JENNIFER LEE CD: Glimpse

 

Pistas

1.I Caught a Glimpse of Your Soul 2.Farewell to Comfort 3.Dave Don’t Mind the Rain 4.Vivid Technicolor Love 5.If I Only Had a Brain 6.Serendipity 7.Warrior, Drop Your Sword 8.Hold On 9.Superhero 10.Here You Are 11.Strange and Beautiful

 

Intérpretes

Jennifer Lee – voz, piano (5), guitarra(7,9,10)

Tripp Sprague - saxo tenor (4)

Anton Schwartz – saxo tenor (11)

Derek Cannon – trompeta (4)

Randy Brecker – flugelhorn (7,10)

Peter Sprague – guitarra (1-4,6)

Rich Kuhns – acordeón (5)

Adam Shulman – piano/Rhodes (1-4,6-8,10)

Gunnar Biggs – contrabajo (1-4,6,7,10)

Doug Pohorski – contrabajo (9)

John Wiitala – contrabajo (11)

Justin Grinnell – bajo eléctrico  (8)

Duncan Moore – batería (1-4,6,7,10)

Vince Lateano – batería (11)

Tommy Aros – percusión (2,6,8)

 

 

Sello discográfico: SBE Records

Grabado en Spragueland Studio, Encinitas, California. Knob and Tube Studio, San Francisco, California. Bird and Egg Studio, Richmond, California.

Fecha de publicación: 6 de junio de 2025

 

La vocalista, compositora y guitarrista Jennifer Lee (Jennifer Lee Sevison) nació Redwood City, California. Asistió a la preparatoria Woodside, pero en su último año se trasladó a la preparatoria Menlo-Atherton como pianista para aprovechar el prestigioso programa de jazz de la escuela. Continuó sus estudios de piano jazz en Foothill College, a menudo acompañando a vocalistas, mientras alimentaba su secreto deseo de cantar. No se lanzó hasta que un  temprano e indeseado enfrentamiento con muerte cambió radicalmente sus prioridades a finales de la década de 1980, cuando abandonó la Universidad de Massachusetts, Amherst, para atender a su padre enfermo que falleció un año después. Regresó al departamento de música de Foothill College, pero en lugar de acompañar a otros cantantes, tomó el micrófono ella misma. Posteriormente, estudiando con la estimada cantante de jazz del Área de la Bahía, Kitty Margolis, Lee poco a poco se armó de valor para empezar a actuar en público.

Lee cambió su nombre artístico (el nombre con el que publica oficialmente sus grabaciones) a "Jennifer Lee and the Ever-Expanding Universe" en 2018, cuando se dio cuenta de que, en las plataformas de streaming, su perfil se había entrelazado con el de otra vocalista llamada Jennifer Lee. Si bien sigue actuando como Jennifer Lee o como Jennifer Lee and the Ever-Expanding Universe, según el concierto, el nombre completo de la artista es Jennifer Lee Sevison, que es como publica y registra los derechos de autor de sus canciones.

Sus anteriores álbumes fueron: “Quintessential” (2001), “Jaywalkin” (2003), “Quiet Joy” (2009) y “My Shining Hour” (2018).

“Glimpse” es la cuarta colaboración de Jennifer Lee con el guitarrista Peter Sprague (Chick Corea, Charles McPherson, Hubert Laws…) director del sello SBE Records, con quien Lleva colaborando 24 años y del que Lee dice: "Peter es un músico extraordinario y un intérprete profundamente conmovedor. Trabajando con él a lo largo de los años, observando cómo rearmonizaba o fraseaba una línea, he aprendido muchísimo. Sin duda, ha influido en mi composición y mis arreglos".

También es el segundo álbum donde la mayoría de las canciones son composiciones originales suyas. El álbum contiene nueve temas originales, un estándar y una canción escrita por sus amigos cercanos.

Lee se acompaña de dos grandes grupos de talentos de San Diego y el Área de la Bahía, con la incorporación de un miembro de la Costa Este, el trompetista Randy Brecker.

Lee dedica cinco de los nueve temas originales a su marido George Visger. Cuatro de ellas son canciones de amor, la quinta, “Warrior, Drop Your Sword”, ofrece una visión metafísica de la extraordinaria trayectoria vital de George: una historia desgarradora e inspiradora de tenacidad y supervivencia.

Lee abre el álbum con "I Caught a Glimpse of Your Soul", una canción de amor, donde  nos cuenta la experiencia que tuvo cuando George Visger llegó a su vida. Explica: "Cuando nos conocimos, sentimos una conexión inusualmente fuerte. Sentíamos que nos conocíamos desde siempre. Ninguno había experimentado nada parecido antes. Fue realmente extraordinario". Tras un comienzo reflexivo, evoluciona hasta convertirse en una canción alegre con swing.

"Farewell To Comfort" es una samba que Lee escribió en 2017, y presagio de los cambios en su vida, incluyendo conocer y casarse con su esposo; mudarse de su querido hogar de Oakland, donde vivió 21 años, a un pequeño pueblo rural en el suroeste de Idaho; y escribir e ilustrar su primer libro infantil, “Relativity”.

"Dave Don't Mind the Rain" fue compuesta por su amiga Shanna Carlson con letra de la fallecida Cathi Walkup. La inspiración para la letra surgió de un concierto en un día lluvioso para uno de sus amigos en común, el pianista David Udolf, con quien Lee ha tocado y grabado en numerosas ocasiones. Una evocadora y nostálgica canción.

"Vivid Technicolor Love" comenzó con dos frases musicales que Lee grabó en la aplicación de notas de voz de su teléfono y redescubrió diez años después mientras hacía limpieza. En referencia al amor por su marido, Lee afirma: "Nunca había sentido esto antes, un amor tan vívido en technicolor". El arreglo para trompa es el primero que escribió. Una alegre y esperanzadora canción.

Lee se inspiró para cantar como balada "If I Only Had a Brain" de Harold Arlen, después de escuchar la versión de Harry Connick Jr. Ella relata: "Me pareció muy conmovedora. Creo que fue la primera vez que realmente comprendí la profundidad de la letra, cómo habla de algo tan fundamental en la condición humana: el miedo a no ser suficiente". El íntimo arreglo cuenta con Lee al piano y la voz, y Rich Kuhns al acordeón.

Sigue la alegre y vital "Serendipity" donde Lee deja claro que cree en un poder superior y en el poder de la gratitud. "Aprendí hace mucho tiempo que creer en mi victimismo no me ayudó, mientras que elegir una perspectiva positiva siempre me ayudó tanto a mí como a quienes me rodean. Así que intento hacer precisamente eso cada día" afirma Lee.

