PAT BIANCHI CD: Confluence

 

Pistas

1.It Was A Very Good Year 2.Jitterbug Waltz 3.Guess I’ll Hang My Tears Up To Dry 4.The Song Is You 5.Dizzy’s Dilemma 6.Come Rain or Come Shine 7.Wise One

Interpretes

Pat Bianchi - órgano, teclados

Troy Roberts – saxo

Colin Stranahan - batería

Sello discográfico: Origin Records

Grabado el 10 de junio de 2025 en el Trading & Studio de Nueva York 

Publicado  el 6 de febrero de 2026

El organista Pat Bianchi, nació en Rochester, Nueva York, Bianchi proviene de una familia con una gran tradición musical. Comenzó a tocar el órgano a los 7 años y a los 11 ya ofrecía sus primeros conciertos profesionales. Durante su etapa escolar, se matriculó en el programa preparatorio de piano y teoría musical de la Escuela de Música Eastman, donde recibió la mentoría de numerosos músicos de la escena musical de Rochester. Bianchi continuó sus estudios en el Berklee College of Music (Boston) y pasó unos ocho años en Denver perfeccionando sus habilidades antes de mudarse a Nueva York en 2008.

Presenta el programa semanal de radio “Organized” en Sirius XM y actualmente es profesor asociado de órgano de jazz en el Berklee College of Music.

Ganador de la encuesta de estrellas emergentes de la revista Downbeat en 2016, de la encuesta Hot House en 2019 y nominado por la Asociación de Periodistas de Jazz en 2024 como Tecladista del Año.Su estilo fusiona la tradición con una creatividad vanguardista, inspirándose en sus mentores Dr. Lonnie Smith y Joey DeFrancesco.

Además de liderar sus propios grupos, ha actuado junto a una amplia gama de músicos, entre ellos Chuck Loeb, Ralph Peterson Jr., Tim Warfield, George Coleman, Terrace Martin, Joe Locke, Red Holloway, Dakota Staton, Mark Whitfield, Terell Stafford, Eric Marienthal, Steely Dan y Lou Donaldson.

Sus nueve álbumes como líder de banda,("Something To Say", "3osity", "In The Moment", "A Higher Standard", "Crazy", "Back Home", "East Coast Roots", "The Art of Jazz Organ Trio", "Three"), junto con más de 35 colaboraciones como músico de sesión y su nominación al Grammy, han afianzado su posición entre los organistas de jazz más importantes de la actualidad.

Su último trabajo hasta la fecha se titula “Confluence”, una grabación en trío , junto a dos de los mejores músicos de Nueva York: el saxofonista  tres veces nominado al GRAMMY Troy Roberts (Joey DeFrancesco, Van Morrison, Jeff "Tain" Watts, Kurt Elling , Veronica Swift...) y Colin Stranahan (Kurt Rosenwinkel, Jonathan Kreisberg, Dr. Lonnie Smith, Fred Hersch, Terence Blanchard, Dave Kikoski, Kevin Hays, Herbie Hancock, Wayne Shorter…), uno de los bateristas más solicitados actualmente.

El título del álbum es muy apropiado para esta grabación (realizada en aproximadamente seis horas). Al igual que en la grabación anterior con este trío, Bianchi busca una interpretación semejante al vivo y llena de sorpresas.

El álbum abre con “It Was a Very Good Year”, el clásico de Ernin Drake inmortalizado por Frank Sinatra y Ray Charles. Bianchi lo aborda desde una perspectiva enérgica , rechazando la nostalgia y junto a Roberts lo impulsa  con fantásticas improvisaciones , con explosivos diálogos entre ambos . Una versión potente, donde la batería de Stranahan tienen mucho que decir, impulsándola  con sus redobles y platillos siempre atento. Un gran comienzo.

Le sigue “Jitterbug Waltz" . Fats Waller la compuso y grabó con un órgano Hammond, en 1942.Una pieza intencionadamente asimétrica, en clave contemporánea. Diálogos muy medidos entre órgano y saxo tenor, con la batería manteniendo un compás irregular durante toda la pieza que contribuye a ese nuevo enfoque fresco y ágil, perseguido por Bianchi Una interpretación rápida que te deja sin aliento.

