles incluso para quienes no son aficionados a la música country.

El tema inicial, "Chomping at the Bit", fue compuesto por Self, quien siempre incluye una pieza original en todos sus álbumes. La melodía comienza con el relincho de un caballo. Un tema country lleno de humor que presagia el tono divertido del álbum. Self toca la fluba con solos de guitarra, pedal steel guitar y violín.

Le sigue “Wabashed” continua el espíritu country y lleno de humor. Solos de tuba, saxo y piano.

Scharnberg y Self rinden homenaje al éxito de Dolly Parton, “Jolene”, ralentizando algo la canción. Incluye solos de tuba y de guitarra slide.

La conocida “Wichita Lineman” de Jimmy Webb, fue versionada por Glen Campbell. Self captura la esencia conmovedora y melancólica de la canción con la fluba. Bonito solo de Palmer con el fliscorno.

Felice y Boudleaux Bryant escribieron “Rocky Top” en tan solo 10 minutos en 1967. Una canción alegre donde las haya, que ha sido interpretada por multitud de artistas.

El disco continúa con la conocida balada “Crazy” de Willie Nelson. Protagonismo de Self  con la tuba y Chiodini con la guitarra acústica. Ambos han sido compañeros musicales durante muchos años, compartiendo  protagonismo en varios álbumes, cuatro de ellos a dúo.

Otra famosa canción, en esta ocasión de Charlie Daniels titulada "The Devil Went Down to Georgia". Woods al violín country, Self con la tuba, Marsh con el saxo tenor y Palmer con la trompeta protagonizan los solos.

El ritmo decrece con la balada "Your Cheatin' Heart" de Hank Williams, escrita sobre su exesposa. Los arreglos  de Scharnberg la dotan de un marcado carácter melancólico con sabor a bossa nova.

"Folsom Prison Blues" de Johnny Cash combina dos temas repetitivos en las canciones country, como son el tren y la  prisión. La canción se convirtió en un gran éxito para Cash cuando la interpretó y grabó en vivo en la prisión de Folsom. La tuba de Self sustituye a la perfección la voz profunda de Cash.

Qué decir de "Sixteen Tons" de Merle Travis, un éxito para Tennessee Ernie Ford en 1955 (y para el cantante español José Guardiola). Escrita sobre las dificultades de trabajar en una mina de carbón que, en esta ocasión, no está exenta de cierto humor.  

El disco cierra con la famosa y versionada "I Can't Stop Loving You" de Don Gibson. Un final un poco triste pero encantador. En realidad el disco cierra con los ladridos de Stanley, el basset  hound de Self. 

El jazz y el country se dan la mano en este curioso y divertido disco.

La Habitación del Jazz

 

STEINBERT / COBOS QUARTET CD: Steinbert/Cobos Quartet

 

Pistas

1.Simple Things 2.Pictures 3.Overthinking 4.Relaxin´ at Casa Pueblo 5.Blue Serenade 6.Nothing New 7.Winter´s Lullaby 8.Last Chance  9.Bossa by the Breeze  10.Full House

 

Intérpretes

Alein Steinbert – guitarra

Alex Cobos – guitarra

Ander Garc ía – contrabajo

Nacho Megina – Batería

 

Sello discográfico: Errabal Jazz

Grabado en  Trafalgar Estudios, El Palmar (Cádiz, España)

Fecha de publicación: 9 de mayo de 2025

 

Alein Steinbert realizó Estudios Superiores de Interpretación de Guitarra de Jazz en el Conservatorio Superior de Música Manuel Castillo (Sevilla, España) y de Guitarra de Jazz,  Armonía Moderna, Orquestación Arreglos, Piano y Dinámica de la Creatividad en Fran Mazuelos (Sevilla, España).

Masterclasses con John Scofield, John McLaughlin, Robben Ford, Joe Bonamassa, Mark Turner, Guillermo Klein, Eric Alexander, Mike Stern, Lee Ritenour, Michael Landau, Jesse Van Ruller, George Cables, Leo Genovese,  Julian Lage, Peter Bernstein, Aaron Goldberg, Joe Chambers y Francisco Mela. Steinbert también es profesor de música.

Hasta la fecha había publicado “Tiempo Presente” (2019) junto al bajista Joan Masana y el baterista Manu Pinzón.