Otro original de Lee es la conmovedora "Warrior, Drop Your Sword",  canción dedicada a su marido, una visión metafísica del dramático viaje de su esposo: nueve cirugías cerebrales y una batalla legal de 38 años tras su carrera en la NFL. Randy Brecker nos deleita con el fliscorno.

En “Hold On" Lee apela a sus propias experiencias de superación de traumas infantiles.

"Superhero" está dedicado a su esposo. Un  sincero tributo musical, sin duda un superhéroe. Una original canción cercana al pop.

Otra composición de Lee que nos recuerda a las baladas pop de los 70, "Here You Are" expresa la admiración y el asombro de Lee ante el amor trascendental que comparten.

Lee cierra el álbum con "Strange and Beautiful". La esencia de la canción surgió de un riff improvisado que tocó mientras enseñaba a un alumno de piano a improvisar sobre los cambios de acordes de "Hit the Road, Jack".

Lee ha evolucionado desde su faceta de intérprete y arreglista a otra de intérprete, compositora y letrista. En este sentido afirma: “Siempre escribí un poco, pero desde luego nunca me consideré compositora", afirma. Luego, alrededor de 2007, se produjo un cambio y toda esta música empezó a canalizarse. Es como si una musa loca e implacable se hubiera unido a mí.

Lee transmite seguridad y calidez. Su voz sensual, sin empalagar, es fresca y sensible, pero también puede ser desgarradora y juguetona.

Un álbum con sonido de la Costa Oeste Norteamericana.

La Habitación del Jazz

 

MIKE THOMPSON CD: 6th Avenue

 

Pistas

1.All the Things You Are 2.Let’s Do It 3.Durango Drive 4.There Will Never Be Another You 5.Parisian Deception 6.Anything Goes 7.6th Avenue 8.Chega de Saudade 9.Someday My Prince Will Come 10.May.

 

Intérpretes

Mike Thompson - director

Charltze Vermaak – voz

 

Sarpay Özçağatay - flauta

Ian Buss – saxo

Kyle Leonard - saxo

Mike Caudill – saxo

Mark Earley – saxo

Melanie Howell-Brooks – saxo

Bijon Watson – trompeta

Jeff Claassen – trompeta

Sean Lee – trompeta

Dan Rosenthal – trompeta  

Randy Pingrey – trombón

Bob Pilkington – trombón

Brian Martin – trombón

Leslie Havens - trombón

Sal DiFusco - guitarra

Mark Shilansky – piano

Greg Loughman – contrabajo

Mark Walker – batería

 

Sello discográfico: Outside in Music

Grabado en Q Division Studios, Cambridge,  Massachusetts

Fecha de publicación: 30 de mayo de 2025

 

Mike Thompson siempre se ha sentido atraído por la música como motor fundamental en su vida. Ya sea escribiendo o produciendo. Durante su trayectoria como compositor de jazz contemporáneo, se sumergió en el proceso de producción musical. En particular, le fascinaba la creación y producción de música pop; en concreto, la obra de Quincy Jones en los años 70 y 80, y Max Martin en los 90 y 2000. La trayectoria de Jones como compositor de jazz y la de Martin como músico clásico le proporcionaron perspectivas únicas de las que inspirarse.

Mientras aún estudiaba en el Berklee College of Music, Mike y su socio creativo, Sam Nickson, fundaron Hexproof Productions, una productora musical integral dedicada a satisfacer las necesidades de los artistas en sus múltiples facetas, ayudando a los artistas a alcanzar su máximo potencial. También es director de operaciones y director de ventas de la emergente CommonTime Pathways, una plataforma de reclutamiento única que ayuda a las escuelas de música a encontrar estudiantes adecuados para programas que se ajusten a sus necesidades y objetivos. Además de sus servicios en la industria musical, Thompson también es muy solicitado por su talento en composición y arreglos para conjuntos y diseño de espectáculos.

Como fuentes de inspiración destacan Bob Brookmeyer y Maria Schneider, junto con influencias clásicas como Igor Stravinsky.

Tras asistir una semana a una clase de armonía impartida por el reconocido compositor de jazz y música clásica Nicholas Urie, Thompson decidió que su futuro pasaba por ser compositor para grandes conjuntos. Thompson afirma: "Casi desde el primer minuto que la clase se sentó, Nicholas nos contó que se gana la vida escribiendo para la Orquesta Metropole, la Boston Pops y muchas otras bandas. Ya hacía arreglos y componía música para bandas de música de instituto, pero no para big bands. Le pregunté a Nicholas por dónde debería empezar si quería escribir para orquestas. Me dijo que todo empieza con grandes conjuntos y big bands".

Su álbum debut titulado “6th Avenue”, marca el inicio de la fundación de la Mike Thompson Big Band, un conjunto de 17 músicos, en su mayoría veteranos de la escena de big bands locales de Boston. También figuran dos invitados, la vocalista Charltze Vermaak y el afamado flautista nominado al Grammy Sarpay Özçağatay, profesor asistente de flauta en Berklee.

El disco, compuesto por seis estándares del Great American Songbook y cuatro  composiciones originales, se grabó en vivo en los estudios Q Division de Cambridge, Massachusetts, tras una única sesión de dos horas de ensayo celebrada una semana antes en la sala de la banda de un instituto local. 

El disco comienza con el alegre tema de Jerome Kern y Oscar Hammerstein, "All the Things You Are" que Thompson describe como "una de las canciones más perfectas de la historia", que cuenta con un solo del trompetista ganador del Grammy, Bijon Watson. Thompson deja claro desde el primer momento que este trabajo es un homenaje a la época dorada de las big bands, una época en la que el swing era toda una revolución.

Le sigue "Let's Do It" de Cole Porter con la participación de la vocalista Charlize Vermaak y Jeff Claassen a la trompeta.

La primera de las canciones originales de Thompson es la balada de medio tiempo, "Durango Drive", que grabó por primera vez con la big band de otro de sus grandes mentores, Steven Feifke.  Una canción romántica donde destaca el saxo de Mike Caudill.

"There Will Never Be Another You" de Harry Warren y Mack Gordon incluye solos del saxofonista soprano Ian Buss y el pianista Mark Shilansky. Otra fiel versión del original. 

Otra composición de Thompson es "Parisian Deception", que refleja un desafortunado viaje a París. Una pieza que se aparta algo de la fidelidad a la época de las big bands, a lo que contribuye en gran medida el enérgico solo de saxo de Mike Caudill.

