JONATHAN REISIN CD: Too Good X Unreality

 

Pistas

1.Walk and Talk 2.Through the Glass 3.Too Good X Unreality Pt. 1. 4.Too Good X Unreality Pt. 2 5.Offertorium 6.Turn Off the Voices 7.Prelude

 

Intérpretes

Jonathan Reisin – saxo tenor, saxo soprano

Shinya Lin – piano, piano preparado

Jarred Chase – batería

 

Sello discográfico: Boomslang Records

Grabado el 5 de agosto de 2024 en Park West Studios, Brooklyn, NY

Fecha de publicación: 16 de mayo de 2025

 

Jonathan Reisin es un saxofonista, compositor e improvisador nacido en Israel y residente en Nueva York. A la edad de 6 años, aprendió a tocar el violín, un don que recibió de su abuelo. Tras 10 años estudiando música clásica como violinista, Reisin decidió dejar el violín a un lado para dedicarse al saxofón. Dos años después ya tocaba en grandes festivales de jazz. Su relación con la música se hizo más profunda al descubrir su pasión por el Jazz y la improvisación.

En 2017 fue aceptado en el prestigioso programa musical de la Escuela de Música Rimon: "The Jazz Institute". Después de dos años de estudiar en el Instituto y profundizar su conocimiento musical, Reisin  recibió una beca para Berklee College of Music y comenzó sus estudios universitarios en 2019. Allí estudió con  George Garzone, Kris Davis, Tony Malaby, Francisco Mela y Terri Lyne Carrington, lo ayudó a explorar otras direcciones y conceptos musicales que enriquecieron su voz artística única. Posee una licenciatura en interpretación por el Berklee College of Music y una maestría en música por el programa de intérprete-compositor de The New School.

En abril de 2022, Reisin lanzó su álbum debut, "Option B" (ver reseña en La Habitación del Jazz), con el prestigioso sello Habitable Records. El álbum dedicó una especial atención a su difunto abuelo, quien falleció el mismo día de la grabación.

En octubre de 2023, junto a su estimado mentor, el baterista Francisco Mela, publicó un nuevo álbum titulado "Earthquake”, en 577 Records.

Su nuevo trabajo se titula “Too Good X Unreality” y está integrado por siete temas, todos compuestos por Reisin.

"Walk and Talk" es el tema que abre el álbum. Comenzó  como un experimento de escritura para piano completamente libre de improvisación. El resultado es un tema donde la ausencia de melodía  y la improvisación tienen un gran protagonismo. 

"Through the Glass" fue concebida para ser interpretada a primera vista, o leída a primera vista en el escenario. Mantiene la misma línea que el anterior tema, incluso haciendo hincapié en la improvisación libre.

La canción que da nombre al álbum, "Too Good X Unreality" se divide en dos partes de parecida duración y parecido resultado. La composición se centra en sonidos aislados, silencios y espacios divergentes y minimalistas, resaltando las notas ejecutadas.

“Offertorium” está inspirado en la fallecida compositora rusa contemporánea Sofia Gubaidulina y utiliza el piano preparado de Lin, que proporciona toda una variedad de graves profundos y resonantes hasta agudos cristalinos, mientras el saxo hace su entrada incorporándose a ese pulso sonoro.

“Turn Off the Voices” es la pieza de menor duración del disco. Evoca el estado de inquietud de una mente abrumada por pensamientos nocturnos generando un diálogo interno de difícil solución. De nuevo el piano preparado realza sonidos fantasmales y que intensifican la sensación de desorientación.

Paradójicamente el álbum concluye con la pieza titulada “Prelude”. Contiene la esencia del álbum, lo que podría servir para generar un carrusel de escucha infinito y de sonoridades ambiguas.

En palabras de Reisin: “Este fue mi deseo al escribir la música: crear algo abierto, algo que invite al descubrimiento. El álbum se mueve entre la complejidad y la simplicidad, capturando el delicado equilibrio que define su sonido. Agradezco a todos los involucrados: a Shinya, a Jarred y a todos los que ayudaron a hacer realidad este proyecto”

Reisin crea música original influenciada por el Free Jazz y el Avant-Garde y este trabajo es una buena muestra de ello.

La Habitación del Jazz

 

BIEL HARPER CD: Ocell

 

Pistas

1.Despertar 2.Ocell 3.Viatger 4.L'hort d'en Sergi 5.Intrèpid 6.Dunes 7.Colors 8.Espiral 9.Artesà

Intérpretes

Biel Harper - piano

Tabea Kind - contrabajo

Álvaro Ocón - trompeta

Lucas Zibulski - batería

Aura Mauri –voz (4,7)

Clara Catasús, Laia Escartin, Flavia Escartin, Nàdia Orta, Lluís Pérez-Villegas, Gabrielle Canal, Siara Canal Vila – voz (4)

 

Sello discográfico: Seguell Microscopi

Grabado en el estudio del Jazz Campus de Basilea.

Fecha de publicación: 14 de abril

 

Biel Harper nació en Barcelona (España). Se graduó en Piano Jazz en el Conservatorio Superior del Liceo en 2021, donde estudió con Marco Mezquida, Bill McHenry y Roger Mas, entre otros. Actualmente, está finalizando un máster en Interpretación y Composición en la prestigiosa escuela Jazz Campus de Basilea (Suiza). En este período, ha tenido la oportunidad de aprender de figuras de como Shai Maestro, Aaron Parks y Kit Downs en piano, y Guillermo Klein en composición. Además, ha compartido experiencias con músicos de primer nivel como Larry Grenadier, Jorge Rossy, Jeff Ballard y Lionel Loueke a través de combos, clases magistrales y conciertos en el campus.

En los últimos años, ha participado en varios proyectos entre los que cabe destacar: Aura y Biel, el dúo que comparte con la cantante Aura Mauri, y con quien publicó su primer disco, “Instants” (2022); las diversas colaboraciones con la contrabajista y compositora Giulia Valle, entre las que cabe destacar el trío que formaban junto con la batería Andrea González; ML Quartet, liderado por el contrabajista Manuel Luque, con quien han publicado el disco “Cicatrices” (2024).

En 2021 cofundó el festival Zona Jazz en Mediona, junto a Txema Riera y Roger Mas, consolidándolo como un espacio de referencia para la escena del jazz catalán.

 “Ocell” es el nuevo disco de este joven pianista y compositor, una obra nacida del deseo de compartir la esencia intangible de la música, tan lógica como abstracta.

El cuarteto que acompaña a Harper está formado por  Álvaro Ocón en la trompeta, Tabea Kind en el contrabajo y Lucas Zibulski en la batería.

En palabras de Harper: "Compartir música con amigos a los que admiras y amas, y saber que encontrarán su espacio entre tus notas, es un placer difícil de expresar con palabras. Es como escuchar por primera vez algo que has descubierto, y ver cómo evoluciona y se transforma en algo nuevo, a la vez conocido y misterioso".

