viernes, 9 de septiembre de 2022

STEVE KNIGHT CD: Persistence

 

 

 

Pistas

1.Suspects 2.Cisco 3.Real Type Thing 4.Sharps Disposal 5.Persistence 6.Chop Chop 7.Just Add Meaning 8.Mary Janes' Last Dance 9.Art's Rant 10.Workshop 11.Change the World 12.Sharps Disposal (alternate take).

Intérpretes

Steve Knight – guitarra

Justin Peterson – contrabajo

Jeff Stitley – batería

 

Grabado en Promusica, Chicago

Fecha de publicación: 12 de agosto de 2022

 

Steve Knight comenzó a tocar la guitarra a los 12 años cuando cambió su patinete por una guitarra Sears. Cuando sus padres lo castigaron durante seis meses (no se saben las razones pero algo habría hecho),  Knight encontró consuelo en la guitarra. Fue a la Universidad Estatal de Emporia, donde se especializó en teatro. Sin embargo, ser capaz de tocar la guitarra y leer música pronto lo llevó al foso de la orquesta para los espectáculos escolares y, finalmente, a la gran banda de la escuela.

Knight se mudó a la ciudad de Nueva York, donde fue contratado por Carnival Cruise Lines, tocando en bandas de danza y teatro durante un año en el Caribe. Aunque fue una "experiencia profesional formativa e invaluable", también le hizo darse cuenta de que su verdadera pasión no radicaba simplemente en tocar la guitarra profesionalmente, sino hacerlo dentro del lenguaje del jazz. A su regreso, estudió con Jack Wilkins, Mark Whitfield y Mark Sherman, entre otros,  mientras trabajaba de día.

En busca de un estilo de vida más productivo desde el punto de vista artístico y financiero, Knight y su esposa se mudaron a Chicago en 2016. Allí conoció a sus compañeros de banda Justin Peterson y Jeff Stitely y desarrollaron una fuerte relación. Hoy, Knight tiene una carrera ocupada y gratificante tocando jazz y como profesor de guitarra.

Knight fue influenciado, entre otros, por  Wes Montgomery, Jim Hall y Grant Green, pero su mayor inspiración es George Benson. “No me gusta la música que parece escrita solo para otros músicos”, dice Knight. “Un guitarrista de jazz es en parte poeta y en parte atleta. Creo que Benson logra el equilibrio perfecto. Es un técnico increíble con la guitarra, pero su música es muy accesible para el público en general”.

Junto con dos incondicionales de la escena del jazz de Chicago, el bajista Justin Peterson  y el baterista Jeff Stitely, el trío comenzó a tocar juntos durante el Covid-19, presentando conciertos semanales desde el patio trasero de Knight. Las sesiones improvisadas se convirtieron en conciertos con los vecinos reuniéndose en la valla y el público creciendo rápidamente y alcanzando el parque al otro lado de la calle. El concejal del distrito se percató de lo que ocurría y ayudó a trasladar los conciertos al parque y un capricho se convirtió en un evento semanal donde los vecinos aún se reúnen con sus familias para disfrutar de la comida, la bebida, el baile y, por supuesto, la música.

Este su nuevo trabajo, contiene doce temas, de los que siete son composiciones de Knight. De Pat Martino incluye “Cisco”, un homenaje al innovador de la guitarra de jazz, uno de los referentes Knight. De Tom Petty elige “Mary Jane's Last Dance" y  "Change the World" de Sims, Kennedy y Kirkpatrick, una melodía interpretada originalmente por Wynonna Judd, convertida en éxito cuando Eric Clapton y el cantante de R&B Babyface la grabaron.

El bajista Justin Peterson contribuye con "Art's Rant", una marcha que recuerda "Blues March" de Benny Golson.

El título del álbum “Persistence”  hace referencia a la tenacidad del propio  Knight para hacer de la música su medio de vida. Además el título sirve de recordatorio de los 18 meses que tardó en terminar el tema que lleva ese nombre, con la colaboración del director de cine y TV, además de compositor,  Jim Trompeter, con el que Knight estudió composición de jazz. Por el contrario Knight compuso  "Real Type Thing" en 20 minutos antes de entrar al estudio. Sin duda cosas de la musa inspiración.

Otra de las melodías de Knight es “Just Add Meaning”, una de las primeras canciones que escribió. El título viene de una conversación  con Trompeter lo que le llevó a recordar la línea de “A Beautiful Mind”, la película protagonizada por Russell Crowe.

"Chop Chop", es un tema muy rápido influenciado directamente por la melodía de Benson de 1964, "The Cooker". “Sharps Disposal”, canción inspirada en la consulta del médico, donde vio una caja de eliminación de agujas con la etiqueta "eliminación de objetos punzantes". El disco cierra con una versión alternativa de este tema.