A continuación escuchamos "Anything Goes", de Cole Porter, otro clásico que ha bailado medio planeta. Los arreglos de Thompson provienen del primer álbum de estudio de big band que Thompson escribió en Berklee.

La canción que nombre al álbum, "6th Avenue", es otro original de Thompson. Una relajante balada que nos habla de los tres años que pasó viviendo y trabajando en Nueva York, mientras estudiaba en Berklee. Bonito solo de trompeta a cargo de Watson.

"Chega de Saudade" de Antonio Carlos Jobim, es una alegre y vibrante canción donde destacan los solos del pianista Shilansky y el trombonista Pingrey. La labor del baterista Mark Walker en este tema y en todos los del álbum, es especialmente relevante, animando al resto de secciones de forma contundente.

Paso a otro clásico, "Someday My Prince Will Come" de Frank Churchill y Larry Morley. Thompson le aplica unos arreglos rápidos que realzan la fantasía de la canción. Solo de flauta de Özçağatay.

El disco cierra con su cuarta pieza original titulada,  "May", con mucho la pieza de mayor duración del disco. Una melancólica balada con solos explosivos de Caudill, Shilansky y Rosenthal.

En conjunto, este álbum contiene once canciones orquestalmente perfectas, absolutamente conservadoras y de una previsibilidad total, lo que le convierten en sus peores características.

Thompson ha plasmado en este trabajo su profundo respeto por las big bands y lo ha conseguido plenamente. Los temas clásicos son fieles a sus orígenes y las  impecables composiciones originales, siguen una similar línea argumental.

Pero se echa de menos algo de espontaneidad, de chispa, de atrevimiento o si se prefiere, de riesgo y vanguardia.

Sin duda, Thompson ha cumplido el sueño que le guiaba y pretendía, pero en futuros trabajos debería, y talento tiene de sobra, arriesgar.

 

La Habitación del Jazz

MELTEM EGE CD: Solitude

 

Pistas

1.Anlayana 2.We Must Not Say Yes 3.Solitude 4.Aklında Kalmasın 5.Dawn 6.Seninle Dans 7.Eyes of Innocence 8.Brush Strokes

 

Intérpretes

Meltem Ege - voz 

Banda en Los Angeles

Theo Bleckmann – voz (2)

Sarpay Özçağatay – flauta (2)

Dereck Bomback – guitarra

Miller Wrenn – contrabajo

Matthew Elton Smith – batería

Rachel Iba – violín I

Alejandra Moreno – violín II

Carson Rick – viola

Betsy Rettig - chelo

Banda en Estambul

Sarpay Özçağatay  – flauta (7)

Şenova Ülker – trompeta

Bulut Gülen – trombón

Önder Focan – guitarra

Ozan  Musluoğlu  –contrabajo

Serkan Alagök - batería

 

Las sesiones de Los Angeles grabadas en junio de 2022 en  Carbonite Studios, Ohai, California

Las sesiones de Estambul grabadas en julio de 2022 en Hayyam Studios, Estambul, Turquía. Las pistas vocales grabadas en Studio B, Los Angeles, California.

Fecha de publicación: 23 de mayo de 2025

 

La Dra. Meltem Ege es una vocalista, compositora y académica de jazz turca. Tras graduarse en piano clásico por la Universidad de Bilkent de Ankara (Turquía), participó en el Concurso de Voz de Jazz Nardis de 2006 en Estambul, Turquía, donde obtuvo el primer lugar y fue elegida para representar a Turquía en el Concurso de Jazz Lady Summertime de 2007 en Finlandia. Continuó su racha ganadora en el Concurso Lady Summertime, compitiendo contra otros 17 países con el voto unánime de todos los jueces, y fue invitada a competir en el Concurso de Voces de Jazz de 2008 en Lituania, donde volvió a obtener el primer lugar.

En 2010 se graduó en el Berklee College of Music, Boston,  con una licenciatura en Interpretación Vocal con honores (summa cum laude). En 2010, regresó a Turquía y completó su Maestría en Interpretación en la Universidad de Başkent.

Ha actuado como solista destacada con varias big bands y orquestas sinfónicas, encabezando festivales de jazz y salas de conciertos de todo el mundo.

Actualmente radicada en Los Ángeles, combina su formación en piano clásico y su experiencia vocal en jazz con la libertad artística que encontró durante sus años de estudio de música experimental y teatro en el Instituto de las Artes de California (CalArts)  donde actualmente es profesora. ​

Tras graduarse de dos licenciaturas, sintió que la música clásica no era para ella y decidió dedicarse a su otra pasión: cantar rock y metal con bandas locales. Finalmente, Ege se sintió atraída por la espontaneidad y la libertad creativa del jazz y pronto se convirtió en una devota y practicante de este género.

“Solitude”, la última propuesta de la vocalista y compositora turca afincada en Los Ángeles,  consta de 8 canciones. Cuatro se grabaron en Los Angeles con una banda estadounidense y cuatro en Turquía con músicos turcos con quienes Ege colabora frecuentemente.

Las pistas vocales se grabaron en su totalidad en Los Angeles, cantando la mitad del álbum en inglés y la otra mitad en turco.

Su banda californiana está compuesta principalmente por músicos jóvenes que Ege conoció a través de CalArts y Berklee: Derek Bomback (guitarra), Miller Wrenn (contrabajo), Matt Smith (batería), Rachel Iba (violín), Alejandra Moreno (violín), Carson Rick (viola) y Betsy Rettig (violonchelo). Hay también dos músicos  invitados: el vocalista y compositor nominado a varios premios Grammy, Theo Bleckmann, y el flautista turco nominado a varios premios Grammy y profesor de Berklee College, Sarpay OzçaĞatay.

Por su parte la banda de Turquía se compone de Şenova Ülker (trompeta), Bulut Gülen (trombón), Önder Focan (guitarra), Ozan  Musluoğlu (contrabajo) y Serkan Alagök (batería). Como músico invitado está de nuevo Özçağatay (flauta).

Ege escribió la letra de siete de los ocho cortes y compuso dos.

Las sesiones en California incluyen  "We Must Not Say Yes", escrita por Lucas Longaresi, guitarrista y compositor brasileño, graduado de CalArts. La letra es de Ege y la escribió pensando en Theo Bleckmann. El resultado es una bonita canción, donde el dúo Bleckmann/Ege conversa arropados por unos excelentes arreglos orquestales y la flauta de Özçağatay.

