ANTHONY STRONG CD: And Then We Kiss

 

Pistas

1.Some Enchanted Evening 2.My Favourite Things 3.Can’t Help Lovin’ Dat Man 4.Love For Sale 5.If You Leave Me Now 6.The Things We Did Last Summer 7.Where Is Love? 8.While We’re Young 9.It’s Not Unusual 10.I Don’t Care If The Sun Don’t Shine 11.Twilight Time 12.No Two People 13.Pennies From Heaven

Intérpretes

Anthony Strong – voz

Pamina Beroff – voz (5,12)

Nick Fitch – guitarra

Joel Barford – batería

Spencer Brown -bajo 

Brandon Allen – saxo tenor

Orquesta de cuerdas

Violines: Tom Kemp (primer violín), Thom Gould,Tina Jacobs-Lim, Anne-Marie Curran, Marcy Buta, Raj Halder, Una Palliser, Penny Aimsco, Litsa Tunnah, Tom Piggott-Smith 

Violas: Rachel Robson, Cress Wislocki, Sarah Mckenna

Chelos: Kirsten Jenson, Jocasta Whippy, Olivia Da Costa

Sello discográfico: Guaranted Records   

Publicado el 31 de julio de 2026

Anthony Strong nació en Croydon, una ciudad cercana a Londres que, un año después, se incorporó administrativamente a la capital inglesa, convirtiéndose así en un distrito del Gran Londres. Pasó su juventud rodeado de música. A los dos años, construyó una batería con ollas y sartenes en la cocina de su madre, y desde el principio quedó claro que la música desempeñaría un papel fundamental en su vida.  Tras estudiar como becario en la prestigiosa Whitgift School de Croydon, Strong continuó sus estudios de piano jazz en la Purcell School of Music, la Royal Academy of Music y en la Guildhall School of Music & Drama. Inicialmente recibió una formación clásica, para luego especializarse en piano jazz en esta última. Fue durante su estancia en la Guildhall cuando Strong se labró una reputación como hábil arreglista y acompañante, trabajando con algunos de los cantantes y artistas más talentosos de Londres. El canto, que hasta entonces había quedado en segundo plano frente al piano. Su temprana fascinación por Oscar Peterson, Bill Evans y Wynton Kelly lo llevó finalmente a Frank Sinatra, Mel Tormé y Nat King Cole. A pesar de su excelente formación, fue una inesperada oferta para ser suplente de Jerry Lee Lewis durante nueve meses en un musical del West End londinense lo que quizás marcó su carrera de forma más notable hasta llegar a donde está hoy, desarrollando una puesta en escena y una conexión con el público que caracterizan sus actuaciones en directo.

Tras dejar el Guildhall, Anthony se unió a su amigo y mánager Matt Fripp para producir “Delovely”, su primer EP, lo que le supuso recibir numerosas ofertas de contratos discográficos de toda Europa, firmando finalmente, en 2023,  con el sello parisino “Naive Records”. Tras dos discos con Naive “Stepping Out” y “On A Clear Day”,  Strong comenzó a girar por Europa y, posteriormente, por todo el mundo. Con el lanzamiento de su cuarto álbum “Me and My Radio”, alcanzó el éxito en Spotify, con más de 10 millones de reproducciones.

Strong sigue viviendo en las afueras de Londres, donde continúa planeando nuevos álbumes y proyectos, además de ser el padre de un precioso caniche toy llamado Miles Davis.

Casi dos décadas después de su álbum debut, el cantante y pianista británico regresa con “And Then We Kiss”,  una celebración atemporal del amor que combina su cuarteto de larga trayectoria con una orquesta de cuerdas.

Trece canciones que abarcan Broadway, el Gran Cancionero Americano y el pop clásico, escritas por algunos de los compositores más influyentes del siglo XX, con nuevos arreglos de Strong, realzados por las exuberantes orquestaciones de cuerdas de Callum Au (Michael Bublé, Quincy Jones, Jamie Cullum...).

La grabación se inició en enero de 2025, y tras varias pausas, finalizó en enero de 2026.

Además de Strong, la formación principal incluye al guitarrista Nick Fitch (Orquesta Nacional Juvenil de Jazz), al contrabajista Spencer Brown (big band de Frank Griffith, Purpoise Corpus) y  al baterista Joel Barford (Nigel Price Organ Trio).

Junto a ellos, dos invitados: la vocalista Pamina Beroff ("Unfolding") y el saxofonista Brandon Allen (QCBA, Sax Appeal...). Strong añade un toque sinfónico a su álbum invitando a participar a la Orquesta de Cuerdas de dieciséis músicos dirigida por Tom Kemp.

El trabajo de Strong como arreglista constituye la base estructural del álbum, quien coloca en los dos primeros cortes del álbum sendas canciones escritas por el compositor Richard Rodgers  y el libretista Oscar Hammerstein II .

La primera, considerada por Andrew Lloyd Webber como "el mejor número musical" en la historia de la música mundial, es "Some Enchanted Evening" del musical "South Pacific", estrenado en 1949. Strong interpreta este cuento navideño con un toque sinfónico y formal.

La segunda es "My Favorite Things", una de las preferidas por John Coltrane, también de un musical, en esta ocasión "The Sound of Music". Strong la canta fenomenalmente, destacando también  el saxofón de Brandon Allen y las majestuosas cuerdas. 

La tercera canción, "Can't Help Lovin' Dat Man", también fue escrita por Hammerstein, pero compuesta por Jerome Kern . Es la canción más antigua del álbum, habiendo aparecido por primera vez en 1927 en el musical "Show Boat". Strong le da un toque algo pop, y se acompaña al  piano.

"Love for Sale" fue escrita por Cole Porter  para el musical "The New Yorkers" en 1930. La versión es muy rítmica, despojada de toda carga emotiva. Solo de guitarra de Nick Fitch.

“If You Leave Me Now”, es la canción más reciente del álbum.  Escrita por Peter Cetera en 1976 por la banda de pop-rock Chicago. Strong cuenta con Pamina Beroff como invitada. Ligero sabor a bosa nova.

“The Things We Did Last Summer”, fue escrita por Jule Styne la música y Sammy Cahn la letra en 1946. Una bonita canción que transmite optimismo.

La balada “Where is Love?” fue escrita por Lionel Bart  para el musical de 1960 “Oliver!”, basado en la novela de Charles Dickens.  Strong la interpreta fiel al original, donde destacan las cuerdas y el sutil solo de guitarra.

En “While We're Young”, escrita por el compositor Alec Wilder  y el letrista William Engvick en 1943, destaca el saxofón de Allen. 

La conocidísima “It's Not Unusual” fue escrita por Les Reed la música y Gordon Mills la letra en 1965, y se hizo famosa en los años 60  gracias al “Tigre de Gales”, Tom Jones. Strong se mantiene fiel a la versión de Jones, pero, claro está, salvando la diferencia de tono de voz de uno y otro. 

Strong arregló "I Don't Care If the Sun Don't Shine" escrita por Mack David en 1949, para que cupiera, en su corta duración, solos de guitarra, contrabajo y dos de piano, todo ello con un gran swing.

La no menos conocida "Twilight Time", escrita por miembros de la banda The Three Suns y el letrista Buck Ram en 1944, es otra canción cercana al pop elegante de la época.

"No Two People" escrita en 1962 por Anthony Newley y Leslie Bricusse para el musical "Hans Christian Andersen", tiene matices jazzísitcos y también cuenta con la invitada Pamina Beroff. Canción simpática y alegre.

El disco cierra con una de las canciones más famosas del compositor Arthur Johnston y el letrista Johnny Burke, “Pennies from Heaven”, escrita en 1936. Un cierre alegre, que deja un buen sabor de boca.

El romance y el amor, en sus distintas variantes, está presente en cada una de las trece canciones que integran el álbum, convirtiendo “And Then We Kiss” en un álbum para aquellos que tienen amor, lo buscan o lo han perdido.

Un trabajo elegante y cercano.

La Habitación del Jazz

CAKTUS x OJKOS CD: Øyeblikk

 

Pistas

1.Stærk strøm 2.Kalvøya 3.Fornebu 4.Trollhättan 5.Min have 6.Det nye år 

Intérpretes

Maria Dybbroe – clarinete,  saxo alto  

Camilla Hole – saxo soprano  

Sigrid Aftret – saxo tenor, flauta 

Tina Lægreid Olsen – clarinetes,  saxo barítono  

Tancred Heyerdahl Husø – trompeta 

Sounds Øvreås Røed – trompeta 

Magnus Murphy Joelson – trombón 

Johannes Fosse Solvang – trombón 

Jørgen Bjelkerud – trombón 

Arne Martin Nybo – guitarra 

Thorbjørn Kaas – chello 

Petter Asbjørnsen – contrabajo  

Aleksander Hoholm – contrabajo  

Knut Kvifte Nesheim – batería  

Tobias Andreassen – batería

Sello discográfico: Sonic Transmission Records

Publicado el 29 de mayo de 2026

Maria Dybbroe es una saxofonista, clarinetista improvisadora y compositora danesa que vive en Copenhague y Oslo. Forma parte del colectivo de improvisadores “The Community”, del sello Barefoot Records, y organiza festivales y conciertos con Sun Ship en Aarhus, Dinamarca. En los últimos años, ha sido una intérprete muy activa, atraída por la escena danesa del jazz experimental y la música improvisada.