Cambio radical de atmósfera con la lacónica y hermosa "I Guess I'll Hang My Tears Up To Dry" de Jule Styne y Sammy Cahn. Una hermosa balada con Bianchi aportando acompañamiento al sensual saxo de Roberts. El solo de Bianchi impulsa algo el tema , guante que recoge Roberts, tocando con algo más de brío. La batería en un discreto y preciso segundo plano. Roberts pone un broche final de lujo.

“The Song Is You” de Jerome Kern y Oscar Hammerstein, es interpretada enérgicamente por el trío, cohesionado por la urgente batería de Stranahan, y un Bianchi manteniendo de forma continuada la linea de bajo mientras improvisa con la mano derecha a lo largo del teclado Roberts aporta improvisaciones muy logradas interactuando con Bianchi a lo largo del tema. Otra interpretación cargada de energía.

Bianchi aporta el único corte original del disco, titulado “Dizzy’s Dilemma”, alternando el órgano con el Fender Rhodes,creando momentos que desafían lo hasta ahora desarrollado, pero manteniendo el ritmo fluido. Roberts desgrana elegantes frases a lo largo de este tema funky y elástico. Al final del tema, Bianchi regresa al órgano. Stranahan admirable, como en todo el álbum.

La preciosa "Come Rain Or Come Shine" de Harold Arlen y Johnny Mercer , quizás sea la pieza más floja del álbum, como si no acertaran o no estuvieran convencidos de cómo abordar esta canción.

El álbum cierra con “Wise One” de John Coltrane. La grabaron sin ensayos previos en una sola toma. Una composición firmada por Coltrane, es una garantía, y esta canción no lo es menos. La forma de abordarla por el trío es acertadísima, capturando el espíritu en toda su amplitud. Roberts toma el mando, de forma pausada, marca el camino a seguir y Bianchi, junto a Stranahan acompañan sin protagonismos, incluso cuando Bianchi hace su solo. Una quietud embriagadora se adueña del ambiente.

“Confluence” transmite la intensidad y frescura de un concierto en vivo. Es un trabajo estimulante, Bianchi demuestra que el trío de órgano, en manos expertas, sigue siendo uno de los formatos más enérgicos del jazz.

Dejando de lado los convencionalismos asociados al órgano y convirtiéndolos en algo nuevo, novedoso, enriqueciendo su sonido y armonías, Bianchi se ha consolidado como uno de los organistas más destacados de la escena internacional actual. 

La Habitación del Jazz

ELLAS KAPELL CD: Ember

 

Pistas

1.Very Early 2.I Didn't Know What Time It Was 3.All the Things You Are 4.I Cover the Waterfront 5.How Deep Is the Ocean 6.The Very Thought of You 7.Don't Explain 8.I Fall in Love Too Easily

Intérpretes

Lovisa Jennervall - voz

Manne Skafvenstedt - piano, sintetizadores

August Eriksson - contrabajo, bajo eléctrico, violín

Edvin Glänte - batería, percusión

Invitados

Johan Christofferson - saxo alto

Tobias Wiklund - corneta

Gustav Alte - guitarra pedal steeel

Sello discográfico: Naxos Prophone Records

Grabado en verano y otoño de 2025

Fecha de publicación: 27 de febrero de 2026

El grupo Ellas Kapell se formó en el otoño de 2016. Compartiendo una visión entusiasta del gran catálogo musical de Ella Fitzgerald, le sirvió de inspiración para tomar el nombre del grupo (Kapell en sueco significa capilla y se usa para describir una banda más pequeña) y adoptar su repertorio inicial. Desde entonces, el repertorio se ha expandido más allá de los límites del cancionero de Ella, pero el nombre de la banda permanece.

Tras su formación lanzaron dos álbumes, “Longing” y “What’s It All About?” y ganaron el premio Golden Album Reader's Choice Award (JAZZ/Orkesterjournalen), fueron nombrados Vocal Jazz Act of the Year por la revista Lira Music, obtuvieron más de cuatro millones de reproducciones y colaboraron con algunos de los nombres más importantes del jazz sueco, incluidos Karin Hammar y Magnus Lindgren. Su tercer álbum se tituló “For All We Know” (ver reseña en este blog).