 

El disco se grabó en un único día, todos los músicos en la misma sala, con tomas únicas y llenas de improvisación y decisiones espontáneas.

El álbum se compone íntegramente de música original, pensada para ofrecer la máxima libertad a los músicos, con momentos de intensidad rítmica, melodías con aires folclóricos, canciones y libre improvisación.

El primer corte del álbum es “Despertar”, compuesto por Harper antes de trasladarse a Basilea a estudiar el Master, lo que le proporcionaría nuevas ideas compositivas y por supuesto, vitales. Tras un inicio relajado del piano, se incorporan el resto de instrumentos, aumentando la intensidad y enriqueciendo  las posibilidades rítmicas y de improvisación. 

Le sigue el tema que da título al álbum,”Ocell”, una composición  que Harper interpreta en sus actuaciones en directo. Harper afirma: “Pájaro es un tema especial, ya que probablemente es uno de los temas más sencillos que he escrito nunca, pero que siempre que lo he tocado ha creado una atmósfera de conexión íntima entre los músicos y con el público”. La toma que se escucha en el disco fue la tercera toma en la que Ocón  hace una introducción, que resultó ser muy personal y especial. Un bonito y delicado tema.

El título de la siguiente pieza, “Viatger”, sugiere un viaje en tren, que nos hace movernos y disfrutar del viaje en cuestión. Un cambio de registro respecto a lo escuchado hasta ahora.

“L'Hort d'en Sergi”, fue el primer sencillo del álbum. Composición con sonido a jazz del norte de Europa. La composición que habla sobre las relaciones entre personas y los lugares que se frecuentan. Harper la compuso para un amigo y el huerto donde se reunían  muchos amigos, algunos de ellos músicos, para chalar y cenar. Los coros corresponden a amigas que visitaban el huerto. Cada una de ellas grabó la melodía y unas pequeñas improvisaciones desde sus casas. El resultado es una bonita canción llena de nostalgia y amistad.

Zibulski inicia con un solo el tema titulado “Intrepid” al que se une la trompeta y el resto del grupo. Un tema lleno de ritmo.

“Dunes” comienza con Ocón a la trompeta, para desarrollar posteriormente la melodía aflamencada junto a sus compañeros. Un bonito tema de sabor folclórico, con diferentes momentos de gran profundidad espacial con sutiles atmósferas, que transmiten tranquilidad y meditación. Gran interpretación de conjunto.

En “Colors” canta Aura Marí, que también participó en los coros de “L'Hort d'en Sergi”.  Harper ya grabó un disco con  Aura Mari,  “Instants” (2022) y están preparando otro.

“Espiral” es un tema con mucho groove y blusero, donde brilla especialmente Zibulski con la batería, sin olvidar la labor de Kind al contrabajo y el diálogo que mantienen  trompeta y piano.

El disco cierra con “Artesà”, otro tema tranquilo que incita a la meditación y al recuerdo. 

Un disco interesante de un grupo interesante.

La Habitación del Jazz

 

CLAUDIO SCOLARI PROJECT CD: Bloom

 

Pistas

1.New Ground 2.Velvet Currents 3.Unfolded Silence 4.Bloom 5.Broken Thumb 6.Floating in the Dark 7.Twilight Serenade 8.Acid Roots 9.Whispers of Life

Intérpretes

Claudio Scolari – batería set 1, programación sintetizadores

Daniele Cavalca – batería set 2, sintetizadores, Rhodes, piano

Simone Scolari – trompeta

Ilaria Cavalca - piano, voz

Michele Cavalca –bajo eléctrico

 

Sello discográfico: Principal Records  

Grabado en The Vox Recording Studio, diciembre de 2024

Fecha de publicación: 18 de abril de2025

 

El baterista, compositor y profesor de conservatorio, Claudio Scolari (Reggio Emilia, Italia) se diplomó en instrumentos de percusión y timbales en la Facultad de música A.Boito de Parma. Su carrera artística se ha desarrollado en dos áreas diferenciadas: música clásica y contemporánea y música de jazz de vanguardia. Ha tocado con orquestas tan prestigiosas como la Scala Philarmonic Orchestra de Milán, The RAI National Simphonic Orchestra de Turín, la Orquesta Filarmónica de Toscanini, la orquesta del teatro La Fenice de Venecia, la orquesta del Teatro Arena de Verona y la Orquesta Filarmónica Europea entre otras.

Entre otros eventos, participó en el concierto celebrado en Roma en honor al Papa Juan Pablo II;  en el concierto para celebrar el cumpleaños de Luciano Pavarotti realizado en Montecarlo y en las ediciones Pavarotti & Friends de 1999, 2000, 2002 y 2003, donde conoció al baterista estadounidense Steve Gadd.

En música contemporánea ha participado en los siguientes conjuntos: CARME (Sociedad Italiana de Música de Cámara) “Gruppo Musica Insieme di Cremona”, I Virtuosi Italiani, Ensemble Edgard Varèse.

Es el fundador del proyecto denominado  Claudio Scolari Project, que empezó su andadura en 2019. En La Habitación del Jazz  se han publicado reseñas de cinco de sus álbumes: Cosmology, Don't Know, Intermission, Landskapa y Opera

El nuevo trabajo de Claudio Scolari Project lleva por título “Bloom”. El núcleo del cuarteto sigue siendo el baterista Claudio Scolari (también se encarga de la programación de los sintetizadores)  y  Daniele Cavalca, quien se encarga de los teclados, una segunda batería, los sintetizadores, Rhodes y  piano; el hijo de Claudio, Simone Scolari, toca la trompeta y el hermano de Daniele, Michele Cavalca, toca el bajo eléctrico. Nueve composiciones de Claudio Scolari y Daniele Cavalca ricas en instrumentación que se ven aún más enriquecidas con la incorporación de Ilaria Cavalca con nuevas líneas de piano y su voz, aportando nuevas texturas al sonido del grupo , ya de por sí, evolucionado. 

Piezas rebosantes de ritmo, con ese sonido característico  de la batería, algo metalizado y la trompeta con claro sonido a Miles Davis en su etapa electrónica.

El Claudio Scolari Project es un cuarteto con una madurez contrastada, donde la conexión entre sus integrantes es total, de modo que el diálogo entre instrumentos es constante, apoyándose unos a otros

Jazz moderno, original, incluso experimental,  donde el jazz, el funky, el pop, el rock, la vanguardia y el  free jazz se dan la mano,  y todo ello bañado de audaz improvisación.