Knight es muy hábil con la guitarra, pero nunca abruma al oyente con alardes innecesarios. Tiene un cariño especial por los artistas que transforman melodías pop en jazz, y este disco lo demuestra con claridad.

Sus composiciones son piezas agradables, que dejan buen sabor de boca. Su estilo es técnicamente impecable, pero puede que  basado en exceso en sus referentes.

La guitarra de Knight suena nítida y clara, pero le falta chispa. El bajista Justin Paterson y el baterista Jeff Stitely  dan el apoyo en la misma línea que el líder, de forma discreta, sin resaltar, pero en cualquier caso, indispensables.

Esta música es en exceso accesible, lo que no dudo, tiene su público, pero se echa de menos un Knight más atrevido, más experimentador, que transmita emociones al oyente. En cualquier caso es la opción elegida por este artista.

La Habitación del Jazz



miércoles, 7 de septiembre de 2022

SUBCONSCIOUS TRIO CD: Water Shapes


 

 

Pistas

1.Whale Fall 2.Green Shower 3.Moving Castle 4.Placche 5.Water Shapes 6.I Like My Bed More Than I Like Most People 7.Two Beggars 8.Women and Gravity

Intérpretes

Monique Chao – piano, voz, composición (1, 2, 6, 8)

Victoria Kirilova – contrabajo, composición (3,5)

Francesca Remigi – batería, composición (4,7)

 

Sello discográfico: DaVinci Records

Grabado en Sound & Music Village (Milán), el 17 y 18 de julio de 2021.

Fecha de publicación: 24 de junio de 2022

 

Subconcious Trio nace en Milán en 2015 y lo forman Monique Chao, piano y voz; Victoria Kilova al contrabajo y Francesca Remigi en la batería.

Monique Chao es de Taipei, Taiwán. Actualmente vive en Milán, Italia. Obtuvo su Licenciatura y Maestría con especialización en Voz Clásica en Taipei. En Italia, obtuvo por primera vez su segunda Licenciatura en Jazz Piano, y continuó su Maestría en Composición de Jazz. Por su parte, Francesca Remigi de Bérgamo, Italia, actualmente ubicada en Nueva York,  es una baterista poliédrica y experimentada  improvisadora. Pertenece a esta nueva y joven generación de jazz. Conocida por sus colaboraciones internacionales en la escena del jazz de vanguardia e improvisación libre con músicos como Steve Lehman, Kris Davis, George Garzone, Nicole Glover, Val Jeanty, Immanuel Wilkins, Patricia Pérez y muchos otros. Por último, Victoria Kirilova, es una bajista y compositora búlgara. Actualmente vive en  Viena, Austria. Su música es una mezcla de varias influencias, desde la diversidad de armonías y timbres en el jazz contemporáneo y la música de cámara hasta la poesía, así como cantos tradicionales búlgaros y ritmos extraños. Graduada en el Conservatorio de Milán en 2017, en 2019 completó su maestría en la Universidad de Música y Artes de la ciudad de Viena.

El repertorio de este trío incluye temas originales escritas y arregladas por ellas mismas, cuyo origen diverso, Taiwán, Bulgaria e Italia y sus influencias musicales, queda reflejado en sus composiciones.

El título del disco “Water Shapes”, refleja los cambios de personalidad que podemos sufrir: la contemplación intuitiva; extroversión enérgica y tiernos momentos de soledad; salvajismo y flexibilidad que, al igual que  las múltiples facetas del agua, nos invaden a diario.

El material que ofrece el disco es rico en sabores y matices. Es un jazz contemporáneo donde predomina la melodía.

Los cuatro temas compuestos por Chao, “Whale Fall”, “Green Shower”,”I Like My Bed More Than I Like Most People” y “Women and Gravity” nos brinda un  jazz moderno, de sonido nórdico, con un precioso lirismo introspectivo donde se puede apreciar un clasicismo subyacente.

Kirilova aporta dos temas, “Moving Castle” y el que da título al álbum “Water Shapes”. Son algo más progresivos y nos presentan un estado de ánimo más nervioso e inquieto rozando en ocasiones la histeria.

Por último, Remigi aporta también dos temas, “Placche” y “Two Beggars”, que podríamos encuadrar entre los seis mencionados anteriormente. En “Two Beggars” Chao canta por primera y única vez en el disco, lo que añade una interesante nota de color.

El álbum es un todo homogéneo, relajante y de gran belleza. Aúna los orígenes de las tres componentes sin perder la unicidad de estilo en un equilibrio encomiable.

