Josep Lluís Galiana y Joan Gómez Alemany CD: Homenatge a Manolo Millares i Pablo Palazuelo

 Pistas

1.Para Pablo Palazuelo, variaciones sobre un imposible paisaje (electroacústica) 2.Millares 1972-2022 (obra per a saxofons i electrònica) 3.Millares 1970 (obra per a saxofons i electrònica)

Intérpretes

Josep Lluís Galiana – saxo soprano y tenor

Joan Gómez Alemany - composición electrónica

 

Sello discográfico: Liquen Records

Grabado el 14 de noviembre de 2022 en Liquen Studios, Pedralba, Valencia, España

Josep Lluís Galiana, nacido en Valencia (España) es Diplomado en Estudios Avanzados (DEA) por la Universidad Politécnica de Valencia y Titulado Superior por el Conservatorio de Música Joaquín Rodrigo, de Valencia. Saxofonista, compositor, escritor, editor y gestor cultural español destacado en la escena europea de la libre improvisación, la creación electroacústica, el avant-garde jazz, la investigación musicológica y la divulgación de la cultura y las artes, comienza su trayectoria artística en la década de 1980, formando parte de diversas formaciones instrumentales contemporáneos, colectivos de jazz y agrupaciones de música popular y tradicional. Sus composiciones han sido estrenadas e interpretadas en importantes festivales internacionales.

A lo largo de su dilatada trayectoria artística, ha fundado formaciones junto a músicos de relieve internacional y ha colaborado con musicos como Agustí Fernández, Josep Manuel Berenguer. Wade Matthews, Avelino Saavedra, Carlos D. Perales, Gonzalo Biffarella, Liba Villavecchia, Ramón López, David Herrington, Jorge Gavaldá, Miguel Molina, Diego Caicedo, Antonio Luis Guillén, Javier Carmona, Pablo M. Esparza, Martín Meléndez, Sarah Claman, Luiz Rocha, Carlos Suárez, Quique Téllez, Jesús Gallardo, Lisa Ullén, Lucía Martínez, Ramon Prats, Àlex Reviriego, Ángel Faraldo, Carlos Galán, John Butcher, por citar solo unos pocos. Es autor de varios libros, así como de numerosos artículos, críticas, ponencias y estudios musicológicos publicados en libros, revistas especializadas y prensa escrita. En 2016, crea el sello editorial EdictOralia i Publicaciones y el sello discográfico Liquen Records, dedicado a las músicas improvisadas y experimentales.

Tiene más de doscientas composiciones en catálogo y sesenta discos publicados.

Joan Gómez Alemany comienza el Grado en Composición en el Conservatori del Liceu y lo finaliza en Kunstuniversität, Graz. Tiene un Máster en Composición (KUG), un Máster en Ópera y Teatro Musical (KUG). También es graduado en Piano (Conservatori Superior de València - Conservatori del Liceu). Es licenciado en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València, donde también obtiene su doctorado Cum Laude con una tesis sobre la interdisciplinaridad artística.

Gómez Alemany compagina la creación musical, las artes visuales y el cine, en continuo diálogo, con la escritura de ensayo y crítica principalmente sobre música y arte.

Sus composiciones han sido encargadas o interpretadas en una enorme cantidad de festivales. Como pianista improvisador ha colaborado con John Butcher, Bartolomé Ferrando, Josep Lluís Galiana.

Por ahora su catálogo de composiciones consta de más de 80 obras. Su filmografía consta hasta la fecha de más de 10 cortometrajes, 3 medio metrajes y 4 largometrajes.

Ambos, Galiana (saxofón soprano y tenor) y Alemany (electrónica) rinden homenaje al pintor nacido en Las Palmas de Gran Canaria (España) Manolo Millares y al pintor nacido en Madrid (España) Pablo Palazuelo, en el álbum que lleva por título “Homenatge a Manolo Millares i Pablo Palazuelo”, editado en el sello Liquen Records, que difunde músicas improvisadas y experimentales desde 2016.

El disco está inspirado en la obra de estos dos reconocidos pintores.

Han contado con la colaboración de la Fundación Pablo Palazuelo, la familia de Millares, la Fundación Azcona y el Instituto Valenciano de Cultura (IVC) y es la banda sonora de tres películas, estrenadas en el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, (Marco), Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) de Valencia y la Fundación Antonio Pérez-Centro de Arte Contemporáneo de Cuenca.

La producción tiene su génesis en el libro “Cartas en torno a Manolo Millares, Pablo Palazuelo y otros”, una correspondencia entre Alfonso de la Torre y Joan Gómez Alemany publicado por EdictOràlia en 2022, año en que se conmemoraba el 50 aniversario de la defunción de Millares y ve la luz en el centenario del nacimiento de Millares.

Galiana indica que “ha sido un gran reto como artista participar en este proyecto discográfico en el que hemos compuesto y realizado improvisaciones musicales a partir de la obra de Manolo Millares y de la obra audiovisual tanto de Millares como de Joan Gómez Alemany, artista con quien colaboro desde hace ocho años”. Y añade: “en los últimos años he profundizado en la poética visual de Millares, lo que me ha reportado grandes emociones y sentimientos enfrentados”. Y apunta: "su pintura es de una fuerza impactante por su oscuridad, sus grietas, la sencillez de los materiales encontrados… esa pintura (casi escultura) que es proyectada desde el cuadro como reclamante ser escuchada por una mirada comprometida. Al final, ha sido una experiencia única".

Por su parte, Alemany asegura que “este trabajo discográfico, en cierto modo, prolonga y musicaliza el libro “Cartas en torno a Manolo Millares, Pablo Palazuelo y otros”, que escribí con Alfonso de la Torre y publicó EdictOràlia”. Y continua: “la música dialoga con la pintura, el cine, la escritura y el pensamiento, traduciendo la herida de Millares en grito acústico y la línea de Palazuelo en paisaje abstracto”; y subraya que "como las cartas, las composiciones operan por capas, resonancias y retornos. Sonido, imagen y palabra se fundan en una experiencia interdisciplinaria donde escuchar es pensar y viceversa".

