PAUL MARINARO CD: Mood Ellington

 

Pistas

Disco Uno

Set uno

1. I'm Beginning to See the Light 2. A Flower Is a Lovesome Thing 3. I'm Just a Lucky So and So 4. Love You Madly 5. Sophisticated Lady 6. Like the Sunrise 7. Just Squeeze Me 8. It Shouldn't Happen to a Dream 9. In a Mellow Tone

Set dos

10. Mood Indigo 11. Azure 12. Don't You Know I Care (or Don't You Care to Know) 13. Got It Bad (and That Ain't Good) 14. (In My) Solitude 15. All Too Soon 16. Lush Life 17. (I Want) Something to Live For

Disco Dos

Set tres

1. Don't Get Around Much Anymore 2. Take Love Easy 3. Day Dream 4. I Ain't Got Nothin' but the Blues 5. Caravan 6. I Didn't Know About You 7. In a Sentimental Mood 8. Do Nothing Till You Hear from Me

Intérpretes

Paul Marinaro - voz

Tom Vaitsas - piano

Mike Allemana - guitarra

John Tate - contrabajo

Neil Hemphill - batería

Rich Moore - saxo alto, clarinete, flauta

John Woiciechowski - saxo tenor y soprano, flauta

Ted Hogarth - saxo baritono, clarinete bajo

Eric Jacobson – trompeta, flugelhorn

Raphael Crawford - trombón

Violines

Lisa Fako (concertino), Eleanor Bartsch, Stephen Boe, Chuck Bontrager, Christina Buciu, Kathleen Carter, Karl Davies, Wendy Evans, Elizabeth Huffman, Carmen Kassinger, Kathryn Siegel, Jeff Yang

Sello discográfico: Origin Records

Grabado en Chicago Recording Company, Chicago, IL, en agosto y noviembvre de 2022

Publicado el 21 de noviembre de 2025

Del vocalista Paul Marinaro, Howard Reich del Chicago Tribune dijo :"Posee uno de los instrumentos vocales más bellos de la industria musical actual". Marinaro tiene su base en Chicago y es uno de los vocalistas masculinos más solicitados. En 2013 publicó su álbum debut “Without a Song”, inspirado en el sueño incumplido de su padre de haber sido cantante profesional. A la edad de cinco años Marinaro encontró los discos de acetato de 78 rpm caseros de su padre en el ático, lo escuchó cantar "That Old Black Magic" y quedó hipnotizado. Esta grabación fue su primera inspiración y fue restaurada y utilizada para abrir su álbum debut. Muchas de sus actuaciones en Chicago han figurado en diversas listas de "Lo Mejor del Año", incluyendo su inolvidable dueto con la legendaria vocalista Sheila Jordan, colaboradora habitual, durante el Festival de Jazz de Chicago de 2017 en el imponente Pritzker Pavilion.

Su lanzamiento de 2022, “Not Quite Yet”, (ver reseña en este blog) fue un viaje profundamente personal. La crítica lo elogió como "una obra personal" y una clase magistral de narrativa emocional a través de la música. En 2023 se unió al Metropolitan Jazz Octet para The Bowie Project, una audaz reinvención de la música de David Bowie, elogiada por sus ingeniosos arreglos y la camaleónica habilidad interpretativa de Marinaro, consolidando aún más su lugar entre los vocalistas actuales.

A lo largo de 2025, Marinaro fue el vocalista destacado de los conciertos homenaje al centenario de Oscar Peterson, que recorrieron Canadá y Europa, incluyendo memorables paradas en Berna, Suiza, y en el Festival Internacional de Jazz de Montreal.

A finales de 2025, Marinaro lanzó “Mood Ellington”, una ambiciosa y lujosa celebración del arte atemporal de Duke Ellington y Billy Strayhorn. Una selección de veinticinco de las mejores composiciones vocales de ambos autores, reimaginadas por trece arreglistas consagrados y respetados

Además de su cuarteto principal, compuesto por Tom Vaitsas (piano), Mike Allemana (guitarra), John Tate (bajo) y Neil Hemphill (batería), Marinaro incorpora cinco instrumentos de viento/madera y una sección de doce violines.

El primer set comienza con "I'm Beginning to See the Light" (arr. de John Kornegay). Los instrumentos de viento arropan a Marinaro que aborda la canción con animo optimista.

La sensual "A Flower Is A Lovesome Thing" (arr. de Alan Broadbent) compuesta por Billy Strayhorn, es interpretada por Marinaro con un tono elegantemente aterciopelado.

"I'm a Lucky So and So" (arr. de John Clayton) es un clásico en los conciertos de Marinaro, que se siente como pez en el agua interpretándola.