No sabría decir el porqué, pero es un disco que me suena maravillosamente femenino en su concepción y en su materialización, en general delicado y suavemente áspero en ocasiones.

Espero que este trío siga proporcionándonos momentos musicales de este nivel.

 

La Habitación del Jazz

 

 

martes, 6 de septiembre de 2022

SON SEALS Vinilo: The Son Seals Blues Band

 

 

Pistas

Cara A

1.Mother-In-Law Blues

2.Sitting at My Window

3.Look, Now Baby

4.Your Love Is Like A Cancer

5.All Your Love

Cara B

6.Cotton Picking Blues

7.Hot Sauce

8.How Could She Leave Me?

9.Going Home Tomorrow

10.Now That I'm Down

 

Formación

Son Seals –voz, guitarra

Johnny "Big Moose" Walker – órgano

John Riley - bajo

Charles L. Caldwell - batería

 

Sello discográfico: Alligator Records

Grabado en los Sound Studios, Chicago, en 1973

Publicado en 1973

En colaboración con Planeta DeAgostini y dentro de la colección “Blues en Vinilo”, La Habitación del Jazz publica la reseña correspondiente a esta entrega que en esta ocasión está dedicada a Son Seals. Frank Son Seals nació en  Osceola (Arkansas) en 1942. Hijo Jim Seals, que tocó el piano, batería, trombón y la guitarra y que formó parte de los Rabbit Foot Minstrels. Su padre invirtió en un modesto local, el Dipsy Doodle, combinación de timba y bar, donde Seals pudo escuchar a bluesmen que posteriormente triunfarían a nivel internacional.

Cuando tenía 13 años, Seals era un baterista consumado y tocaba con muchos de los artistas que llegaron a través de The Dipsy Doodle, como Albert King, con quien grabó el álbum “Stax Live Wire/Blues Power”. Más tarde se pasó a la guitarra donde tuvo como profesores a Earl Hooker y Albert King, "que me enseñó mucho, aunque era zurdo y era difícil de seguir".

Su padre le explicó la principal lección: "Si vas a dedicarte al blues, es mejor que lo hagas de corazón, ya que dinero no vas a conseguir mucho".

En 1971 se trasladó a Chicago donde  ocasionalmente acompañó a Junior Wells y a Hound Dog Taylor.

Bruce Iglauer, del sello Alligator Records, le vio tocar en el Flamingo Club, una taberna del South Side de Chicago. Este sello estaba buscando nuevas voces del blues que siguieran la estela de los grandes bluesmen como Muddy Waters, Howlin Wolf, Buddy Guy y otros muchos.

Un pacto sellado con un apretón de manos daría por resultado seis discos de estudio y dos más en directo, “Live & Burning” y “Spontaneous”.

Seals, desde los años setenta, fue uno de los grandes difusores del blues urbano, defensor de su estilo personal ante cualquier moda vigente.

Este disco, su álbum debut, fue lanzado en 1973. El álbum incluía "Your Love Is Like a Cancer" y "Hot Sauce" dos de sus temas más icónicos.  Se tituló “The Son Seals Blues Band”, a pesar de no disponer de una banda estable. Los ensayos se hicieron en una tintorería de un  amigo de Seals. Se grabó en dos sesiones de cinco horas por la noche. Se hicieron varias tomas en directo de cada tema y se eligió la mejor.

Este poderoso cantante y guitarrista de blues, del que Robert Palmer dijo: "el joven guitarrista y cantante de blues más emocionante en años" tocó en la Casa Blanca ante Bill Clinton, otro nativo de Arkansas.

En este trabajo podemos apreciar su  voz profunda, áspera y dura acompañándose de su guitarra, contundente y cortante. Seal no sabía leer música y desconocía muchos acordes pero el resultado es fantástico, abrasador, intenso y expresivo. Su puesta en escena emociona. En este trabajo, como en los posteriores, huye de los convencionalismos y trata de mostrarnos su estilo personal lleno de blues, algo de rock y soul.

Seals usaba el blues como una experiencia sanadora: fuera la negatividad y recarga la energía vital.

En su vida hubo algunos episodios desagradables. Debido a un incendio de su casa mientras actuaba, perdió sus pertenencias y le robaron  varias de sus guitarras. En 1997, su esposa le disparó en la mandíbula y sufrió lesiones que requirieron cirugía reconstructiva, pero pudo seguir cantando. En 1999 le amputaron parte de la pierna izquierda como consecuencia de la diabetes que padecía. Debía cuidar de sus 14 hijos y eso le dio fuerzas para seguir actuando, eso sí, sentado. Sobrevivió a todos menos a uno de sus catorce hermanos.

Una vida intensa que se refleja en este intenso álbum.