De las mismas sesiones es “Solitude”  escrita por Derek Bomback y letra de Ege, para quien vivir entre países significa muchas despedidas en aeropuertos. Su letra habla del dolor que supone despedirse constantemente de sus seres queridos. Canción de sabor brasileño.

La música y letra de “Dawn" es de Will Kjeer, amigo de Ege. La canción se grabó originalmente como parte del proyecto “CalArts Jazz CD” en el legendario sello Capitol Records. Kjeer le pidió a Ege que fuera la vocalista de esta poderosa pieza. Ege dice: "Desde el principio, me sentí profundamente conectada con la canción. Me pareció tan personal que decidí incluirla en mi propio álbum". La canción nos habla de cómo recuperarse y seguir adelante tras una pérdida. Una delicada y sentida canción que termina con fuerza (no olvidemos la etapa roquera de Ege).

El cuarto y último tema de los grabados en Los Angeles es "Brush Strokes". Derek Bomback le envió esta canción a Ege durante el confinamiento por la COVID-19. Ege canta y narra con un tono bajo y nos habla de las expectativas que se nos imponen, especialmente en cuanto al género.

“Anlayana” abre el disco y es uno de los cuatro cortes   grabados en las sesiones de Estambul. La música y letras son de Ege, que afirma: “Elegí abrir el álbum con ‘Anlayana’ porque define el tono de todo lo que quería que Solitude representara. Las letras se entrelazan entre el inglés y el turco, reflejando cómo suenan mis pensamientos cuando estoy ansiosa: capas de idioma y cultura que se superponen y se entrelazan. Como cuidadoras, a menudo se desalienta a las mujeres a cuidar de sí mismas emocionalmente. Esta canción nos recuerda que podemos dejar atrás esas expectativas y confiar en que quienes realmente nos comprenden seguirán ahí”. Ege canta en frases cortas y emplea el scat. Un tema de corte bop.

Ege compuso "Aklında Kalmasın" tras una larga relación. Canta en turco lo que no deja de sorprender cómo encaja perfectamente con el componente jazzístico de este tema, cargado de swing.

La juguetona “Seninle Dans” de Lucas Longaresi  con letra de Ege, muestra una vez más la fusión de culturas, la brasileña (samba) y la turca (letra).

El cuarto tema de las sesiones de Estambul es "Eyes of Innocence" con música de Utar Artun, profesor de Berklee College y del Conservatorio de Nueva Inglaterra, y letra de Ege, que comenta: "La melodía inicial me recordó inmediatamente a un niño, y a partir de ahí, la letra se convirtió en una conversación con mi niño interior. Sigo volviendo a la idea de proteger y sanar una versión más joven de nosotros mismos". Özçağatay interviene con la flauta.

Ege posee esa característica, tan importante para una vocalista, que es narrar historias, hacer las canciones creíbles. Y lo hace sin esfuerzo, de forma natural, sin el menor atisbo de virtuosismo innecesario.

Su voz es singular, cautivadora, técnicamente precisa y expresiva, sensual y llena de intimidad.

 

La Habitación del Jazz

BECCA WILKINS CD: Rêverie

 

Pistas

1.Hymne à l'amour, Pt. 1 2.Emmenez-moi 3.À bicyclette  4.Sous le ciel de Paris 5.Barbara 6.La mer 7.Amsterdam   8.Je hais les dimanches  9.La bohème   10.Nuages 11.Hymne à l'amour, Pt. 2

 

Intérpretes

Becca Wilkins – voz

Olly Chalk –piano, sintetizadores

Sam Ingvorsen – contrabajo

Billy Pod – batería

 

Grabado en Porcupine Studios en  julio de 2024

Fecha de publicación: 30 de mayo de 2025

 

La vocalista de jazz londinense Becca Wilkins es Graduada de la Universidad de Birmingham y de la Guildhall School of Music and Drama. Wilkins lanzó su primer proyecto musical creativo, un EP, en 2018 con el pianista Tom Harris. Wilkins ha colaborado habitualmente con la multipremiada compositora Olivia Murphy y aparece en sus lanzamientos "Afterglow of a dream suite" (2019), "Paper-shaped people" (2021) y "Moonrise" (2022). En  2019 estrenó un proyecto de composiciones originales, “Gestalt”, un quinteto contemporáneo y experimental.

Wilkins se presenta con London Vocal Project, uno de los conjuntos vocales contemporáneos más importantes del Reino Unido, liderado por Pete Churchill y especializado en jazz, blues y groove. También colabora con la vibrante pianista de jazz Maria Grapsa, en cuyo álbum debut "Life", publicado en noviembre de 2023, incluye letras y voces de Wilkins.

Además de su faceta como intérprete, es una experimentada profesora de canto e imparte el curso de Jazz Vocal en el Conservatorio de Leeds.

Su proyecto más novedoso es “Rêverie”, una colección de chanson francesa reinventada con su trío, formado por  Olly Chalk (piano), Sam Ingvorsen (bajo) y Billy Pod (batería).

“Rêverie” presenta la música clásica francesa popularizada por Jacques Brel, Yves Montand, Charles Aznavour y Edith Piaf, entre otros,  a través de la lente del jazz contemporáneo, donde Wilkins pone de relieve su francofilia, reinterpretando algunas de las canciones francesas más queridas, además de presentar al público algunas joyas ocultas del género.

La conexión de Wilkins con el idioma y la cultura franceses es profunda. Vivió en Normandía en su adolescencia y estudió francés y música en la universidad.

La chanson francesa se centra en la narración: poesía musicalizada, donde la letra es lo primero y se podría asimilar al Gran Cancionero Americano, pero con menos swing y más dramatismo.

Pero precisamente ahí, es donde “Rêverie” le da la vuelta a la situación; los arreglos de Wilkins y su banda potencian la parte rítmica sin dejar de lado el lenguaje emocional.

El origen de este proyecto lo cuenta Wilkins: “Una noche, mientras conducía a casa después de un concierto, escuchaba un programa de música francesa en la radio y oí un tema de Yves Montand, 'Sa Jeunesse'. Me cautivó al instante y supe que tenía que interpretarlo yo misma. Ese momento dio origen a todo el proyecto. Me enamoré de la poesía de estas canciones y del efecto cápsula del tiempo que tienen”

Wilkins y su trío ofrecen un álbum cantado íntegramente en francés.

El primer tema del disco, “Hymne à l'amour, Pt. 1” la compuso Marguerite Monnot y la letra es de Edith Piaf. Wilkins solo canta una breve parte de la canción (algo más de un minuto) llamándola Parte 1. Sin solución de continuidad enlaza con el segundo tema del álbum, “Emmenez-moi” compuesta letra y música por Charles Aznavour. Wilkins lo canta con mucha emoción.