Carey Deadman firma los arreglos de "Love You Madly", y como trompetista que es, da un protagonismo especial a los vientos.

El arreglista Chuck Israels, conocido por su trabajo con Bill Evans, aporta un toque elegante a "Sophisticated Lady", siempre preciosa canción.

"I Like the Sunrise" (arr. de Mike Downes) es una romántica canción que Marinaro interpreta con enorme sentimiento y sinceridad.

Ryan Cohan arregla "Just Squeeze Me" con resultado de una canción multirítmica.

Carey Deadman arregla "It Shouldn't Happen to a Dream" que Ellington compuso junto a Johnny Hodges, una hermosa balada.

"In a Mellow Tone" (arr. de Mike Downes), otra elegante versión orquestal.

El segundo set, también en el Disco Uno, comienza con “Mood Indigo” compuesta por Ellington junto a Barney Bigard, arreglada por el saxofonista Jim Gailloreto. La canción conserva su raíces originales. A destacar la guitarra de Mike Allemana. Uno de los mejores momentos del disco.

Le sigue “Azure” (arr. de John Clayton), con Marinaro acentuando el lado melancólico del tema, susurrando la letra.

Las cuerdas cobran protagonismo en el bonito y melancólico "Don't You Know I Care (Or Don't You Care to Know)", con arreglos de Ryan Cohan.

"I Got It Bad and That Ain't Good", un arreglo relajado de Bill Cunliffe, donde Marinaro brilla con una emotiva y sentida interpretación.

El director de big band, Chuck Owen, arregla "(In My) Solitude", compuesta por Ellington junto a Eddie de Lange. Owen toma una deriva musical que transforma la pieza original en algo distinto, de calidad, pero distinta.

Tom Garling arregló "All Too Soon", una de las canciones del álbum menos reconocibles de Ellington. Marinaro, en esta canción, como ocurre en otras, recuerda el estilo elegante de Nat King Cole

"Lush Life" de Strayhorn, es arreglado por Tom Matta, resultando una versión más ligera que la original, a pesar de que Marinaro la dota de un elegante fraseo.

"(I Want) Something to Live For", de Strayhorn, cierra el set dos y el primer disco. Broadbent es el arreglista del tema.

El tercer set, Disco dos, contiene ocho canciones, entre las que se encuentran algunas de las más queridas de Ellington. Abre con "Don't Get Around Much Anymore", arreglos de Ryan Cohan. Marinaro y la orquesta se sienten cómodos en este tema lleno de swing.

La relajada "Take Love Easy" (arr. de Tom Matta), es interpretada por Marinaro de forma natural y convincente.

Tom Matta vuelve a ser el arreglista de “Day Dream”, logrando una preciosa versión, sensual y con un clarinete precioso de Moore.

Mike Allemana hace los arreglos de "Ain't Got Nothin' But the Blues" un blues donde Marinaro muestra su lado canalla. Buen solo de Woiciechowsk. Otro excelente momento de este álbum.

“Caravan” de Ellington y Juan Tizol, es arreglada por Jim Gailloreto. Destaca Tate al contrabajo. Marinaro canta con cierta urgencia (lo pide el arreglo de Gailloretto).

Le sigue una elegante y sofisticada "I Didn't Know About You", arreglada por Mike Allemana.

"In a Sentimental Mood", una de mis debilidades musicales, es arreglada por John Kornegay. Buen solo de Moore. Aprobada, sin más.

El tercer set, y con él, el álbum, cierra con "Do Nothing Till You Hear From Me", arreglada por Tom Garling, es bastante fiel al original. Brillan los vientos.

Marinaro es un cantante, elegante, versátil, con un extraordinario fraseo, sensible, que transmite las emociones con facilidad y, además, dotado de un gran swing.

Un excelente homenaje a la música de Ellington/Strayhorn, mostrada con nuevos sabores.

La Habitación del Jazz

ISABELLE BODENSEH CD: Dignity

 

Pistas

1.Part I – Prolog 2.Part II – Sospeso 3.Part III – Tempesta 4.Part IV – Kantilene 5.Part V – Verve 6.Masha 7.Fly High
8.Juliette

Interpretes

Isabelle Bodenseh – flautas

Thomas Bauser – órgano Hammond

Johannes Maikranz – guitarra

Lars Binder – batería

Sello discográfico: GLM Music

Grabado en Hansahaus-Studios, Bonn, Alemania.

Publicado el 6 de febrero de 2026

Isabelle Bodenseh, nació en el seno de una familia de músicos. A los tres años le encantaba estar en el escenario y a los cinco, durante un concierto de orquesta con su padre, descubrió el instrumento que sería su fiel compañera, la flauta.

