MAXIMILIAN HERING CD: The Gathering

 

Pistas

1.Moles on her skin 2.Ojo de Madera 3.The Gathering 4.519 km is too far for kissing you 5.Oliver 6.Route A66 7.Entre tú y yo 8.Gleisgeflüster 9.Summer in PT

 

Intérpretes

Fernando Brox – flauta
Edu Cabello – saxo alto, clarinete bajo
Victor Carrascosa – trompeta, flugelhorn
David Muñoz – contrabajo
Maximilian Hering – batería

Invitada

Lucia Fumero – piano (1,4)

 

Sello discográfico: Klangraum Records

Grabado el 20 y 21 de mayo de 2024 en Sol de Sants Studios, Barcelona (España).

Publicado el 23 de enero de 2026

 

Maximilian Hering, nacido en  Wiesbaden, es baterista y músico residente en Colonia, Alemania. Ha tocado la batería durante la mayor parte de su vida: recibió su primera batería a los cuatro años de edad y recibió clases formales desde los cinco. En 2019, se graduó en el Conservatorio ArtEZ de Arnhem con una Licenciatura en Música.
En su trayectoria musical, Hering ha colaborado con una amplia variedad de bandas. Además de numerosos conciertos por toda Europa Central, participó en una treintena de producciones de álbumes y EP.
Compone para sus bandas Red Hering, Maximilian Hering Group y The Foaming Waves, pero también para películas, como el cortometraje Feindesland (2016) de Christine Wetzel y El Hamdu Lillah (2018) de Jonathan Kaiser. Además, colabora regularmente con el estudio de música para cine y sello discográfico Klangraum. En 2022 lanzó su primer álbum, "Nostalgia", y posteriormente el EP "Max Hering & The Foaming Waves". En octubre de 2024, Red Hering debutó en la serie Jazz Thing Next Generation con el álbum "Butter bei die Fische". Es muy solicitado como acompañante de bandas, como Engel Trio, The New Hot, Sol Jang Trio, Sara Bax, Haberecht 4 y MAR.CO, entre otras. Hering  explora las posibilidades del trabajo interdisciplinario y le apasiona la combinación de la danza con la batería y los sonidos. Desde 2021 colabora con los bailarines/coreógrafos Sabrina Gargano y Rafa Jagat (Compañía Elelei), últimamente en su nueva creación Too Much.

Uno de los proyectos de Hering es el Maximilian Hering Group, un conjunto sin acordes que combina instrumentos de viento y ritmo. Fundado en 2018, cuando Hering reunió a sus músicos favoritos de la escena de jazz local de Barcelona para una actuación en un club. Inicialmente el grupo estaba formado por dos instrumentos de viento, bajo y batería. Posteriormente se añadió una flauta y en su último trabajo hasta la fecha, “The Gathering” (2026, Klangraum Records), el piano.

De los nueve cortes del disco, cinco son originales de Hering, dos de David Muñoz, uno de Fernando Brox y otro de Edu Cabello.

El disco inicia su andadura con “Moles On Her Skin” de Hering, un tema lleno de optimismo, con sabor brasileño y un fraseo vivo, donde aparece por primera vez Lucía Fumero al piano.

“Ojo de Madera” de Cabello, se inspira en un trozo de madera que parece devolver la mirada. La percusión de Hering y el contrabajo de Muñoz marcan el terreno y contrastan con el sonido de la flauta de Brox y resto de vientos. El tema deriva en una enérgica improvisación.

“The Gathering”, firmada por Hering,  da título al álbum. Un poderoso comienzo de Brox, secundado por el contrabajo de Muñoz, seguido de sendos solos de Carrascosa,  Cabello y Hering. Una excelente pieza donde brilla la colectividad.

Fumero hace su segunda aparición en “519 Km Is Too Far For Kissing You”, de Hering, una romántica y relajante balada que da paso al clásico “Oliver” de Brox, dedicado al compositor Olivier Messiaen. Vanguardia y originalidad se entremezclan en este extraño tema.

Como contraste el funky  "Route A66", una composición de Hering, donde destacan los solos de Cabello, con Brox y Hering como impulsores. Un tema muy divertido.

“Entre tú y yo” de Muñoz, es otra de las canciones que  exploran diferentes facetas del amor. El clarinete bajo da las pinceladas melancólicas que calman el ambiente. Pieza en cierta medida sombría y muy Íntima. Solo de Carrascosa, acompañado de Brox. El pulso lo mantienen a la perfección el propio Muñoz y Hering.

Otra pieza “seria” e introspectiva es "Gleisgeflüster" de Hering, a la que parece le cuesta arrancar. Sonidos de trenes nocturnos de mercancías y de animales selváticos. No hay melodía.

El álbum cierra con "Summer in PT", de Muñoz. Hering y Muñoz establecen una base rítmica cambiante y alegre que favorece los solos de los vientos.
No cabe duda que el grupo tiene una química natural, que contribuye a una agradable sensación de integración colectiva.

Hering y Muñoz dominan el ritmo a la perfección, lo que da espacio suficiente para que los solistas puedan tocar con gran libertad, creativos, sin cortapisas.

Excelente jazz contemporáneo, no apto para una escucha distraída.

La Habitación del Jazz

Vejslev / Brunbjerg / Elhøj CD: iTs a RioT!

 

Pistas

1.Monk's Dream 2.Ask Me Now 3.Ricocliet 4.In the Wee Small Hours of the Morning 5.Smog Eyes 6.Goodbye 7.Tricotism 8.Lennie's Pennies 9.We See 10.Well You Needn't 11.A Flower Is a Lovesome Thing 

Interpretes

KristoNer Vejslev - guitarra

Martin Brunbjerg Rasmussen – contrabajo

Rasmus Elhøj Jensen - batería

Invitados

Rudi Mahall – clarinete bajo (1, 2, 5, 10)

Hannes Bennich – saxo tenor (1, 5, 8, 10)

Simon Toldam – piano (3, 9, 11)

Sello discográfico: Flesh Record Company

Grabado en agosto de 2024 en The Village Recording

Publicado el 14 de noviembre de 2025

Kristoffer Dyssegaard Vejslev es un guitarrista y compositor danés residente en Copenhague. En 2019, se graduó en el Conservatorio de Ámsterdam (CvA), donde estudió con Jesse Van Ruller, Reinier Baas y Peter Bernstein, además de recibir clases particulares de Jakob Bro. Su estilo interpretativo combina las influencias internacionales del jazz que absorbió en el conservatorio con una sensibilidad nórdica forjada en su crianza en Copenhague.

Como compositor de tercera generación está profundamente influenciado por su padre, Jakob Vejslev, y su abuelo, Tony Vejslev, ambos reconocidos por sus melodías basadas en poesía danesa. Este legado se refleja en su enfoque lírico de la composición y la interpretación de la guitarra, como señala Politiken, que lo describe como «un guitarrista versátil que entrelaza múltiples hilos tanto en su interpretación como en sus composiciones».