Con “Ember” (Naxos Prophone Rrecords) , su cuarto álbum, el cuarteto sueco Ellas Kapell, marca un punto de inflexión pues, aunque sigue su trayectoria como intérpretes de estándares de jazz, por primera vez la banda toma el control de la grabación , de la producción , y de las mezclas, lo que les otorga un control artístico absoluto sobre cada detalle del resultado final.

El cuarteto está formado por Lovisa Jennervall (voz), Manne Skafvenstedt (piano, sintetizadores), August Eriksson (contrabajo, bajo eléctrico, violín) y Edvin Glänte (batería, percusión). Además cuentan con tres invitados: Johan Christofferson (saxo alto), Tobias Wiklund (corneta) y Gustav Alte (guitarra pedal steeel).

Ellas Kapell es conocido por sus emotivas interpretaciones de estándares, generalmente de jazz. Y aún siguiendo esa dinámica, lo cierto es que en esta ocasión ha incluido cambios dignos de mención. El principal, y más audaz, es la inclusión de la guitarra pedal steel, en las manos de Gustav Alte, despojándola de sus connotaciones country, utilizándola para crear paisajes sonoros ambientales. Otra nota característica de este nuevo álbum es el uso de sintetizadores, que junto al bajo eléctrico, aportan texturas modernas y experimentales.

Otros dos invitados, Johan Christofferson con el saxo alto y Tobias Wiklund con la corneta, amplían aún más la paleta sonora. Lo íntimo y minimalista cabalgan junto a lo expansivo, el sonido acústico junto al electrónico.

Pero la piedra angular de los nueve cortes del álbum es Lovisa Jennervall. Su voz cristalina es un claro exponente del jazz vocal contemporáneo, integrando el sonido folk escandinavo con un fraseo jazzístico íntimo y relajado.

Ellas Kapell va más allá de un simple grupo nostálgico que versiona canciones clásicas. En “Ember” mantiene su profundo respeto por estándares como”All the Things You Are”, “I Cover the Waterfront”, “How Deep Is the Ocean”, “The Very Thought of You”, “Don't Explain” o “I Fall in Love Too Easily”, pero a la vez los reinventa, aplicándoles arreglos muy elaborados,casi cinematográficos, que de primeras, pudieran parecer sencillos, pero nada más lejos de la realidad.

Un interesante trabajo que servirá para acercar a Ellas Kapell a otro púbico objetivo.

La Habitación del Jazz

NAÏSSAM JALAL CD: Landscapes of Eternity

Pistas

1.Tears in Delhi’s Fog 2.Bath of Forgiveness in the Moonlight 3.Soft Rain in on a Silent River 4.In the Rice Fields at Down 5.Inner Landscape in Raag Kafi

Intérpretes

Naïssam Jalal – flauta, voz

Samrat Pandit – voz

Sougata Roy Chowdhury – sarod

Leonardo Montana – piano

Nabankur Bhattacharya – tablas

Zaza Desiderio  - batería

Flo Comment - tanpura

Sello discográfico: Les Couleurs du Son

Grabado en agosto de 2025 en Studio La Buissone, Francia

Publicado el 27 de marzo de 2026

Naïssam Jalal nació en París ,de padres sirios. A los 6 años, ingresó en el conservatorio para estudiar flauta clásica. A los 17, descubrió la improvisación y abandonó el conservatorio tras obtener su certificado. Ese mismo año, la banda de metales funky, Tarace Boulba la llevó de gira por Mali. A los 19, Jalal dejó Francia en busca de sus raíces. Tras varios meses de iniciación en el ney en el Gran Instituto de Música Árabe de Damasco, Siria, parte hacia El Cairo para estudiar con el gran maestro violinista Abdu Dagher. En Egipto conoce a Fathi Salama, con quien toca en los teatros más prestigiosos y participa en la creación de los grupos El Dor El Awal y Bakash. Jalal desarrolla un estilo único, a caballo entre Oriente y Occidente.

De regreso a Francia en 2006, comienza una gira con varios artistas por toda Europa y otros continentes.