Desde muy joven, en los estudios de musica clásica, sintió que le faltaba algo. Ese algo era la libertad de interpretación, y la encontró en el jazz y la música improvisada. Tras abandonar sus estudios de orquesta y obtener una licenciatura en educación musical en Fráncfort a principios de la década de 1990, Bodenseh continuó su camino hacia la música libre, estudiando con el flautista y compositor de jazz James Newton en Los Ángeles.

Más tarde, tras completar con éxito su licenciatura en Educación Musical en Alemania, disfrutó una beca de un año del DAAD (Servicio Alemán de Intercambio Académico) para estudiar música afrocubana en La Habana, Cuba, donde no sólo pudo aprender flauta latina con los músicos cubanos más reconocidos, sino también estudiar composición con Andrés Alén y realizar giras con bandas cubanas.

Ha actuado con grupos como Chantal, Verquer, Son Aché, La Serena y Sisters in Jazz International, además de trabajar como músico de teatro y estudio en más de 30 discos.

En 2016, paralelamente a su labor como profesora de improvisación en la Universidad de Música y Artes Escénicas de Fráncfort (cargo que ocupa desde el año 2000), fundó la plataforma "JAZZ À LA FLUTE" para dar mayor visibilidad a la flauta en el jazz.

Según declara, la música para ella: “Es a la vez una liberación y una medicina, una forma de procesar, reflexionar y desarrollar las cosas; es mi fuente de energía, el motor de mi creatividad. Emoción y ligereza, siempre mi yo puro”.

Bodenseh publica “Dignity”, un disco inspirado en su vida con Juliette, su hija con discapacidad severa y con el cuarteto que fundó en 2016, utilizando una instrumentación poco habitual, flauta, guitarra, órgano Hammond y batería.

“Para mí, personalmente, este es el álbum más significativo, auténtico y emocionante de mi vida”, afirma.
“Esta música nació de momentos vividos, algunos emocionantes, otros más difíciles, pero siempre en movimiento”, explica Bodenseh. “No es trágica. Está llena de vida”.

El álbum consta de una Suite con cinco movimientos y tres canciones adicionales.

La Suite se muestra íntima. Cada movimiento aborda un aspecto diferente de la vida de su hija Juliette: encuentros con personas, estructuras y leyes.

"Prolog" es introspectivo, profundo donde el órgano y la flauta bajo se mueven en tonos oscuros pero delicados y frágiles al mismo tiempo, que desembocan en el siguiente movimiento, “Sospeso” micho más ligero y optimista que termina con un solo de batería, que es el anuncio de "Tempesta", un momento lleno de fuerza latina con tonos de flauta más agudos, secundados por un contundente solo de Bauser con el Hammond y la guitarra de Maikranz en un segundo plano. Bodenseh regresa con fuerza, guiando al grupo al cierre del tema.

“Kantilene” comienza con un un tenso solo de órgano,dando paso a una mística atmósfera, triste pero esperanzadora, llena de matices diferentes que da paso al quinto y último movimiento titulado “Verve”, un imaginativo diálogo entre los componentes del grupo, mostrando la química entre ellos.

Binder aporta el sexto corte del álbum, "Masha", que abre de forma lenta, melancólica y reflexiva. Dolor y desesperación dan paso a “Fly High”, una canción optimista y rítmica, donde la asunción de la realidad de deja ver y trasluce en una cierta felicidad.

El tema que cierra el disco es “Juliette-Epílog”, una impactante mezcla sonora que combina la improvisación de la flauta baja y la guitarra con fragmentos de conversaciones familiares. La respiración de Juliette, una carcajada y las voces del esposo y el hijo de Bodenseh aportan una íntima y emocionante presencia humana.

La composición es muy bella por lo que representa y lo que nos transmite. La guitarra, con un sonido grave, hasta ahora no mostrado, envuelve las frases y la flauta y órgano. Un tema que nos hace reflexionar sobre nuestros prejuicios, nuestra perspectiva de la vida ante momentos de gran dureza y dolor. Y nuestras frustraciones y la falta, o no, de dignidad

El impacto emocional del disco es indudable.

Bauser, Maikranz y Binder captan a la perfección las ideas musicales de Bodenseh y las hacen suyas, sin concesiones.

Su música es conmovedora, lírica, delicada, intelectual y enérgica.

Este álbum, dedicado a su familia, va más allá de un trabajo musical, es un homenaje al amor y dedicación, que durante más de veinte años, Bodenseh, junto a su esposo e hijo, han dedicado a su hija Juliette.