La Habitación del Jazz

 

viernes, 2 de septiembre de 2022

MAX AGNAS CD: The More I Let The World In

 


Pistas

1.Like the sun rises and the fog melts away 2.More I let the world in, less I take in it 3. A Lisbon song 4.Last moment for a moon 5.Call me medieval 6.Fragments 7.O nosso abrigo 8.Mattias where are you 9.Story of a boy 10.Ok for us 11.When it gets red 12.Birds

 

Personal

Max Agnas – piano, sintetizadores

Salvador Sobral - voz

Nils Agnas – batería, sintetizadores

 

Sello discográfico: Loumi Records

Grabado en The Dome

Publicado el 26 de septiembre de 2021.

 

Max Agnas es un pianista de jazz residente en Estocolmo, Suecia. Ya a la edad de doce años, Max Agnas recibió el ”The Fasching soloist prize", siendo el más joven en recibir el premio. El éxito ha continuado y ahora (diez años después) tiene cinco álbumes publicados y ha realizado varias giras por toda Europa. ‍ Su cuarto álbum como líder se llama "The More I Let the World In" y tiene tres partes muy diferenciadas. En la primera, aborda seis composiciones  como único protagonista frente al piano.

Agnas buscaba componer algo que no tuviera ni principio ni final. Precioso espacio el creado en  “Like The Sun Rises and The Fog Belts Away”. La pieza te atrapa y no quieres que acabe nunca.

El título que da nombre al disco lo sacó Agnas de un grafiti que veía una y otra vez en una pared en el parque donde paseaba en Lisboa. En él se puede ver a un hombre mirando el mensaje escrito con una cerveza en la mano. El mensaje solo da malas noticias “More I let the world in, less I take in it”. Creo que este mensaje es de plena actualidad, donde las TV la prensa y las redes sociales solo nos dan malas noticias, noticias alarmantes que no generan esperanza.  La pieza expresa a la perfección el sentimiento del hombre que lo está leyendo. Una obra clásica llena de fuerza.

El toque clásico continúa en  “A Lisbon Song”, que ilustra los paseos por esa bella ciudad y su descubrimiento. Contemplando la luna, Agnas es capaz de componer esta bella y minimalista “Last Moment For A Moon”. “Call me medieval” es un tributo a la música medieval, mientras que “Fragments” lo es a Sjostakovitj. Con esta pieza termina la primera parte a piano solo, que es una  verdadera delicia.

Agnas presenta una madurez no habitual para su edad. El piano es puro lirismo y la meditación e introspección su seña de identidad.

La segunda parte consta de tres temas, en los que Agnas se acompaña de la voz de Salvador Sobral, o es éste quien se acompaña del piano de Agnas, qué más da. A Sobral le conoció en Estocolmo y  forma parte de su banda desde el año 2020.

Agnas quería que Sobral escribiera sobre un gato vecino, pero Sobral le dijo que lo haría sobre el árbol que tenía afuera de su casa y que le enseñó en una foto;  de los cambios de color según la estación del año. “O Nosso Abrigo” es eso.

“Mattias Where You” es un tema rápido, divertido. Sobral canta, grita, tararea, crea espacios vocales inusitados y Agnas le apoya  y le anima a seguir por esa línea.  

La segunda parte termina con “Story Of a Boy”, una pieza de sabor triste, pero esperanzador al mismo tiempo.  La voz de Sobral encaja perfectamente con el piano de Agnas y lo que es más importante, con la filosofía musical de éste.

La tercera parte, también consta de tres canciones donde los protagonistas son Max Agnas  y su primo Nils Agnas, con quien jugaba desde niño y con quien ha mantenido largas charlas  filosóficas sobre todo lo que rodea a la vida. Para Max: “El único baterista para el que siento que esta música encaja es Nils. Tiene una personalidad muy fuerte y una frescura que solo encuentro en su forma de tocar”. “Ok for us”  se basa en un ritmo que tiene algunos años, de un tiempo en el que los dos primos trabajaban con diferentes tipos de música. Se trata de un tema alegre, optimista y cercano al rock. “When it Gets Red”  trata de reflejar la transformación que se produce en otoño, el cambio al color rojo de los árboles. El tercer y último tema de esta tercera parte es “Birds” capta el movimiento de los pájaros que podemos ver cualquier día de nuestra vida. En general esta tercera parte es más vital que las dos anteriores.

Agnas dice: “Siento que es la primera vez que puedo decir con seguridad que no hay límite entre la música y yo como músico y compositor. La música se creó a sí misma mientras intentaba superar las dificultades de la vida”.

Las composiciones de Agnas son sorprendentes, elegantes, hermosas, llenas de giros. Es un placer escucharlo.

La Habitación del Jazz