Ha compuesto más de 70 piezas y publicado seis álbumes con grupos como Red Gazelle Trio, Vulture Forest, Vejslev Exploration Band y Vejslev / Brunbjerg / Elhøj. Su música ha recibido elogios de la crítica, habiendo actuado en Dinamarca, Escandinavia, Europa y China. En 2023, fue incluido como artista en Jazz Guitar Today.

El trío Vejslev, Brunbjerg, Elhøj lleva varios años colaborando juntos. El bajista Martin Brunbjerg y el baterista Rasmus Elhøj se conocieron durante sus estudios en el conservatorio de Odense, donde su química musical surgió al instante. Cuando el guitarrista Kristoffer Vejslev regresó a Copenhague tras cuatro años en el conservatorio de Ámsterdam, formó el trío.

Inspirados por artistas como Thelonious Monk y Lennie Tristano, poco a poco han ido creado un sonido personal e innovador, manteniendo siempre al oyente alerta y desafiando los límites del jazz.

Su último álbum, “iTs a RioT!”, lo integran once temas: nueve estándares y dos originales. Por lo que respecta a los estándares, el grupo los recrea, dotándolos de una nueva vida con un toque irreverente e imaginativo. Para la ocasión, el trío invita a tres músicos que enriquecen el espacio sonoro: El virtuoso del clarinete bajo alemán, Rudi Mahall; el saxofonista alto sueco Hannes Bennich y el aclamado pianista danés Simon Toldam.

El disco abre con dos temas de Thelonious Monk. Por un lado "Monk's Dream", que ejecutan de forma contundente. La guitarra de Vejslev tiene un tono cálido. Los músicos invitados son Rudi Mahall al clarinete bajo y Hannes Bennich al saxo tenor. Mahall aporta su estilo excéntrico, con un sonido crudo y enérgico que a veces se asemeja a un saxo. Por su parte, Bennich, aporta un tono cálido y fluido. El segundo tema de Monk es "Ask with now", donde solo participa Mahall, retorciendo la melodía danso paso a la guitarra de Vejslev que con frases de una sola nota restablece el orden, hasta que Mahall entra de nuevo.

Le sigue “Ricochet”, una improvisación colectiva, donde el contrabajo y el piano del invitado Simon Toldam se lanzan cuesta abajo y sin frenos, acompañados de la batería de Elhøj y la guitarra de Vejslev, resultando una pieza de enorme energía para terminar de forma súbita "In the Wee Small Hours of the Morning", de David Mann y Bob Hilliard, e<<s una lenta y melancólica balada que contrasta con la energía mostrada hasta ahora. Interpretada a trío, con la clara guitarra de Vejslev flotando junto al contrabajo y, en un segundo pkano, las escobillas..

"Smog Eyes" de Ted Brown, la interpretan al unísono Bennich y Mahall, pero eso solo ocurre durante algo más de un minuto, pues el tema se desvanece súbitamente.

En "Goodbye" de Gordon Jenkins, Vejslev toca su Telecaster con pedal, con Brunbjerg pulsando como los latidos del corazón y Elhøj comedido al máximo para no interferir en la hermosa balada de Vejslev. Precioso tema.

Sigue un breve "Tricotism" de Oscar Pettiford, donde Martin Brunbjerg es el protagonista a dúo junto a Elhøj. Excelente interpretación.

Vuelve el ritmo trepidante con "Lennie's Pennies", de Lennie Tristano. De nuevo el invitado Bennich con su intensidad característica y lo mismo podemos decir de la guitarra de Vejslev. El contrabajo y la batería mantiene el pulso sin desfallecer.

El trío firma “We See”, un tema introspectivo con el contrabajo y el piano de Toldam, en un ejercicio de minimalismo nórdico. Un interesante tema.

Otro tema de Monk, “Well You Needn't”, nos saca de ese estado de ensimismamiento al que nos había llevado “We See”, y nos devuelve al ritmo desafiante con Bennich y Mahall a tope, entrelazándose en un fraseo vanguardista y estridente, configurando un excelente tema.

Para cerrar, el precioso tema de Billy Strayhorn "A Flower Is a Lovesome Thing", con Toldam al piano. Notas, las justas, ni una más ni una menos. Un alarde de aparente simplicidad e improvisación, en este clásico que reinventan de forma maravillosa.

Como escribe el trío en el álbum: “Nuestro enfoque se basa en la curiosidad, un poco de irreverencia y un profundo respeto por la energía que impulsó esta música. Aquí hay espacio para la reflexión serena y el lirismo espacioso, pero también para el ruido crudo, el humor perverso y los cambios repentinos. Nos inclinamos hacia lo inestable y lo inesperado. A veces está cuidadosamente controlado, otras veces se tambalea al borde del colapso, pero siempre con confianza, atención y una alegría infalible”.

"It's a Riot!” es un excelente álbum, una visión audaz, atrevida y lírica del jazz tradicional y del propio.

La Habitación del Jazz

Rasmus Kjær - Nicolas Masson - Noé Franklé CD: Underlake

 

Pistas

1.Almost Weightless 2.Slow Swell 3.Adrift 4.Flood Signal 5.Unidentified Submerged Object 6.Ondine in Silhouette.

Interpretes

Rasmus Kjær - piano
Nicolas Masson - saxo tenor, saxo soprano, clarinete
Noé Franklé - batería

Sello discográfico: Hobby Horse Music

Grabado en Phonotope Studio, Renens, Suiza el 7 y 8 de julio de 2023

Publicado el 31 de octubre de 2025

Rasmus Kjær Larsen es un pianista y compositor residente en Copenhague. Se formó en el Det Jyske Musikkonservatorium entre 2003 y 2008, donde estudió piano con Butch Lacy, entre otros. Realizó varios viajes a Estados Unidos y Brasil para estudiar y escuchar.
De niño recibió formación de piano clásico y ganó el tercer premio en el Concurso Steinway de Dinamarca en 1992. Más tarde, su interés por la música improvisada lo llevó a dedicarse al jazz y, al mudarse a Aarhus para estudiar, comenzó a frecuentar las jams locales de jazz.
Ha colaborado con algunos de los artistas más destacados de la escena underground danesa y ha publicado varios álbumes aclamados por la crítica, que abarcan desde la improvisación acústica hasta la música electrónica.
Con el aclamado colectivo Under Byen (2007-2009), Rasmus realizó giras por Europa y Norteamérica, a la vez que comenzó a componer música para sus propios proyectos. En 2012 lanzó su debut como líder de banda: el álbum de jazz en trío “Broken Bow”, con el baterista Kresten Osgood y el bajista Jonas Westergaard. En 2016 lanzó su aclamado álbum de órgano de iglesia solista “Orgelimprovisationer” y en 2019 su álbum de sintetizadores “Turist”, que ganó el premio al mejor nuevo LP en los Premios Anuales Vinyl Anachronist 2020 de la revista online, Perfect Sound Forever.