También da conciertos en solitario, forma parte del trío de improvisación Køs (que lanzó el álbum “An Uncaught Bird” en 2020), el trío de saxo Coriolis, el quinteto de saxo Sidechains, el Coro de Clarinete de Copenhague, el Espíritu de la colmena de Jacob Anderskov  y el dúo Orsa. Además de estos grupos, a menudo es invitada como solista.

A lo largo de los años, ha lanzado nueve álbumes como líder y ha colaborado en más de veinte. Como curiosidad, decir que trabaja con notación gráfica e instrucciones escritas, además de las partituras convencionales.

Es miembro de la OJKOS y compuso dos obras de larga duración para la orquesta en 2023 y 2024

En el periodo 2026-2027 participa en el programa Jóvenes Artistas de Élite de la Fundación Danesa de las Artes, con Bugge Wesseltoft como mentor. Ha declarado que su prioridad es seguir explorando nuevos horizontes.

Es la compositora y fuerza principal de Caktus, grupo que fundó en Aarhus (Dinamarca) en 2017, con una instrumentación única que combina cuerdas, vientos y sección rítmica, y que se ha consolidado como uno de los conjuntos jóvenes más singulares de la escena del jazz escandinavo, con quien lanzó el álbum debut “Under Solen” en 2020,  que le valió una nominación al premio Steppeulven como Compositora del Año y una nominación al premio Danish Music Awards Jazz como Álbum del Año, y “Flimrende” en 2023.

Este tercer álbum que acaba de editar, “Øyeblikk”,  expande el sonido original de Caktus fusionándose con la  orquesta noruega OJKOS (Oslo Jazz Composers Orchestra) reconocida desde hace años como una de las orquestas más sobresalientes de Europa, colaboradora habitual de muchos músicos escandinavos.

El título “Øyeblikk” (que significa “momento”) alude tanto a la naturaleza efímera de la experiencia vivida como a la inmediatez de la música misma que, en un concierto, solo existe en el presente. Pero la música grabada, como en este álbum,  nos permite capturar y revivir instantes, rememorar viejos instantes y, al mismo tiempo, crear otros nuevos mientras escuchamos la música de nuevo. 

Las composiciones del álbum se inspiran en las experiencias personales de Dybbroe, quien vivió entre Dinamarca y Noruega, especialmente durante su estancia en Oslo y sus alrededores.

“Øyeblikk” comienza de forma sorprendente.  “Stærk strøm” arreglada con Peter Jensen, en danés tiene un doble sentido: corriente eléctrica y agua rápida. Un saxo vacilante, una percusión suave y un tono melancólico dominan el espacio sonoro. Poco a poco se incorporan otros instrumentos, cuerdas principalmente, que van tejiendo una melodía, relajada y reflexiva.  

En lugar de adherirse a las convenciones tradicionales de las big band, la música explora un enfoque más fluido y contemporáneo.

"Kalvøya" emula un paisaje pastoril, bañado por un suave sol de mañana, cantos de pájaros, sonidos irregulares, instrumentos que se van incorporando , que se abren paso, tejiendo un todo. El grupo acelera el tempo y comienza a moverse. Fantásticos los metales, en especial la trompeta. La naturaleza en estado puro, servida a través  de una potente e intensa interpretación. 

“Fornebu” comienza con la ligereza de una flauta y la percusión por detrás. La naturaleza de nuevo es la protagonista, impulsada por los metales. Sorprendentemente, la tensión surge de forma natural sin volumen excesivo. El efecto es cinematográfico, casi arquitectónico, guiando al público a través de estados de ánimo y atmósferas en constante cambio.

 “Trollhättan” se inicia con un cencerro y cañas, seguido de un estruendo de sirena, como de transatlántico, que augura malos presagios. Toda una narrativa inspirada en esa mítica ciudad Trollhättan, llena de leyendas, siempre evocadora de fantasías, trolls y bosques oscuros.

Dybbroe aprovecha al máximo las posibilidades de la big band, pero dejando espacio para que las individualidades. Un perfecto equilibrio entre intimidad y grandiosidad, donde emergen paisajes musicales fluidos, cuyos colores y texturas cambian constantemente.

“Min Have”, comienza de forma solemne, trasladándonos a otra época, imperial. Una aparente calma se adueña del espacio. Lo moderno y lo clásico se funden. La pieza transita entre momentos frágiles y táctiles y pasajes más amplios y expansivos, con un fuerte énfasis en el timbre y el espacio.

Los títulos reflejan lugares, eventos y estados emocionales específicos, como es la Nochevieja en el corte titulado “Det Nye År”. Se trata de una pieza, en cierta medida, relajante, donde se perciben los sentimientos ambivalentes de esa noche especial, la esperanza,  la nostalgia, lo perdido y lo que está por llegar. 

Las transiciones se suceden, cambiando la atmósfera continuamente. A pesar de una estructura instrumental  compleja, Dybbroe logra ofrecer un sonido íntimo, casi frágil.

“Øyeblikk” no es jazz propiamente dicho, tampoco deja de serlo en muchos momentos, pero sí es un sonido dinámico, en constante evolución, con evidente personalidad, donde tanto el material de nueva composición como las piezas re elaboradas del repertorio de la banda adquieren una nueva profundidad y complejidad.

Las sucesivas escuchas, revelan nuevos detalles emocionales que este organismo vivo, la orquesta, produce, como si de una respiración se tratara.

Una producción arriesgada, ambiciosa, cuyo resultado es un universo sonoro rico en capas y sensaciones. 

La Habitación del Jazz

TRIMURTI CD: Trimurti

 

Pistas

1.Mondering 2.Sonho de Elefante 3.A Ver 4.Caminhando 5.Manteiga Azul – Opus 1 Elísio 6.Flow 7.Três Alegres Tigres

Intérpretes

Leon Baldesberger - trompeta

Luís Henrique - bajo

Maximiliano Llanos – batería

Sello discográfico: MdC Records

Grabado en febrero de 2026

Publicado el 3 de julio de 2026

Leon Baldesberger nació en Faro (Portugal). Empezó a tocar la trompeta a los 9 años y entró en el Conservatorio Regional del Algarve a los 12, donde permaneció durante 7 años. Entre 2001 y 2007 asistió a varios Workshops bajo la dirección de Zé Eduardo, en los que tuvo como docentes a exponentes de la escena neoyorquina. En 2008 se traslada a Zürich (Suiza), donde estudia Jazz Trompeta en la Escuela Superior de Música de Zürich (ZHdK). Su proyecto de licenciatura (Meersalz) fue nombrado Best of Swiss Jazz Bachelor en 2012 y dos años más tarde volvió a ser evaluado con la puntuación más alta en el concierto final del Master. Trabajó con profesores como Daniel Schenker, Matthieu Michel, Chris Wiesendanger, Andreas Wulf y Kaspar Ewald. Asistió a clases magistrales con Maria Schneider, Nils Petter Molvaer, Alex Sypiagin, Bob Moses, Armen Donelian, Nik Bärtsch, Andreas Vollenweider. En 2013, fue nominado por ZHdK como estudiante para participar en la reunión anual de la IASJ (Asociación Internacional de Escuelas de Jazz, dirigida por David Liebman), donde tomó Masterclasses con Jörg Engels, Jeff Siegel y Nick Smart. Además de liderar su proyecto "Meersalz", con el que lanzó su CD debut "Störfaktor" en 2016, seguido de "Odd Matters" (Blue Asteroid Records) en 2019, "Grilled Orange" en 2021 (ver reseña en este blog)  y "NIM" en 2023, participa en numerosos proyectos como acompañante, en particular Zürich Jazz Orchestra, Lukas Brügger Jazz Orchestra, Suma Covjek, Orquestra de Jazz do Algarve entre otras. Actualmente colabora en varios proyectos, como trompetista y como compositor, como "Trimurti", "Nebuchadnezar Group", "Algarve Jazz Collective", "Marco Martins-Luz". Ha tocado con Pius Baschnagel, Chris Wiesendanger, Nicolas Stocker, Alexandre Frazão, Raphael Jost, Dena DeRose, Zé Eduardo, David Regan, João Paulo Esteves da Silva, Marena Witcher, Enzo d'Aversa, Theo Kapilidis, Christoph Grab, Bruno Pedroso y muchos otros