Tutelado por maestros como Peter Bernstein, Jesse Van Ruller o Vicente Archer, el guitarrista madrileño  Alex Cobos se ha consolidado como una de las figuras más relevantes de la escena jazz, coliderando y participando en diferentes proyectos a lo largo del tiempo y compaginando su faceta de compositor y guitarrista con una incesante actividad en el ámbito de la docencia.

En 2018 Steinbert y Cobos pusieron en marcha su proyecto conjunto en formato de dúo, realizando numerosas actuaciones a lo largo de dos años y ampliando finalmente la formación a cuarteto. Ambos son dos experimentados guitarristas de reconocido prestigio cuya afinidad e influencias comunes se encuentran ubicados en los terrenos del jazz contemporáneo y la música improvisada.

Para la consecución de este su primer trabajo homónimo, han contado con la colaboración de los también españoles, el contrabajista Ander García, licenciado en Musikene, músico con un amplísimo bagaje cuyos aclamados discos como líder, “Ttun Kurrun” y “Hiru” le han consolidado como una figura esencial dentro del panorama y el baterista Nacho Megina, también licenciado por Musikene, miembro fundador de la Andalucía Big band y colaborador habitual de nombres Antonio Serrano, Carlos Martin, Carlos Barreto, o Jorge Pardo, conformándose como uno de los músicos más solicitados y referente obligado dentro de la escena estatal de jazz contemporáneo.

El álbum lo integran diez temas. Cinco de Steinbert, cuatro de Cobos y un clásico de John Leslie «Wes» Montgomery.

Los originales de Steinbert comienzan con  la dinámica y alegre “Simple Things”;  el tema con sonido años 70 y de sabor brasileño “Overthinking”; la enérgica y trepidante (y poco relajante) “Relaxin’at Casa Pueblo”; la no menos rápida y dialogante “Nothing new” y  “Last Chance” que toma nuevos e interesantes giros.

Por su parte Cobos nos ofrece  “Pictures” una relajada y elegante composición que contrasta con la vigorosa “Blue Serenade”, que no tiene nada de blue ni de serenade. Otro tema de Cobos es el relajado “Winter's Lullaby” con una importante participación de García. El cuarto original de Cobos es “Bossa by the Breeze”, donde aflora de nuevo un colorido ritmo brasileño.

El único tema no original es “Full House”, firmado por el maestro Wes Montgomery con arreglos de Steinbert y Cobos. Creo que en este corte Steinbert, Cobos, García y Megina, como se suele decir, echan el resto.

Steinbert y Cobos dan muestras de una gran complicidad entre ambos como también ocurre con la sección rítmica de García y Megina.

Un trabajo que no dejará indiferente a los amantes de la guitarra de jazz.

La Habitación del Jazz

SIMON LINNERT - RICHARD ANDERSSON - ALLAN MEDNARD CD: Sayeh

 

Pistas

1.Ida Lupino 2.Once Around The Park 3.Sayeh I 4.Erato 5.Nefertiti 6.Thelious 7.Sayeh II 8.Boo Boo’s Birthday 9.Sayeh III 10.Nūr-e chashm

 

Intérpretes

Simon Linnert | Piano

Richard Andersson | Bass

Allan Mednard | Drums

 

Sello discográfico: Hobby Horse Records

Grabado el 5 de diciembre  de 2024 en Millfactory Studio, Copenhague, Dinamarca

Fecha de publicación: 13 de junio de 2025

 

El pianista escandinavo Simon Linnert presenta “Sayeh”, su primer lanzamiento en trío, junto al bajista Richard Andersson y el baterista Allan Mednard.

La trayectoria de Linnert ha sido poco convencional. Estrella emergente de la escena de Copenhague en su adolescencia, dejó el conservatorio en busca de algo más personal, estudiando en Nueva York con Sophia Rosoff, Jason Moran y David Binney. Tras una década alejado de la música, se estableció en Portland, Oregón, antes de mudarse a Brooklyn en 2017, donde las sesiones nocturnas en el Village Vanguard reavivaron su amor por la improvisación y dieron lugar al lanzamiento de su álbum de 2020, “Of Visions”. Con una amplia gama de influencias, desde la improvisación libre posterior a Andrew Hill hasta las raíces escandinavas, Simon Linnert destaca como uno de los pianistas más versátiles de su generación. Ha tocado  con artistas como Kenny Wollesen, Caleb Curtis, Chris Higgins y Tony Scherr, entre otros. También se ha adentrado en el mundo del cine, componiendo la banda sonora para documentales del director nominado al Oscar, Simon Lereng Wilmont, entre otros proyectos.