 

La Habitación del Jazz

JOSEPH SANTA MARIA & DAVID TRANCHINA CD: Oblique Rhyme

 

Pistas

1.War Crimes 2.Hiden Lake 3.Mood of Mind 4.Sum Thymes 5.Prism 6.Ambient Ambiance 7.This Must Be for You 8.Charicature 9.Picking Up The Pieces

 

Intérpretes

Joe Santa Maria – saxo alto, saxo tenor, saxo soprano  

Gary Fukushima - piano, Fender Rhodes, Yamaha CS01

David Tranchina – contrabajo  

Colin Woodford – batería

 

Sello discográfico: Orenda Records

Fecha de publicación: 14de abril de 2025

 

Nacido en Austin, Texas, Joe Santa Maria ha viajado por el mundo tocando en conjuntos de jazz y en proyectos de estudio. Influenciado por figuras como John Coltrane, Jimi Hendrix, Joe Henderson y otros, su saxofón retoma la esencia del jazz de los años 50 y 60, añadiendo un toque moderno al incorporar sus propias influencias temporales. Como compositor, ha demostrado inspirarse en diversos géneros y combinar formas tanto del jazz tradicional como de la música experimental, componiendo no solo para conjuntos de jazz, sino también música orquestal minimalista y para conjuntos de metales.

Las influencias de Santa Maria abarcan desde el jazz hasta la electrónica, pasando por el kroncong javanés, la música de conjunto mbira y todos los estilos intermedios. Estas diversas influencias lo han convertido en una figura musical impredecible y con gran conocimiento tanto en el saxofón como en la composición. Su polifacética visión musical lo ha llevado a colaborar con numerosas bandas artísticas. Santa Maria ha grabado recientemente y realizado una gira con la banda de rock británica Django Django.También toca con la "Babaorchestra" de Lauren Baba, que incluye a muchos de los jóvenes improvisadores más destacados de Los Ángeles.

Ha colaborado con artistas como Joey Sellers, Vinny Golia, Kim Richmond, Roy McCurdy, Joe LaBarbera, Bill Holman, Ron King, Ron Stout y otros.

David Tranchina es un bajista, compositor y educador originario de Forestville, California. Comenzó a tocar el bajo a los 13 años, de forma autodidacta hasta que comenzó a estudiar con el virtuoso del bajo clásico Barry Green en la Universidad de California en Santa Cruz, donde obtuvo su Licenciatura en Música. En 2006 se mudó a Los Ángeles para asistir a Calarts, donde estudió con Charlie Haden y Darek Oles, y obtuvo su maestría en Interpretación de Jazz en 2008. Otras influencias y mentores son Larry Koonse, Joe LaBarbera, Vinny Golia, Wadada Leo Smith, David Roitstein y Alfred Ladzekpo.

Ha actuado con Bennie Maupin, Patrice Rushen, Bob Mintzer, Chuck Manning, Gary Foster, Gary Fukushima, Kendall Kay, Nate Wood, Bobby Watson, Butch Morris, William Winant, Smith Dobson, Vinny Golia, Larry Koonse y Joe LaBarbera entre otros. Además, cuenta con una amplia experiencia en estudio, grabando numerosos álbumes en algunos de los mejores estudios de Los Ángeles. También es miembro habitual de numerosas bandas (Slumgum, Frack, Oven Fresh, American Primitive, Tears of the Moose Chaser, Mahadev, Mike Barone Big Band, Jon Armstrong Big Band, Trevor Anderies Group..)

A Tranchina también le apasiona componer. Ha compuesto música para conjuntos de jazz y de cámara, y ha escrito música para películas de animación y documentales.

Aunque el saxofonista Santa Maria y Tranchina son los impulsores principales del álbum que acaban de publicar, “Oblique Rhyme” es un proyecto que incluye al pianista Gary  Fukushima y al baterista Colin Woodford.

Fukushima ha tocado con grandes figuras del jazz, como Mike Stern, Ndugu Chancler, Walter Smith III, Anthony Wilson y Jeff Clayton, y también es un prestigioso periodista de jazz y profesor en varias universidades del sur de California.

Por su parte, Woodford recibió el Premio a la Interpretación Destacada de la revista Downbeat y ha escrito para una amplia gama de conjuntos, desde cuartetos de cuerda hasta big bands y saxofón solista.

Los cuatro son viejos amigos que llevan muchos años tocando juntos en diferentes grupos. Tras muchas conversaciones sobre sus filosofías y enfoques musicales, finalmente decidieron grabar un álbum juntos. Tranchina comenta: “Nos propusimos crear algo hermoso y único para “Oblique Rhyme”. Todos somos músicos polifacéticos que hemos tocado en una amplia variedad de estilos y tenemos diferentes perspectivas de la música, pero todo se integra a la perfección cuando tocamos juntos”. Santa Maria añade: “No nos interesa simplemente presumir de nuestras habilidades. Cuando escuchas a los grandes artistas del jazz, aunque son técnicamente brillantes, es su musicalidad y sentimiento lo que expresa algo más profundo y personal. Eso es lo que buscábamos para este álbum”.

El disco contiene nueve composiciones originales.

Comienza con la composición de Santa Maria “War Crimes”. Santa Maria comenta: “Me gusta capturar mis elementos favoritos de la música de Ornette Coleman y quería darle un toque funk moderno y angular a esta pieza. Creo que tiene mucho color, aunque armónicamente es un poco ambigua. Cambié fragmentos en escala menor para crear una textura agitada”. El título de la composición refleja el estado actual del mundo.

Un tema vanguardista, en el buen sentido de la palabra. El denominador común de todos los proyectos en los que participa Franchina es su singularidad, ofreciendo algo nuevo y original. Aquí lo demuestra una vez más. Y qué decir de Woodford y del solo de Fukushima. Un inicio de disco realmente contundente. 

Tras este inicio tan estimulante llega la balada de Tranchina, "Hidden Lake". La canción es mucho más tranquila. No obstante Santa Maria, al soprano, hace un potente solo dulcificado por el solo del piano. El título es un homenaje a la calle donde creció en Forestville, condado de Sonoma, aparentemente un conocido enclave hippie. Tranchina lo recuerda: “Cuando estaba en la preparatoria, no había mucho que hacer allí, así que solíamos sentarnos a la orilla del río Ruso. Quería despojarme de toda la complejidad y llegar a la esencia de lo que amaba del lugar”.

Le sigue otra pieza suave de Santa Maria, "Mood of Mind", que forma parte de una serie de composiciones que él llama "canciones de campamento", un grupo de piezas escritas para reflejar su amor por la naturaleza. La canción transmite un ambiente relajado (aunque Santa Maria siempre añade un toque agresivo en sus solos), lejos de la gran ciudad. Un paseo por el campo lo cura todo y si se acompaña con esta música, ¿para qué queremos más?

Fukushima escribió "Sum Thymes" para este álbum y este grupo específico de músicos. Una pieza abstracta, quizás la más abstracta del álbum,  que da vía libre a la improvisación. Texturas complejas canalizadas de forma natural y melódica.

"Prism" es otra de las “canciones de campamento” de Santa Maria. Una composición con ritmos cambiantes donde destaca su parte central.

La pieza de mayor duración es "Ambient Ambiance". Tranchina la escribió como parte de un reto que un amigo publicó en línea. El ejercicio consistía en escribir una canción cada día durante un mes.