La Habitación del Jazz

SUSANNE ALT CD: Dark Horse

 

Pistas

1.Jazz Biptic 2.Altitudes of Freedom 3.Dark Horse 4.Au Privave 5.Maple Jam 6.Cannonballin’ 7.Kalunga Dance 8.Jonesin’

Intérpretes

Susanne Alt - saxo alto, tenor, soprano, flauta, percusión

James Hurt - Fender Rhodes, piano, clavinet, órgano, sintetizador, percusión (3)

Gerald Cannon – contrabajo

Willie Jones III - batería

Sello discográfico: Venus Tunes

Grabado en Eastside Sound, Nueva York, el 15 y 16 de febrero de 2022.

Publicado el 30 de enero de 2026

Nacida en Würzburg, Alemania, Susanne Alt es saxofonista, compositora, DJ y productora, residente en Ámsterdam (Paises Bajos). Creció en el seno de una familia musical, estudió saxofón clásico en el Conservatorio de Maestros Cantores de Núremberg, y ganó el Premio Siemens para jóvenes (1996). A los 18 años, se trasladó a los Países Bajos para estudiar saxofón jazz en los conservatorios de Hilversum y, posteriormente, en Ámsterdam. Continuó sus estudios en la Universidad de las Artes de Berlín, donde se graduó con honores. Desde 1999, ha tocado como saxofonista en diversos escenarios. Tiene su propio cuarteto de jazz, y desde 2015 se la puede ver actuando como DJ en las noches de Ámsterdam. En 2004, debutó como productora con "Nocturne" en su propio sello, Venus Tunes, al que siguieron varios álbumes más. Su experiencia en la música dance inspiró la creación de "Venus Tunes Live", un espectáculo en vivo exclusivamente femenino con músicos que también son DJs. A partir de 2016, se centró más en lanzamientos de música dance en su sello, antes de regresar al jazz acústico en 2024, combinándolo con su trabajo en la música electrónica.

Además de sus propios proyectos, es una solicitada artista invitada y de sesión, colaborando con artistas como Fred Wesley, DJ Spinna, Opolopo, Hardsoul, DJ Maestro y Wicked Jazz Sounds.

Además, imparte clases de saxofón y formación de bandas en la Universidad de las Artes ArtEZ Jazz & Pop de Arnhem, Alemania, desde 2024.

Cuando en febrero de 2022 se trasladó a Nueva York para grabar con músicos locales un álbum al que tituló “Royalty for Real”, dedicado a Roy Hargrove, que fue publicado en 2024. Los temas que no formaron parte de este trabajo, también grabados en esas sesiones, los publica ahora bajo el nombre "Dark Horse". De hecho la foto de portada fue tomada en la misma sesión de fotos de “Royalty for Real”.

Mientras que “Royalty For Real” marcó el regreso al jazz acústico, este nuevo álbum se inspira más en el soul, el funk, el latín y el bop.

Le acompañan tres músicos de primer nivel en la escena del jazz estadounidense: el bajista Gerald Cannon ( Milt Jackson, Arturo Sandoval, Roy Hargrove, Wynton and Branford Marsalis, Pat Martino, Carmen Lundy, Abbey Lincoln, Gary Bartz, Joe Lovano, Cyrus Chestnut, Dr. Eddie Henderson, Steve Turre…), miembro de la banda de Elvin Jones durante muchos años y exdirector musical de McCoy Tyner .El virtuoso del teclado James Hurt, (Abbey Lincoln, Sherman Irby, Jacques Schwarz-Bart. Antonio Hart,…) cuyo trabajo abarca proyectos de jazz, mainstream y hip-hop/electrónica, y el baterista Willie Jones III, (Kurt Elling,”Sonny Rollins, Bobby Hutcherson, Wynton Marsalis, Cedar Walton, Frank Wess, Houston ,Billy Childs, Eric Reed, Eric Alexander, Bill Charlap, Michael Brecker, Herbie Hancock, Hank Jones…), aclamado por sus actuaciones con Milt Jackson y Arturo Sandoval

Cannon y Jones III colaboraron durante siete años en la banda de Roy Hargrove.

El tema inicial, “Jazz Biotic”, es el típico tema funk-soul, sin más, en el que Jones III y Cannon marcan un potente ritmo, mientras Hurt y Alt dialogan.

Algo más relajada es "Altitudes of Freedom". El protagonismo de Alt es compartido con el sintetizador de Hurt, que se erige en lo más destacado de esta pieza.

La pista que da título al álbum, “Dark Horse” nos muestra a Alt en una interpretación llena de fuerza, secundada por un solo de Hurt al piano, que quizás hubiera sido mejor hacer al sintetizador, en aras de una mayor fuerza.