El reconocido bajista y compositor Richard Andersson es considerado una de las voces más fascinantes del jazz escandinavo. Su singular y minuciosa atención al sonido y al tiempo lo ha llevado a colaborar con figuras internacionales como Jeff “Tain” Watts, Sullivan Fortner, Tony Malaby y Bill McHenry entre otros. Ha publicado varios álbumes bajo su propio nombre y sigue siendo uno de los músicos más solicitados de Europa.

Por su parte, el baterista Allan Mednard, residente en Brooklyn, es uno de los músicos más solicitados de la escena jazzística neoyorquina. Nacido y criado en Queens, Nueva York, su singular talento ha despertado gran interés últimamente y actúa regularmente con conjuntos destacados liderados por figuras destacadas como Ravi Coltrane, Jeremy Pelt y Kurt Rosenwinkel.

Mednard y Linnert se conocieron en Brooklyn en 2019.

"Sayeh" (el título del álbum proviene de un antiguo nombre persa que significa "sombra") se grabó en Copenhague al día siguiente de un concierto improvisado en el legendario Jazzclub Christiania. Incluye diez composiciones. Cinco son  adaptaciones de estándares estadounidenses de hace años (la más reciente es de 1997), dos son obras propias de Linnert y las tres restantes son improvisaciones grupales.

“Sayeh” abre con "Ida Lupino" de Carla Bley, de su álbum "Dinner Music" de 1977. Una pieza minimalista, aparentemente sencilla, pero que encierra sorpresas a medida  que se escucha una y otra vez. Un bonito comienzo.

Le sigue  "Once Around the Park", del baterista Paul Motian, publicada originalmente en el álbum “Sound of Love" de 1997. Pieza también sin estridencias que va ganando en intensidad a medida que avanza. Gran trabajo de Andersson. 

El tercer corte es "Sayeh I",  la primera de las tres improvisaciones originales del trío. De carácter más experimental, es un tema con un planteamiento interesante. 

“Erato” es una composición del pianista Andrew Hill,  grabada en 1965, sin embargo, Blue Note no la publicó hasta 1975 en  el recopilatorio “One for One”. Fue publicada de nuevo en 2006 en el álbum de Andrew Hill  titulado “Pax”. Una hermosa canción cargada de nostalgia y recuerdos contenidos.

A continuación "Nefertiti" de Wayne Shorter quien la compuso para Miles Davis y el álbum homónimo de 1968. Una pieza interpretada por el trío de forma genial.

"Thelious" es la primera de las dos composiciones de Linnert incluidas en el disco. Una hermosa pieza delicada, interpretada con sumo cuidado por los tres músicos, creando una atmósfera de tristeza y añoranza.

La segunda improvisación colectiva, "Sayeh II" de carácter misterioso y minimalista.

La alegre "Boo-Boo's Birthday" que compuso en 1967  Thelonious Monk para su hija que celebraba su decimocuarto cumpleaños, se publicó en el álbum "Underground" un año después. La alegría de la celebración es evidente y nos sitúa en un estado menos oscuro (pero excelente) de los temas anteriores.

La tercera improvisación colectiva es "Sayeh III".  De nuevo el trío se sumerge en una narrativa minimalista, utilizando instrumentos de percusión manual, Andersson tocando el contrabajo con arco y Linnert a lo suyo (que es mucho).

El disco cierra con "Nūr-e chashm", una frase persa que significa "luz de mis ojos" o "la visión de mis ojos" para expresar un profundo afecto y aprecio por alguien, especialmente por un niño o un ser querido. Linnert compone esta pieza que sirve para despedir el álbum con  delicadeza y encanto.

La calidad del sonido del álbum es excelente  y permite apreciar  todos los detalles de los instrumentos.