Además de sus propios lanzamientos, ha colaborado con artistas como Klimaforandringer, SVIN, Henriette Sennenvaldt, BISSE y Frisk Frugt, y ha tocado en festivales de toda Europa.
De 2022 a 2023, Kjær vivió cerca de Ginebra, Suiza. Allí conoció al saxofonista Nicolas Masson y al baterista Noé Franklé, con quienes formó un trío y grabó el álbum “Underlake” (2025), con el que marca el regreso al trío de piano de cámara, tras haber participado en proyectos para órgano solista, con sintetizadores y colaboraciones de avant-jazz.

“Underlake” se concibió durante el año que Kjær vivió cerca del lago Lemán. Grabado justo antes de que Kjær partiera de Suiza en 2023, el álbum captura la conexión del artista con el paisaje que rodea el lago Lemán.

El trío de Kjær está formado por el saxofonista y clarinetista suizo afincado en Ginebra, Nicolas Masson (conocido por sus álbumes de ECM, quien también participó en la foto de portada), y el baterista (y productor e ingeniero de sonido) Noé Franklé.

El antiguo profesor de Kjær, el fallecido pianista estadounidense Butch Lacy, le pidió a Kjær que se imaginara flotando en un lago, escuchando los tonos que surgían de las profundidades como burbujas. Kjær lo tomó al pie de la letra y compuso "Almost Weightless", mientras flotaba en el lago Lemán, rodeado de montañas y agua. La sobriedad del tema es abrumadora. Notas lentas y entrecortadas, espartanas y tenues cuya escucha requiere paciencia y una predisposición a lo desconocido y oscuro.

El piano introduce con notas tétricas "Slow Swell", donde Masson toma el protagonismo y Franklé acompaña con sutiliza. Pieza de gran intensidad, cuya escucha requiere concentración, al igual que el resto del álbum.

De las seis composiciones del álbum, cuatro se basan en un modo único de 7 tonos inventado por el propio Kjær. Hay dos excepciones a la regla: una es “Adrift”, una pieza totalmente improvisada, puro jazz vanguardista y la otra es la que cierra el disco, “Ondine in Silhouette”, canción de corte más tradicional y cinematográfico, melódica, inspirada en la mítica ninfa del agua que atrae a los marineros con su canto de sirena.

“Flood Signal” mantiene el carácter sombrío de los dos primeros cortes. Masson sobrevuela con solvencia por encima del piano y la batería. Deliberadamente, la música nos aleja de lo cotidiano y nos traslada a un mundo onírico, con el agua como protagonista.

"Unidentified Submerged Object" cuenta con el clarinete de Masson que aporta un matiz amenazante, en consonancia con el resto del álbum.

A pesar de su aparente simplicidad, estamos ante un jazz complejo, matizado con musicas del mundo y clásica, donde la naturaleza está presente, principalmente el elemento agua.

Seis piezas reflexivas y misteriosas de poderosa atracción, absorbentes. Música dirigida a los que están dispuestos a profundizar y reflexionar.

El resultado es un mundo sonoro descrito por Kjær como "oscuro pero hermoso".

La Habitación del Jazz

JEREMY ROSE CD: Infinity II

 

Pistas

1.Full Moon 2.Futures 3.The Great Wave off Kanagawa 4.Resonance 5.Lexicon Quarter 6.Perpetual Motion 7.Impermanence 8.Ephemeral Dance 9.Tides 10.From Now On

Intérpretes

Jeremy Rose – saxo tenor, saxo soprano, clarinete bajo
Novak Manojlovic  - teclado, sintetizadores
Ben Carey – sintetizador modular
Tully Ryan – batería

 

Sello discográfico: Earshift Music

Grabado en vivo en Lazybones Lounge en Marrickville, Sídney, Australia

Publicado el 14 de noviembre de 2025

 

Nacido en Sídney, Australia, el saxofonista y compositor Jeremy Rose se familiarizó con la música desde muy joven. Sus padres lo acercaron al jazz y a la música del mundo a través de su colección de discos, inspirándose especialmente en la música de Miles Davis, John Coltrane y Cannonball Adderley. Comenzó a estudiar piano a los seis años y clarinete a los ocho, antes de empezar a tocar el saxofón a los once. Rose estaba decidido a ser director de banda, formando su primer grupo en la escuela primaria y componiendo solos para todos los intérpretes.
Como estudiante de música en el Conservatorio de Música de Sídney, estudió con Dale Barlow, Phil Slater, Judy Bailey y Mike Nock. Recibió la Mención Honorífica del Decano Margaret Henderson en 2005. En 2006, pasó seis meses de intercambio en Oslo, Noruega, estudiando composición con Geir Lysne. En 2007, completó su Licenciatura en Música (saxofón jazz) con honores de primera clase.
Posee innumerables nominaciones y premios, así como, invitaciones a participar en seminarios y becas.
Rose fundó el cuarteto de jazz de raíces mundiales The Vampires en 2005, con el que publicó seis álbumes.

En 2016, Rose formó la Earshift Orchestra, compuesta por algunos de los improvisadores más creativos de su generación, y lanzó su suite extendida “Iron in the Blood” (ABC Jazz), inspirada en el libro de Robert Hughes “The Fatal Shore”. Se trata de una producción musical con una orquesta de jazz de 17 músicos, proyecciones visuales y narración de dos actores que explora la historia colonial de Australia. Música extraordinaria, que recuerda a obras comparables como “Freedom Now Suite” de Max Roach y “Blood on the Fields” de Wynton Marsalis.

En 2009, Rose fundó Earshift Music, un sello discográfico de jazz con sede en Sídney que refleja la nueva generación de talentos de la escena jazzística australiana con alcance global.

Rose ha recibido encargos y ha actuado en el ámbito de la música clásica contemporánea

Rose ha colaborado internacionalmente con artistas como Lionel Loueke y Kurt Rosenwinkel, y dentro de Australia con miembros de The Necks, en particular con el pianista Chris Abrahams y el bajista Lloyd Swanton. Ha realizado numerosas actuaciones y giras por Australia, Europa y el Reino Unido.

Project Infinity es un cuarteto inmersivo y transgresor liderado por Jeremy Rose, que reúne al pianista Novak Manojlovic, al baterista Tully Ryan y al artista de sintetizadores modulares Ben Carey.

Novak Manojlovic es pianista, compositor e improvisador residente en Sídney y actual director artístico de SIMA (Asociación de Música Improvisada de Sídney). Su obra explora contrastes —acústicos y electrónicos, diatónicos y atonales—, dando forma a una voz distintiva que lleva la composición y la práctica interpretativa tradicionales a contextos contemporáneos. Ha publicado música bajo su propio nombre, así como con proyectos como Grown Ocean, HEKKA, NoMansLand y Colourfields, y ha colaborado con artistas como NGAIIRE, Sampa the Great y Godtet.
Ben Carey es un compositor, improvisador e investigador de sintetizadores modulares aclamado internacionalmente, cuyos lanzamientos recientes incluyen “Metastability” (2023) y el álbum a dúo “Vaporous Matter” (2025) con Joshua Hyde. Su trabajo explora la interacción hombre-máquina en tiempo real, la improvisación y la experiencia espacial.
Tully Ryan es un baterista dinámico y versátil, conocido por su trabajo audaz con el conjunto Godtet, que desafía los géneros. Su profundidad y fluidez rítmicas anclan e impulsan las estructuras de improvisación con precisión y energía.