Fukushima emplea la electrónica, creando sonidos evocadores con su sintetizador, y el  Rhodes como solista principal, junto con Santa Maria improvisando con el soprano. Un tema que engancha  con su atmósfera surrealista. Algo diferente a lo escuchado hasta ahora,  pero que encaja perfectamente en el contexto del disco.

La única composición de Woodford en este trabajo es “This Must Be for You”, dedicada a Herbie Hancock. Relajación, meditación, la pieza nos traslada a un ambiente de club nocturno con una copa en la mano y la mente lejos de allí.

La cuarta composición de Santa Maria es "Charicature" de la que dice: “La composición trata sobre ir a una feria y que alguien te dibuje algo que no se parece en nada a ti, o que exponga rasgos tuyos que ni siquiera percibes. Se supone que debe entretener a los demás y quizás avergonzarte un poco. Quería capturar esa sensación”. Santa Maria con el saxo alto evoca a Coleman. Otra interesante pieza.

El disco cierra con otra composición de Tranchina,  "Picking Up the Pieces" de la que Santa Maria dice: “Para mí, la canción tiene muchos elementos clásicos. Me recuerda a una composición de Wayne Shorter. Es una gran canción para el tenor porque me permite intentar capturar el sonido clásico del tenor”. Un fantástico cierre  vanguardista y blusero. El diálogo del tenor y el piano, secundados por el contrabajo y batería son excelentes.

“Oblique Rhyme” es un álbum lleno de inspiración y excelente jazz y excelente interpretación. Las composiciones son impactantes, profundas y seductoras. Una experiencia auditiva emocionante y sensual.   

Un disco a escuchar repetidas veces.

La Habitación del Jazz 

Antti Lähdesmäki CD: We Tend To HelpEach Other Out Here

 

Pistas

1.I have a fire that never burns out 2.Lintukoto pt.1 (A world of frozen forests) 3.Femton grader (Fifteen degrees Celsius) 4.Rain is the most violent scream of them all 5.Everyone we love exists in us 6.Morgondagg 7.A lonely cricket in an August night, Pt. 1 8.Lintukoto, Pt. 2 (A world of purple mist) 9.U3 – Das Boot 10.You cannot swim under water forever 11.After the rain 12.A lonely cricket in an August night, Pt. 2 13.We exist in everyone we love

 

Intérpretes

Antti Lähdesmäki – piano

 

Fecha de publicación: 16 de mayo de 2025

 

Antti Lähdesmäki es un pianista, compositor y multiinstrumentista finlandés que trabaja internacionalmente en diversos géneros y estilos. Tras completar un máster con estudios en las academias de música de Gotemburgo, Copenhague y Oslo, está profundamente arraigado en la escena nórdica del jazz y la improvisación.

Ha realizado giras por Brasil como director de banda, tocando con algunos de los músicos más eminentes de ese estilo, como Ajuriña Zwarg; ha participado como artista invitado en el Granada Impro Fest y ha realizado residencias en África Occidental.

Por otro lado, su forma de tocar se puede escuchar en álbumes que abarcan desde el indie pop hasta el thrash metal.

Como compositor, su música ha sido comisionada por múltiples big bands como la Sointi Jazz Orchestra, y ha sido finalista del Concurso Internacional de Composición de Helsinki.

Lähdesmäki ha publicado un nuevo disco titulado “We tend to help each other out here”, su álbum debut a piano solo. Un trabajo que consiste en improvisaciones y composiciones grabadas en diferentes espacios de Escandinavia a lo largo de su vida seminómada de los últimos años.

Lähdesmäki afirma: “Para mí, tocar música siempre ha sido divertirse, y lo que me divierte es la diversidad. Siempre me han atraído las expresiones musicales energéticas y vanguardistas. Por eso, me sorprendí con este álbum: poder tocar lo que quisiera y como quisiera; las notas que surgían eran tranquilas y contemplativas”. Y continua: “Este álbum nació de mis experiencias y viajes como nómada nórdico. Durante los últimos seis años he vivido y trabajado por toda Fennoscandia, conociendo gente, sintiendo y descubriendo las sutiles diferencias entre las naciones, culturas, idiomas y dialectos de la zona que considero mi hogar. A lo largo de ese proceso, encontré habitaciones y pianos para tocar, reflejando todos los diferentes aspectos de lo que el Norte representa para mí”.

Cada tema es un reflejo del lugar. Se grabó allí mismo con el piano del que disponía, solventando las imperfecciones de algunos de ellos.

El disco abre con “I Have a Fire That Never Burns Out”, canción Inspirada en su libro favorito de todos los tiempos, "Moominvalley in November" de Tove Jansson. Una pieza minimalista, introspectiva de una belleza contenida.

“Lintukoto, Pt. 1” se inspira en la mitología finlandesa: el hogar de las aves, un lugar tranquilo y dichoso donde vuelan durante el invierno y a donde van las almas tras la muerte para renovarse. El minimalismo sigue presente. “Un ave acuática puso una vez un huevo que se convirtió en el mundo: el hogar de mis antepasados, el mundo de bosques y lagos helados”, escribió Lähdesmäki.

 “Femton grader (Fifteen degrees Celsius)” cambia el registro lírico mostrado hasta ahora. La canción trata sobre un hombre en Suecia que se desnuda y se sumerge en un lago frío, gritando la temperatura del agua como si fuera parte de un ritual local. Transmite ese momento con gran lucidez, no exento de cierto humor.

“Rain is the most violent scream of them all” fue escrita durante un invierno sin nieve en Finlandia, cuando la lluvia calaba hasta los huesos y la oscuridad se apoderó de todo. De nuevo Lähdesmäki  lo describe a la perfección. Una pieza fría, machacona como la propia lluvia. “Hay una tecla en este piano de cola que grita de dolor” escribió.

“Everyone we love exists in us” es una intensa pieza de corte clásico contemporáneo cargada de emoción.  

Le sigue “Morgondagg”, una curiosa composición donde unos acordes se repiten una y otra vez, intercalados con silencios. Es como si estuviera comprobando la bondad del piano que tiene en sus manos. 

En “A lonely cricket in an August night, Pt. 1” los silencios tienen tanta importancia como las notas del piano. Rodeado de quietud y sosiego, todo ello reflejado en las manos de Lähdesmäki. ¿Hay alguien ahí fuera?

“Lintukoto, Pt. 2 (A world of purple mist)” de menor duración que”Lintukoto Pt.1 (A world of frozen forests) “pero con mayor riqueza expresiva.

“U3 – Das Boot” es una composición profunda, en sus notas y en sus planteamientos, de fuerte sabor clásico contemporáneo e improvisación.

“You cannot swim under water forever” nos sumerge  en el agua, cristalina y fría, sin duda estimulante como las notas del piano. 

En “After the rain” vuelven los silencios y las notas justas, ni una más, ni una menos. El frescor y la calma tras la lluvia junto a ese olor característico a campo mojado.  