Jalal ha recibido numerosos premios prestigiosos, entre ellos el Gran Premio de la Academia Charles Cros en 2017, la Victoria del Jazz (Grammy francés) en 2019 (con 4 nominaciones), el Premio de las Músicas de la ICI en 2020 y el Primer Premio de Jazz en el Concurso Internacional de Composición de Canciones en 2022.En 2023, fue nombrada Caballero de las Artes y las Letras y Mujer de Cultura. En 2024, fue nombrada una de las mejores flautistas del año por Jazz Magazine y Jazz News por tercera vez, tras sus nominaciones en 2021 y 2023.

Jalal continúa la tradición que iniciaron Yusef Lateef, Herbie Mann y Rahsaan Roland Kirk en las décadas de 1950 y 1960, introduciendo la flauta en el jazz.

También compone música para cine (seis largometrajes), danza y teatro. Fundó el trío Quest of the Invisible, una búsqueda espiritual centrada en el trance y el silencio.

Jalal domina tanto la flauta occidental como la ney árabe, y ha asimilado diversas tradiciones musicales: desde la música clásica árabe y europea, hasta el Jazz, el hip-hop, el funk, el tango y las músicas africanas.

En 2024, Jalal presentó “Landscapes of Eternity ”, su nueva creación para sexteto, basada en los paisajes de la música clásica del norte de la India, por donde viajó durante varios meses  recorriendo miles de kilómetros en tren cama, autobús rural, autorickshaw, a pie o en bicicleta, en busca del espíritu de la música clásica indostání. Esta música, encarnada por músicos como Ravi Shankar, es originaria del norte de la India (Pakistán, Bangladesh, Nepal) y se distingue de la otra gran tradición musical, la carnática  del sur de la India. Ambas se basan en ragas (estructuras melódicas) y talas (ciclos rítmicos), pero su enfoque y ejecución difieren.

Jalal recorrió paisajes y lugares sagrados, conoció a maestros y músicos, absorbió los sonidos, olores y sensaciones de este viaje único, invitándonos a una nueva forma de escuchar el mundo. De esta experiencia surgió un repertorio íntimo, contemplativo y profundo, donde la flauta se convierte en el vehículo de un viaje interior arraigado en el aliento de la vida.

El sexteto que Jalal reúne aquí es de primera. Por un lado, el pianista Leonardo Montana y el baterista Zara Desiderio, dos figuras de la escena jazzística francesa contemporánea, y por otro, el vocalista Samrat Pandit, el virtuoso del sarod Sougata Roy Chowdhury y el percusionista  de tabla Nabankur Bhattacharya, junto a Flo Commen  con la tanpura. Ambos mundos musicales, el jazz contemporáneo y la tradición clásica india, se fusionan a la perfección. La singular instrumentación refleja tanto una estética contemporánea como una profunda conexión con el lenguaje de la música  de la música clásica india.

El disco comienza con “Tears in Delhi’s Fog”, una preciosa pieza que marca el estilo que impregna todo el álbum. Si importancia tiene la flauta de Jalal, no lo es menos su voz. Jalal proporciona un sonido a la flauta limpio y potente, en una mezcla muy potente de música indostaní y jazz. Espiritualidad al máximo exponente.

“Bath of Forgiveness in the Moonlight”, una meditación nocturna inspirada en los rituales a orillas del Ganges en Benarés, una ciudad muy antigua y sagrada. Pandit pone la voz a esta meditativa canción. Jalal se sumergió en el Ganges como hacen los peregrinos hindúes, llegados de cualquier parte del país, para bañarse y participar en rituales con la esperanza de encontrar el perdón. Otra extraordinaria pieza donde la interacción entre los músicos es total. A lo largo del álbum, el canto de Pandit recuerda al “cante jondo” (estilo más antiguo, serio y profundo del flamenco, originario de Andalucía (España) y caracterizado por expresar sentimientos dramáticos de dolor, angustia y amor intenso) y también a las saetas (canto popular que se ejecuta al paso de las procesiones de Semana Santa en España). 

Qué decir de “Soft Rain on a Silent River”. La dulzura de la flauta de Jalal nos transporta a un bello y frondoso paisaje. La sobriedad del piano de  Montana y la tanpura de Comment mantienen la tensión que cala en la piel. Modernidad y clasicismo hindú de la mano.

“In The Rice Fields at Dawn” mantiene la línea argumental de los temas precedentes. Jalal y Pandit pone las voces y la flauta se deja escuchar con un sonido más profundo. Este corte puede que sea el que más se aproxima al jazz convencional, con una interesante y original improvisación.