Los tres músicos poseen una fuerte personalidad que canalizan perfectamente dando como resultado unas interpretaciones equilibradas.

“Sayeh” es un bonito disco, fundamentalmente íntimo, expresivo, sensible, reflexivo lírico y preciso.   

 

La Habitación del Jazz

 

JENNIFER LEE CD: Glimpse

 

Pistas

1.I Caught a Glimpse of Your Soul 2.Farewell to Comfort 3.Dave Don’t Mind the Rain 4.Vivid Technicolor Love 5.If I Only Had a Brain 6.Serendipity 7.Warrior, Drop Your Sword 8.Hold On 9.Superhero 10.Here You Are 11.Strange and Beautiful

 

Intérpretes

Jennifer Lee – voz, piano (5), guitarra(7,9,10)

Tripp Sprague - saxo tenor (4)

Anton Schwartz – saxo tenor (11)

Derek Cannon – trompeta (4)

Randy Brecker – flugelhorn (7,10)

Peter Sprague – guitarra (1-4,6)

Rich Kuhns – acordeón (5)

Adam Shulman – piano/Rhodes (1-4,6-8,10)

Gunnar Biggs – contrabajo (1-4,6,7,10)

Doug Pohorski – contrabajo (9)

John Wiitala – contrabajo (11)

Justin Grinnell – bajo eléctrico  (8)

Duncan Moore – batería (1-4,6,7,10)

Vince Lateano – batería (11)

Tommy Aros – percusión (2,6,8)

 

 

Sello discográfico: SBE Records

Grabado en Spragueland Studio, Encinitas, California. Knob and Tube Studio, San Francisco, California. Bird and Egg Studio, Richmond, California.

Fecha de publicación: 6 de junio de 2025

 

La vocalista, compositora y guitarrista Jennifer Lee (Jennifer Lee Sevison) nació Redwood City, California. Asistió a la preparatoria Woodside, pero en su último año se trasladó a la preparatoria Menlo-Atherton como pianista para aprovechar el prestigioso programa de jazz de la escuela. Continuó sus estudios de piano jazz en Foothill College, a menudo acompañando a vocalistas, mientras alimentaba su secreto deseo de cantar. No se lanzó hasta que un  temprano e indeseado enfrentamiento con muerte cambió radicalmente sus prioridades a finales de la década de 1980, cuando abandonó la Universidad de Massachusetts, Amherst, para atender a su padre enfermo que falleció un año después. Regresó al departamento de música de Foothill College, pero en lugar de acompañar a otros cantantes, tomó el micrófono ella misma. Posteriormente, estudiando con la estimada cantante de jazz del Área de la Bahía, Kitty Margolis, Lee poco a poco se armó de valor para empezar a actuar en público.

Lee cambió su nombre artístico (el nombre con el que publica oficialmente sus grabaciones) a "Jennifer Lee and the Ever-Expanding Universe" en 2018, cuando se dio cuenta de que, en las plataformas de streaming, su perfil se había entrelazado con el de otra vocalista llamada Jennifer Lee. Si bien sigue actuando como Jennifer Lee o como Jennifer Lee and the Ever-Expanding Universe, según el concierto, el nombre completo de la artista es Jennifer Lee Sevison, que es como publica y registra los derechos de autor de sus canciones.

Sus anteriores álbumes fueron: “Quintessential” (2001), “Jaywalkin” (2003), “Quiet Joy” (2009) y “My Shining Hour” (2018).

“Glimpse” es la cuarta colaboración de Jennifer Lee con el guitarrista Peter Sprague (Chick Corea, Charles McPherson, Hubert Laws…) director del sello SBE Records, con quien Lleva colaborando 24 años y del que Lee dice: "Peter es un músico extraordinario y un intérprete profundamente conmovedor. Trabajando con él a lo largo de los años, observando cómo rearmonizaba o fraseaba una línea, he aprendido muchísimo. Sin duda, ha influido en mi composición y mis arreglos".

También es el segundo álbum donde la mayoría de las canciones son composiciones originales suyas. El álbum contiene nueve temas originales, un estándar y una canción escrita por sus amigos cercanos.

Lee se acompaña de dos grandes grupos de talentos de San Diego y el Área de la Bahía, con la incorporación de un miembro de la Costa Este, el trompetista Randy Brecker.