De “A lonely cricket in an August night, Pt. 2” podríamos decir lo ya expresado en “A lonely cricket in an August night, Pt. 1”.

El disco cierra con “We exist in everyone we love” cuyo comienzo solemne nos hace levitar y rememorar momentos pasados que dejaron huella. Racimos de notas bellamente enlazadas e interpretadas. Incluso con matices aflamencados en un momento dado.

“We tend to help each other out here” es un álbum muy bonito, lírico, contemplativo y lleno de sentimiento y expresividad contenida.

 

La Habitación del Jazz

 

DatziraGrain CD: Trad Arbo Serie 1

 

Pistas

1.Trad Arbo 2.Trad Arbo I 3.Trad Arbo II 4.Trad Arbo III 5.Trad Arbo IV 6.Trad Arbo V 7.Trad Arbo VI 8.Trad Arbo VII 9.Trad Arbo VIII 10.Trad Arbo IX 11.Trad Arbo X 12.Trad Arbo XI 13.Trad Arbo XII 14.Trad Arbo XIII

 

Intérpretes

Iscle Datzira – saxos, electrónica

 

Sello discográfico: Seguell Microscopi

Grabado en Barcelona (España) durante el invierno de2025

Fecha de publicación: 22 de marzo de 2025

 

DatziraGrain es la evolución musical de Iscle Datzira,  donde introduce nuevas texturas y enfoques sonoros diferentes a los que nos tiene acostumbrados el compositor de jazz.

Datzira ha estudiado en el Liceu de Barcelona, el Conservatorio de Ámsterdam y el Music’Halle de Toulouse. Ha tocado en distintos festivales de jazz con grupos como Andrea Motis & Joan Chamorro, Miles Davis Tribute Big Band, Sant Andreu Jazz Band o Félix Rossy Quintet, entre otros. Fue semifinalista del concurso de composición Maurice Ravel 2015-16 en la categoría World Peace y seleccionado por la Fundación SGAE para la publicación de discos 2018-19.

La trayectoria de Datzira como compositor y multiinstrumentista es ecléctica y  abarca desde la música clásica hasta la experimentación sonora. Con DatziraGrain continúa explorando nuevas dimensiones musicales y ofreciendo una nueva perspectiva en el mundo de la composición.

Utilizando saxos afinados a 432Hz junto a una caja de ritmos analógica de los años 80, crea una textura sonora expansiva.

“Trad Arbo” se compone de 14 canciones que parten de un mismo acorde, lo que permite que se puedan enlazar entre sí de múltiples formas. En la versión física de este álbum, cada pieza se repite tres veces: los dos primeros presentan el tema con los beatos, mientras que el tercero introduce un solo improvisado. En la versión digital, sólo encontraremos los temas con la parte de los solo improvisados.

Entre la creación de los temas, durante el otoño de 2014 en Amsterdam, y su grabación y producción, en invierno de 2025 en Barcelona, han pasado 10 años. Para la grabación se han utilizado efectos sonoros tanto analógicos como digitales, incluyendo delays, reverbs, flangers, chorus, harmonizers, filters, dual gate, doublers, distorsiones, vocoders y octavadores, entre otros. Algunos han sido grabados en directo, mientras que otros se han aplicado en postproducción, contribuyendo al carácter experimental del disco.

El disco tiene una duración de algo más de catorce minutos, pero dadas sus características nos parece suficiente.

 

La Habitación del Jazz

ELLIE MARTIN CD: Morning Glories

 

Pistas

1.Love and Light 2.Spring's Around the Corner 3.Little Flowers in Bloom  4.Shattered Shadow 5.Asking Us to Change 6.Morning Glories 7.Pays De Desir (Intro) 8.Pays De Desir 9.Unraveling 10.Woman in the Frame 11.Lonely in a Crowd 12.Dancer in the Dark 13.Everything Must Come Down

 

Intérpretes

Ellie Martin – voz, coros

Andrew Bishop – saxo (1,4,5,11,12)

Ben Wolkins – trompeta (5)

Keith Ganz – guitarra (6,8,10)

Peter Eldridge – piano, coros (9)

Kurt Krahnke – contrabajo

Olman Piedra – batería, percusión

Rob Avsharian – percusión, batería (10,13)

 

Grabado en Stone Soup Recording Studios 

Fecha de publicación: 11 de mayo de 2025

 

Ellie Martin es una vocalista, compositora, educadora y académica de estudios de jazz. Nació en Florida, pero pasó su infancia en Portland, Oregón. En los 90, su familia se mudó a Toledo cuando su madre consiguió trabajo en la Universidad de esa ciudad. Martin es profesora de jazz vocal en la Universidad de Toledo, Ohio, así como en la Escuela de Artes de la misma ciudad. Desde temprana edad, Martin tuvo un profundo interés por el jazz. En 2008 completó su licenciatura en canto en la Universidad McGill en Montreal, Canadá. Mientras estuvo en la universidad trabajó en estrecha colaboración con el legendario letrista, vocalista y distinguido profesor de Jazz, Jon Hendricks, y escribió su tesis de maestría sobre sus primeros años de vida y la formación de Lambert, Hendricks & Ross. Fue la vocalista destacada de la Orquesta Árabe Nacional en San Antonio, Texas, y actuó junto a  Geri Allen, Terri Lynne Carrington, Esperanza Spalding, New York Voices, Jon Hendricks y Afro Blue.

También estudió y actuó regularmente con el legendario pianista de Detroit, Claude Black, y el bajista Clifford Murphy. En 2016, obtuvo su doctorado en Estudios de Jazz de la Universidad de Pittsburgh, donde estudió con el Dr. Nathan Davis y Geri Allen. Ha dado varias conferencias nacionales e internacionales sobre la historiografía del jazz vocal, que van desde temas de improvisación, intersecciones entre voz e instrumento, vocalese y la formación de grupos de jazz vocal.

Las circunstancias de la vida, específicamente confrontar y vencer el cáncer, le hicieron sentir que el tiempo era esencial y decidió publicar en 2023 “Verdant”, su álbum debut.

Martin Interpreta desde música brasileña, American Songbook y bebop, hasta composiciones originales.

Acaba de publicar su segundo álbum titulado “Morning Glories”  un trabajo que profundiza en temas de familia, maternidad, naturaleza y nuestro paso por la vida.

Al igual que en su álbum anterior, ”Verdant”, Kurt  Krahnke (Joe Henderson, Sonny Fortune y Leon Thomas…) toca el contrabajo  y el esposo de Martin, Olman Piedra la batería y percusión al que sustituye Rob Avsharian en dos  temas, grabados mientras Piedra se encontraba de gira. También repiten Peter Eldridge al piano y voz, Keith Ganz a la guitarra, Andrew Bishop en esta ocasión al saxo y Ben Wolkins a la trompeta.