Maximiliano Llanos es baterista y compositor nacido en Madrid (España), hijo de bailarines argentinos. Desarrolló un gran Interés por la música y las artes escénicas desde muy pequeño. Siendo joven tocó con “Nómadas”, grupo de Rock dedicado a composiciones originales que se inspiraron en el sonido del estilo de los años 90. Luego de un viaje que duró 6 meses por los Estados Unidos de América, donde visitó diferentes estados del país, desarrolló un especial interés por el jazz y las músicas del mundo. De regreso a Portugal, junto con dos amigos de la infancia, comienza como uno de los mentores, un proyecto de Reggae Fusion “Raspect” que adquirió cierta notoriedad, moviéndose por Portugal y España, actuando en festivales. Debido al interés que trajo desde Estados Unidos por el jazz, decidió estudiar el lenguaje del estilo, y fue entonces cuando se va a vivir a Lisboa y empieza a estudiar en la escuela de Jazz Luiz Villas-Boas, donde estudia batería durante 3 años con Bruno Pedroso, asistiendo también a otros cursos como Historia del Jazz, Combo, Teoría, Entrenamiento Auditivo y Percusión Afrocubana con profesores como Bernardo Moreira, Afonso Pais, Luís Cunha, Gonçalo Marques, Tomás Pimentel y Osvaldo Pegudo. Tras finalizar sus estudios en el H.C.P. escuela, fue aceptado en el curso de Jazz en la Escuela de Artes de la Universidad de Évora donde estudia con Eduardo Lopes, Claus Nymark. Johannes Krieger, Benoit Gibson, Óscar Graça, André Fernandes, Filipe Mesquita y completa su carrera de instrumentista. Ha trabajado con Russ Lossing, Roland Heinz, Rick Margitza, Jane Monheit, Jorge Reis, Óscar Graça, Filipa Quintino, Ricardo Barriga, Tommy Moore, Isabel Rato, Rita Maria, Diogo Vida, Miguel Martins, Aurea, Rita Redshoes, Marisa Liz, Carolina Deslandes, Sara Afonso, Cornelius Adrianus, Zé Pedro Sequeira, Roger Benou entre otros. Actualmente participa en varios proyectos artísticos de los cuales se destacan: Nebuchadnezzar Group, Trimurti y Algarve Jazz Collective.

Luís Henrique es un bajista y compositor nacido en Faro (Portugal). Con formación en contrabajo clásico, ha desarrollado su actividad musical en una amplia variedad de géneros, desde la música tradicional portuguesa y otras tradiciones hasta el jazz, en formatos tan diversos como dúos y grandes orquestas de jazz. Participa activamente en varios proyectos originales y, en la última década, ha trabajado por toda Europa en festivales, giras, grabaciones y colaboraciones con figuras destacadas de la música. Apasionado por todo lo relacionado con el Algarve, pasa sus días rodeado de máquinas de café y siempre concentrado en la música.

Los tres forman el trío Trimurti. El trío nació de una relación construida a lo largo de varios años, donde los tres músicos se cruzaron en diferentes proyectos y contextos, lo que ayudó a moldear su identidad artística. Esta continua convivencia creó una sólida conexión, tanto musical como personal, que hoy se refleja en una comunicación casi intuitiva en el escenario. Cada elemento trae consigo un camino diferente y una sensibilidad propia, que se funden en un diálogo abierto y sin jerarquías. La ausencia de un instrumento armónico refuerza esta libertad, permitiendo la exploración de nuevos caminos en cada momento.

El nombre de Trimurti lo toman del grupo de los tres dioses hindúes más importantes presentes en las varias religiones que conforman el hinduismo. Los tres dioses que conforman el Trimurti actual en la mitología hinduista, son: Brahmā, el dios de cuatro cabezas que se ocupa de crear el universo; Siva, el dios salvaje que destruye el universo en el fin del mundo y Visnu, el dios de cuatro brazos, que preserva el universo.

El trío Trimurti, ha ido consolidando desde hace tiempo, culminando en este álbum, con un repertorio basado en la complicidad y la estética del jazz, que abarca desde ritmos vibrantes y melodías impactantes hasta momentos más contemplativos.

Tras una fase inicial dedicada a la interpretación de estándares de jazz, evolucionaron posteriormente hacia la creación de temas propios, concebidos específicamente para esta formación.

Su disco debut homónimo está editado por MdC Records, la editorial de Mákina de Cena, una estructura multidisciplinar en el ámbito de las artes escénicas, con sede en Loulé (Pofrtugal) desde 2018. La presentación del álbum tuvo lugar el pasado 30 de abril, Día Internacional del Jazz, en el Cineteatro Louletano, seguida de actuaciones en otros espacios.

Cada elemento aporta un camino diferente y su propia sensibilidad. Respecto al álbum, Leon Baldesberger no oculta su satisfacción: “Este álbum es muy importante para mí; de hecho, lo es para cada uno de nosotros tres. Llevamos varios años tocando con esta formación, y la idea de grabar una obra de música original ha ido creciendo. Cada uno compone para el proyecto, y es en la fase de arreglos conjuntos donde las composiciones crecen y toman forma”. Y añade: “No es un comienzo, ni mucho menos una meta; es más bien una imagen momentánea de este viaje”. “Lo veo como algo aparte, creado juntos”. “Cada elemento aporta sus puntos fuertes, no solo en términos musicales, sino también en términos organizativos y logísticos. Al basarse en el coliderazgo, se diferencia considerablemente de los proyectos en los que yo soy el líder, donde todo recae sobre mí”, añade el trompetista.

La ausencia de un instrumento armónico, combinada con la química entre los músicos, propicia una interacción muy libre, que se traduce en una experiencia sonora emocionante, en la que tanto los tres disfrutan como el público.

En general los temas del álbum irradian energía y potencia. La batería y el bajo, en gran parte de los cortes, son los encargados de poner los cimientos sobre los que se construye el armazón musical que sustenta cada pieza, con la incorporación posterior de la trompeta, aportando una relajación, que varía según se desarrolla la composición-improvisación. En dos de los cortes, ”Três Alegres Tigres” y sobre todo, “Flow”, el funky  domina la escena y la trompeta adquiere una tonalidad aterciopelada muy bonita, resultando uno de los temas más interesantes del disco. El cierre del disco, ”Três Alegres Tigres”, es una pieza muy alegre, optimista, que invita al baile, hasta que llegado el minuto siete, el silencio hace su presencia durante cinco minutos, para volver al tema incial y terminar los veinte minutos de duración del corte.

El trío también explora diferentes texturas sonoras mediante el uso estratégico del procesamiento electrónico aplicado a la trompeta y el contrabajo, incorporando efectos como armonizador, reverberación y distorsión, ampliando así la paleta tímbrica.

La propuesta de Trimurti es atractiva, contemporánea, original,  basada en la improvisación, la interacción y una sólida identidad artística.

En sucesivas audiciones del disco, se van descubriendo nuevos caminos sonoros. 

La Habitación del Jazz

SongAh Chae Trio CD: All Day Long

 

Pistas

1.Be Still 2.I Shall Not Want 3.Broken Spirit 4.Vindication 5.Come and See 6.In Time of Trouble 7.My Fortress 8.All Day Long 9.Mere Breath 10.Answer Me

Intérpretes

SongAh Chae – piano, órgano

Manos Stratis – contrabajo

Joshua Wheatley - batería

Grabado los días 25, 27 de febrero y 6 de marzo de 2026 en Hive Recording Studios, Valencia (España)

Publicado el 10 de julio de 2026

La surcoreana SongAh Chae es pianista y compositora residente en Valencia (España). Formada inicialmente en piano clásico, Chae se inclinó hacia el jazz tras descubrir el lenguaje rítmico y la libertad de la improvisación. Estudió en el Berklee College of Music de Boston (Licenciatura en Música) y continuó sus estudios de máster en Berklee Valencia (Máster en Artes), donde desarrolló un enfoque personal de la composición, que considera la improvisación como parte integral de la arquitectura musical. Influenciada por pianistas como Tord Gustavsen y Bobo Stenson, su obra fusiona melodías refinadas con una vitalidad rítmica, transitando con fluidez entre pasajes introspectivos e improvisaciones llenas de groove.