“Au Privave” es la única canción no original del álbum. Se trata de una composición de Charlie Parker que Alt aborda con el debido respeto. La pieza surgió de forma espontánea porque Hurt llegó tarde al estudio y esto provocó que los tres miembros restantes se lanzaran a improvisar sobre este tema. Empieza con “Bueno, empecemos", dice uno de los miembros del grupo rítmico.

Podemos disfrutar de un excelente solo de Cannon, y el saxo de Alt en su mejor momento interpretativo a lo largo del álbum. La pieza termina con la risa de uno de los miembros masculinos de la banda, diciendo: "Sí, Susanne, bien”. Para mi, el mejor corte del álbum.

Volviendo al jazz-funk con “Maple Jam”. Está dedicada al fallecido teclista Larry Willis. Como en otras partes del disco, el sonido de Alt nos recuerda a David Sanborn. Sonido evocador de los años 70, gracias a Hurt y su Rhodes. Buena labor, como siempre, de Cannon y Jones III.

"Cannonballin'" sigue una línea argumental similar. Alt, además del saxo, toca la flauta, pero con la novedad de la flauta de Alt. Cannon, a quien está dedicado el tema, toca el Rhodes. Una pieza interesante.

Le sigue "Kalunga Dance", una canción con un cierto ritmo afro-latino, y un bonito tema central interpretado por Alt. Hurt interviene con un largo solo. Un pieza alegre y bailable.

El disco cierra con "Jonesin'", dedicado a Jones III. El funky está presente, pero en este caso, el tema evoluciona hacia un potente final sicodélico, donde destaca la percusión y la flauta.

“Dark Horse” es una continuación de “Royalty for Real”. Con una Alt convincente, de sonido suave y aterciopelado; con Cannon y Jones III, apoyando y lanzando los temas y Hurt marcando buenos solos, pero que quizás, debido a la grabación, en ocasiones, su sonido quede lejano y fuera de lugar.

La Habitación del Jazz

Søren Bebe Trio CD: Gratitude

 

Pistas

1.Frostblad 2.Good Enough 3.Tystrup Sø 4.A Much Simpler Song 5.And So It Goes 6.Silent Listener 7.Chico 8.Throw It Away 9.Gratitude

Interpretes

Søren Bebe – piano

Kasper Tagel – contrabajo

Knut Finsrud – batería

Sello discográfico: Out Here Music

Grabado el 4 y 5 de abril del 2025 en The V-Recording, Dinamarca

Publicado el 30 de enero de 2026

Nacido en la ciudad danesa de Odense, Søren Bebe recibió sus primeras lecciones de piano a la edad de ocho años. En 2004, después de siete años de estudio con, entre otros, el muy respetado pianista de jazz sueco Lars Jansson, se graduó en la Real Academia de Música de Aarhus (Dinamarca) con un diploma de posgrado avanzado en música para solistas excepcionales.

Es  uno de los principales pianistas de la escena europea del jazz y la música contemporánea. A menudo se le compara con Tord Gustavsen y el fallecido Esbjörn Svensson, ambos escandinavos.

Entre sus influencias están los pianistas  Oscar Peterson, Keith Jarrett y Aaron Parks y el trompetista Kenny Wheeler.

La revista estadounidense de jazz All About Jazz dice: “Bebe ciertamente pertenece a la tradición de pianistas líricos que va desde Erroll Garner y Bill Evans hasta Keith Jarrett. Lo que Bebe añade a la tradición lírica del piano es una sensación de simplicidad folclórica, con melodías de duelo que florecen como tímidas flores nocturnas”.

Además de liderar sus propios proyectos, Bebe también es un pianista muy solicitado que gira frecuentemente como acompañante de artistas como Cæcilie Norby y Benjamin Koppel.

El Trío que lidera se fundó en el año 2007 y poco a poco se ha ido consolidando como un sólido grupo de jazz europeo. Actualmente, junto a Søren Bebe, lo integran el bajista danés Kasper Tagel y el baterista noruego Knut Finsrud.

Reconocido como uno de los pianistas de jazz más líricos y distintivos de Europa, Bebe regresa con su trío para su noveno álbum de estudio, “Gratitude”, una reflexión profundamente personal sobre la gratitud, la conexión y la belleza de los momentos de tranquilidad de la vida.

El álbum comienza con "Frostblad", una bella pieza, que refleja un paisaje gélido y solitario. Una composición onírica de sonido cristalino y profunda emotividad.
"Good Enough" es una pieza misteriosa y oscura en su comienzo, transitando a otra melancólica y conmovedora hasta desvanecerse. Otra bella composición.