La Habitación del Jazz

JULIUS GAWLIK CD: It’s All in Your Head

 

Pistas

1.There Are No Ugly Dogs 2.You Wish 3.Fuchs 4.Glow 5.Chicago 6.TSCH

Intérpretes

Julius Gawlik – saxo tenor, clarinete
Evi Filippou – vibráfono, percusión
Phil Donkin . contrabajo
Jim Black - batería

Sello discográfico: Unit Records

Grabado en Hansa Studios, Berlín (Alemania) en marzo de 2024.
Publicado el 20 de noviembre de 2025

Julius Gawlik, nacido en Halle (Alemania), es un saxofonista, clarinetista y compositor, conocido por su trabajo en el jazz, la música experimental y la improvisación contemporánea. Lidera sus propios proyectos, como su cuarteto y el trío colaborativo Dream Big Fish, y continúa contribuyendo a la escena europea como acompañante de bandas como Jim and the Schrimps e inEvitable, y como miembro de la NDR Bigband.

Gawlik ha actuado en festivales de renombre como el Festival de Jazz del Mar del Norte, el Festival de Jazz de Londres y el Festival de Jazz de Copenhague, así como en prestigiosos escenarios como la Filarmónica del Elba, el Bimhuis de Ámsterdam, la Filarmónica de Berlín y el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago.

Ha colaborado con artistas como Jim Black, Aynur Doğan, John Hollenbeck, Evi Filippou, George Garzone, Wanja Slavin, Jochen Rückert, Matt Moran, Michaël Attias, Crush String Collective y Ensemble Modern. Ha recibido galardones como la Beca al Solista Destacado de la Universidad de Temple en Filadelfia y el Premio Solista de la Karl Hofer Gesellschaft de Berlín.

Reconoce la influencia de intérpretes como Andrew Hill, Joe Henderson y del cantautor Jeff Buckley.

“It’s All in Your Head” es el álbum debut del saxofonista tenor Julius Gawlik como líder.

Le acompañan tres músicos de primera fila. El baterista Jim Black (quien toca con Gawlick en su cuarteto Jim & His Schrimps), aporta su toque preciso e imprevisible creando ambientes rítmicos para que el resto arriesgue. La vibrafonista griega Evi Filippou añade complejidad melódica y una enriquecedora tensión y el bajista británico Phil Donkin, impulsa los temas a cotas inimaginables, en perfecta sintonía con Black.

Los vínculos de Gawlik con los miembros de la banda son antiguos y mutuos, habiendo trabajado en las bandas de cada uno durante bastante tiempo.

Esta familiaridad, evidente, no se traduce en un espacio de confort, sino en continuos retos interpretativos que impulsan sus intervenciones.

Gawlik describe sus composiciones como "bocetos", fragmentos concisos de melodía y ritmo diseñados para impulsar la improvisación en lugar de limitarla, l,o que lleva a que cada músico participa creando música en tiempo real.

El comienzo tranquilo de “There Are No Ugly Dogs”, con el saxofón y vibráfono fusionados mientras el contrabajo y la batería mantienen un suave pulso, se va expandiendo a medida que Black inyecta desafiantes ritmos, secundados por Donkin, Un aparente desconcierto se apodera del escenario. Gawlik teje un mundo sonoro alrededor y por encima de lo que acontece a su alrededor. Constantes cambios, sin una guía preestablecida, seña de identidad del grupo.

"You Wish" es más relajante. Pero se trata de una relajación contenida. Un tono contemplativo y misterioso caracteriza este tema, donde la conexión de los cuatro músicos es total.

“Fuchs” es todo energía. Improvisación, líneas cambiantes, complejas e inestables. La sección rítmica a tope. Gawlik y Filippou no se quedan atrás y entre todos nos brindan un tema trepidante, extraordinario.

La sutileza se abre paso con “Glow”. El diálogo entre Black y Gawlik generan un espacio intrigante. Una composición abstracta donde el clarinete de Gawlik muestra su fragilidad y sutileza espectral. Otra muestra del amplio rango emocional del álbum.

De alguna manera "Chicago", mantiene ese carácter intrigante, pero con constantes cambios de dirección. Un flujo de ritmo constante y el saxofón de Gawlik audaz, protagonista, sin alardes innecesarios, junto a Filippou.

"TSCH", que cierra el álbum, comienza con un diálogo entre Gawlick y Filippou. A pesar del sonido cálido del saxo y del vibráfono, la tensión entre ambos instrumentos es patente y está alimentada por la batería y contrabajo. Sin vencidos ni vencedores, el tema termina, dejando el nivel del álbum a una gran altura.

El interés de Gawlik por la improvisación viene de su adolescencia, y surge al tener acceso a la colección de discos de su padre y al estar expuesto al jazz y la música improvisada.

Ese interés se plasma en las composiciones, impredecibles, con constantes giros, siempre en el filo entre la composición y la improvisación, exigiendo una escucha atenta para su mejor disfrute.

“It’s All in Your Head”, catalizador de dos mundos sonoros: el estadounidense y el europeo, es un excelente álbum debut.