“Este grupo está formado por algunos artistas con los que me identifico especialmente” afirma Rose.

“Infinity II” es su segundo álbum, tras el aclamado Project Infinity: Live at Phoenix Central Park, y el 26.º lanzamiento de Rose como líder (más de 150 en total). El álbum se grabó en vivo en Lazybones Lounge en Marrickville, Sídney, Australia.

La música que contiene es de difícil catalogación, pero podríamos decir que se trata de jazz, música ambiental, hip-hop. electrónica, etérea, minimalista, cinematográfica y, todo ello, bañado con musica tradicional de oriental.

Música improvisada, que suena a compuesta, elaborada y libre, creadora de bellos paisajes sonoros.

El disco abre con “Full Moon". Es un comienzo escalofriante, enigmático, como si algo fuera de lo normal estuviera a punto de ocurrir. Un sonido minimalista lleno de suspense donde la percusión, los sintetizadores y el saxofón interactúan.

La música se interpretó como una pieza única de larga duración, sin sobre grabaciones y con una edición mínima. Posteriormente, se editó en pistas distintas. Esta edición es el motivo por el que este primer corte del disco se interrumpe de forma abrupta, dando paso a "Futures", que es una continuación natural del anterior tema. Aquí el saxo explora terrenos coltrenianos junto a la batería y los sintetizadores de fondo. Un tema muy bello que da paso sin solución de continuidad a “The Great Wave Off Kanagawa”, en realidad la misma pieza que continua con los mismos esquemas: batería potente, teclados etéreos, ambiente espacial y un saxo cautivador. Una canción de gran tensión.

"Resonance" es un tema con personalidad propia, cercano al hip-hop, caracterizado por el imaginativo clarinete bajo, la batería y los sintetizadores con su continuo sonido envolvente. Un tema que hace que te muevas siguiendo su ritmo. Otro interesante corte que hay que escuchar con un volumen alto para disfrutar plenamente.

“Lexicon Quarter” es el tema de menor duración del disco, una especie de intermedio musical preparatorio para lo que viene después, que no es otra cosa que "Perpetual Motion", un tema fluido lleno de tensión, impulsado  por la batería. El saxo se expresa desgarrador y agresivo en sus improvisaciones libres de ataduras.

Con "Impermanence" disfrutamos de una merecida relajación, evocadora de escenas futuristas de la maravillosa saga cinematográfica “Blade Runner”. Qué gozada de tema.

"Ephemeral Dance" es otro corte breve, que comienza con sonidos de sintetizadores, a los que se une la batería y el clarinete bajo a la mitad del tema, ganando en expresividad y conectando, de nuevo sin solución de continuidad, con “Tides” que continua su intensa expansión sonora, apoyado por la contundente batería. Otro interesante tema, ¡van 9 de 9!.

El disco cierra con "From Now On" una continuación del anterior corte, donde la evocación cinematográfica nos vuelve a trasladar a esos paisajes futuristas. Un momento de relajación e incertidumbre, lleno de recuerdos, nos invade.

La calidad de la grabación es sobresaliente. La interpretación es cautivadora.

Los teclados y sintetizadores, junto a las contribuciones modulares, crean profundos espacios y sutiles contrapuntos, mientras la batería alterna el pulso minimalista con un dinamismo y fuerza impulsores. Las líneas de los saxos y clarinete, líricas, potentes y de gran imaginación, se integran de forma natural en esos paisajes sonoros.

El resultado es una música emocionante, repleta de hermosos sonidos y melodías poderosas y sutiles.

Solamente tengo una duda: ¿hubiera sido más acertado  presentar la grabación como una sola canción (quizás dos)?

En cualquier caso, “Infinity II” es un excelente trabajo.

La Habitación del Jazz

EMMA RAWICZ CD: Inkyra

 

Pistas

1. Earthrise 2. Particles of Change 3. Time and Other Thieves 4. A Portrait of Today 5. Lunar 6. Moondrawn (dreaming) 7. Anima Rising 8. All My Yellow Afternoons 9. Marflauta shmallow Tree 10. A Long Goodbye

Interpretes

Emma Rawicz – saxo tenor, saxo soprano

Gareth Lockrane – flauta, flauta, flauta bajo, flauta piccolo

David Preston - guitarra

Scottie Thompson - Rhodes, piano, Prophet

Kevin Glasgow – bajo eléctrico

Jamie Murray - batería

Sello discográfico: ACT Music

Grabado en Livingston Studios, los días 7,8 y 9 de octubre de 2024

Publicado el 3 de octubre de 2025

Emma Rawicz, nacida en North Devon (Inglaterra), es una joven saxofonista, directora de banda y compositora. Ha realizado extensas giras por 15 países; conciertos como solista con la Orquesta de Conciertos de la BBC en el Queen Elizabeth Hall y con la Big Band de la Radio Alemana SWR en la Filarmónica de Berlín.Fue la Artista en Residencia más joven de la historia del Festival de Jazz de Cambridge.

Rawicz también es una educadora apasionada y es muy solicitada como instructora de clases magistrales, habiendo impartido recientemente talleres en Dinamarca, Lituania y Noruega, además de contar con una sólida presencia educativa en el Reino Unido para músicos de todas las edades.

Posee una enorme formación académica que incluye el Trinity College of Music (Londres), la Chetham's School of Music (Manchester), donde estudió piano clásico, trompa y composición, y la Royal Academy of Music (Londres), donde se graduó del curso de jazz con honores de primera clase y obtuvo el "Premio del Director" por su destacada trayectoria.

Rawicz se impone una agenda de trabajo exigente. Durante la pandemia de coronavirus, empezó a documentar sus rutinas de práctica en Instagram, lo que ha permitido que decenas de miles de personas sigan su evolución desde entonces. Realiza giras por toda Europa, tocando en importantes salas de conciertos, encabezando importantes festivales y componiendo constantemente nueva música. Dirige su propia Orquesta de Jazz Emma Rawicz y recientemente se convirtió en Artista de Nueva Generación de la BBC, uniéndose al prestigioso programa con el que la BBC apoya a algunos de los nuevos talentos más prometedores del mundo en diversos géneros musicales.

Con tan solo 23 años, ha publicado dos álbumes “Incantation” (2022) y “Chroma” (2023).

"Parte de la inspiración para la música proviene de Joni Mitchell". Puede que al principio suene extraño, porque las piezas no suenan como música de cantautor. Sin embargo, me sumergí en su música antes de componer el programa. Me fascina su forma de estructurar las melodías, su uso de la armonía, las afinaciones inusuales y los acordes desconocidos que no se escuchan en el jazz. Eso me influyó en el piano y, a su vez, moldeó mi trabajo como compositora. El resultado es una identidad única. También me inspiré en las letras, que aparecen en los títulos de las piezas y que también han inspirado el nombre fantástico del álbum” afirma Rawicz.