Martin afirma: “Morning Glories es un álbum que captura mi experiencia como madre: su belleza, su caos y su profundo amor. Cada canción refleja diferentes facetas de mi experiencia, desde el agotamiento absoluto de aquellos primeros días (que inspiró la canción Shattered Snow) hasta la inesperada fuerza que encontré en la vulnerabilidad (la canción principal, Morning Glories)”.

 “Love and Light” es el tema que abre el disco. Una composición de jazz brasileño, alegre y llena de ternura, que nos describe imágenes de sus hijos jugando libremente bajo la lluvia. El amor de una madre por sus hijos y por la vida. 

“Spring's Around the Corner” es un canto a la primavera, esa maravillosa estación del año que simboliza el renacimiento, como el que experimentan los nuevos padres. Canción con swing donde Martin muestra sus habilidades con el scat. Uno de los cortes del álbum con más carácter jazzístico. Martin compuso la canción como homenaje a Blossom Dearie, y en concreto a su canción  "They Say It's Spring".

"Little Flowers in Bloom" un homenaje al compositor y poeta Gabriel Kahane y su clásico álbum de 2018, “Book of Travelers”. Una bonita y emotiva melodía que fluye entre el pop y un elegante jazz.

"Shattered Shadow" está dedicada a esas madres con falta de sueño al tener que simultanear el trabajo y el cuidado de  sus hijos.

"Asking Us to Change" cuenta con la única participación en el disco del trompetista Ben Wolkins. Un tema rítmico que suplica a la generación actual que proteja el medio ambiente, tanto para nosotros como para nuestros hijos.

Le sigue la canción que da título al disco, "Morning Glories", una bonita balada, de nuevo más cercana al pop que al jazz. Primera intervención de Keith Gantz con la guitarra.

Martin asistió a una escuela de inmersión francesa durante cuatro años como parte de su educación primaria y luego habló francés cuando era estudiante universitaria en Montreal. No es de extrañar que en “Pays de Désir”, donde canta en francés, lo haga sin apenas acento.  La canción está dividida en dos partes. La primera refleja la música clásica que Martin cantaba en la Universidad McGill, mientras que la segunda tiene un ritmo afrocaribeño que Martin escuchó por primera vez en una grabación de Cécile McLorin Salvant. La letra está inspirada en las colaboraciones de Kurt Weill y Bertolt Brecht.

Eldridge  pone su voz junto a la de Martin en el tema "Unraveling", una suave y emotiva canción de cuna.

Martin se inspiró para "Woman in the Frame" en el enigmático cuadro “Retrato de Arnolfini y esposa”  pintado en 1434 por el artista holandés Jan van Eyck. Martin se pregunta si estamos retrocediendo a una época que recuerda a la época medieval, donde el valor de una mujer a menudo se define por su capacidad para tener hijos. La percusión corre a cargo de Rob Avsharian.

En "Lonely in a Crowd" se denuncia el problema de muchos adultos que están más pendientes de las redes sociales que de las sencillas y pequeñas cosas cotidianas que son la base de las alegrías de la vida. Un tema en clave de jazz.

"Dancer in the Dark" refleja la relación de Martin con su anciano padre y su deseo de encontrar una conexión más profunda en los años que le quedan. Tras ser madre, Martin tomó realmente conciencia de la brevedad de la vida, con su principio y su inevitable final.

Ese  mismo sentir es el hilo conductor de "Everything Must Come Down", una meditación sobre la mortalidad y la naturaleza finita de la existencia. En esta pieza, Martin imagina el tiempo como un compañero silencioso presente en cada vida, recordándonos que debemos aprovechar todos los momentos del día a día. La percusión de nuevo en manos de Avsharian. Una canción profunda donde brilla Eldridge.

Para crear esta impresionante colección de canciones, Martin colaboró estrechamente con su amigo y mentor, el pianista y vocalista Peter Eldrige.

Martin ha declarado que con este disco quiere que su música conecte con otros padres y artistas que están buscando ese equilibrio entre ambas facetas de la vida, de modo que su creatividad no tiene por qué detenerse, por el contrario puede evolucionar y crecer de maneras increíbles.

Martin vuelve a mostrar su versatilidad interpretativa y su capacidad  narrativa. Con un estilo que transmite honestidad y pasión.

 

La Habitación del Jazz

Anne Efternøler & Lige Børn CD: Brugskunst

 

Pistas

1.Hvor intet ikke høres 2.Hertil og lidt længere 3.Du vokser sidelæns ind i mig 4.Ting vi kunne have fragtet 5.Lene flytter muren med sin Volvo 6.Mellemtidskrig 7.Fynd & Klem 8.All you need is less 9.Chearlie følger efter mig 10.En kortvarig mobilisering af kropslige resourcer 11.Fråds 12.Jeg vil bo der hvor æblerne er sure 13.Født i egen krop 14.Tak for lige nu

Intérpretes

Anne Efternøler - trompeta

Thomas Morgan – contrabajo

Anders Christensen – contrabajo

Richard Andersson – contrabajo

 

Sello discográfico: Hobby Horse Records

Grabado en Hobby Horse Studio, Copenhague, Dinamarca en febrero y agosto de 2024. Pistas 3,5, 9, 10 grabadas en vivo en Dexter, Odense, Dinamarca, en marzo de 2024.

Fecha de publicación: 9 de mayo de 2025

 

 

Tras su álbum debut homónimo en 2022, publicado también en el sello de su esposo Richard Andersson, Hobby Horse Records, nominado a los Premios de la Música Danesa y nombrado uno de los mejores álbumes de jazz del año, la trompetista y compositora danesa Anne Efternøler publica “Brugskunst”.  Un álbum atípico si atendemos a la composición de la formación: trompeta y tres contrabajos, lo que parece un desafío. El trío de contrabajistas está formado por el estadounidense Thomas Morgan (Bill Frisell, Jacob Bro, David Binney , Steve Coleman , Joey Baron , Josh Roseman , Brad Shepik, Steve Cardenas , Timuçin Şahin, Kenny Wollesen, Gerald Cleaver, Adam Rogers, Kenny Werner, Dan Tepfer, Jim Black, John Abercrombie, Masabumi Kikuchi…), el danés Anders "AC" Christensen (Jakob Bro, Jacob Høyer, Tomasz Stanko, Jakob Dinesen,  Laust Sonne, Paul Motian, Tom Harrell , Joe Lovano, Lee Kontiz, Aaron Parks …) y el danés Richard Andersson (Carl Winther,Jeff ‘Tain’ Watts, Oskar Gudjonsson,  Rudi Mahall, Kasper Tranberg, Jerry Bergonzi, Ra-Kalam Bob Moses, Tony Malaby, Bill McHenry…).

Efternøler, durante más de una década de dedicación, se ha forjado  fama como una de las trompetistas e improvisadoras más creativas y emocionantes de la región nórdica actual.