La Habitación del Jazz

ODENSE JAZZ ORCHESTRA meets Loren Stillman

 

Pistas

1.A Tree Falls 2.Waterworks 3.Buffalo 4.Like A Magic Kiss 5.Fowlkes 6.Dervish

Intérpretes

Loren Stillman - saxo tenor y soprano

Morten Øberg - saxo alto, flauta

Guy Moscoso – saxo alto, clarinete soprano

Michael Olsen – saxo tenor, clarinete soprano y bajo

Hans Mydtskov – saxo tenor

Ole Visby – saxo barítono, clarinete bajo y soprano

Rolf Thofte Sørensen – trompeta, flugelhorn

Tomasz Dąbrowski – trompeta, flugelhorn

Jakob Holdensen – trompeta, flugelhorn

Hans Christian Heide Erbs – trompeta, flugelhorn

Stefan Ringive - trombón

Mikkel Vig Aagaard – trombón

Anders Ringgaard Andersen – trombón

John Kristensen – trombón bajo

Morten Nordal - guitarra

Pojken Flensborg – piano

Kasper Tagel – contrabajo, arreglos

Chano Olskær – batería

Sello discográfico: AMM Records

Grabado en Peak Productions, Odense (Dinamarca)

Publicado el 16 de enero de 2026

La Orquesta de Jazz de Odense es la big band líder de la región del Sur de Dinamarca y un referente en la escena del jazz danés. Desde su fundación en 1994, la orquesta ha reunido a algunos de los músicos, compositores y arreglistas más talentosos del país para crear experiencias musicales innovadoras y dinámicas.

Al objeto de buscar nuevas direcciones y posibilidades al formato de big band, la Orquesta de Jazz de Odense explora constantemente nuevas direcciones musicales. La banda combina el sonido de la big band con una amplia gama de instrumentos, desde experimentos electrónicos hasta percusión clásica, y ha colaborado con la Orquesta Sinfónica de Odense, coros clásicos, así como, con solistas de diferentes ámbitos musicales.

Además de una extensa actividad concertística, la orquesta se dedica al desarrollo de talentos a través de proyectos educativos, la Big Band Juvenil de Fionia y colaboraciones con la Academia de Música del Sur de Dinamarca.

Su director musical es Torben Sminge, y está formada por un grupo de músicos y arreglistas de primera línea.

La Orquesta de Jazz de Odense ha actuado con una impresionante selección de artistas, como Stacey Kent, Ingrid Jensen, Nikki Iles, Lars Jansson, Richard Bona, Loren Stillman, Lucy Woodward, Fredrik Lundin, Steffen Brandt y Harald Haugaard entre otros. También ha colaborado con el Festival Internacional de Cine de Odense y el Festival de Jazz de Odense.

En este nuevo trabajo “Odense Jazz Orqhestra meets Loren Stillman” cuentan con el reconocido saxofonista y compositor Loren Stillman. De las contribuciones de Stillman al jazz moderno se han hecho eco publicaciones como The New York Times, Downbeat Magazine, Jazziz, Jazz Times y National Public Radio. Formado bajo la tutela de figuras del jazz como Lee Konitz, David Liebman y Ted Nash, Stillman abarca una extensa trayectoria interpretativa que incluye Estados Unidos, Europa y Japón. Ha colaborado con artistas de la talla de The Charlie Haden Liberation Music Orchestra, Paul Motian Trio 2000+2, Carla Bley, John Abercrombie y Michael Formanek: Ensemble Kolassus, entre otros. Posee numerosos galardones como intérprete y compositor.

El álbum fusiona el jazz estadounidense con el colorido sonido orquestal nórdico.

El primer corte, "A Tree Falls" es una hermosa balada, reflexiva y sugerente. Solos de Heide Erbs, Stillman y Nordal.

Las composiciones de Stillman, a menudo densas y narrativas, renacen en este contexto de big band, como sucede en “Waterworks”, inspirada en una ruta de senderismo rodeada de flores silvestres y mariposas revoloteando, cerca de Missoula, Montana. Solos de Flensborg, Nordal y Stillman.

"Buffalo", un blues dedicado al gigante itinerante de Norteamérica. Solos de Stillman y Nordal.

"Like A Magic Kiss" con el poder de romper maldiciones, lanzar hechizos y otorgar habilidades mágicas, esta pieza transmite algo mágico. Solos de Stillman y Dąbrowski.

"Fowlkes",es una pieza conmovedora dedicada al fallecido trombonista y amigo, Curtis Fowlkes. Solo de Stillman.

El disco cierra con “Dervish”, con toques de cultura persa y un movimiento circular de influencia Sufí. Solos de Stillman, Ringive y Olskær.

En esta grabación todo fluye de forma natural: la composición, la interpretación, los arreglos y el sonido orquestal.

A destacar la calidad de la grabación, que permite captar cada matiz orquestal.

«Aunque provenimos de orígenes y lugares del mundo muy diferentes, tenemos mucho en común», explica el director de orquesta Hans Christian Heide Erbs: «Está en la naturaleza misma de la música y de ser músico».

La Habitación del Jazz

MAXIMILIAN HERING CD: The Gathering

 

Pistas

1.Moles on her skin 2.Ojo de Madera 3.The Gathering 4.519 km is too far for kissing you 5.Oliver 6.Route A66 7.Entre tú y yo 8.Gleisgeflüster 9.Summer in PT

 

Intérpretes

Fernando Brox – flauta
Edu Cabello – saxo alto, clarinete bajo
Victor Carrascosa – trompeta, flugelhorn
David Muñoz – contrabajo
Maximilian Hering – batería

Invitada

Lucia Fumero – piano (1,4)

 

Sello discográfico: Klangraum Records

Grabado el 20 y 21 de mayo de 2024 en Sol de Sants Studios, Barcelona (España).

Publicado el 23 de enero de 2026

 

Maximilian Hering, nacido en  Wiesbaden, es baterista y músico residente en Colonia, Alemania. Ha tocado la batería durante la mayor parte de su vida: recibió su primera batería a los cuatro años de edad y recibió clases formales desde los cinco. En 2019, se graduó en el Conservatorio ArtEZ de Arnhem con una Licenciatura en Música.
En su trayectoria musical, Hering ha colaborado con una amplia variedad de bandas. Además de numerosos conciertos por toda Europa Central, participó en una treintena de producciones de álbumes y EP.
Compone para sus bandas Red Hering, Maximilian Hering Group y The Foaming Waves, pero también para películas, como el cortometraje Feindesland (2016) de Christine Wetzel y El Hamdu Lillah (2018) de Jonathan Kaiser. Además, colabora regularmente con el estudio de música para cine y sello discográfico Klangraum. En 2022 lanzó su primer álbum, "Nostalgia", y posteriormente el EP "Max Hering & The Foaming Waves". En octubre de 2024, Red Hering debutó en la serie Jazz Thing Next Generation con el álbum "Butter bei die Fische". Es muy solicitado como acompañante de bandas, como Engel Trio, The New Hot, Sol Jang Trio, Sara Bax, Haberecht 4 y MAR.CO, entre otras. Hering  explora las posibilidades del trabajo interdisciplinario y le apasiona la combinación de la danza con la batería y los sonidos. Desde 2021 colabora con los bailarines/coreógrafos Sabrina Gargano y Rafa Jagat (Compañía Elelei), últimamente en su nueva creación Too Much.