Chae ha actuado en festivales de toda Europa, como el EFG London Jazz Festival, el Festival de Jazz de Madrid, Feminajazz, el Fifty-Fifty Jazz Festival y el UPV Jazz Festival. Desde 2022, es artista residente del reconocido Jimmy Glass Jazz Bar de Valencia. Ha publicado cinco álbumes como líder.

El SonghA Chae Trio  es un conjunto de jazz contemporáneo centrado en un lenguaje musical minimalista y de gran atención al detalle, donde el espacio, el ritmo y la interacción dan forma a la esencia de su sonido. Formado en 2023, reúne a SongAh Chae (piano), el chipriota Manos Stratis (contrabajo) y el inglés Joshua Wheatley (batería), trabajando principalmente en el formato acústico de piano, contrabajo y batería, con el uso ocasional y sutil del órgano.

Wheatley, al establecerse en Valencia a los veinticinco años, grabó su álbum debut en solitario, "Crisis" (2017). Más tarde se dedicó a la enseñanza (incluso en Berklee Valencia), pero también formó su propio quinteto, que se dio a conocer en 2022 con el álbum "Joshua Wheatley 5tet Live at Jimmy Glass". Stratis, por su parte, lidera su propio trío y también participa activamente en la banda de rock psicodélico y folk Buzz'Ayaz, con sede en Nicosia, Chipre ("Buzz'Ayaz," 2024), además de ser miembro del cuarteto de la vocalista kurda Elana Sasson ("In Between," 2025).

Los tres residen actualmente en España, aunque sus caminos se cruzaron previamente lejos de Europa, en el prestigioso Berklee College of Music de Boston.

Desde su formación, el grupo ha actuado por toda Europa, incluyendo presentaciones en el EFG London Jazz Festival y una residencia en el Jimmy Glass Jazz Bar de Valencia (España).

El núcleo de la obra del trío es la Trilogía del Texto Sagrado, un proyecto de tres álbumes inspirado en textos sagrados. El primero, “In the Beginning” (2024) refleja las imágenes y la atmósfera del Génesis, mientras que el segundo, “Calling in the Wilderness” (2025) se inspira en los Evangelios, explorando temas como la vocación, la reflexión y la transformación.

“All Day Long”, su último lanzamiento hasta la fecha, es el tercero y capítulo final, inspirado en los Salmos,  completando así una obra que traduce las Escrituras al jazz contemporáneo mediante la composición narrativa y la improvisación colectiva.

El material que integra el disco se desarrolló a través de presentaciones en vivo antes de la grabación, lo que permitió al trío refinar la música sin dejar de lado la espontaneidad en el estudio.

Junto al piano, el bajo y la batería, el sutil uso del órgano amplía la paleta sonora sin alterar la esencia del trío.

“Be Still”, abre con el contrabajo del chipriota  Stratis con sutiles matices asiáticos. Pero inmediatamente el sonido transita hacia espacios que trascienden la cuestión geográfica incluso la cultural. Chae recurre a sus raíces con elegancia y sobriedad antes de abrir la puerta a un lenguaje musical moldeado por la tradición clásica, la expresión romántica y un talento innato para la melodía contemporánea. Chae, con esta apertura, pone el listón  muy alto.

"I Shall Not Want" acelera un poco el ritmo, transmitiendo una sensación de ansiedad contenida, de lucha interna sin resolución aparente.El resultado es un sonido de conjunto transparente y profundo a la vez.

"Broken Spirit", comienza con un solo de batería y percusión algo militar, antes de que entren el piano y el contrabajo, creando una sensación misteriosa, que se adentra en una oscuridad intrigante que, de alguna manera, rompe el solo improvisado de piano (a lo Jarrett), acompañado de una sutil marcha de contrabajo y batería. Precioso tema.

“Vindication”, comienza con urgencia clásica, enérgica, alternándose en periodos más calmados. Stratis usa el arco que aporta profundidad e intensidad a la composición. La amplitud de influencias que Chae ha absorbido se dejan sentir en este tema.

"Come and See" comienza con un ritmo de marcha, sobre el cual Chae teje lentamente una historia no exenta de tristeza. Este tema toma algo de distancia con lo hasta ahora escuchado, pero la nterpretación de Chae  lo devuelve a la esencia del álbum. Wheatley, como en el resto del disco, está presente, discretamente presente, mostrando un talento y una técnica precisa.

“Para mí la música es un don divino. Comienza con una idea: una palabra, una imagen o un versículo bíblico que perdura. A través de nuestra interpretación, las notas y los silencios respiran y florecen, guiados por la composición pero cobrando vida plenamente en el momento de la colaboración. Cada actuación se desarrolla como un capítulo, una historia viva compartida con quienes la escuchan, transmitiendo el espíritu de la trilogía a través del sonido” afirma Chae.

“In Time of Trouble”, es una hermosa canción, nostálgica, sincera, una invitación, tranquila y conmovedora, a compartir momentos de paz. El órgano aporta un especial aire eclesiástico.

La introspectiva "My Fortress", con su tempo lento, acentúa la sensación melancólica, de dolor insoportable, opresivo y misterioso. De nuevo el sonido Jarrett está presente. 

La canción que da título al álbum, “All Day Long”, se basa en una frase repetitiva del órgano sobre la que gravita la primera parte del tema. En la segunda el piano toma protagonismo, relajando el ambiente, para de nuevo iniciar el ciclo. No es uno de mis temas favoritos, pero no desentona con el resto.

"Mere Breath" también posee un encanto inquietante. Tras una introducción de piano, el contrabajo toma el control,  creando una bella atmósfera, acompañada en todo momento por Chae y la sutil batería de Wheatley.

El cierre del álbum corre a cargo de “Answer Me”, donde el trío dialoga sin medias verdades, con sinceridad y honestidad  conmovedoras.

Los diez temas del disco fluyen con suavidad, casi hipnóticos, transmitiendo una profunda emoción.

La aparente sencillez, es eso, aparente, porque las composiciones de Chae encierran estructuras y desarrollos complejos llenos de encanto.

En este trabajo, el piano de Chae es el protagonista, pero Stratis y Wheatley van más allá de lo que sería un mero acompañamiento, y pasan a formar parte sustancial de la música que interpreta el trío.

“All Day Long”, es un álbum de detalles. Intelectualmente gratificante, sin abrumar,  además de cautivador desde el primer momento. De una belleza que sobrecoge y transmisor de paz interior.

Es de desear que el SongAh Chae Trio continúe durante muchos años mas y podamos disfrutar de su música. 

La Habitación del Jazz

PRZEMYSLAW JAN GRABOWSKI CD: Jazz Mysteries

 

Pistas

1.My Dearest Christine 2.Forward Voyage 3.Footsteps Over The Horizon 4.Monsieur Green 5.Counting Sevens 6.Serenading The Morning Sun 7.Happy Beluga

Intérpretes

Przemysław Jan Grabowski - piano, Fender Rhodes

Camila Cortina Bello – piano, sintetizadores 

Emir Santa Cruz - saxo tenor

Kali Rodriguez-Peña – trompeta

Samer Sharawi – bajo eléctrico

Noam Tanzer – contrabajo

Andy Wilder – batería

Grabado:  Grabowski y Cortina Bello, en un estudio independiente en  Boston, USA, entre 2019 – 2022. Santa Cruz, en The Trabuco Music Recording Studio, Habana, Cuba, el 25 de  julio y el 22 de agosto de 2023. Wilder y Sharawi, en Konk Studios, Londres, UK el 22 de julio y 22 de agosto de 2024. Tanzer, en un estudio independiente en  Nueva York,  el 26 de marzo de 2025. Rodriguez-Peña, en un estudio independiente en Nueva York el 28 de mayo y 3 de junio de 2025.

Publicado el 10 de julio de 2026 

Przemysław Jan Grabowski, pianista y compositor polaco-australiano, actualmente residente en Washington, D.C.. aprendió a tocar el piano de forma autodidacta. “Desde muy pequeño, me apasiona la música, y más concretamente el jazz. Quizás empezó cuando era bebé, ya que mi padre ponía discos de Chick Corea para ayudarme a dormir o como música de fondo. A los catorce años nos mudamos y mis padres me compraron un piano para que pudiera empezar a tomar clases de música clásica. Sin embargo, las clases no funcionaron porque no me interesaba aprender lo que ya estaba escrito, sino crear mi propia música e improvisar. Fue entonces cuando empecé a grabar mis propias composiciones y a aprender por mi cuenta”, escribe Jan Grabowski en las notas del disco.

Grabowski lanza su álbum debut, “Jazz Mysteries”, acompañado de unos músicos, cuidadosamente seleccionados. El disco contiene siete composiciones originales de diferente calado.

“My Dearest Christine” abre el disco. Canción dedicada a su esposa, es una balada donde destaca el saxo de Santa Cruz y el contrabajo de Tanzer. Un tema suave que se escucha sin requerir excesiva atención. 