Su más reciente trabajo, “Inkyra”, comenzó a gestarse en una clase con Pete Churchill en la Royal Academy of Music. Rawicz y el grupo probaron por primera vez el repertorio en un pequeño club nocturno de Londres, ante un público diverso y de pie. No querían medir tanto el comportamiento de los músicos como el impacto emocional y físico en el público.

El álbum fue grabado con el sexteto formado por Gareth Lockrane (flauta), David Preston (guitarra), Scottie Thompson (teclados), Kevin Glasgow (bajo eléctrico) y Jamie Murray (batería).

Para Rawicz el jazz es, sobre todo, una fuente inagotable de inspiración creativa. “Siempre hay algo nuevo que descubrir. Mientras practicas, se pueden desarrollar muchísimas cosas nuevas”, afirma.

Rawicz nunca busca el camino fácil, y su deseo de desafiar al público es fundamental. Y ese espíritu innovador ha quedado impregnado en las diez composiciones originales que contiene el álbum.

El disco abre con la reflexiva y muy interesante “Earthrise”, una pieza breve, con un sonido cinematográfico espiritual y espacial, cautivador. Preciosa la intervención de Rawicz.

El segundo corte es otra interesante composición titulada "Particles of Change". Rawicz controla el espacio con autoridad, mientras la batería de Murray eleva el tono. Excelente Thompson, tensionando aún más el espectro sonoro. Narrativa melódica compleja con enrevesadas ​y armonías cambiantes.

"Time and Other Thieves” mantiene un ritmo constante gracias a la percusión. El rock sinfónico se funde con sonido sicodélico donde la improvisación se codea con lo escrito dando como resultado otro tema cinematográfico.

En “A Portrait of Today” Rawicz muestra su capacidad para construir narrativas musicales complejas, dinámicos cambios de textura. Sonido fusión de los setenta. Solos de Thompson y Preston. La sección rítmica mantiene la tensión durante todo el desarrollo del tema.

"Lunar” no llega al minuto de duración, sirve para que su sonido espacial y contundente, conecte, sin solución de continuidad, con el siguiente corte del álbum, “Moondrawn”, que presenta un sonido más pesado y poderoso, diversas texturas superpuestas, rock progresivo con momentos de aparente relajación.

La exuberante “Anima Rising” contiene un solo de guitarra de Preston más que notable. Y qué decir de Rawicz, rebosa energía y sensualidad. Jazz a tope con sonido orquestal.

"All My Yellow Afternoons" toma la misma senda instrumental. Murray, incansable, imprime dinamismo y profundidad rítmica, como lo hace en todo el álbum.

"Marshmallow Tree" tiene sabor a samba brasileña. La flauta de Lockrane da ligereza y, como hace en el resto de temas, aporta un amplio lirismo con su sonido.

El álbum cierra con “A Long Goodbye”, una pieza casi tan corta como la de apertura y con las mismas características de aquella.

Rawicz define “Inkyra” como un “viaje cósmico”. Un viaje que nos sorprende con sutiles matices y gradación de texturas, con temas audaces, enérgicos y sutiles, llenos de contrastes, capaces de transmitir pasión y ternura.

Un disco, y una intérprete y compositora, a tener en cuenta.

La Habitación del Jazz

MARINA PACOWSKI CD: New Jazz Standards Volume 7 The Music of Carl Saunders

 

Pistas

1.August In New York 2. High On Blueberry Pie 3.Theme For Jobim 4.Feels Like Home        5.Is That Asking Too Much? 6.Looking At You 7.  I Need A Dream 8.Sweet Talk  9.You're So Cute 10.Do Be Do Be Do 11.Alone 12.Can You Dig Being Dug? 13.Always In My Heart  14.   Minute Waltz

 

Interpretes

Marina Pacowski – voz (1-13), piano (14)

Rickey Woodard – saxo tenor (1,5,9,12), saxo soprano (3,10)

Ron Stout – trompeta (1, 3, 6, 9, 10, 12)

Scott Whitfield – trombón (1, 3, 5, 7, 9, 10, 12, 13)

Larry Koonse – guitarra (1, 3, 9, 10, 12)

Josh Nelson - piano (1-13)

John Clayton - contrabajo (1, 4-8, 12)

Ken Wild – contrabajo (2, 3, 9, 10)

Roy McCurdy – batería (1-3, 5-10, 12)

Invitados especiales

John Proulx - voz (8)

Ken Peplowski – clarinete (8)

 

Sello discográfico: Summit Records 

Publicado el 9 de mayo de 2025

 

Marina Pacowski nació en Biarritz (Francia) y reside en Los Ángeles (EEUU). Es una artista polifacética: pianista de concierto, pianista colaboradora muy solicitada y vocalista.

A sus padres les encantaba la música estadounidense. Su padre, un exitoso cirujano, también tocaba el clarinete y el saxo, y junto a su hermano, que toca la guitarra, formaban parte de una banda de jazz al estilo de Nueva Orleans, mientras que a su madre le encantaban los musicales estadounidenses y los estándares del jazz. Siempre soñó con trasladarse  a los Estados Unidos debido a su fascinación por la escena musical estadounidense y su amor por el jazz. Finalmente se trasladó en 2017 para establecerse en Los Angeles (EE.UU)

Como pianista, ha realizado giras internacionales, actuando en Francia, Italia, España, Alemania, Países Bajos y Bélgica, así como en Estados Unidos. Ha actuado y/o impartido conferencias en lugares de gran prestigio. Pianista colaborativa y amante de la música de cámara,  recibió el Premio a la Mejor Música Colaborativa 2017 de la Sociedad Internacional de Contrabajistas, por un jurado que incluyó al legendario contrabajista de jazz Ron Carter. También fue laureada en el Concurso Internacional Belvedere de Viena, Austria, en la categoría de Director Musical de Pianista de Ópera.

Como vocalista de jazz, ha actuado en los locales de jazz más importantes de Los Ángeles y fue invitada a un homenaje al guitarrista Kenny Burrell en el Catalina Jazz Club. Fue invitada especial en marzo de 2022 para el homenaje a las Leyendas Negras, donde rindió homenaje a Ella Fitzgerald.

Pacowski es una apasionada educadora musical. Fue profesora en Francia del Conservatorio de Música “Maurice Ravel” durante muchos años antes de trasladarse a Estados Unidos. Actualmente, tiene su propio estudio privado en Los Ángeles, donde imparte clases de piano e improvisación vocal de jazz. Colabora con la Sociedad de Investigación Filosófica de Los Ángeles, donde creó y presenta la serie de conciertos "Spirit and Music".