Uno de los proyectos de Hering es el Maximilian Hering Group, un conjunto sin acordes que combina instrumentos de viento y ritmo. Fundado en 2018, cuando Hering reunió a sus músicos favoritos de la escena de jazz local de Barcelona para una actuación en un club. Inicialmente el grupo estaba formado por dos instrumentos de viento, bajo y batería. Posteriormente se añadió una flauta y en su último trabajo hasta la fecha, “The Gathering” (2026, Klangraum Records), el piano.

De los nueve cortes del disco, cinco son originales de Hering, dos de David Muñoz, uno de Fernando Brox y otro de Edu Cabello.

El disco inicia su andadura con “Moles On Her Skin” de Hering, un tema lleno de optimismo, con sabor brasileño y un fraseo vivo, donde aparece por primera vez Lucía Fumero al piano.

“Ojo de Madera” de Cabello, se inspira en un trozo de madera que parece devolver la mirada. La percusión de Hering y el contrabajo de Muñoz marcan el terreno y contrastan con el sonido de la flauta de Brox y resto de vientos. El tema deriva en una enérgica improvisación.

“The Gathering”, firmada por Hering,  da título al álbum. Un poderoso comienzo de Brox, secundado por el contrabajo de Muñoz, seguido de sendos solos de Carrascosa,  Cabello y Hering. Una excelente pieza donde brilla la colectividad.

Fumero hace su segunda aparición en “519 Km Is Too Far For Kissing You”, de Hering, una romántica y relajante balada que da paso al clásico “Oliver” de Brox, dedicado al compositor Olivier Messiaen. Vanguardia y originalidad se entremezclan en este extraño tema.

Como contraste el funky  "Route A66", una composición de Hering, donde destacan los solos de Cabello, con Brox y Hering como impulsores. Un tema muy divertido.

“Entre tú y yo” de Muñoz, es otra de las canciones que  exploran diferentes facetas del amor. El clarinete bajo da las pinceladas melancólicas que calman el ambiente. Pieza en cierta medida sombría y muy Íntima. Solo de Carrascosa, acompañado de Brox. El pulso lo mantienen a la perfección el propio Muñoz y Hering.

Otra pieza “seria” e introspectiva es "Gleisgeflüster" de Hering, a la que parece le cuesta arrancar. Sonidos de trenes nocturnos de mercancías y de animales selváticos. No hay melodía.

El álbum cierra con "Summer in PT", de Muñoz. Hering y Muñoz establecen una base rítmica cambiante y alegre que favorece los solos de los vientos.
No cabe duda que el grupo tiene una química natural, que contribuye a una agradable sensación de integración colectiva.

Hering y Muñoz dominan el ritmo a la perfección, lo que da espacio suficiente para que los solistas puedan tocar con gran libertad, creativos, sin cortapisas.

Excelente jazz contemporáneo, no apto para una escucha distraída.

La Habitación del Jazz

Vejslev / Brunbjerg / Elhøj CD: iTs a RioT!

 

Pistas

1.Monk's Dream 2.Ask Me Now 3.Ricocliet 4.In the Wee Small Hours of the Morning 5.Smog Eyes 6.Goodbye 7.Tricotism 8.Lennie's Pennies 9.We See 10.Well You Needn't 11.A Flower Is a Lovesome Thing 

Interpretes

KristoNer Vejslev - guitarra

Martin Brunbjerg Rasmussen – contrabajo

Rasmus Elhøj Jensen - batería

Invitados

Rudi Mahall – clarinete bajo (1, 2, 5, 10)

Hannes Bennich – saxo tenor (1, 5, 8, 10)

Simon Toldam – piano (3, 9, 11)

Sello discográfico: Flesh Record Company

Grabado en agosto de 2024 en The Village Recording

Publicado el 14 de noviembre de 2025

Kristoffer Dyssegaard Vejslev es un guitarrista y compositor danés residente en Copenhague. En 2019, se graduó en el Conservatorio de Ámsterdam (CvA), donde estudió con Jesse Van Ruller, Reinier Baas y Peter Bernstein, además de recibir clases particulares de Jakob Bro. Su estilo interpretativo combina las influencias internacionales del jazz que absorbió en el conservatorio con una sensibilidad nórdica forjada en su crianza en Copenhague.

Como compositor de tercera generación está profundamente influenciado por su padre, Jakob Vejslev, y su abuelo, Tony Vejslev, ambos reconocidos por sus melodías basadas en poesía danesa. Este legado se refleja en su enfoque lírico de la composición y la interpretación de la guitarra, como señala Politiken, que lo describe como «un guitarrista versátil que entrelaza múltiples hilos tanto en su interpretación como en sus composiciones».

Ha compuesto más de 70 piezas y publicado seis álbumes con grupos como Red Gazelle Trio, Vulture Forest, Vejslev Exploration Band y Vejslev / Brunbjerg / Elhøj. Su música ha recibido elogios de la crítica, habiendo actuado en Dinamarca, Escandinavia, Europa y China. En 2023, fue incluido como artista en Jazz Guitar Today.

El trío Vejslev, Brunbjerg, Elhøj lleva varios años colaborando juntos. El bajista Martin Brunbjerg y el baterista Rasmus Elhøj se conocieron durante sus estudios en el conservatorio de Odense, donde su química musical surgió al instante. Cuando el guitarrista Kristoffer Vejslev regresó a Copenhague tras cuatro años en el conservatorio de Ámsterdam, formó el trío.