“Forward Voyage” es un tema más animado donde el saxo, con un sonido cálido y el piano toman el protagonismo de forma alternativa, ambos impulsados por el contrabajo y la batería 

“Footsteps Over The Horizon” fue compuesta para reflejar la esperanza de lo desconocido. Pieza animada y optimista donde la batería y el contrabajo vuelven a impulsar al resto de componentes de forma sutil pero efectiva. Bonito solo de Rodriguez-Peña a la trompeta.

“Monsieur Green” se inspiró en un amigo actor de Grabowski que lo animó a interpretar su música. El piano, el saxo, el bajo y la batería mantienen un ritmo constante y sencillo de principio a fin. La pieza nos trae sonidos identificables, pero no por ello, menos interesantes. Uno de los cortes más destacados. 

Sobre “Counting Sevens”, Grabowski dice: “Pensé que sería divertido escribir e improvisar sobre música que cambia de compás y esta fue la primera melodía que me vino a la mente”. Rodríguez-Peña y Santa Cruz conversan mientras Tanzer y Wilder siguen con su labor de impulsar las melodías. Otro tema por encima de la media.

“Serenading The Morning Sun” introduce un toque de jazz-fusión, con texturas de Fender Rhodes que recuerdan épocas pretéritas. La trompeta con sordina y el bajo eléctrico de Sharawi, son los elementos más novedosos de esta composición que no añade mucho más. 

El tema de cierre se titula “Happy Beluga”. En la línea del anterior corte. Grabowski se sienta en el Fender Rhodes, que aporta un sonido discotequero de los 60-70. Un final optimista sin exigencias adicionales.

Este trabajo tiene una característica principal, su espontaneidad y ganas de agradar, donde se prioriza la honestidad emocional sobre el virtuosismo inalcanzable. 

El trompetista Rodríguez-Peña y el saxofonista tenor  Santa Cruz aportan voces cálidas en conversaciones expresivas, que dejan alguno de los mejores momentos del álbum. Lo mismo podemos decir de los bajistas Tanzer y Sharawi, proporcionando bases acústicas y texturas de fusión eléctrica. Mención aparte merece el baterista Wilder, catalizador e impulsor de la musica, siempre con buen gusto y contención calculada, sin dominar la escena de forma innecesaria. La productora y pianista Cortina Bello, incorpora colores con su sintetizador y piano.

Grabowski, inteligentemente, no abruma con cascadas de notas, limitándose fundamentalmente a acompañar a sus colegas, sin peligrosas exhibiciones técnicas

“Jazz Mysteries” es un esperanzador debut discográfico de Grabowski.

La Habitación del Jazz

JAY MATHARU CD: Desillusion

 

Pistas

1.Atrophy 2.Bare 3.Cog 4.Deluge 5.Shruti 6.Chalo 7.Butterflies 8.Bittersweet 

Intérpretes

Jay Matharu - guitarra

Erik Brandell - saxo tenor 

Christine Lanusse - bajo eléctrico

Jacob Johnson - batería

 

Publicado EL 3 de julio de 2026

El británico Jay Matharu es guitarrista, compositor y explorador sonoro cuya música fusiona rock progresivo, jazz fusión e influencias globales en un sonido profundamente expresivo y sin ataduras de género. Residente en Uppsala, Suecia, ha desarrollado una voz distintiva arraigada en la narración melódica, la complejidad rítmica y la profundidad emocional.

Ha actuado y grabado con diversos artistas de renombre, como la banda sueca de metal Liv Sin, donde fue guitarrista principal y coautor de los temas “Kaliyuga” (2023) y “Close Your Eyes” (2025). Cofundó el trío internacional Dissonant Distance, cuyo álbum debut homónimo (2018) y “Consequences of the Light” (2022) se caracterizaron por la improvisación en directo y un compromiso compartido con la exploración musical.

Su trabajo con The London Sitar Ensemble, incorporó la guitarra sin trastes a composiciones interculturales, enriqueciendo el diálogo sonoro entre las tradiciones occidentales e indias.

Y con la banda de rock progresivo Mahavira exploró la guitarra sin trastes en un contexto rockero, contribuyendo a un sonido que fusionaba intensidad con sofisticación melódica.

Además de su trabajo en solitario, Matharu ha colaborado con diversos géneros, desde el trío de improvisación Dissonant Distance hasta su anterior rol como guitarrista principal y coautor de canciones en la banda de metal Liv Sin. 

Actualmente, participa activamente en The Castle, el proyecto liderado por el legendario vocalista de Candlemass, y también colabora con la banda de metal sinfónico progresivo Hexed. Además, continúa desarrollando nuevos proyectos colaborativos y educativos, ampliando así su expresión artística a través de diversos géneros y plataformas.

Su música se nutre de una amplia gama de influencias, incluyendo guitarristas como Steve Vai, Allan Holdsworth y Pat Metheny, así como innovadores del jazz como John Coltrane y Wayne Shorter.

El cuarteto, formado por Erik Brandell al saxofón tenor, Christine Lanusse al bajo y Jacob Johnson a la batería, grabó sus partes a distancia y el resultado, la mezcla, es una de las debilidades del álbum.

“Desillusion” surge de la investigación de Matharu para su máster en Interpretación Musical y refleja un periodo de reevaluación artística y personal. Cada uno de los ocho temas del álbum explora un espacio emocional distinto.

El tema que abre el disco se titula “Atrophy”, donde Matharu funde el jazz con el rock progresivo, todo bañado de sutiles sonidos indios. Los paisajes líricos se alternan con ritmos contundentes.   

En “Bare” el jazz fusión es el protagonista, pero sin mayores pretensiones, ni siquiera ciando interviene Brandell al saxo. 

“Cog” sigue la misma línea argumental y expositiva. La batería de Johnson se excede en redobles, a mi entender, innecesarios. El rock domina el espacio.

Mientras que “Deluge” es más de los mismo. Un tema de pop rock, donde resalta el saxo y el bajo. 

“Shruti” es un corto tema reflexivo en el que los acordes de la guitarra simulan los de un sitar, con lo que la melodía se nos antoja con matices de raga. 

“Chalo”, está compuesto en memoria del difunto mentor de Matharu, el virtuoso del sitar Pandit Sanjay Guha. Inspirado en los colores del Raga Yaman.

En “Butterflies” domina el compás irregular, de  nuevo el rock, más o menos, progresivo y el jazz como invitado. 

El disco cierra con “Bittersweet”, un tema optimista, que sirve para definir el contenido del álbum.

Matharu, prioriza el sonido y las emociones sobre la ostentación técnica. El saxo tenor de Brandell añade colores, enriqueciendo la musica. Lanusse proporciona una sólida base con el bajo eléctrico, mientras que la batería de Johnson, tienen un excesivo y repetitivo protagonismo.

Influencias de sonido metal, el jazz, el rock,  algo de las tradiciones musicales indias,  nunca demasiado evidentes, son la esencia de “Desillusion”.

La Habitación del Jazz 

MATHIEU TORRES CD: Sanctuaire

 

Pistas

1.Le Parfum des glycines 2.Pyrène 3.Impressions 4.Blue Monday 5.Khiónê 6.En marche folle 7.Le clochard celeste 8.Des airs de répit 9.Rosewood 10.Ténéré 11.Xana valse 12.Sneakers station 13.Hoia Baciu

Intérpretes

Mathieu Torres – guitarra, bajo, programación

Jean Baptiste Azanza – contrabajo 

Guy Ould Yahoui – batería 

Sello discográfico:  Matziz Records 

Publicado el 5 de junio de 2026

Mathieu Torres, nacido en Toulouse (Francia)  es guitarrista y compositor en diversos proyectos artísticos: String Theory,  M'Z,  Matziz, Zhorhann, The Diogenes, Adelphya, Inland Motel entre otros.

Fundador de su propio sellos discográfico Matziz Records, Torres es un espíritu libre, o quizás, una especie de trovador moderno, desafiante a cualquier categorización. Practica un jazz-rock híbrido, a menudo con influencias de fusión, experimental y revolucionario.

Navegando entre estilos y géneros, es un artista polifacético, que en ocasiones sigue caminos atípicos.

Aunque predominantemente orientado al jazz, Torres nunca se limita a un solo lenguaje. Sus composiciones tienen mucho de folk contemporáneo, de  música de cámara, de blues, el ambiente acústico, de rock, electrónica, creando un universo sonoro lleno de matices, siempre abierto a la fusión de estilos.

Si “Desconegut” sirvió para que el universo musical de Torres se diera a conocer al público , “Sanctuaire” nos invita a adentrarnos aún más en ese mundo personal.