"Tystrup Sø" hace referencia al lago Tystrup en Selandia, Dinamarca, un gran lago conocido por sus rutas de pesca y senderismo, cercano a la casa de Bebe. Un sugerente y descriptivo tema donde la suavidad y lirismo son protagonistas.

"A Much Simpler Song" da un giro conceptual, con matices que recuerdan un tango. Ritmo suave, fluido y sensual que incita a bailar. Como es habitual el trío termina abruptamente.

Sigue una canción del gran Billy Joel, titulada "And So It Goes", con arreglos de extrema delicadeza que mantienen intacta su fuerza emocional. ¡Qué instrumento más precioso es el piano!

Tras una oscura introducción del contrabajo con arco, el piano dibuja las delicadas notas de "Silent Listener", una elegante y romántica canción.

La empatía del trío se deja ver, una vez más, en “Chico”, una composición cargada de clasicismo romántico, resulta algo más ligera, pero no por ello menos bella.

"Throw It Away" es una preciosa canción de la inigualable Abbey Lincoln, que Bebe aborda de forma rítmicamente suave pero sin dejar de mostrar su lado conmovedor.

Bebe deja para el cierre del disco el tema que da título al mismo, “Gratitude”. Una relajante canción llena de dulzura y calidez emocional. Un excelente broche de oro.

En esencia, “Gratitude” es una expresión de agradecimiento a los fieles oyentes del trío, a la alegría de crear música juntos y al simple regalo de poder hacer lo que aman. “Es un álbum para nuestros fans”, dice Bebe. “Estamos agradecidos de tener gente que conecta con nuestra música, nos escribe y comparte cómo ha tocado sus vidas”.

La grabación es fantástica, capturando hasta el más mínimo detalle.

“Gratitude” es un álbum muy bello, que transmite tranquilidad, con muchos sutiles matices, donde los silencios tienen el mismo valor que el sonido, siempre con una fuerte carga emocional.

La Habitación del Jazz

XAVIER DOTRAS CD: Paisatges Interiors / Inner Landscapes

 

Pistas

1.Everything happens to me 2.Alfonsina y el mar 3.Blau 4.Un dibuix per a tu, Núria 5.Dans un Réve 6.Full en blanc 7.I loves you Porgy 8.MTN 12G 9.Cares/Faces 10.Saverio 11.Montse 50 somnis 12.Desconcert 13.Tensió 14.Prec 15.De lluny 16.Les iris 17.Wait for me listening to Bill Evans 18.Eu sei que vou te amar

Intérpretes

Xavier Dotras – piano, voz (18)

Sello discográfico: Rocket Music

Grabado el 30 de junio y 1-2 de julio de 2025 en el estudio privado de Joan Sala (Pals-Girona, España)

El pianista y compositor español Xavier Dotras nació en Canet de Mar, Barcelona. Inició sus estudios musicales con su padre, Jaume Dotras i Serrabella. Posteriormente obtuvo la titulación superior en música clásica  y jazz en el Conservatorio Superior Municipal de Música de Barcelona, y en la ESMuC (Escola Superior de Música de Cataluña) respectivamente. En 2004 fundó el Xavier Dotras Trío, junto a Toni Pujol en el contrabajo y César Martínez en la batería. Con el pianista Lluís Escuadra grabó el disco "Overture".

Dotras ha seguido una larga trayectoria de actuaciones, tanto en España como internacionales. Colabora en otras formaciones de jazz, blues, gospel, pop y rock, con los que ha grabado diversos trabajos.​

Aparte de su trayectoria como compositor de jazz, también cabe citar su obra coral entre la que destaca la obra sinfónica "Missa 1919", estrenada el año 2019 por el Orfeó Misericordia y la Orquestra de Cambra de Granollers. Dotras es también Ingeniero Industrial pero no ha ejercido nunca como tal.

Como docente, Dotras ha sido profesor de música en centros de educación secundaria e imparte cursos universitarios en la Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED).

En este “Paisatges interiors / Inner Landscapes”, su décimo disco, Dotras se sienta ante el piano y aborda 18 canciones, mostrándonos la esencia del piano, fusionando jazz, clasicismo y sonido mediterráneo.

El primer tema del disco es “Everithing happens to me” de Matt Dennis y Tom Adair, un estándar del que se han hecho muchas versiones. Dotras lo interpreta siguiendo las pautas de uno de sus referentes, Bill Evans. Una hermosa pieza.

Le sigue “Alfonsina y el mar” de Ariel Ramírez y Félix Luna, una preciosa canción, ajena al mundo del jazz, que sin embargo, han versionado muchos intérpretes de este género. Preciosa versión, fiel a la melodía original, para disfrutarla plenamente.