Inspirados por artistas como Thelonious Monk y Lennie Tristano, poco a poco han ido creado un sonido personal e innovador, manteniendo siempre al oyente alerta y desafiando los límites del jazz.

Su último álbum, “iTs a RioT!”, lo integran once temas: nueve estándares y dos originales. Por lo que respecta a los estándares, el grupo los recrea, dotándolos de una nueva vida con un toque irreverente e imaginativo. Para la ocasión, el trío invita a tres músicos que enriquecen el espacio sonoro: El virtuoso del clarinete bajo alemán, Rudi Mahall; el saxofonista alto sueco Hannes Bennich y el aclamado pianista danés Simon Toldam.

El disco abre con dos temas de Thelonious Monk. Por un lado "Monk's Dream", que ejecutan de forma contundente. La guitarra de Vejslev tiene un tono cálido. Los músicos invitados son Rudi Mahall al clarinete bajo y Hannes Bennich al saxo tenor. Mahall aporta su estilo excéntrico, con un sonido crudo y enérgico que a veces se asemeja a un saxo. Por su parte, Bennich, aporta un tono cálido y fluido. El segundo tema de Monk es "Ask with now", donde solo participa Mahall, retorciendo la melodía danso paso a la guitarra de Vejslev que con frases de una sola nota restablece el orden, hasta que Mahall entra de nuevo.

Le sigue “Ricochet”, una improvisación colectiva, donde el contrabajo y el piano del invitado Simon Toldam se lanzan cuesta abajo y sin frenos, acompañados de la batería de Elhøj y la guitarra de Vejslev, resultando una pieza de enorme energía para terminar de forma súbita "In the Wee Small Hours of the Morning", de David Mann y Bob Hilliard, e<<s una lenta y melancólica balada que contrasta con la energía mostrada hasta ahora. Interpretada a trío, con la clara guitarra de Vejslev flotando junto al contrabajo y, en un segundo pkano, las escobillas..

"Smog Eyes" de Ted Brown, la interpretan al unísono Bennich y Mahall, pero eso solo ocurre durante algo más de un minuto, pues el tema se desvanece súbitamente.

En "Goodbye" de Gordon Jenkins, Vejslev toca su Telecaster con pedal, con Brunbjerg pulsando como los latidos del corazón y Elhøj comedido al máximo para no interferir en la hermosa balada de Vejslev. Precioso tema.

Sigue un breve "Tricotism" de Oscar Pettiford, donde Martin Brunbjerg es el protagonista a dúo junto a Elhøj. Excelente interpretación.

Vuelve el ritmo trepidante con "Lennie's Pennies", de Lennie Tristano. De nuevo el invitado Bennich con su intensidad característica y lo mismo podemos decir de la guitarra de Vejslev. El contrabajo y la batería mantiene el pulso sin desfallecer.

El trío firma “We See”, un tema introspectivo con el contrabajo y el piano de Toldam, en un ejercicio de minimalismo nórdico. Un interesante tema.

Otro tema de Monk, “Well You Needn't”, nos saca de ese estado de ensimismamiento al que nos había llevado “We See”, y nos devuelve al ritmo desafiante con Bennich y Mahall a tope, entrelazándose en un fraseo vanguardista y estridente, configurando un excelente tema.

Para cerrar, el precioso tema de Billy Strayhorn "A Flower Is a Lovesome Thing", con Toldam al piano. Notas, las justas, ni una más ni una menos. Un alarde de aparente simplicidad e improvisación, en este clásico que reinventan de forma maravillosa.

Como escribe el trío en el álbum: “Nuestro enfoque se basa en la curiosidad, un poco de irreverencia y un profundo respeto por la energía que impulsó esta música. Aquí hay espacio para la reflexión serena y el lirismo espacioso, pero también para el ruido crudo, el humor perverso y los cambios repentinos. Nos inclinamos hacia lo inestable y lo inesperado. A veces está cuidadosamente controlado, otras veces se tambalea al borde del colapso, pero siempre con confianza, atención y una alegría infalible”.

"It's a Riot!” es un excelente álbum, una visión audaz, atrevida y lírica del jazz tradicional y del propio.

La Habitación del Jazz

Rasmus Kjær - Nicolas Masson - Noé Franklé CD: Underlake

 

Pistas

1.Almost Weightless 2.Slow Swell 3.Adrift 4.Flood Signal 5.Unidentified Submerged Object 6.Ondine in Silhouette.

Interpretes

Rasmus Kjær - piano
Nicolas Masson - saxo tenor, saxo soprano, clarinete
Noé Franklé - batería

Sello discográfico: Hobby Horse Music

Grabado en Phonotope Studio, Renens, Suiza el 7 y 8 de julio de 2023

Publicado el 31 de octubre de 2025

Rasmus Kjær Larsen es un pianista y compositor residente en Copenhague. Se formó en el Det Jyske Musikkonservatorium entre 2003 y 2008, donde estudió piano con Butch Lacy, entre otros. Realizó varios viajes a Estados Unidos y Brasil para estudiar y escuchar.
De niño recibió formación de piano clásico y ganó el tercer premio en el Concurso Steinway de Dinamarca en 1992. Más tarde, su interés por la música improvisada lo llevó a dedicarse al jazz y, al mudarse a Aarhus para estudiar, comenzó a frecuentar las jams locales de jazz.
Ha colaborado con algunos de los artistas más destacados de la escena underground danesa y ha publicado varios álbumes aclamados por la crítica, que abarcan desde la improvisación acústica hasta la música electrónica.
Con el aclamado colectivo Under Byen (2007-2009), Rasmus realizó giras por Europa y Norteamérica, a la vez que comenzó a componer música para sus propios proyectos. En 2012 lanzó su debut como líder de banda: el álbum de jazz en trío “Broken Bow”, con el baterista Kresten Osgood y el bajista Jonas Westergaard. En 2016 lanzó su aclamado álbum de órgano de iglesia solista “Orgelimprovisationer” y en 2019 su álbum de sintetizadores “Turist”, que ganó el premio al mejor nuevo LP en los Premios Anuales Vinyl Anachronist 2020 de la revista online, Perfect Sound Forever.