“À bicyclette” compuesta por Francis Lai con letra de  Pierre Barouh es una alegre canción que Wilkins interpreta de forma desenfadada y juguetona,  y en clave de jazz.

“Sous le ciel de Paris” compuesta por Hubert Giraud con letra de Jean Dréjac es una conocidísima canción escrita para la película de 1951 del mismo título.

De “Barbara”, compuesta por Joseph Kosma con letra de  Jacques Prévert, Wilkins hace una interpretación llena de emotividad.   

Llega otro clásico, “La mer”, con música y letra compuestas por Charles Trenet, a la que Wilkins aplica un ritmo lento que hace que la canción gane en expresividad e intimidad.

Sigue “Amsterdam” compuesta por Jacques Brel con letra tradicional. Una bella representación de la dura vida de los marineros del puerto de Ámsterdam (aplicable a muchos otros). El trío aporta un ritmo de marcha in crescendo que aporta dramatismo.

A "Je Hais Les Dimanches" compuesta por Florence Véran y letra de Charles Aznavour,  Wilkins la dota de un enfoque más suave y moderno a lo que contribuye el piano Rhodes de Chalk.

Y qué decir de la famosísima “La bohème” compuesta por Charles Aznavour con letra de Jacques Plante. Wilkins la interpreta manteniendo fielmente el espíritu de la versión original, pero el trío la adentra en el mundo del jazz.

“Nuages” compuesta por Django Reinhardt con letra de Jacques Larue, comienza con un solo de contrabajo que da paso a la voz de Wilkins creándose un ambiente íntimo con un bonito diálogo entre ambos.  

El disco cierra con la segunda parte de “Hymne à l'amour, Pt. 2” cuya primera parte abrió el disco.

Wilkins vivió parte de su  adolescencia, esa edad que marca tanto, en Francia, y esas experiencias las transmite en los temas del álbum.

Wilkins afirma: "Tocar esta música me parece realmente especial, y siempre me sorprende cómo las historias llegan al público, incluso a quienes no hablan francés. Al principio, repartía traducciones en los conciertos, pero me di cuenta de que la gente dejó de usarlas; conectaban con la música de una forma que trascendía el idioma”.

Sin darte cuenta, “Rêverie” te va enganchando a medida que lo escuchas.

La Habitación del Jazz

MICHAEL ARBENZ Meets ANDY SHEPPARD CD: From Bach to Ellington Live

 

Pistas

1.Melancholia 2.Psalm 3.African Flower 4.Where It Springs  Into Being 5.Reflections in D 6.Warm Valley

 

Intérpretes

Michael Arbenz – piano

Andy Sheppard –saxo

 

Grabado en vivo el 20-21 de agosto de 2024 en Bird’s Eye Jazz Club, Basilea (Suiza)

Fecha de publicación: 13 de junio de 2025

 

Michael Arbenz es un compositor, arreglista, educador, pianista de formación clásica e intérprete de jazz autodidacta. Tras estudiar piano clásico en Basilea, su trayectoria internacional en el mundo de la música clásica ha incluido colaboraciones con Pierre Boulez, Heinz Holliger, Jürg Wyttenbach y el conjunto suizo de nueva música, Contrechamps.

Descubrió su pasión por el jazz desde niño. Su enfoque de la improvisación es multifacético, no lineal, utilizando el piano como orquesta. Sus influencias jazzísticas son muy eclécticas e incluyen a los pianistas más importantes de la historia de la música, así como la música clásica. Ha actuado extensamente con el aclamado trío VEIN y ha colaborado con estrellas como Greg Osby, Glenn Ferris, Dave Liebman, Marc Johnson, Doug Hammond, Wolfgang Puschnig, Andy Sheppard, Florian Arbenz y Ron Carter, entre otros muchos.

Algunas de las mejores agrupaciones europeas han interpretado sus composiciones, como la Sinfonietta de Basilea (Suiza), la Orquesta de la Radio Letona de Riga, la Filarmónica de Jena (Alemania), la NDR Big Band (Alemania), la Norrbotten Big Band (Suecia) y la Aarhus Big Band (Dinamarca). Dirige el Instituto de Jazz y Música Folklórica de la Universidad de Ciencias Aplicadas de Lucerna (Suiza), donde también imparte docencia.

Artista de grabación, director de orquesta y compositor de ECM, Andy Sheppard es uno de los saxofonistas más destacados de Europa y uno de los pocos músicos británicos que ha tenido un impacto significativo en la escena internacional del jazz, tocando y escribiendo para escenarios que van desde solistas hasta big bands y orquestas de cámara. Sheppard ha compuesto más de 350 obras. Empezó a tocar el saxofón a los 19 años, muy motivado tras su encuentro con la música de John Coltrane, y tres semanas después de conseguir su primer instrumento ya tocaba en público con el cuarteto Sphere, de Bristol. En París, colaboró con grupos como la banda de performance Urban Sax.  Regresó al Reino Unido a mediados de los 80 para grabar el álbum "Andy Sheppard" con Steve Swallow como productor, lo que marcó el comienzo de una larga colaboración musical que continúa hasta nuestros días.

Sheppard ha sido invitado a componer para grandes y pequeñas formaciones en las áreas de jazz y música clásica contemporánea.

Sheppard ha grabado / colaborado con artistas como  Greg Osby, Ron Carter, Glenn Ferris, Dave Liebman, Marc Johnson, Wolfgang Puschnig, Nana Vasconcelos, L. Shankar, Kathryn Tickell, John Harle,  Joanna MacGregor, John Martyn, Eivind Aarset, Arild Andersen, Michel Benita, Seb Rochford, John Parricelli y Kuljit Bhamra, por citar solo unos pocos. Además, Sheppard, es uno de los pocos solistas que ha tocado en las big bands de Carla Bley, Gil Evans y George Russell.

El pianista suizo Michael Arbenz y el saxofonista británico Andy Sheppard publican a dúo “From Bach to Ellington – Live”. Ambos se conocían pues han colaborado juntos durante mucho tiempo en el trío liderado por Arbenz, VEIN, con el que han actuado por toda Europa.

El disco consta de seis cortes: dos composiciones de Arbenz inspiradas en obras de  J. S. Bach y cuatro originales de Duke Ellington, con arreglos de Arbenz y Sheppard.