A continuación un bloque de composiciones del propio Dotras. La preciosa “Blau”, con un sonido mediterráneo que nos recuerda a Tete Montoliu.

Sigue la Suite llamada “Tres Co-Valsos” integrada por tres canciones: “Un dibuix per a tu, Núria”, “Dans un rève” y “Full en blanc”, dedicadas a tres mujeres; Nuri, Montse y Aina, respectivamente. Música intimista que fusiona el clasicismo con el jazz.

Volviendo a los estándares, “I loves you Porgy” de los hermanos Gershwin, Qué decir de esta fantástica canción.

Dotras incorpora cuatro nuevas composiciones originales: “MTN 12G”, sabor a estándar, matizado con aromas mediterráneos; “Cares/Faces”, de corte más piano clásico romántico; “Saverio” que huele a flamenco y copla , y por último, “Montse 50 somnis” una hermosa balada.

Una segunda suite original de Dotras, que lleva el título del álbum, “Paisatges interiors”, dedicada a su madre, e integrada por tres temas: “Desconcert”, “Tensió” y “Prec”. Dotras nos cuenta historias que se identifican fielmente con los títulos de las canciones. Tres bellas composiciones.

Los tres siguientes cortes del disco, también son originales de Dotras. Se trata de la hermosa “De lluny”; “Les iris” donde Dotras nos lleva por caminos más novedosos y experimentales, para terminar con “Wait for me listening to Bill Evans”, dedicado al enorme Bill Evans, que, de alguna manera, está presente en muchos pasajes de este álbum.

Para finalizar, Dotras nos depara una sorpresa. Se trata de la canción “Eu sei que vou te amar”, de Antonio Carlos Jobim y Vinicius de Moraes, en la que Dotras, tras una larga introducción con el piano (casi dos tercios del tema) nos sorprende con su suave y cálida voz. Qué maravillosa canción y qué extraordinaria versión.

Dotras posee un sonido claro, cristalino, a la vez que cálido y lírico, que nos transporta a un universo musical introspectivo, y posee una indudable calidad como compositor

"Paisatges interiors/Inner landscapes” es un precioso disco para escuchar en soledad o, porqué no, en compañía, una buena y especial compañía.

La Habitación del Jazz

RAMONA HORVATH CD: Absinthe

 

Pistas

1.Heal The World 2.You Are The Sunshine Of My life 3.Lament For An Orchide (Absinthe) 4.How Deep Is Your Love 5.Here I’ll Stay 6.Ballad For Very Tired And Very Sad Lotus Eaters 7.Just The Way You Are 8.Your Love Has Faded 9.The Heather On Yhe Hill 10.JFK 11.I Know Why 12.Saving All My Love For You

Intérpretes

Ramona Horvath - piano
André Villéger – saxo tenor
Nicolas Rageau - contrabajo
Antoine Paganotti - batería

Sello discográfico: Fresh Sound Records

Grabado en Midilive Studio, París, Francia el 8 y 9 de junio de 2024

Publicado el 24 de octubre de 2025

Nacida en Bucarest en el seno de una familia de músicos, de madre rumana y padre húngaro, Ramona Horvath cultivó desde pequeña su pasión por los clásicos de Broadway y la música de Duke Ellington, escuchando los programas de radio de Willis Connover, en particular "Jazz Hour" (en la Voz de América), que la familia escuchaba en secreto.

Horvath empezó a tocar el piano de oído a los tres años y a los seis comenzó la escuela de música formal. En casa, se sumergió en todo tipo de estilos musicales: canciones estadounidenses, jazz, música tradicional y gitana, boleros cubanos y, por supuesto, música clásica, que posteriormente estudiaría intensivamente.

A los 23 años, se graduó en piano clásico en el Conservatorio de Bucarest. Tras finalizar sus estudios, conoció a la pianista estadounidense de origen húngaro Jancy Korossy, un ícono del jazz internacional en las décadas de 1950 y 1960 tras el Telón de Acero. Este encuentro crucial la catapultó de lleno al mundo del jazz. Las dos pianistas también actuaron juntos en escenarios europeos durante varios años.

En 2010, se mudó a París. En 2012, conoció al bajista Nicolas Rageau, con quien desarrollaría varios proyectos.
En 2015, grabó su primer álbum en trío con Nicolas Rageau y Frédéric Sicart, "XS Bird" (Black&Blue), dedicado a la memoria de Jancy Korossy, fallecida dos años antes.
En 2017, publicó "Lotus Blossom" (Black&Blue), grabado en cuarteto con André Villéger al saxofón tenor, Nicolas Rageau y Philippe Soirat a la batería.