Tras su primer lanzamiento en 2023, “Inner Urge” (ver reseña en este blog), en este su nuevo álbum, “NEW JAZZ STANDARDS VOL 7: The Music Of Carl Saunders” Pacowski presenta la música de su amigo, el gran maestro de la trompeta y compositor, Carl Saunders.

Aunque Saunders no es un nombre muy conocido, era reconocido entre los músicos de jazz como un trompetista y compositor de talla mundial. A lo largo de su dilatada carrera, colaboró ​​con figuras como Stan Kenton, Buddy Rich, Bill Holman, Clare Fischer, Frank Sinatra, Ella Fitzgerald, Mel Tormé y Paul Anka. Entre los amigos más cercanos de Saunders se encontraba el trombonista Scott Whitfield, coproductor de este disco junto a Pacowski, y Ken Poston, director musical de la emisora ​​de jazz de San Diego, KSDS.

Durante los años 60 y 80, Saunders tocó con innumerables bandas, incluyendo la trompeta principal de Ella Fitzgerald, Tony Bennett y Frank Sinatra. Saunders también fue el trompeta solista de Paul Anka y Robert Goulet, y con directores de orquesta como Harry James, Maynard Ferguson, Benny Goodman y Charlie Barnet.

Produjo una serie de álbumes de nuevos estándares de jazz con solistas de primer nivel. Los volúmenes 1 a 6 fueron producidos por el propio Saunders, y tras años de búsqueda del vocalista adecuado para grabar el volumen 7, finalmente eligió a Pacowski. Lamentablemente, el álbum se grabó después del fallecimiento de Saunders en 2023 a los 80 años.

Pacowski conoció a Saunders cuando el trombonista Scott Whitfield la llevó a su casa a una sesión de improvisación privada.

“Carl era conocido por sus exigentes estándares. Me emocionó mucho que me acogieran en un círculo íntimo tan especial de artistas y amigos”, afirma Marina Pacowski.

El álbum abre con “August in New York”, una canción con un arreglo alegre y letra de Pat Tuzzolino. Pacowski muestra su talento para el scat.

"High on Blueberry Pie" es un divertido homenaje a uno de los postres favoritos de Saunders. La canción tiene un significado especial para Pacowski porque Saunders la cantó para ella mientras lo acompañaba al piano. Afloran los recuerdos de los momentos que compartieron. A destacar el solo de piano de Nelson.

"Theme for Jobim" lleva letra de Alan Bergman. Pacowski utiliza su voz mostrándose sensual. Solos de Koonse Y Clayton. Whitfield comenta: «Marina vuelve a estar en el ritmo en esta canción, y su solo de scat, etéreo y lírico, merece ser transcrito».

En "Feels Like Home", con letra de Alan Bergman,  se acompaña de Koonse y Clayton, contrastando su tono alto de voz con el sonido bajo del contrabajo. Saunders comentó que, en esta canción,  buscaba un aire a Johnny Mandel. Una bonita canción.

Pacowski domina el scat y en “Is That Asking Too Much?” lo vuelve a demostrar. Brillan  Nelson, Woodard,  Clayton y McCurdy.

“Looking at You” presenta retos armónicos y su hermoso contorno melódico, que, según ella, es «como surfear en una hermosa ola». Stout, el trompetista favorito de Saunders en Los Ángeles, aparece en la canción.

“I Need a Dream” fue escrita por el tío de Saunders, el líder de la banda y multiinstrumentista Bobby Sherwood. Pacowski comenta: «Carl estaba orgulloso de provenir de una familia de músicos, y siempre la tocaba cuando quedábamos con él en su casa, así que nos alegra mucho grabarla». Un toque latino nunca viene mal.

"Sweet Talk", la escribió Saunders como una versión de "Girl Talk" de Bobby Troup. Pacowski hace dueto con  Proulx. Participación especial de Ken Peplowski al clarinete.

El título de "You're So Cute" proviene de un comentario de una de las parejas de toda la vida de Saunders: "¡Te sales con la tuya porque eres tan linda!". Tema lleno de swing y picardía.

En  “Do Be Do Be Do” de nuevo el scat es protagonista. Una canción rápida con solos  de Stout, Whitfield, Nelson, Koonse y McCurdy.

El amor perdido está presente en "Alone", que interpreta a dúo con Nelson al piano. Un bonito tema.

Le sigue "Can You Dig Being Dug"  con letra del propio Saunders. Quizás el tema más blusero y jazzístico del álbum.

Llegando al final, escuchamos la conmovedora balada  "Always in My Heart", a dúo con Nelson.

Cierra el disco "The Minute Waltz", con Pacowski en el piano solo. Un homenaje a Saunders al que le gustaba  escucharla interpretar a Chopin en su casa. Un final original.

Pacowski y los músicos que le acompañan (algunos de los  más destacados del sur de California) poseen una profunda familiaridad con el material de Saunders.

“NEW JAZZ STANDARDS VOL 7: The Music Of Carl Launders” es una fantástico y emotivo homenaje a la música del maestro trompetista y compositor Carl Saunders.

No solo atraerá a los seguidores de Pacowski, sino que también contribuirá a un mayor conocimiento de la música del Carl Saunders.

La Habitación del Jazz

 

SONG YI JEON Nonet CD: The Earthy Suites

 

Pistas

1.Seya Seya (Korean folk song) 2.Suite One 3.Suite Two

 

Interpretes

Song Yi Jeon – voz, efectos

Baptiste Stanek – saxo soprano

Max Treutner – saxo tenor

Moritz Renner – trombón tenor

Yosef Itskovich -  trombón bajo

Fabio Gouvea – guitarra eléctrica

Noé Sécula – piano

Roberto Koch – contrabajo

Marton Juhasz – batería

 

Grabado en enero de 2022 en Jazzcampus Studio, Basilea, Suiza

Publicado el 1 de julio de 2025

 

Originaria de Corea del Sur y residente en Berlín (Alemania), Song Yi Jeon es una cantante y compositora que combina con destreza la armonía del jazz moderno y los compases irregulares con melodías cantables que cautivan al oyente al instante.

En su familia no hay músicos. Song Yi Jeon empezó con el jazz a los 20 años. Estudió composición clásica en la Universidad de Música y Bellas Artes de Graz, Austria, y canto de jazz en la Academia de Música de Basilea, Suiza. Gracias a su formación en composición clásica, utiliza su comprensión de la estructura armónica para crear improvisaciones incomparables.

En 2013, como primera becaria del Quincy Jones CJ&E, estudió en el Berklee College of Music, donde desarrolló su sonido único y recibió el Premio Billboard Endowed.

Song Yi Jeon debutó en Blue Note en Nueva York con gran éxito gracias al lanzamiento de su mini álbum a principios de 2015, y en 2018 lanzó su primer álbum, “Movement of Lives”, con su quinteto, en el que participan Vitor Goncalves, Kenji Herbert, Peter Slavov, Jongkuk Kim y Rogerio Boccato. En noviembre de 2022, Song Yi Jeon lanzó su álbum a dúo, “Home”, con el guitarrista brasileño Vinicius Gomes, bajo el sello Greenleaf Music de Dave Douglas. Recientemente lanzó el álbum “Solitary Bloom” en trío con el baterista brasileño Pauo Almeida y el pianista italiano Lorenzo Vitolo.