A lo largo del álbum, Torres demuestra no solo su talento como compositor, sino también su excepcional sensibilidad como guitarrista.

Torres obtiene un sonido limpio de la guitarra, con tonos envolventes creadores de cautivadoras atmósferas. 

La técnica es precisa, y el acompañamiento de la sección rítmica es meticuloso y elaborado.

En una misma canción, nos puede ofrecer  momentos líricos y sutiles  junto a otros roqueros y duros, transición que realiza de forma natural, deparando momentos de sorpresa total, como en el tema titulado “Pyrène”, donde un cambio brusco nos introduce en un mundo roquero.

“Sanctuaire” siempre conserva un elemento de sorpresa, con giros inesperados.

El homenaje a los grandes guitarristas, de blues y rock, está presente en todos los temas del álbum. Baste como ejemplo los acordes que ejecuta en el primer corte del disco, “Le Parfum des glycines” y que nos recuerda mucho a gran Phil Upchurch. 

No hay demostraciones de virtuosismo, aunque pudiera parecer lo contrario; por contra es exquisito con el fraseo y con el sonido, siempre cuidadosamente elaborado.

La electrónica utilizada es sutil, la justa, sin intromisiones innecesarias, coadyuvando a un equilibrio natural.

Algunas piezas se desarrollan con una intimidad serena, donde cada nota de su guitarra es transparente y llena el silencio que rodea el estudio. En otras piezas, la música es más rítmica y la creación de tensiones es evidente.

Como es de esperar la guitarra es el núcleo central del álbum pero sin eclipsar al resto de colegas, ni siquiera a sí mismo. Torres, al contrario de otros guitarristas, no transmite sensación de exceso, si no de justo desarrollo.

Posee una maestría impresionante, pero sin perder  calidez en la interpretación. Posee un sonido equilibrado y es muy cuidadoso con la atmósfera. Nunca predecible, toca pensando en transmitir no en impresionar.

Este álbum “Sanctuaire” es un verdadero santuario para los amantes del la guitarra eléctrica, del jazz y de la música como transmisora de emociones.

La Habitación del Jazz

BJARKE FALGREN CD: turkis

 

Pistas

1.Embrace 2.Il Posto del Padre 3.Cigarillos por Favor 4.Viola 5.Tiden Står Stille Her 6.Rossignol 7.Rosa's Forår 8.Low Five 9.Vinden Vänder 10.Hora Azul

Intérpretes

Bjarke Falgren – violín, viola, violonchelo 

Heine Hansen – piano, Fender Rhodes/Wurlitzer

Morten Lundsby – contrabajo

Eliel Williams – congas

Lazo Linares – congas

Anders Holm Jensen – batería, percusión

Jakob Riis Holm – guitarra

Aksel Falgren – teclados

Sello discográfico: Zack’s Music 

Grabado el 11-13 de diciembre de 2024 en The Village Recording Studio. Grabaciones adicionales en la primavera de 2025 en  Falgren Strings Production

Publicado el 26 de junio de 2026

El violinista Bjarke Falgren nació en Dinamarca. Fue nombrado el primer galardonado con el Premio Ellen & Svend Asmussen por Svend Asmussen, quien lo consideraba su sucesor musical. Además de su trabajo como intérprete, compone y produce música  para cine, teatro y televisión. A lo largo de una carrera de más de dos décadas, Falgren ha contribuido a más de cien álbumes, desempeñando un papel protagónico en más de 15 de ellos, incluso cuando no los publicaba bajo su propio nombre.

Falgren, cuatro veces ganador del Premio de Música Danesa (DMA), se ha consagrado como uno de los violinistas más respetados y versátiles, destacándose como un músico que transita con libertad entre géneros, conservando un tono y una musicalidad completamente únicos. Recibió su primer violín a los siete años y desde entonces nunca lo ha soltado.

El jazz y la música folk son referentes claros en su trayectoria. Ha tocado pop/rock y siente un cariño especial por la música folk auténtica y las tradiciones gitanas. Además  ha impartido clases en conservatorios de música en su Dinamarca natal y en el extranjero.

Sin embargo, es difícil encasillarlo, quizás porque la curiosidad es su mayor motor. Siempre está dispuesto a descubrir qué se esconde bajo la siguiente piedra.

Independientemente del formato y del colaborador, su música siempre se ha basado en una sola cosa: la conexión con el público, con el momento de interpretación y con la melodía.

“turkis” es el segundo álbum de Bjarke Falgren bajo su propio nombre, tras una larga trayectoria en la que ha tocado y grabado con numerosos músicos destacados tanto en la escena danesa como internacional. Un álbum que es, sin duda, el más personal hasta la fecha.

El título de este álbum fue elegido porque Bjarke Falgren considera la palabra "turkis" como "...el color de los horizontes, donde el cielo se encuentra con el mar; donde las fronteras se disuelven; donde la música fluye libremente. Es en ese espacio donde me siento más inspirado", escribe Falgren en las notas del disco.

También es el color de su Citroën D19 clásico de 1963 (ver portada disco).

El tema de apertura, “Embrace”, es una de las diez originales que integran el álbum. Inmediatamente se percibe que Falgren, como intérprete de violín de jazz,  está a otro nivel. El bajo y la batería marcan un ritmo percusivo junto al piano, proporcionando sensaciones de movimiento pendular, cálido y relajante. 

Con “Il Posto del Padre” el ambiente cambia radicalmente, dando paso a un espacio emocional, romántico y lleno de nostalgia y sensación de pérdida. Un ritmo latino y gitano (su violín gitano de trescientos años) impregna la canción, escrita con y para el alma.

“Cigarrillos Por Favor” nos traslada al mundo de la samba, con influencias españolas, irresistiblemente vivo donde las congas de Williams y Linares juegan un papel muy importante.

Falgren abandona el arco y en “Viola” puntea su instrumento de cuerda, cambiando el ambiente, que junto al piano, se nos antoja palaciego. Una preciosa y triste  composición.

Falgren nos ofrece un nocturno con “Tiden Står Stille Her”, melancólico y profundo. La interpretación de Falgren con el violonchelo es conmovedora.

Falgren afirma: “Escucho. Espero. Y cuando el viento cambia, lo sigo”. Esa sensación de libertad se deja sentir en  esta pieza titulada “Rossignol”.

“Mi música está marcada por los lugares que he visitado y las personas que he conocido. Cada cultura tiene su propio sonido y su propia atmósfera, y a través de mi música intento encontrar una melodía universal que cree conexión cuando las palabras no alcanzan”, afirma Falgren. “Rosa’s Forår” es buena muestra de ello, con ese sonido pop nostálgico.

Sin duda, el momento más jazzístico lo vivimos con “Low Five”, un guiño al “Take Five” de Dave Brubeck. Fantástica versión, o creación, da igual.

“Vinden Vänder” transita por misteriosos caminos, donde la lentitud y la contención dotan a esta pieza de un claro sabor cortesano salpicado de jazz progresivo.

El álbum está repleto de referencias a momentos irrepetibles. El tema de cierre, “Hora Azul” es uno de ellos. Una bonita canción, romántica, agridulce, evocadora de momentos especiales, vividos posiblemente, por el título,  en España .

Obviamente, el álbum se sustenta en el lenguaje distintivo del violín de Falgren, quien afirma: “He trabajado con el arco como otros trabajan con la voz. Como una respiración siempre presente, incluso cuando no se dice nada”.

Falgren hace magia con los instrumentos de cuerda, especialmente con el violín. Su lirismo es seductor.

“turkis” transita entre pasajes líricos, movimientos rítmicos y momentos más reflexivos, huyendo de la  ostentación.

La Habitación del Jazz

ADAM ROSE + MOUNTAIN JAZZ QUARTET CD: Holler Serenade

 

Pistas

1.Sailing On the Potomac 2.Bye Bye Blackbird 3.Fog Valley Sunrise 4.Haywood Commons 5.Double Entendre 6.Little Ms. Understanding 7.Theresa’s Journey 8.The Turnaround

Intérpretes

Adam Rose - guitarra

Steve LaSpina - bajo

Taylor Pierson - piano, teclados

Jeff Sipe - batería

Grabado en Eagle Romm Studios

Publicado el 26 de junio de 2026

Adam Rose  aprendió a tocar la guitarra y a cantar en reuniones cuáqueras celebradas en los bosques de la bahía de Chesapeake. Continuó tocando en bandas de rock y luego en grupos de jazz por toda Filadelfia.

Trabajó en estudios de grabación de Los Ángeles y Nueva York como multiinstrumentista, ingeniero y compositor, compaginando esta actividad con la enseñanza y las actuaciones. Al regresar a Filadelfia, abrió un estudio de enseñanza privada y comenzó a estudiar guitarra clásica. Se unió a la Sociedad de Guitarra Clásica de Filadelfia.