El tema que abre el disco, “Melancholia” la grabó Duke Ellington a principios de la década de 1950 para Capitol Records en su álbum “Duke Plays Ellington”. Arbenz introduce la canción con un delicado y precioso solo de piano antes de que Sheppard se una con unos emocionantes fraseos delicados al tenor. ¡Qué comienzo más extraordinario!

Del lirismo de Ellington a la elegancia de J. S. Bach con “Psalm” compuesta por Arbenz e inspirada en su “Cantata BWV 146”. Los contrafacts y juegos musicales de ambos nos hacen disfrutar del contrapunto barroco y la improvisación jazzística, improvisación de la que también hacía uso Bach, considerado uno de los primeros improvisadores en la historia de la música. Arbenz da sobrada muestra de su formación clásica. ¡Otro sensacional tema! El disco sigue con el listón muy alto.

El tercer corte es “African Flower”, originalmente escrita por Ellington como “Fleurette Africaine”, a principios de la década de 1960. La elegancia y delicadeza de ambos músicos presentes en este tema con cierto aire de misterio.

“Where It Springs  Into Being” es la segunda pieza de Arbenz inspirada en Bach, concretamente en esta ocasión en el  “Preludio Nº 1 en Do Mayor BWV 846”. El pianismo de Arbenz se muestra sin cortapisas, interpretando varios solos. Ir y venir del barroco al jazz y viceversa. Sheppard hace lo propio. El protagonismo salta del piano al saxo, del saxo al piano, en un clímax musical que al final de la pieza vuelve a suavizarse.  

Le sigue "Reflections in D", de Ellington, una balada en la que Arbenz copa la primera mitad del tema con un estilo colorido, fluido y rico en matices. Posteriormente se incorpora  Sheppard, manteniendo esa atmósfera conmovedora.

El disco cierra con otra composición de Ellington, "Warm Valley" incluida en el álbum “Money Jungle” de Ellington. Una melancólica y preciosa versión que Arbenz y Sheppard tocan juntos mostrando una profunda interacción entre ambos músicos.

La calidad de la grabación en vivo en el Bird’s Eye Jazz Club de Basilea (Suiza), es fantástica.

El álbum, uno de los mejores editados hasta la fecha en este 2025 (y me atrevo a decir que de los mejores que se publiquen hasta final de año) ofrece un diálogo musical, una conversación  profundamente personal y erudita, musicalmente hablando. Tras una aparente sencillez se desarrollan unos dúos llenos de matices cargados de calidad y calidez, apasionados y líricos.

 

La Habitación del Jazz

COCO CHATRU Quartet Vinilo: Limbokolia

 

Pistas

Cara A

1.Tuggummi, sol och betong 2.Zinkmannens skafferi 3.SPIF 4.Ormen med giget 5.Klätterträd

Cara B

1.Cikadan och turturduvan 2.Waterslide 3.Trubbel i källaren 4.Cocos Bolero 5.Melancholia

 

Intérpretes

Linus Kåse – saxo alto

Charlie Malmberg – saxo barítono

Håkan Trygger – contrabajo

Daniel Kåse – batería, vibráfono

 

Sello discográfico: Trygger Music

Grabado en el Stockholm Concert Hall, 23-24 de noviembre de 2024

Fecha de publicación: 6 de junio de 2025

 

La banda Coco Chatru Quartet (CCQ) se formó en 2023 y en 2024 lanzó su primer álbum, “Future”.

Los miembros de CCQ son músicos profesionales con amplia experiencia y radicados en Estocolmo, Suecia. Previamente a la formación de CCQ ya habían tocado juntos en numerosas ocasiones. La banda se compone de saxofones alto y barítono, contrabajo y batería.

Linus Kåse, saxofón alto, es un músico muy solicitado y versátil, principalmente jazzista, aunque también interpreta otros géneros. Además, trabaja como productor e ingeniero de sonido. Es originario de Helsingborg, en el sur de Suecia, y estudió música en la Royal College of Music de Estocolmo.

Charlie Malmberg , saxofón barítono,  es un experimentado músico de jazz que ha colaborado durante muchos años con renombrados grupos de jazz suecos.  También es arreglista y trabaja con música teatral. Estudió saxofón, composición y arreglos en la Royal College of Music de Estocolmo.

Håkan Trygger, contrabajo,  ha actuado profesionalmente durante muchos años como bajista de jazz. También es arreglista y ha producido una serie de proyectos experimentales que combinan la música con la literatura, el teatro y otras formas de arte. Estudió música en la Royal College of Music de Estocolmo. También estudió literatura en la Universidad de Estocolmo y es cofundador de la editorial sueca Faethon.

Daniel Kåse,  batería y percusión,  es miembro de la Real Orquesta Filarmónica de Estocolmo y trabaja como líder de sección. Ha actuado como solista en numerosas ocasiones tanto con la Real Orquesta Filarmónica de Estocolmo como con otras orquestas sinfónicas. Además,  es baterista de jazz y cantante. Es originario de Helsingborg y estudió música en la Academia de Música de Malmö.

CCQ lleva el nombre de la legendaria aventurera inventora y actriz sueca que se hacía llamar Coco Chatru, que llamó la atención de la banda tras descubrir una vasta colección de sus cartas. Las historias que contienen son extraordinarias: expediciones en las profundidades marinas, juegos de ruleta con matones en rascacielos y extrañas fiestas de té bajo la metrópolis.

El mismo año del lanzamiento de “Future”, un supuesto antiguo compañero (ahora muy anciano) de Coco Chatru, que en su juventud, formó parte del séquito de Coco Chatru en Madrid (El Hombre de Zinc), les habló de un misterioso lugar (o zona) lejano llamado Limbokolia. En la guarida del Hombre de Zinc, encontraron un mapa que los llevaba a Limbokolia y emprendieron un viaje extraordinario.

Las canciones del álbum Limbokolia llevan el nombre de diferentes partes del viaje. La primera de la cara A  “Tuggummi, sol och betong” (Chicle, sol y hormigón) es una imagen de su despreocupada existencia en Madrid. Un tema desenfadado.

“Zinkmannens skafferi” (El ático del Hombre de Zinc) es el lugar donde encontraron (y robaron) el mapa. Composición llena de misterio compuesta, como la anterior, por Trygger. 

“SPIF” (Safe Passage Internazionale de Falconetti), firmada por  Kåse, es el nombre del barco de vapor en el que viajaban. Una composición etérea y misteriosa.

“Ormen med giget” (La serpiente con el concierto), compuesta por Trygger, debe su nombre al capitán de dicho barco, un villano que hundió el buque durante una tormenta. Sonido de Nueva Orleans. 