Ha actuado con reconocidos músicos como Guillermo Klein, Bill McHenry, Jeff Ballard, Vadim Neselovskyi, George Garzone, Tiger Okoshi, Alain Mallet, Peter Slavov, Billy Drewes, Simon Shaheen, Wolfgang Muthspiel, Ambrose Akinmusire, Billy Childs, Julian Lage, Django Bates, John Hollenback, Guillermo Klein, Norma Winstone y otros.

Fue seleccionada para formar parte de la Mentora y Discípula de la Iniciativa Artística Rolex 23-24, y como Discípula Musical, trabajó estrechamente con Dianne Reeves. Song Yi Jeon dice al respecto: «Nunca olvidaré el día que la conocí en Nueva York. Dianne Reeves, vocalista ganadora de premios Grammy, había escuchado toda mi música. Y entendió inmediatamente lo que quería decir con ella. Eso me impresionó. Alguien que ha ganado 5 premios Grammy, mi ídolo, me estaba diciendo: ‘Conozco esta música’. Simplemente me dejó alucinada. Dianne me ha dado tanto. No me dice lo que está bien o mal, espera a que yo haga una pregunta o sugerencia, escucha y hablamos. Es muy considerada. Me ha ayudado a sentir un amor más profundo por lo que hago. Me proporcionó esta experiencia de estar frente a miles de personas en festivales y conciertos durante las giras en Europa. Me dio la confianza para creer que puedo hacer cualquier cosa, que puedo ser cualquier cosa y que lo que hago es bueno”.

 

Song Yi Jeon ha publicado “The Earthy Suites”, el álbum debut de su conjunto, un noneto, SYJ Nonet.

En este disco, Song Yi Jeon rinde homenaje al Samulnori,  un vibrante género musical coreano de percusión, derivado de la música folclórica y ritual agrícola (nongak), que se interpreta con cuatro instrumentos principales: (kkwaenggwari) un pequeño gong metálico de sonido agudo y penetrante;  (Jing) un gong más grande de sonido profundo y resonante; (Janggu) un tambor en forma de reloj de arena, tocado en ambos extremos y (Buk) un tambor de barril que proporciona una base rítmica potente. Juntos crean ritmos enérgicos que simbolizan la naturaleza y han sido adaptados para escenarios interiores, ofreciendo una experiencia cultural intensa y popular. La etimología de la palabra es: "Samul" significa "cuatro cosas" y "nori" "tocar" o "juego", refiriéndose a los cuatro instrumentos. Cada uno de estos instrumentos de percusión simboliza un elemento natural: viento, lluvia, truenos y nubes.

Este género fue popularizado en 1978 por cuatro maestros bateristas (Kim Duk Soo, Lee Gwang Soo, Choi Jong Sil, Kang Min Seok) que bajo el nombre de Samulnori, llevaron esta música tradicional al escenario moderno.

Al igual que las primeras tradiciones musicales afroamericanas, el Samulnori se originó como música agrícola, ayudando a los trabajadores a encontrar ritmo y energía a través de la danza y el canto. También sirvió como música ritual, expresando oraciones, emociones y experiencias colectivas.

“The Earthy Suites” comienza con  "Seya Seya", una canción folclórica coreana, que rinde homenaje a la revuelta campesina Donghak del siglo XIX contra una dinastía corrupta y el imperialismo extranjero.

Tras dos minutos de una ferviente polifonía vocal (cuyas partes Song Yi Jeon interpreta en una regrabación), el  desarrollo orquestal se intensifica, subrayado por la guitarra eléctrica de Fabio Gouvea.

Le siguen las dos suites, parte central del disco. La primera, “Suite One” es la de mayor duración del álbum, más de 21 minutos. Esta es una interesante pieza, que combina el jazz moderno con el folclore coreano y, más concretamente, con la percusión de Samulnori. Song Yi Jeon hace un amplio uso de sonido sampleado, procedente del álbum del décimo aniversario, “Samulnori”, "After 10 Years: SamulNori Master Drummers/Dancers Of Korea, 1978-1988".

Con la incorporación del cuarteto Samulnori, el resultado final suena a big band, en vez de un noneto. Dependiendo del momento de la canción, el Samulnori a veces lleva la voz cantante, y en otros es Song Yi Jeong quien asume ese rol.

Combina el jazz tradicional coreano (étnico) con un fuerte componente percusivo. La razón por la que el Samulnori no suena como un simple sampleo es gracias a los arreglos de la líder. Sin el conocimiento previo de esta circunstancia,  no sería fácil distinguirlo, llevando al oyente a creer que se tratara de una orquesta.

“Suite One” es una pieza llena de fuerza y ritmo, donde los músicos se lucen, individual y colectivamente. Y qué decir de los scats de Song Yi Jeon, con su voz hipnótica, que como un instrumento realiza improvisaciones deslumbrantes. No es de extrañar que Dianne Reeves dijera de ella: “Es una cultivadora del sonido, del sonido sin palabras, capaz de llegar al interior y crear esa experiencia tan preciosa como artista que todos deseamos, esa experiencia de alma a alma”.

La "Suite Two" comienza con la voz de Song Yi Jeon. Extensas y bellas vocalizaciones que aportan una variedad de estados de ánimo, casi lamentos, acompañados de sutiles improvisaciones instrumentales. El conjunto orquestal cobra vida gradualmente en un crescendo, antes de concluir con una desintegración gradual.

La letra está extraída del poema de Yun Dong-ju "Una Noche de Contar las Estrellas". 

Song Yi Jeon hace uso del primer y más poderoso instrumento, la voz, y la moldea aplicándole colores,  timbres y sonidos increíbles.

“The Earthy Suites” es un trabajo ambicioso se desmarca de cualquier conformismo establecido. Un álbum cautivador y  rebosante de inspiración, ritmo y energía, donde la antigüedad y la vanguardia se dan la mano.

 

La Habitación del Jazz

OLVIDO LANZA CD: Anj' hara - Vínculos

 

Pistas

1.La Pantera imperial 2.Flores de un día 3.Olvido i el Mull 4.La proximidad de lo lejano 5.Anj'Hara's dawn 6.No me olvido de la promesa 7.El Oráculo I,II,III,IV 8.Rhapsody of love 9.Tres: I ver el fuego, II estar el fuego, III ser el fuego 10.Violido 11.L'Ocellet i la papallona 12.Duérmete luna 13.Gracias a la vida (bonus track)

 

Intérpretes

Olvido Lanza – violín, voz (2,5,7,10-13), rabel y tambor oceánico (12)

Josep Mas Kitflus – teclados (3)

Antonio Coronel – percusión (6)

Ángel Pereira –marimba y percusión (7)

Tomás San Miguel – base electrónica (8)

Carles Benavent – bajo eléctrico (9)

Pedro Javier González – guitarra (10)   

Cesar Angeleri – guitarra y voz (13)

 

Sello discográfico: Satélite K

Publicado el 27 de junio de 2025

Olvido Lanza, española nacida en Barcelona, inició su formación musical a los 5 años de edad. Destacar de su extensa formación el estudio con Xavier Turull; en Suiza (Gstaad) en la escuela de Yehudi Menuhin, formando parte de la Camerata Lysy y en EEUU, con Vartan Manoogian.