Sus composiciones instrumentales y electrónicas han aparecido en películas y televisión. Como profesor, ha impartido miles de clases de guitarra.

En 2018, se mudó a Durham, Carolina del Norte, y comenzó a tocar en circuitos de jazz, country y bluegrass. Ha improvisado con Branford Marsalis, Mickey Roker, Byron Landham, Jimmy Bruno y otros grandes músicos de jazz. Sus composiciones, que incluyen instrumentos virtuales,  electrónicos  y acústicos, han aparecido en películas y series de televisión.

Su primer álbum se tituló “Vibes + Tribes” (2022), y constaba de composiciones originales y estándares de jazz. 

En otoño de 2022, Rose se mudó a Asheville, Carolina del Norte, donde se sumergió en las escenas del jazz y la música americana. Ampliar su repertorio, tocar en grupos inspirados en Django Reinhardt, participar en bailes de swing y realizar giras por Nashville le ha permitido adaptarse al ajetreado y flexible estilo de vida de un músico profesional. 

Su segundo álbum instrumental de jazz, “Holler Serenade”, incluye seis composiciones nuevas.

La sesión se grabó en directo en un solo día en el estudio Eagle Room con un cuarteto recién formado: el bajista Steve LaSpina (Stan Getz, Chet Baker, Jim Hall...), el baterista Jeff Sipe (John McLaughlin, Trey Anastasio ...) y el tecladista Taylor Pierson.

Rose llegó con la intención de fusionar los sonidos de Asheville con el jazz neoyorquino más puro, y la banda que reunió tiene una gran presencia en ambos estilos. A excepción de “Turnaround” de Ornette Coleman y “Bye Bye Blackbird” de Ray Henderson, todas las composiciones de este álbum son de Rose.

El disco comienza con "Sailing On the Potomac". Canción de ritmo alegre y contagioso con un claro sabor latino. El virtuosismo de Rose es evidente, así como su sonido limpio y nítido.

Le sigue el estándar de jazz “Bye Bye Blackbird”. Antes de que la banda se incorpore, Rose interpreta la melodía con acordes inspirados en Wes Montgomery. Una versión con buen gusto, interpretada con soltura, donde cada músico tiene su momento de gloria. A tener en cuenta la labor de LaSpina y su solo.

“Fog Valley Sunrise” es una curiosa pieza, con la batería marcando un ritmo, pausado casi militar. Sonido cálido y sereno. Rose abandona el virtuosismo en aras de un sonido de conjunto, armonizado y creador de emotivos recuerdos.

Sipe crea un ritmo irresistible en "Haywood Commons", propiciando que Rose fusione jazz, bluegrass y funk, con sonido de los años 70.

La samba "Double Entendre" nos transporta a lugares  brasileños. Una canción de sonido agradable que invita al baile. En la misma línea argumental está “Little Ms. Understanding”.

“Theresa’s Journey”, es una canción suave que aporta un tono más relajado al disco y que da paso a “The Turnaround” el tema que cierra el álbum, con un ritmo algo más urgente. Rose interpreta la melodía de Hawkins  con una excelente  respuesta de LaSpina. Una gran versión blusera donde el grupo se divierte y nos divierte.

La brillantez técnica suele ir en detrimento de la espontaneidad, sin embargo Rose encuentra el equilibrio perfecto entre el virtuosismo  y la espontaneidad.

En el disco subyace una atmósfera de club, con sabor retro. En definitiva “Holler Serenade” es un álbum rico en ideas y virtuosismo musical donde Rose logra lo que  se propuso: reunir a Asheville y Nueva York en un mismo espacio y permitirles encontrarse.

La Habitación del Jazz

KOSMONAUCI CD: Brudna - Bielizna

 

Pistas

1.Kogut 2.Och! Proste : Trudne 3.Almodowar z małym 4.SIEKA 5.Tabaluga 6.Ostatni 7.Koniec Tego 8.Chopin ale z Polski 9.Dla Zuzy 10.Siła przyjaźni

Intérpretes

Miłosz Pieczonka - saxo

Bartłomiej Lucjan - bajo

Tymon Kosma . vibráfono

Jan Pieniążek - batería

Sello discográfico: U Jazz Me (U Know Me Records)

Publicado el 3 de abril de 2026

La escena polaca se ha distinguido durante décadas por su enfoque innovador del jazz.  Kosmonauci es un grupo de jazz polaco que fusiona las tradiciones del jazz con influencias contemporáneas como el hip-hop, el drum & bass y la improvisación. En marzo de 2024 lanzaron su primer álbum titulado “Sorry, nie tu”, en el sello discográfico U Jazz Me Records, perteneciente a U Know Me Records.

El grupo lo forman Miłosz Pieczonka, (saxofón), Tymon Kosma (vibráfono), Bartłomiej Lucjan (bajo) y Jan Pieniążek (percusión). Llevan tocando juntos desde el instituto, y eso se nota claramente. 

La música de Kosmonauci tiene sus raíces en el jazz y la improvisación, pero con el tiempo, los músicos han desarrollado muchos caminos nuevos y formas de inspirarse en otros géneros musicales aparentemente dispares

"Brudna - Bielizna" es el segundo álbum de Kosmonauci. El título es un juego de palabras con su ciudad natal, Bielsko-Biala, que también se traduce literalmente como "Ropa interior sucia". Lo editan a través del sello discográfico U Jazz Me Records, del grupo U Know Me Records.

El álbum recoge composiciones originales de los miembros de la banda, creadas durante los últimos dos años y que evolucionaron junto con los artistas durante los conciertos. Continúan explorando diversas combinaciones de géneros y estilos. Sin embargo, este segundo álbum está más enfocado y conectado con las inspiraciones jazzísticas de los miembros de la banda.

Los temas que nos proponen tienen un estilo sonoro distintivo, con estructuras polirrítmicas complejas. Combinando melodías emotivas y líricas con otras más crudas y oscuras, pero siempre fusionando el jazz con toques electrónicos que caracteriza a la banda.

Estamos ante una música progresiva y experimental donde el saxofón tiene un gran protagonismo

La Habitación del Jazz 

WILD BLUE HERONS CD: It's All About Love

 

Pistas

1.Mr Wiggly 2.Live in the Moment 3.Under My Skin 4.Whatcha Gonna Do With Your Life 5.It’s All About Love  6.Easy As Pie 7.Someday 8.Won’t Let You Steal 9.Bebop  10.Don’t Want This Heart 11.You Are My Sunshine 12.There Will Be Joy 13.Honey B 

Intérpretes

Darlene Cooper – voz, coros

Bill Sample – piano, Hammond, Rhodes, coros 

Tim Porter - guitarra

Miles Foxx Hill – bajo 

Randall Stoll – batería 

Steve Hilliam – saxo tenor      

Jim Hopson – trombón 

Tom Keenlyside – flauta (6) 

Dawn Pemberton – voz (4), coros

Jane Mortifee – coros

Grabado en Herons Nest Studios, Pineapple Sound Recordings y Frequency Forward Studios

Publicado el 14 de febrero de 2026

Wild Blue Herons (WBH) es un sofisticado grupo de jazz y funk con un ritmo contagioso, formado en 2017 y liderado por el aclamado matrimonio formado por Bill Sample (piano/teclados) y Darlene Cooper (voz).

El teclista y vocalista Bill Sample es miembro del Salón de la Fama del Entretenimiento de la Columbia Británica. Ha sido director musical y teclista de David Foster y ha  actuado junto a iconos como Celine Dion, Ray Charles y Kenny Loggins. Incluso ha hecho de telonero en conciertos para Oscar Peterson  y Monty Alexander. También fue uno de los primeros profesores de piano de Diana Krall.

Por su parte, Darlene Cooper es reconocida como una cautivadora cantante, educadora y compositora de jazz, soul y gospel, y ha colaborado con artistas como Eric Bibb, Dee Daniels y Leon Bibb y Marcus Mosely y muchos más.

Ya sea como dúo o como banda completa con sección de vientos y músicos de sesión de primer nivel que han trabajado con Van Morrison, Tom Cochrane, Colin James y K.D. Lang, Wild Blue Herons ofrece un vibrante espectáculo en vivo. Han actuado en numerosos eventos e importantes locales.

En 2023 incorporaron una sección de vientos que propició un cambio hacia un  estilo más rítmico, con influencias de The Crusaders y Steely Dan.