Además de sus propios lanzamientos, ha colaborado con artistas como Klimaforandringer, SVIN, Henriette Sennenvaldt, BISSE y Frisk Frugt, y ha tocado en festivales de toda Europa.
De 2022 a 2023, Kjær vivió cerca de Ginebra, Suiza. Allí conoció al saxofonista Nicolas Masson y al baterista Noé Franklé, con quienes formó un trío y grabó el álbum “Underlake” (2025), con el que marca el regreso al trío de piano de cámara, tras haber participado en proyectos para órgano solista, con sintetizadores y colaboraciones de avant-jazz.

“Underlake” se concibió durante el año que Kjær vivió cerca del lago Lemán. Grabado justo antes de que Kjær partiera de Suiza en 2023, el álbum captura la conexión del artista con el paisaje que rodea el lago Lemán.

El trío de Kjær está formado por el saxofonista y clarinetista suizo afincado en Ginebra, Nicolas Masson (conocido por sus álbumes de ECM, quien también participó en la foto de portada), y el baterista (y productor e ingeniero de sonido) Noé Franklé.

El antiguo profesor de Kjær, el fallecido pianista estadounidense Butch Lacy, le pidió a Kjær que se imaginara flotando en un lago, escuchando los tonos que surgían de las profundidades como burbujas. Kjær lo tomó al pie de la letra y compuso "Almost Weightless", mientras flotaba en el lago Lemán, rodeado de montañas y agua. La sobriedad del tema es abrumadora. Notas lentas y entrecortadas, espartanas y tenues cuya escucha requiere paciencia y una predisposición a lo desconocido y oscuro.

El piano introduce con notas tétricas "Slow Swell", donde Masson toma el protagonismo y Franklé acompaña con sutiliza. Pieza de gran intensidad, cuya escucha requiere concentración, al igual que el resto del álbum.

De las seis composiciones del álbum, cuatro se basan en un modo único de 7 tonos inventado por el propio Kjær. Hay dos excepciones a la regla: una es “Adrift”, una pieza totalmente improvisada, puro jazz vanguardista y la otra es la que cierra el disco, “Ondine in Silhouette”, canción de corte más tradicional y cinematográfico, melódica, inspirada en la mítica ninfa del agua que atrae a los marineros con su canto de sirena.

“Flood Signal” mantiene el carácter sombrío de los dos primeros cortes. Masson sobrevuela con solvencia por encima del piano y la batería. Deliberadamente, la música nos aleja de lo cotidiano y nos traslada a un mundo onírico, con el agua como protagonista.

"Unidentified Submerged Object" cuenta con el clarinete de Masson que aporta un matiz amenazante, en consonancia con el resto del álbum.

A pesar de su aparente simplicidad, estamos ante un jazz complejo, matizado con musicas del mundo y clásica, donde la naturaleza está presente, principalmente el elemento agua.

Seis piezas reflexivas y misteriosas de poderosa atracción, absorbentes. Música dirigida a los que están dispuestos a profundizar y reflexionar.

El resultado es un mundo sonoro descrito por Kjær como "oscuro pero hermoso".

La Habitación del Jazz

JEREMY ROSE CD: Infinity II

 

Pistas

1.Full Moon 2.Futures 3.The Great Wave off Kanagawa 4.Resonance 5.Lexicon Quarter 6.Perpetual Motion 7.Impermanence 8.Ephemeral Dance 9.Tides 10.From Now On

Intérpretes

Jeremy Rose – saxo tenor, saxo soprano, clarinete bajo
Novak Manojlovic  - teclado, sintetizadores
Ben Carey – sintetizador modular
Tully Ryan – batería

 

Sello discográfico: Earshift Music

Grabado en vivo en Lazybones Lounge en Marrickville, Sídney, Australia

Publicado el 14 de noviembre de 2025

 

Nacido en Sídney, Australia, el saxofonista y compositor Jeremy Rose se familiarizó con la música desde muy joven. Sus padres lo acercaron al jazz y a la música del mundo a través de su colección de discos, inspirándose especialmente en la música de Miles Davis, John Coltrane y Cannonball Adderley. Comenzó a estudiar piano a los seis años y clarinete a los ocho, antes de empezar a tocar el saxofón a los once. Rose estaba decidido a ser director de banda, formando su primer grupo en la escuela primaria y componiendo solos para todos los intérpretes.
Como estudiante de música en el Conservatorio de Música de Sídney, estudió con Dale Barlow, Phil Slater, Judy Bailey y Mike Nock. Recibió la Mención Honorífica del Decano Margaret Henderson en 2005. En 2006, pasó seis meses de intercambio en Oslo, Noruega, estudiando composición con Geir Lysne. En 2007, completó su Licenciatura en Música (saxofón jazz) con honores de primera clase.
Posee innumerables nominaciones y premios, así como, invitaciones a participar en seminarios y becas.
Rose fundó el cuarteto de jazz de raíces mundiales The Vampires en 2005, con el que publicó seis álbumes.

En 2016, Rose formó la Earshift Orchestra, compuesta por algunos de los improvisadores más creativos de su generación, y lanzó su suite extendida “Iron in the Blood” (ABC Jazz), inspirada en el libro de Robert Hughes “The Fatal Shore”. Se trata de una producción musical con una orquesta de jazz de 17 músicos, proyecciones visuales y narración de dos actores que explora la historia colonial de Australia. Música extraordinaria, que recuerda a obras comparables como “Freedom Now Suite” de Max Roach y “Blood on the Fields” de Wynton Marsalis.

En 2009, Rose fundó Earshift Music, un sello discográfico de jazz con sede en Sídney que refleja la nueva generación de talentos de la escena jazzística australiana con alcance global.