Entre 1985 y 1987, formó parte de la Orchestre des Jeunes de la Mediterranee. También formó parte de múltiples orquestas, O.B.C., la ONCA con Gerard Claret, la Orquesta de Cámara del Palau de la Música, la Orquesta del Gran Teatre del Liceu y la Orquesta de Cámara del Teatre Lliure  con la que realizó numerosas grabaciones para el sello Harmonia Mundi. En 1990 participa en el Albert Guinovart ensemble junto a la vocalista Carme Canela y entre los años 1992 y 2001 es pieza clave en diferentes espectáculos del compositor Carles Santos como Asdrúbila, Figa Santos Fagotrop y La Pantera Imperial, entre otras performances.

En 2010 presenta su primer solo de nanas, “Nani Nana”, una selección de canciones de cuna de diferentes países del mundo y en 2012 presenta “El jardín de los prismas” en trio de violín, bandoneón y piano.

Su versatilidad como músico la llevan a trabajar en diversos campos y estilos musicales con reconocidos artistas, como el propio Carlos Santos , Alfonso de Villalonga, Albert Guinovart, Mayte Martin, Sol Picó, Miguel Poveda, Martirio, Maria del Mar Bonet, Manolo García, Joan Manuel Serrat, José Luis Montón y Marcelo Mercadante, entre otros.

Ha colaborado mucho en teatro y danza, entre los que se destacan una producción en el Teatre Nacional de Catalunya y el Teatre Odeon de Paris.

En 2023 participa como primer violín en el proyecto de cuerdas Kitflus Ensemble que se estrena en el Festival de Jazz de Barcelona.

En 2025 contribuyó a activar la propuesta “Al Sur del Tango” junto a la artista Martirio y los músicos Jesús Lavilla y Marcelo Mercadante. Ha formado el dúo Ramas al viento junto al guitarrista argentino Mariano Olivera

Olvido Lanza, una de las violinistas más destacadas y versátiles del panorama musical actual, da un paso al frente con la publicación de su primer disco como solista, titulado “Vínculos - Anj’Hara”.

El álbum, reúne un conjunto de piezas compuestas expresamente para ella por grandes nombres de la música española. El resultado es una obra, que aún alejada del jazz, resulta fascinante, intensa y profundamente personal.

El título remite a los lazos que han forjado su carrera como acompañante. Cada canción es una forma de agradecimiento y a la vez un autorretrato.

Trece canciones: once compuestas para Lanza y para este álbum por músicos con los que ha compartido escenarios, grabaciones y amistades; una nana original y una versión.

El primer tema del disco es “La pantera imperial” de  Carles Santos. Lanza nos muestra su poderío técnico con el violín, en este bonito y desafiante tema de gran intensidad, grabado en la Iglesia románica de Ardeña. 

En el mismo escenario, grabó Lanza “Flores de un día” de Cristina Vilallonga, que dedica la pieza a la memoria de Uma Yramat. Podemos escuchar a Lanza cantando unos versos correspondientes a esta obra.

Cambio de estilo con el tema “Olvido i el Mull” de Josep Mas “Kitflus”, grabado en su estudio. Mull es el monstruo que imaginó Kitflus, cuándo Mollet era un lago. El propio Kitflus acompaña a los teclados.

De nuevo podemos escuchar a Lanza con su violín, sin acompañantes, en “La proximidad de lo lejano” de Lluís Vidal, grabado  en la Canica Cuadrada. En la época de la Orquesta de Cambra del Teatre Lliure, Lanza coincide con Lluís Vidal, quien ha escrito para ella esta canción, que nos deja sabor a Piazzolla, uno de los autores que les unió.

“Anj’Hara ‘s dawn” fue compuesta por el pedagogo y escritor alemán Phil Unseld. Grabada en el estudio casero de  Anj´hara. Un viaje hacia la libertad del pueblo gitano. Lanza incorpora su voz, sin palabras, a modo de canto árabe.

Sigue la bulería “No me olvido de la promesa”, compuesta por Joan Albert Amargós. Lanza la toca con pasión junto a la percusión de Antonio Coronel. La canción se grabó en el estudio casero de Carles Benavent.

Mauricio Vilaveccia traslada a Lanza al Oráculo de Delfos,  centro religioso y profético de la Antigua Grecia, ubicado en el Templo de Apolo, a los pies del Monte Parnaso, donde la sacerdotisa Pitia (Pitonisa), entraba en trance y  transmitía enigmáticas profecías de Apolo a reyes, generales y ciudadanos, influyendo en decisiones políticas y militares cruciales. Lanza incorpora la voz, junto a la marimba y percusiones de Ángel Pereira. El tema se grabó en Heartwork.

“Rhapsody of Love”, compuesta por Tomás San Miguel, que acompaña con unas bases electrónicas, es una bonita canción de amor, de intensa pasión. Grabada en Heartwork

El baterista Guillermo McGill aporta su composición titulada “Tres: I ver el fuego, II Estar el fuego, III ser el fuego”. Según McGill, Lanza es una mujer muy espiritual y la define con esta canción. Acompaña a Lanza Carles Benavent con el bajo eléctrico. Grabado en la Iglesia románica de Ardeña y Homestudio Carles Benavent.

“Violido” es una canción popular a la que Pedro Javier González ha hecho los arreglos y acompaña con la guitarra a Lanza, quien también canta. Canción de sabor hispanoamericano, grabada en el estudio casero de  Pedro Javier González.

Estamos llegando al final del disco con otra canción titulada “L'Ocellet i la Papallona” a la que el guitarrista Feliu Gasull, ha hecho los arreglos. Lanza pone violín, letra y voz en esta nana de sabor mediterráneo. Grabada en el estudio casero de Feliu Gasull.  

“Duérmete luna” es una composición de Lanza dedicada a  su madre, una sentida y onírica nana, cargada de sensibilidad y simbolismo, donde la artista, además del violín, pone la voz, y toca el rabel y el tambor oceánico.

El disco cierra con un bonus. Se trata de la  conocidísima y preciosa “Gracias a la vida” de Violeta Parra. Le acompaña con la guitarra el argentino Cesar Angeleri que, junto a Lanza, cantan este himno a la vida y a la amistad. Grabada  en LeskoMusicHouse.

Olvido Lanza, una extraordinaria violinista, con este trabajo,  da un paso muy importante en su carrera y se muestra tal como es.

Un bonito disco de agradecimiento mutuo, de Lanza a los músicos que le han aportado las canciones, y de éstos con esas aportaciones.

 

La Habitación del Jazz