Sus dos primeros álbumes, “On the Outside”, con influencias funk inspirado en la estética groove de los años 70, y “You and I”, un proyecto íntimo surgido durante el confinamiento, consolidaron a la pareja como una asociación creativa versátil y profundamente conectada. “ It’s All About Love”, es su tercer trabajo, un álbum de música original  y lleno de ritmo, forjado a lo largo de una vida dedicada al arte en común. Fusionando jazz, funk, gospel y pop contemporáneo, capturan el sonido que les ha caracterizado y perfeccionado en festivales y clubes de todo Canadá.

El tema de apertura, “Mr. Wiggly”, es el único tema instrumental del álbum. Toques funk, con pegadizos riffs de teclado de Sample, su compositor. Metales contundentes. Un bajo potente, junto a la guitarra de Porter con toques de blues y country y el saxo de Steve Hilliam, son los protagonistas del tema.

A partir de aquí, todos los cortes del álbum combinan el virtuosismo musical con la cautivadora voz principal de Darlene Cooper. Como sucede en “Live In the Moment” composición de Cooper y Sample. La voz de Cooper se funde con la orquesta, de forma natural en un tema soul, lleno de swing.

Le sigue “Under My Skin” de Cooper y Sample, un tema soul-pop continuador de la linea argumental del grupo.

La sensual “Whatcha Gonna Do With Your Life”, también firmada por Cooper y Sample, tiene a la vocalista Dawn Pemberton como protagonista.

La canción que da título al álbum, compuesta por Cooper y Sample, tiene el más puro estilo Steely Dan, con los metales en primera línea.

“Easy As Pie”, compuesta por Sample en la dácada de los 70,  es un tema alegre que sirve a Cooper para mostrar el rango y la versatilidad de su voz. Cuenta con la flauta de Tom Keenlyside. El jazz está presente en este tema.

Cooper y Sample compusieron la agradable balada "Someday".

También ambos compusieron “Won’t Let You Steal”, que estaba destinado al primer álbum de Wild Blue Herons, pero se incluyó para pulir la letra.

“Bebop” la compuso Sample en la década de los 70, durante su época de becario en el prestigioso Berklee College of Music de Boston. Una juguetona canción estilo Brodway.

Sample firma en solitario la romántica “Don’t Want This Heart”. 

“You Are My Sunshine”, de Jimmie Davis,  es el único estándar del álbum. No es la primera vez que graban la canción, ya que incluyeron una versión en vivo como bonus track en su álbum debut, pero aquí suena más extensa. La pieza comienza como un dúo de voz y piano (uno de los mejores momentos del disco) , con una interpretación exquisita de ambos, cobra fuerza con la entrada del bajo y la batería, seguidos del saxo de Hilliam, culminando en un final impresionante. 

“There Will Be Joy”, compuesta por Cooper y Sample, tiene un sonido mas moderno, que comienza con una melodía pegadiza antes de que la voz de Cooper se despliegue por completo. Una emocionante muestra de pop jazz.

El álbum cierra con “Honey B”, una canción compuesta por Cooper para el 70 cumpleaños de Sample (se componen canciones para sus cumpleaños). Una pieza divertida en  torno al amor.

Temas como la presencia, la gratitud y la importancia del amor están presentes en estas canciones, interpretadas con un sonido que abarca el soul, el R&B, funk pasando por el pop y el góspel, hasta íntimas baladas. Y todo ello con un baño jazzístico, acentuado cuando el trombonista Jim Hopson o el saxofonista Steve Hiliam se lanzan a sus solos.

El álbum es una muestra de su devoción por la música y el uno por el otro. Sin duda el que se lanzara el 14 de febrero, Día de San Valentín, no es casualidad. 

La Habitación del Jazz

CLAUDIO SCOLARI PROJECT CD: Lines Of Now

Pistas

1.Subtle Currents 2.Fractured Horizon 3.Between Seconds 4.Moving Echoes 5.Still Moving 6.The Next Breath 7.First Light 8.Holding Still 9.A Sudden Silence 10.Where We Pause 11.Edge of Silence 

Intérpretes

Claudio Scolari – batería set 1, prog. de sintetizadores

Daniele Cavalca – batería set 2, sintetiz., Rhodes, piano

Simone Scolari – trompeta 

Ilaria Cavalca – voz, piano 

Michele Cavalca - bajo

Grabado en diciembre de 2025

Publicado el 24 de abril de 2026

El baterista, compositor y profesor de conservatorio, Claudio Scolari (Reggio Emilia, Italia) se diplomó en instrumentos de percusión y timbales en la Facultad de música A.Boito de Parma. Su carrera artística se ha desarrollado en dos áreas diferenciadas: música clásica y contemporánea y música de jazz de vanguardia. Ha tocado con orquestas tan prestigiosas como la Scala Philarmonic Orchestra de Milán, The RAI National Simphonic Orchestra de Turín, la Orquesta Filarmónica de Toscanini, la orquesta del teatro La Fenice de Venecia, la orquesta del Teatro Arena de Verona y la Orquesta Filarmónica Europea entre otras.

Entre otros eventos, participó en el concierto celebrado en Roma en honor al Papa Juan Pablo II;  en el concierto para celebrar el cumpleaños de Luciano Pavarotti realizado en Montecarlo y en las ediciones Pavarotti & Friends de 1999, 2000, 2002 y 2003, donde conoció al baterista estadounidense Steve Gadd.

En música contemporánea ha participado en los siguientes conjuntos: CARME (Sociedad Italiana de Música de Cámara) “Gruppo Musica Insieme di Cremona”, I Virtuosi Italiani, Ensemble Edgard Varèse.

Es el fundador del proyecto denominado  Claudio Scolari Project, que empezó su andadura en 2019. En La Habitación del Jazz  se han publicado reseñas de cinco de sus álbumes: Cosmology, Don't Know, Intermission, Landskap/A, Bloom  y Opera

Claudio Scolari Project regresa con su décimo álbum titulado “Lines Of Now”, donde la audacia y ambición destacan de forma singular. CSP continúa con su habitual propuesta de jazz moderno. En comparación con lanzamientos anteriores, el diseño de sonido cobra mayor protagonismo, gracias a la configuración de doble batería y una paleta sonora más contemporánea.

El disco abre con “Subtle Currents”, un interesante tema donde la participación colectiva del grupo se hace evidente. Fuerte presencia de sintetizadores, del Rhodes, que nos recuerdan a los primeros pasos electrónicos de Miles Davis. La improvisación lo inunda todo, en esta composición vibrante y cautivadora.

En “Fractured Horizon”, se sigue un patrón similar, si cabe más futurista. Líneas de bajo y batería secundadas por teclados y electrónicos, junto  a la trompeta viajando por encima, por debajo y entre todos ellos. Una verdadera vorágine de sonido.

El ritmo afrocubano, salpicado de reggae jamaicano, caracterizan este “Between Seconds”. Claudio Scolari poniendo orden en este aparente desorden. Otro tema que engancha.

Sigue “Moving Echoes” donde los delicados y elegantes toques de teclado, se mezclan con sintetizadores dialogantes,  casi humanos, y la trompeta envolviéndolo todo. La batería y el bajo como guías espirituales grupal.

La música se construye a través de la improvisación colectiva, con composiciones que surgen en tiempo real a partir de ideas iniciales. “Still Moving” es un tema repetitivo, impregnado de un ritmo funky, que invita a bailar. 

El funky está también presente en “The Next Breath” gracias a un riff que Daniele Cavalca improvisa y que sirve de guía para el resto del grupo.

Un comienzo tímido va dando paso a la voz de Ilaria Cavalca que se integra como un instrumento más, en “First Light”. Ilaria y la trompeta de Simone Scolari dialogan, creando una atmósfera espiritual, que la batería y el bajo se encargan de intensificar. 

Daniele interpreta un riff con el piano eléctrico, que es asumido inmediatamente por Simone y a partir de ahí, se crean melodías y momentos de improvisación colectiva muy interesantes. 

Ilaria tiene unos registros de voz que encajan a la perfección con el resto de instrumentos. En “A Sudden Silence” regresa,  con mayor protagonismo, junto al bajo de Michele. La espiritualidad se adueña del ambiente.

En “Where We Pause” Claudio y Daniele improvisan simultáneamente, demostrándonos la interacción existente.

“Edge Of Silence” cierra el álbum. El bajo de Michele como único instrumento sonando, junto a la preciosa voz reverberante de Ilaria. Un cierre meditativo e introspectivo.

“Lines Of Now” es el resultado de una trayectoria muy productiva para este destacado grupo de improvisación, formado por dos familias italianas. Jazz experimental, llevado al límite, en estos once cortes contemporáneos, llenos de energía y creatividad desbordantes.

A destacar en esta ocasión la incorporación de Ilaria Cavalca.

La Habitación del Jazz