Rose ha recibido encargos y ha actuado en el ámbito de la música clásica contemporánea

Rose ha colaborado internacionalmente con artistas como Lionel Loueke y Kurt Rosenwinkel, y dentro de Australia con miembros de The Necks, en particular con el pianista Chris Abrahams y el bajista Lloyd Swanton. Ha realizado numerosas actuaciones y giras por Australia, Europa y el Reino Unido.

Project Infinity es un cuarteto inmersivo y transgresor liderado por Jeremy Rose, que reúne al pianista Novak Manojlovic, al baterista Tully Ryan y al artista de sintetizadores modulares Ben Carey.

Novak Manojlovic es pianista, compositor e improvisador residente en Sídney y actual director artístico de SIMA (Asociación de Música Improvisada de Sídney). Su obra explora contrastes —acústicos y electrónicos, diatónicos y atonales—, dando forma a una voz distintiva que lleva la composición y la práctica interpretativa tradicionales a contextos contemporáneos. Ha publicado música bajo su propio nombre, así como con proyectos como Grown Ocean, HEKKA, NoMansLand y Colourfields, y ha colaborado con artistas como NGAIIRE, Sampa the Great y Godtet.
Ben Carey es un compositor, improvisador e investigador de sintetizadores modulares aclamado internacionalmente, cuyos lanzamientos recientes incluyen “Metastability” (2023) y el álbum a dúo “Vaporous Matter” (2025) con Joshua Hyde. Su trabajo explora la interacción hombre-máquina en tiempo real, la improvisación y la experiencia espacial.
Tully Ryan es un baterista dinámico y versátil, conocido por su trabajo audaz con el conjunto Godtet, que desafía los géneros. Su profundidad y fluidez rítmicas anclan e impulsan las estructuras de improvisación con precisión y energía.

“Este grupo está formado por algunos artistas con los que me identifico especialmente” afirma Rose.

“Infinity II” es su segundo álbum, tras el aclamado Project Infinity: Live at Phoenix Central Park, y el 26.º lanzamiento de Rose como líder (más de 150 en total). El álbum se grabó en vivo en Lazybones Lounge en Marrickville, Sídney, Australia.

La música que contiene es de difícil catalogación, pero podríamos decir que se trata de jazz, música ambiental, hip-hop. electrónica, etérea, minimalista, cinematográfica y, todo ello, bañado con musica tradicional de oriental.

Música improvisada, que suena a compuesta, elaborada y libre, creadora de bellos paisajes sonoros.

El disco abre con “Full Moon". Es un comienzo escalofriante, enigmático, como si algo fuera de lo normal estuviera a punto de ocurrir. Un sonido minimalista lleno de suspense donde la percusión, los sintetizadores y el saxofón interactúan.

La música se interpretó como una pieza única de larga duración, sin sobre grabaciones y con una edición mínima. Posteriormente, se editó en pistas distintas. Esta edición es el motivo por el que este primer corte del disco se interrumpe de forma abrupta, dando paso a "Futures", que es una continuación natural del anterior tema. Aquí el saxo explora terrenos coltrenianos junto a la batería y los sintetizadores de fondo. Un tema muy bello que da paso sin solución de continuidad a “The Great Wave Off Kanagawa”, en realidad la misma pieza que continua con los mismos esquemas: batería potente, teclados etéreos, ambiente espacial y un saxo cautivador. Una canción de gran tensión.

"Resonance" es un tema con personalidad propia, cercano al hip-hop, caracterizado por el imaginativo clarinete bajo, la batería y los sintetizadores con su continuo sonido envolvente. Un tema que hace que te muevas siguiendo su ritmo. Otro interesante corte que hay que escuchar con un volumen alto para disfrutar plenamente.

“Lexicon Quarter” es el tema de menor duración del disco, una especie de intermedio musical preparatorio para lo que viene después, que no es otra cosa que "Perpetual Motion", un tema fluido lleno de tensión, impulsado  por la batería. El saxo se expresa desgarrador y agresivo en sus improvisaciones libres de ataduras.

Con "Impermanence" disfrutamos de una merecida relajación, evocadora de escenas futuristas de la maravillosa saga cinematográfica “Blade Runner”. Qué gozada de tema.

"Ephemeral Dance" es otro corte breve, que comienza con sonidos de sintetizadores, a los que se une la batería y el clarinete bajo a la mitad del tema, ganando en expresividad y conectando, de nuevo sin solución de continuidad, con “Tides” que continua su intensa expansión sonora, apoyado por la contundente batería. Otro interesante tema, ¡van 9 de 9!.

El disco cierra con "From Now On" una continuación del anterior corte, donde la evocación cinematográfica nos vuelve a trasladar a esos paisajes futuristas. Un momento de relajación e incertidumbre, lleno de recuerdos, nos invade.

La calidad de la grabación es sobresaliente. La interpretación es cautivadora.

Los teclados y sintetizadores, junto a las contribuciones modulares, crean profundos espacios y sutiles contrapuntos, mientras la batería alterna el pulso minimalista con un dinamismo y fuerza impulsores. Las líneas de los saxos y clarinete, líricas, potentes y de gran imaginación, se integran de forma natural en esos paisajes sonoros.

El resultado es una música emocionante, repleta de hermosos sonidos y melodías poderosas y sutiles.

Solamente tengo una duda: ¿hubiera sido más acertado  presentar la grabación como una sola canción (quizás dos)?

En cualquier caso, “Infinity II” es un excelente trabajo.