Lee dedica cinco de los nueve temas originales a su marido George Visger. Cuatro de ellas son canciones de amor, la quinta, “Warrior, Drop Your Sword”, ofrece una visión metafísica de la extraordinaria trayectoria vital de George: una historia desgarradora e inspiradora de tenacidad y supervivencia.

Lee abre el álbum con "I Caught a Glimpse of Your Soul", una canción de amor, donde  nos cuenta la experiencia que tuvo cuando George Visger llegó a su vida. Explica: "Cuando nos conocimos, sentimos una conexión inusualmente fuerte. Sentíamos que nos conocíamos desde siempre. Ninguno había experimentado nada parecido antes. Fue realmente extraordinario". Tras un comienzo reflexivo, evoluciona hasta convertirse en una canción alegre con swing.

"Farewell To Comfort" es una samba que Lee escribió en 2017, y presagio de los cambios en su vida, incluyendo conocer y casarse con su esposo; mudarse de su querido hogar de Oakland, donde vivió 21 años, a un pequeño pueblo rural en el suroeste de Idaho; y escribir e ilustrar su primer libro infantil, “Relativity”.

"Dave Don't Mind the Rain" fue compuesta por su amiga Shanna Carlson con letra de la fallecida Cathi Walkup. La inspiración para la letra surgió de un concierto en un día lluvioso para uno de sus amigos en común, el pianista David Udolf, con quien Lee ha tocado y grabado en numerosas ocasiones. Una evocadora y nostálgica canción.

"Vivid Technicolor Love" comenzó con dos frases musicales que Lee grabó en la aplicación de notas de voz de su teléfono y redescubrió diez años después mientras hacía limpieza. En referencia al amor por su marido, Lee afirma: "Nunca había sentido esto antes, un amor tan vívido en technicolor". El arreglo para trompa es el primero que escribió. Una alegre y esperanzadora canción.

Lee se inspiró para cantar como balada "If I Only Had a Brain" de Harold Arlen, después de escuchar la versión de Harry Connick Jr. Ella relata: "Me pareció muy conmovedora. Creo que fue la primera vez que realmente comprendí la profundidad de la letra, cómo habla de algo tan fundamental en la condición humana: el miedo a no ser suficiente". El íntimo arreglo cuenta con Lee al piano y la voz, y Rich Kuhns al acordeón.

Sigue la alegre y vital "Serendipity" donde Lee deja claro que cree en un poder superior y en el poder de la gratitud. "Aprendí hace mucho tiempo que creer en mi victimismo no me ayudó, mientras que elegir una perspectiva positiva siempre me ayudó tanto a mí como a quienes me rodean. Así que intento hacer precisamente eso cada día" afirma Lee.

Otro original de Lee es la conmovedora "Warrior, Drop Your Sword",  canción dedicada a su marido, una visión metafísica del dramático viaje de su esposo: nueve cirugías cerebrales y una batalla legal de 38 años tras su carrera en la NFL. Randy Brecker nos deleita con el fliscorno.

En “Hold On" Lee apela a sus propias experiencias de superación de traumas infantiles.

"Superhero" está dedicado a su esposo. Un  sincero tributo musical, sin duda un superhéroe. Una original canción cercana al pop.

Otra composición de Lee que nos recuerda a las baladas pop de los 70, "Here You Are" expresa la admiración y el asombro de Lee ante el amor trascendental que comparten.

Lee cierra el álbum con "Strange and Beautiful". La esencia de la canción surgió de un riff improvisado que tocó mientras enseñaba a un alumno de piano a improvisar sobre los cambios de acordes de "Hit the Road, Jack".

Lee ha evolucionado desde su faceta de intérprete y arreglista a otra de intérprete, compositora y letrista. En este sentido afirma: “Siempre escribí un poco, pero desde luego nunca me consideré compositora", afirma. Luego, alrededor de 2007, se produjo un cambio y toda esta música empezó a canalizarse. Es como si una musa loca e implacable se hubiera unido a mí.

Lee transmite seguridad y calidez. Su voz sensual, sin empalagar, es fresca y sensible, pero también puede ser desgarradora y juguetona.

Un álbum con sonido de la Costa Oeste Norteamericana.

La Habitación del Jazz