El enfoque que Efternøler da a este trabajo, según ella misma relata: "Vivimos en un mundo de sobrecarga de información, y al componer esta nueva música, quise desafiarme a mí misma para evitar sobrecargar las composiciones con demasiada información". Y lo ha conseguido. El álbum es austero, personal sin paliativos y minimalista (esta es su manera de oponerse a nuestra era de sobrecarga de información) y lo demuestra en el tema titulado "All You Need Is Less".

En las piezas de “Brugskunst”  podemos encontrar raíces folclóricas nórdicas, jazz, clasicismo y mucha improvisación.  

Los espacios sonoros creados por Efternøler son íntimos, profundos, casi privados.

Pero no nos confundamos, eso no implica ausencia de sentido del humor. Por ejemplo el tema “Ting Vi Kunne Have Fragtet” es una irónica respuesta a un crítico  decepcionado por la falta de líneas de bajo tradicionales en su trabajo anterior. Según Efternøler: “¡No me gusta decepcionar a la gente, ¡así que escribí una canción para él!” o en el tema titulado “Lene Flytter Muren Med Sin Volvo!”, representa el sonido de una rueda de coche girando o incluso el corte titulado “Fråds”, con un contrabajo básico.

Las composiciones de Efternøler están cargadas de melancolía, paciencia infinita y lirismo, propias de una vida contemplativa. Curiosamente, hay pasajes en los que se pierde la noción de que el grupo se compone exclusivamente de trompeta y contrabajo.

Efternøler trabaja la improvisación aplicada a la música moderna y/o contemporánea, con un fuerte sabor escandinavo. El sonido de su trompeta de trompeta es etéreo y expresivo, transmisor de emociones y emotividad.

No cabe la menor duda de que este trabajo es innovador, atrevido, transgresor y provocador.

Todo ello da como resultado una música que no es precisamente fácil de escuchar y asimilar pero que engancha.

 

La Habitación del Jazz

 

JOSÉ PÉREZ VARGAS CD: Alienación (eléctrico)

Pistas

1.Alienación 2.4nfibio 3.Hide & seek 4.Pezuña 5.Justicia en Málaga 6.Mentiras verdaderas

 

Intérpretes

Carlos Michelini - saxo alto

Matías Formica - saxo tenor

Lucio Balduini – guitarra

Tobías Brukman – teclado

José Pérez Vargas - bajo eléctrico

René Gatica – batería

 

Sello discográfico: Seguell Microscopi

Grabado entre noviembre de 2023 y agosto de 2024 en estudio Ideo.

Fecha de publicación: 16 de mayo de 2025

 

José Pérez Vargas es un bajista, contrabajista y compositor chileno, nacido en Peralillo y residente en Buenos  Aires, Argentina, donde estudió en la EMPA (escuela de música de Avellaneda) la carrera de intérprete musical en bajo eléctrico especialidad jazz.

Desde pequeño mostró un gran interés por la música, empezando con la batería y la guitarra. Sin embargo, su verdadera pasión por el bajo surgió al ver un vídeo de Led Zeppelin, donde la base rítmica de John Paul Jones le cautivó por completo. Poco después, tuvo la oportunidad de tocar ese instrumento cuando algunas bandas de su pueblo necesitaban un bajista.

Durante su formación, recibió clases de músicos destacados como Guido Martínez, Máximo Rodríguez, Alejandro Herrera y Ariel Goldemberg. Además, recibió formación particular con Carlos Madariaga y participó en diferentes talleres de arreglos musicales.

Su formación musical se consolidó al tomar clases con el experimentado bajista Francisco Madrid y, posteriormente, se trasladó a Valparaíso (Chile) para estudiar música. Allí, tuvo la oportunidad de profundizar en el jazz y rodearse de grandes maestros y músicos, lo que finalmente le llevó a viajar a Buenos Aires.

En 2012 se trasladó a Brasil donde participó en varios proyectos musicales y en 2013  viajó a Berna (Suiza) donde pudo estudiar métricas irregulares en la School Jazz de dicha ciudad y participar de los proyectos del cantante Mirko Gutiérrez y el saxofonista Lukas Shiemer. Volvió a Buenos Aires en 2014 donde formó parte de distintas agrupaciones de jazz y  en 2017 regresó a Berna donde formó parte del quinteto de Ramiro Ventimiglia (baterista italiano que tocó entre otros músicos con Brad Melhdau) y con Lukas Shiemer en Viena. En 2018, formó su propio grupo con el que grabó un álbum titulado 'Revolución Humana', aunque nunca llegó a editarse oficialmente. Ya en diciembre de 2021, grabó su primer disco como solista, 'Kosen-rufu', un trabajo de jazz contemporáneo con composiciones propias.

Su trayectoria musical está marcada por una fuerte influencia del jazz en todas sus vertientes, desde lo más tradicional hasta lo más moderno, así como del rock progresivo de los años setenta y las últimas composiciones de Violeta Parra.

Este “Alienación”,  su último trabajo hasta la fecha, es una crítica a la vida contemporánea: guerras sin sentido (si es que alguna guerra lo tiene), ambición desmedida, la paradoja del aislamiento social y emocional debido a las redes sociales,  alienación parental... 

El tema que da nombre al álbum es el encargado de abrir el disco, “Alienación”.  Se trata de un tema de más de diez minutos de duración, donde Michelini hace una buena interpretación, junto al bajo de Pérez Vargas y la batería de Gatica. Una crítica a la música actual, con su repetición de acordes, en muchas ocasiones simples, y con voces enlatadas faltas de toda personalidad.

Le sigue “4nfibio”, con el saxo tenor Formica, secundado por el bajo y los teclados de Brukman. 

El corte de mayor duración, “Hide & Seek”, está comandado por Pérez Vargas, ofreciéndonos un jazz más alejado del clasicismo y más cercano al pop electrónico.   

“Pezuña” tiene la misma estructura que el anterior tema, destacando los solos de saxos que aportan algo de fuerza a la canción.

“Justicia en Málaga” comienza con un potente  riff del bajo, que da paso a la guitarra y sucesivamente al resto de integrantes.

El tema que cierra el disco, “Mentiras verdaderas”, mezcla la copla con el folclore del otro lado del Atlántico. 

Existe otra versión del álbum, con el mismo título pero con el apellido de “acústico”, donde Pérez Vargas toca el contrabajo en lugar del bajo eléctrico.

 

La Habitación del Jazz

LANDAEUS TRIO CD: Resilience

 

Pistas

1.Glömska av bly 2.Simple Math 3.Resilience 4.Love Is Stronger Than Pride 5.Greed Ruined It For Everyone 6.Skiss till Bobo 7.Start And Stop, Stop And Start 8.Rising From The Top 9.Blipful 10.Mother Earth Is All We Need 11.Clubs And Diamonds 12.Trust 13.The Dark Tree (bonus track)

 

Intérpretes

Mathias Landæus – piano, melódica Suzuki (2,5), Fender Rhodes (10)

Johnny Åman – contrabajo

Cornelia Nilsson – batería

 

Sello discográfico: SFÄR Records

Grabado el 25 de noviembre de 2023 y el 7 de noviembre de 2024 en The Village Recording, Copenague (Dinamarca)

Fecha de publicación: 9 de mayo de 2025

 

Activo en la escena internacional durante tres décadas y con más de 20 álbumes en su haber, el pianista sueco Mathias Landæus presenta “Resilience”, en trío con la baterista Cornelia Nilsson  y el contrabajista Johnny Åman.