En 2019, grabó un dúo junto al bajista Nicolas Rageau, "Le Sucrier Velours" (Black&Blue), un álbum que recibió excelentes críticas en la prensa francesa e internacional y contribuyó a consolidar a Horvath como una figura clave en la escena del jazz parisino.
A finales de 2023, la pianista lanzó su álbum en trío, "Carmen's Karma", en el que los mundos del jazz y la música clásica se entrelazan de una manera muy personal y ecléctica. Ha publicado siete álbumes hasta la fecha:

"Dor De Acasa” (2008), “Let’s Fall In Love - American and Romanian Gold Songs” (2010), “XS Bird” (2015), “Lotus Blossom” (2017), “Le Sucrier Velours” (2019), “Carmen’s Karma” (2023), y el último lanzamiento titulado “Absinthe”. El álbum presenta un repertorio que podría dividirse en dos partes: una integrada por melodías del pop que marcaron la infancia de Horvath, interpretadas a trío y en un bello lenguaje jazzístico y otra, para la que se incorpora el gran saxofonista André Villéger, compuesta por melodías firmadas por grandes figuras.

Horvath abre el disco con "Heal The World" de Michael Jackson, a la que aplica unos arreglos Ellingtonianos, resultando un tema con ritmos africanos, revitalizante y pleno de alegría.

Algo parecido podemos afirmar del tratamiento que da a "You're the Sunshine of My Life" de Steve Wonder, pero algo más tamizado. Siempre fiel al original, pero dotándolo de una nueva personalidad, ligera y entretenida.

De Strayhorn incluye “Lament For An Orchide” también conocida como “Absinthe”, del que toma el título el álbum. Se trata de una pieza poco conocida de Strayhorn, de la que Ellington y su orquesta hicieron una única grabación. En esta ocasión, como ocurre cuando versiona temas clásicos, lo hacen en cuarteto, con la participación del saxofonista André Villéger, al que da protagonismo con su sonido aterciopelado. “Absinthe” es una preciosa pieza, oscura, de melancólica belleza.

"How Deep Is Your Love” es una canción interpretada por el grupo pop Bee Gees. El trío la aborda como un vals ligero, y la enriquece musicalmente hablando. Elegante solo de Rageau. Una re elaboración sofisticada.
"Here I'll Stay" es una de las canciones que Kurt Weill escribió para el musical "Love Life" en 1948. El cuarteto al completo. Swing impulsado por Horvath y Villéger mostrando su talento al tenor y un gran solo de Rageau.

"Ballad For Very Tired And Very Sad Lotus Eaters” es una bella balada donde Villéger muestra su lado más sensual. Canción, lenta e Introspectiva que nos hace rememorar aquello que se perdió para siempre. Una delicia.
Vuelve el trío en solitario con la preciosa “Just the Way You Are” de Billy Joel. Horvath es absolutamente respetuosa con la melodía original y su delicado toque al piano mantiene un suave swing durante toda la canción. Otra bella pieza y bella interpretación.

Le sigue "Your Love Has Faded", cuya autoría, unos adjudican a Duke Ellington y otros a Billy Strayhorn. Una pieza a medio tiempo con un elegante Villéger y una fantástica Horvath. Otra canción llena de elegancia y fragilidad.

Horvath conoce a la perfección la tradición del piano jazz, con dominio del instrumento, además de una sólida formación en el piano clásico-romántico. Y qué mejor que esta canción "Heather On The Hill" , para demostrarlo. Una canción escrita en 1947 por Frederick Loewe para el musical de Broadway “Brigadoon”. Horvath la aborda en solitario, mostrando el potencial de esta intérprete. Una maravillosa obra, maravillosos arreglos y una profunda interpretación

"JFK", iniciales de la pianista húngara Jancy Francis Korossy, mentora de Horvath, constituye la única canción original del álbum. Un tema donde los cuatro miembros muestran su lado más bop.

"I Know Why”, composición de Harry Warren de 1941 popularizada por la Orquesta de Glenn Miller. Tras una melódica introducción de Horvath, el saxo de Villéger se muestra con una emocionante intensidad.

"Saving All My Love for You”, popularizada por Whitney Houston, cierra este álbum. Rageau y Paganotti aportan un ritmo de bossa a esta canción, revitalizándola.

"Absinthe" es un álbum de jazz convencional, donde destacan varios aspectos. Por un lado la química con sus compañeros de viaje, Rageau al contrabajo y Paganotti a la batería. Por otro lado la interpretación del saxofonista Villéger un alter ego perfecto. Y por último los arreglos de Horvath.

"Absinthe” es un bonito álbum que invita a ser escuchado repetidas veces.

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