“Klätterträd” (Árbol trepador) era uno de los enigmáticos objetos marcados en el mapa robado: un árbol con forma de laberinto. Y esa sensación enigmática es la que transmite la canción. Único de los cortes del disco compuesto por  Malmberg.

La cara B comienza con “Cikadan och turturduvan” (La cigarra y la tórtola). Un tema enérgico y colaborativo compuesto por Trygger.

“Waterslide” (tobogán acuático)  conduce a un sótano secreto donde se está grabando una película caótica. Composición suave y deslizante que lleva la firma de  Kåse. 

“Trubbel i källaren” (Problemas en el sótano), nos deja un buen diálogo entre los saxos. De nuevo una composición de Trygger. 

“Cocos Bolero”, de Kåse, describe la vasta pradera que solo se puede cruzar con un bolero en 4/4. Luego, más allá del horizonte, tras el arcoíris, se encuentra Limbokolia, el lugar donde nos esperan todos aquellos a quienes anhelamos. Y sin solución de continuidad, la cara B termina con “Melancholia”, el tema principal de ese mágico lugar, el único tema que no fue compuesto por los miembros de la banda, escrita por uno de los ciudadanos de Limbokolia (Duke Ellington).

El interesante jazz de Coco Chatru Quartet (CCQ) es contemporáneo, mezcla de jazz estadounidense y jazz nórdico.

 

La Habitación del Jazz

Vio 3iO CD: ViOlogy

 

Pistas

1.Bird of Passage 2.Digital Samsara 3.ViOlogy 4.The Disappearing Real 5.Echoes of the Now 6.Analog Prayers

 

Intérpretes

Viktor Haraszti – saxo y electrónicos

Anthony Davis – batería

Andor Horváth – contrabajo

 

Grabado en Vuurland Studio, Utrecht, Países Bajos

Sello discográfico: VIOmusic

Fecha de publicación: 25 demayo de 2025

 

Vio 3iO es el nuevo proyecto del inquieto Viktor Haraszti (Vio).  Se trata de un trío compuesto por el propio Haraszti (saxo y electrónica), Anthony Davis (batería) y Andor Horváth (contrabajo).

Viktor Haraszti es un músico multi instrumentista, productor e ingeniero de sonido nacido en Hungría y residente en Países Bajos. Desde los siete años toca el piano y desde los 11, el clarinete. A los 18 obtuvo su primer diploma en el famoso Conservatorio Bela Bartok en Budapest. Asistió a un concierto de Fats Domino en Budapest a finales de los 80, lo que le llevó a enamorarse del saxofón, lo que le llevó pedir a su madre que vendiera el clarinete y le comprara un saxo. Posteriormente desarrolló su interés por el jazz. Descubrió las obras de Parker, Miles y Coltrane mientras trabajaba en una biblioteca de música de Budapest. En 2005 se graduó con honores en el Conservatorio de Utrecht, Países Bajos.

En 2021, fundó su propia compañía y sello discográfico, ViOmusic, donde lanzó su primer álbum en solitario, autoproducido y aclamado internacionalmente, “Equanimity - A Futuristic Jazz Tale”. Posee una maestría en Música y Diseño Musical y se dedica a crear experiencias audiovisuales innovadoras e inmersivas a través de ViOmusic.

Andor Horváth es un contrabajista húngaro. Se graduó con honores en el Conservatorio Real de La Haya. Ha participado en diversos proyectos musicales, grabaciones y giras con conjuntos de diferentes géneros musicales. Horváth ha mantenido una excelente colaboración con  Haraszti durante años, y juntos forman un dúo único e innovador.

Anthony Davis es un baterista estadounidense de gran trayectoria. Ha trabajado con diversos artistas y bandas, y es un músico experimentado y altamente cualificado. Anthony trabajó previamente con Horváth en otros proyectos, y ahora se reúnen como una sólida sección rítmica para ViO – 3iO.

“VIOLOGY” es el EP debut de ViO 3iO. Un EP con seis  canciones, grabadas en vivo, de las que dos han sido compuestas por Haraszti, “Bird of Passage” y “ViOlogy” y el resto por ViO 3iO.

El trío mezcla jazz, fusión, electrónica, improvisación, todo ello enmarcado dentro de la más absoluta innovación. A todo esto hay que añadir el arte visual (creado por Horváth) que acompaña a sus actuaciones en directo.

“Bird of Passage” abre el disco. Sonidos futuristas que desemboca en un tema coltreniano, fuerte, intenso, donde el trío muestra sus cartas de lo que nos espera en  el resto del álbum. Excelente comienzo.  

Le sigue “Digital Samsara”, otra pieza con comienzo que juega al despiste y que va adquiriendo personalidad propia, al igual que su antecesor. Sonido rico que fusiona la tradición y lo progresivo. Una vorágine de ritmo. La compenetración del trío es total. ¡Qué onda!

“ViOlogy” comienza con unos acordes que recuerdan un baile folclórico, pero no nos confundamos, la percusión y el contrabajo marcan un terreno lleno energía secundado inmediatamente por el saxo. Otro tema potente.      

”The Disappearing Rea” calma los ánimos tras la intensidad de los tres temas que abren el disco. Cantos de sirenas, de profundidades abisales. Sonidos electrónicos que contrastan con el sonido acústico del contrabajo. La batería traza variados caminos incitando a seguirlos. El saxo toma el protagonismo con una melodía de sonido bohemio.    

“Echoes of the Now” inicia con el profundo sonido del arco en el contrabajo y unos toques aislado de electrónica a los que se incorpora la batería con un sonido peculiar. Todo parece que no tiene sentido, pero poco a poco va tomando cuerpo impulsado por los acordes jazzísticos del contrabajo. Una pieza orgánica, que te atrapa a medida que se desarrolla.     

“Analog Prayers” podríamos calificarla como la pieza más ortodoxa dentro de unos cánones jazzísticos establecidos. De nuevo Coltrane está presente. Sonido que nos traslada a Oriente Medio, con la batería marcando el pulso y un precioso saxo. El tema finaliza de forma abrupta y nos deja con ganas de mucho más.  

Vio 3iO es un electrizante trío de jazz contemporáneo, creador de un mundo sonoro único y cargado de emociones y audacia sonora. Ritmos enérgicos, líneas de bajo profundas, saxo intenso y electrónica sabiamente utilizada.