Mathias Landæus nació en Suecia. Vivió en Nueva York en los años 1990, donde estudió con Jaki Byard y Richie Beirach, entre otros. Tras regresar a Suecia se convirtió en uno de los pesos pesados de la escena del jazz de Estocolmo. Ha sido miembro de la banda de la cantante Lina Nyberg, Sonic Mechatronik Arkestra, Norrbotten Big Band y de sus propias bandas Reunion y Mathias Landaeus House of Approximation. Ha realizado discos en solitario, con su propio trío y con otros grupos. Fundó el Glenn Miller Café y el Club Underground de Estocolmo  donde invitaba a tocar a jóvenes músicos. También ha tocado, entre otros, con Benny Golson, Jonas Kullhammar, Magnus Lindgren y Tim Hagans. Recientemente ha iniciado la red de músicos "Jazz por la justicia climática". Artista inquieto que gusta de explorar nuevos horizontes ha lanzado más de veinte álbumes como líder.

La baterista de jazz  Ana Lovisa Cornelia Nilsson nació en Suecia. Comenzó a tocar la batería a la edad de siete años. Su interés por la música jazz se despertó cuando, siendo adolescente, visitó el club de jazz Underground y analizó la forma de tocar de los bateristas allí. Se preparó para sus estudios en la Folkhögskola de Skurup, que completó en la Universidad de Teatro y Música de Gotemburgo. También recibió lecciones de Louis Hayes .

Vive en Copenhague y ha tocado con Tim Hagans, Kenny Barron, Tomas Franck y Mikael Godée, entre otros. Es miembro del trío Mathias Landæus y del Open Thomas Markusson, entre otros. Recibió el Jazzpris del fondo de becas Bengt Säve-Söderbergh en 2019. En 2020 recibió el premio Ronnie Gardiner's Swedish Drummer Demering Wider Recognition y el premio al baterista bien dotado de la asociación Jazz in Alingså. En 2024 fue galardonada con el premio Ben Webster.

El contrabajista Johnny Åman nació en la pequeña ciudad de Nykarleby, en la costa oeste de Finlandia. En 2005 se mudó a Suecia para estudiar música en la Academia de Música de Malmö y en mayo de 2010 se graduó con un máster. Hoy en día, es uno de los bajistas más activos de Suecia. Es miembro de Triple Bass Fantasy de Cennet Jönsson. Ha tocado junto a Jerry Bergonzi, Dave Liebman, Marcus Strickland, Tony Malaby, George Garzone, Phil Grenadier, Peter Epstein, Gerard Precenser, Tomas Franck, Marcelo Coelho, Mathias Landaeus, Daniel Fredriksson, Carl Winther, Anders Mogensen, Anders Bergcrantz, Martin Küchen, Fredrik Kronkvist, Lisbeth Diers, Chico Lindvall, Peter Nilsson y muchos más.

De Mathias Landaeus hemos reseñado tres álbumes anteriormente en La Habitación del Jazz: Spirit (2023), Path (2024) y Dissolving Patterns (2025).Con este  “Resilience “,  ya son cuatro.

En las notas del álbum, Landæus dedica el disco a los luchadores por la libertad de todo el mundo.

Junto a Landaeus, están la premiada baterista Cornelia Nilsson y el cotizado bajista Johnny Åman, unos acompañantes ideales para interpretar la música de Landaeus. Una música que se mueve entre lo tradicional y la vanguardia, junto a la música clásica europea.

Como dice el propio Landæus: “La música improvisada es una actividad profundamente humana. La capacidad de conectar, de despertar la mente, es algo que la humanidad necesita cultivar en tiempos como estos” Y añade: “Al menos, así es como justifico mi mayor alegría en la vida: tocar con Cornelia y Johnny”.

Lo enigmático se hace presente en el tema que abre el disco "Glömska av bly" un guiño a Paul Bley. Los tres músicos entablan un diálogo casi intelectual, profundo y que engancha al oyente desde su inicio.  

“Simple Math” es un tema corto, que transmite cierto humor (sobre todo cuando Landaeus toca la melódica), pero que no deja indiferente. Extraordinario sentido del ritmo.

La canción que da título al disco, “Resilience”, sigue la línea argumental mostrada hasta ahora. El jazz clásico se entrelaza con un jazz moderno y experimental.

El trío continua con una preciosa versión de la no menos preciosa canción de Sade, "Love is Stronger Than Pride". Cómo disfrutamos cuando se adapta con calidad al jazz,   una buena canción proveniente de otros estilos musicales, en esta ocasión del pop.

En “Greed Ruined It For Everyone” Landaeus toca por segunda y  última vez en el álbum la melódica y de nuevo aparece ese sonido despreocupado y divertido. El ritmo lo inunda todo.   

La introspectiva “Skiss till Bobo” inspirada en la obra de  Bobo Stensson, nos sumerge en un mundo lírico y de gran belleza.

“Start And Stop, Stop And Start” es un tema de corta duración que hace honor al título. ¿Quién dijo que esto era música de fácil acceso?

La balada vuelve en “Rising From The Top”, pero cuidado, no te relajes, la balada se convierte en un tema con un swing desbordante, de complejos paisajes.

El breve y enérgico “Blipful” suena a Monk, la libertad expresiva a tope. Lo experimental surge a borbotones.

El trío se sumerge en una canción llena de mensaje, “Mother Earth Is All We Need” un tema de jazz pop, acentuado por el sonido del Fender Rhgodes  pero que en manos de este trío transita por espacios inesperados.

“Clubs And Diamonds” un alegre tema que de nuevo nos recuerda a Monk y suena a jazz de club. El impulso de Åman y Nilsson en este y el resto de los temas del álbum, es fundamental.

Otra balada, “Trust”, al más puro estilo inmortal y clásico trío de piano, con esos peculiares toques firma de Landaeus. 

El disco cierra con un bonus, “The Dark Tree” una canción compuesta por el pianista favorito de Landaeus, Horace Tapscott.

Mathias Landaeus vuelve a dar en la diana con este trabajo. Sus composiciones transitan de lo sencillo a lo más intrincado, sumergiendo al oyente en un mundo sonoro impredecible y rico en matices.   

Desde un punto de vista interpretativo, los tres componentes del trío están sobresalientes, demostrando una interacción total.

Una vez termina el  álbum, uno siente la necesidad de volver a escucharlo, para saborear y disfrutar de todo lo que contiene, que es mucho. 

 

La Habitación del Jazz