La Habitación del Jazz

EMMA RAWICZ CD: Inkyra

 

Pistas

1. Earthrise 2. Particles of Change 3. Time and Other Thieves 4. A Portrait of Today 5. Lunar 6. Moondrawn (dreaming) 7. Anima Rising 8. All My Yellow Afternoons 9. Marflauta shmallow Tree 10. A Long Goodbye

Interpretes

Emma Rawicz – saxo tenor, saxo soprano

Gareth Lockrane – flauta, flauta, flauta bajo, flauta piccolo

David Preston - guitarra

Scottie Thompson - Rhodes, piano, Prophet

Kevin Glasgow – bajo eléctrico

Jamie Murray - batería

Sello discográfico: ACT Music

Grabado en Livingston Studios, los días 7,8 y 9 de octubre de 2024

Publicado el 3 de octubre de 2025

Emma Rawicz, nacida en North Devon (Inglaterra), es una joven saxofonista, directora de banda y compositora. Ha realizado extensas giras por 15 países; conciertos como solista con la Orquesta de Conciertos de la BBC en el Queen Elizabeth Hall y con la Big Band de la Radio Alemana SWR en la Filarmónica de Berlín.Fue la Artista en Residencia más joven de la historia del Festival de Jazz de Cambridge.

Rawicz también es una educadora apasionada y es muy solicitada como instructora de clases magistrales, habiendo impartido recientemente talleres en Dinamarca, Lituania y Noruega, además de contar con una sólida presencia educativa en el Reino Unido para músicos de todas las edades.

Posee una enorme formación académica que incluye el Trinity College of Music (Londres), la Chetham's School of Music (Manchester), donde estudió piano clásico, trompa y composición, y la Royal Academy of Music (Londres), donde se graduó del curso de jazz con honores de primera clase y obtuvo el "Premio del Director" por su destacada trayectoria.

Rawicz se impone una agenda de trabajo exigente. Durante la pandemia de coronavirus, empezó a documentar sus rutinas de práctica en Instagram, lo que ha permitido que decenas de miles de personas sigan su evolución desde entonces. Realiza giras por toda Europa, tocando en importantes salas de conciertos, encabezando importantes festivales y componiendo constantemente nueva música. Dirige su propia Orquesta de Jazz Emma Rawicz y recientemente se convirtió en Artista de Nueva Generación de la BBC, uniéndose al prestigioso programa con el que la BBC apoya a algunos de los nuevos talentos más prometedores del mundo en diversos géneros musicales.

Con tan solo 23 años, ha publicado dos álbumes “Incantation” (2022) y “Chroma” (2023).

"Parte de la inspiración para la música proviene de Joni Mitchell". Puede que al principio suene extraño, porque las piezas no suenan como música de cantautor. Sin embargo, me sumergí en su música antes de componer el programa. Me fascina su forma de estructurar las melodías, su uso de la armonía, las afinaciones inusuales y los acordes desconocidos que no se escuchan en el jazz. Eso me influyó en el piano y, a su vez, moldeó mi trabajo como compositora. El resultado es una identidad única. También me inspiré en las letras, que aparecen en los títulos de las piezas y que también han inspirado el nombre fantástico del álbum” afirma Rawicz.

Su más reciente trabajo, “Inkyra”, comenzó a gestarse en una clase con Pete Churchill en la Royal Academy of Music. Rawicz y el grupo probaron por primera vez el repertorio en un pequeño club nocturno de Londres, ante un público diverso y de pie. No querían medir tanto el comportamiento de los músicos como el impacto emocional y físico en el público.

El álbum fue grabado con el sexteto formado por Gareth Lockrane (flauta), David Preston (guitarra), Scottie Thompson (teclados), Kevin Glasgow (bajo eléctrico) y Jamie Murray (batería).

Para Rawicz el jazz es, sobre todo, una fuente inagotable de inspiración creativa. “Siempre hay algo nuevo que descubrir. Mientras practicas, se pueden desarrollar muchísimas cosas nuevas”, afirma.

Rawicz nunca busca el camino fácil, y su deseo de desafiar al público es fundamental. Y ese espíritu innovador ha quedado impregnado en las diez composiciones originales que contiene el álbum.

El disco abre con la reflexiva y muy interesante “Earthrise”, una pieza breve, con un sonido cinematográfico espiritual y espacial, cautivador. Preciosa la intervención de Rawicz.

El segundo corte es otra interesante composición titulada "Particles of Change". Rawicz controla el espacio con autoridad, mientras la batería de Murray eleva el tono. Excelente Thompson, tensionando aún más el espectro sonoro. Narrativa melódica compleja con enrevesadas ​y armonías cambiantes.

"Time and Other Thieves” mantiene un ritmo constante gracias a la percusión. El rock sinfónico se funde con sonido sicodélico donde la improvisación se codea con lo escrito dando como resultado otro tema cinematográfico.

En “A Portrait of Today” Rawicz muestra su capacidad para construir narrativas musicales complejas, dinámicos cambios de textura. Sonido fusión de los setenta. Solos de Thompson y Preston. La sección rítmica mantiene la tensión durante todo el desarrollo del tema.

"Lunar” no llega al minuto de duración, sirve para que su sonido espacial y contundente, conecte, sin solución de continuidad, con el siguiente corte del álbum, “Moondrawn”, que presenta un sonido más pesado y poderoso, diversas texturas superpuestas, rock progresivo con momentos de aparente relajación.

La exuberante “Anima Rising” contiene un solo de guitarra de Preston más que notable. Y qué decir de Rawicz, rebosa energía y sensualidad. Jazz a tope con sonido orquestal.

"All My Yellow Afternoons" toma la misma senda instrumental. Murray, incansable, imprime dinamismo y profundidad rítmica, como lo hace en todo el álbum.

"Marshmallow Tree" tiene sabor a samba brasileña. La flauta de Lockrane da ligereza y, como hace en el resto de temas, aporta un amplio lirismo con su sonido.

El álbum cierra con “A Long Goodbye”, una pieza casi tan corta como la de apertura y con las mismas características de aquella.

Rawicz define “Inkyra” como un “viaje cósmico”. Un viaje que nos sorprende con sutiles matices y gradación de texturas, con temas audaces, enérgicos y sutiles, llenos de contrastes, capaces de transmitir pasión y ternura.

Un disco, y una intérprete y compositora, a tener en cuenta.

La Habitación del Jazz