 

La Habitación del Jazz

 

MAZAM CD: Pilgrimage Vol. II

 

Pistas

1.7am - Good Morning   2.8am - Breath of a new day 3.9am - Let’s Go 4.10am – Break 5.11am - Getting deeper 6.12am – Conclusion 7.1pm – Lunch 8.2pm – Nap 9.3pm - Doing things 10.4pm – Leading 11.5pm – Snack 12.6pm - Returning home 13.7pm – Relaxing 14.8pm - Living

 

Intérpretes

João Mortágua – saxo alto, saxo soprano

Carlos Azevedo – piano, teclados

Miguel Ângelo – contrabajo

Mário Costa – batería

 

Sello discográfico: Timbuktu Records

Grabado en estudios CARA, Matosinhos

Fecha de publicación: 16 de mayo de 2025

 

El cuarteto MAZAM se formó en 2028 con el objetivo de interpretar algunas composiciones de Mortágua, pero evolucionaron y se convirtieron  un cuarteto en el que la creación musical era compartida por todos, a partir de ideas fruto de la inspiración, en ocasiones fuera del ámbito musical, y la improvisación.

Este estilo de composición e improvisación les definiría en el futuro, dando como resultado, tras varios conciertos y sesiones de grabación, el álbum “Pilgrimage”, publicado en 2022 por Clean Feed.

El cuarteto lo forman cuatro portugueses, João Mortágua al saxofón alto y soprano, Carlos Azevedo al piano y teclados, Miguel Ângelo al contrabajo y Mário Costa a la batería.

Joäo Mortágua (Nuno Ferreira, André Fernandes, Carlos Bica, André Santos, Filipe Teixeira, Hugo Raro, Nelson Cascais, Paulo Santo, Bruno Pernadas, Jeffery Davis, Alexandre Coelho, Miguel Calhaz, Gonçalo Moreira y Bernardo Moreira…) es saxofonista, compositor e improvisador. Estudió en el Conservatorio Superior de Música de Aveiro y se graduó en la Escola Superior de Música e Artes do Espetáculo (ESMAE, Porto) en 2009. Participa en muchos proyectos como líder o colíder.

De los saxofonistas actuales destaca a  David Binney y John Zorn sobre todo como compositores. También  Lars Dietrich, Ben Van Gelder,  Soweto Kinch, Miguel Zenón y  Wanja Slavin y Walter Smith III. Sus saxos favoritos son el alto y el soprano, si bien el barítono le gusta mucho.

Carlos Azevedo (Ricardo Fabini, Sávio Araújo, Claus Nymark, Pedro Barreiros, Pedro Abrunhosa, John Schroeder, Tom Walton, João Courinha, Mário Santos, Andy James, Paleka, Brendan Hemsworth, Carlos Martins, Bill Goodwin, Ron Jackson, Chris Kase…), estudió piano en su infancia e ingresó en el Conservatorio de Música de Oporto en 1982, cursando los grados de Piano y Composición. Fue el primer alumno matriculado en la Escuela Superior de Música de Oporto (actual ESMAE) en 1986, donde completó el grado de Composición. Posteriormente, cursó un Máster en Composición en la Universidad de Sheffield (1996). Desde 1999, comparte con Pedro Guedes la Dirección Musical de la Orquesta Jazz de Matosinhos. Participa en varios proyectos de jazz y sinfónicos.

Miguel Ângelo (António Augusto Aguiar, Damien Cabaud, Carlos Bica, Zé Eduardo, Michael Lauren, Nuno Ferreira, Carlos Azevedo, Pedro Guedes, Telmo Marques, Chris Cheek, Ohad Talmor, Dan Weiss, Frank Vanagee, Virxílio Silva…) inició su andadura musical con  el rock, posteriormente continuó sus estudios musicales en   Escuela de Jazz de Oporto.  Unos años después de terminar su licenciatura en Informática / Matemática Aplicada,  en 2008 concluía  su Licenciatura en contrabajo  en la  Escola Superior de Musica e Artes do Espetáculo (ESMAE). Es uno de los músicos más activos  del panorama jazzístico portugués. Ya sea como solista,  como colíder o como acompañante, su producción discográfica crece así como sus actuaciones y proyectos musicales.

Por último Mario Costa (Emile Parisien, Michel Portal, Joachim Kuhn,Wynton Marsalis, Bruno Chevillon, Daniel Humair, Manu Codjia, Vincent Peirani, Michael Wollny, Roberto Negro, Theo Ceccaldi, Bojan Z, Fabrice Martinez, Thomas de Pourquery, Géraldine Laurent, Simon Tailleu y Pierre Perchaud, Andy Sheppard …), comenzó sus clases de batería a los ocho años, pero ya tocaba las baquetas desde los seis. Estudió percusión clásica en la Escuela Profesional de Música de Viana, donde conoció a compositores contemporáneos del siglo XX como John Cage, Steve Reich e Iannis Xenakis, entre otros. En 2004, ingresó en la educación superior, comenzando su carrera como baterista de jazz en Oporto. En 2008, se graduó en Jazz - Batería en la ESMAE - Escuela de Música y Artes Escénicas con el profesor Michael Lauren, trasladándose posteriormente a Nueva York, donde recibió clases de algunos de los músicos más reconocidos de la escena del jazz.

MAZAM acaba de lanzar el segundo volumen de “Pilgrimage”. En las notas de presentación del álbum afirman: “Con este nuevo disco, pretendemos crear nuevas formas de composición colectiva, basadas en premisas, reglas, definiciones de conceptos abstractos y concretos, o formas más convencionales. De esta manera, buscamos crear un enfoque propio y único”.

Un álbum conceptual que se desarrolla a lo largo de un día, que empieza las 7 de la mañana y acaba a las 8 de la tarde, a través de sus catorce composiciones. Cada una de las composiciones se titula con una hora y la actividad prevista a realizar en ese periodo.

Música experimental, con una fuerte carga de improvisación, donde es complicado encontrar melodías. Sí podemos encontrar ritmos complejos, sonidos aislados, notas, fenómenos sonoros que se relacionan entre sí.

MAZAM nos narra episodios extemporáneos, sutiles unos, misteriosos otros, futuristas o vanguardistas.

Al tratarse de cuatro personalidades con un potente perfil como compositores, las piezas negocian el espacio a ocupar por cada uno de ellos, colaborando en la mayor parte de ellas.

Quizás el único corte de jazz convencional es  la romántica “11AM – Getting closer”.

Disco que no es fácil de escuchar, que requiere mentalización previa y escucha entrenada.

Este nuevo trabajo de MAZAM sigue la senda del anterior, “Pilgrimage”, pero un paso más adelante.

 

La Habitación del Jazz