El tema que cierra el álbum, “Inner Landscape in Raag Kafi”, es una oportunidad para que el grupo interactúe con fluidez. Una composición introspectiva, un canto, un lloro, a lo inalcanzable,  a lo que no se tendrá nunca. Jalal expresa emociones y espiritualidad a raudales. Un cierre de lujo.

“Este álbum me llevó seis años concebirlo, imaginarlo, materializarlo, crearlo, grabarlo y producirlo. No fue fácil. A menudo pensé que nunca lo lograría. El camino fue caótico. Sin embargo, la profunda verdad que deposité en cada paisaje, junto con la confianza y la amistad de quienes me rodeaban, me permitieron compartir este álbum con ustedes. A pesar de todo” afirma Naissäm Jalal, y continua “Este álbum es especial. Compuse estos paisajes y reproduje su vibración, fruto de una contemplación orgánica, natural y espiritual. Rituales de sanación, una vez más, pero en una nueva geografía y con absoluta urgencia. Cada paisaje narra la historia de un intento desesperado por escapar del ahogamiento y alcanzar la luz. Porque esa es la única oportunidad de sobrevivir” afirma Jalal.

El álbum se acompaña de un libreto de 28 páginas, donde se cuenta la historia de cada paisaje.

Con “Landscapes of Eternity”, Jalal se afianza como una de las flautistas y compositoras más cautivadoras del jazz actual, explorando e integrando, gracias a su música, culturas tan distantes y distintas, con naturalidad, autenticidad, sinceridad e intensa emoción. 

La Habitación del Jazz

MAMMAL HANDS CD: Circadia

 

Pistas

1.Window to Your World 2.Helios 3.Alia’s Abandon 4.Paper Boats 5.Fallow Tide 6.
Forgotten Friend 7.A Thread in the Dark 8.Four Flowers 9.Submerge.

Interpretes

Nick Smart – piano

Jordan Smart – saxo

Rob Turner – batería

Sello discográfico: ACT Music.

Grabado el 20-24 de marzo de 2025 en Giant Wafer Studios, Gales.

Publicado el 27 de febrero de 2026.

Mammal Hands se formó en Norwich (Inglaterra) en 2012, influenciados por Alice Coltrane y Pharoah Sanders, ganándose rápidamente los elogios de Bonobo, Tom Ravenscroft, Jamie Cullum y Gilles Peterson por su enfoque innovador. La banda apareció en la escena musical casi al mismo tiempo que GoGo Penguin y Roller Trio, y a menudo se la comparaba con estas dos bandas del norte de Inglaterra.

A lo largo de cinco álbumes aclamados por la crítica con Gondwana Records, incluyendo “Gift from the Trees” (2023), han forjado una fiel base de seguidores internacionales y una reputación por sus intensas e hipnóticas actuaciones en directo. El trío realiza giras por Europa, Asia y Norteamérica, actuando en lugares emblemáticos y festivales importantes, como el Barbican de Londres, la Elbphilharmonie de Hamburgo, Montreux y Montreal. Mammal Hands crea música cinematográfica, profundamente humana y conmovedora.

Mammal Hands se sitúa a la vanguardia de una nueva ola de artistas británicos, fusionando jazz, música clásica contemporánea, electrónica, folk y minimalismo en un sonido inconfundible.

En 2024, el saxofonista Jordan Smart y el pianista Nick Smart se separaron del baterista Jesse Barrett y se les unió en la batería Rob Turner, exmiembro de GoGo Penguin.

«Conocemos a Rob desde que empezamos hace más de una década», dice Nick Smart. «Todos formábamos parte de la escena del jazz británico y siempre conectamos gracias a nuestros instintos e intereses musicales compartidos. Teníamos que redescubrir la esencia de nuestra música y Rob la ha transformado en algo que continúa nuestro legado y, a la vez, lo impulsa hacia adelante».

Con esta incorporación la banda ha evolucionado hacia un sonido más rítmico y con más electrónica.

A finales de 2025, el trío cambió de sello discográfico uniéndose a ACT, donde grabaran Esbjörn Svensson Trio, una influencia particular para Turner, quien describe la experiencia como «volver a casa y, a la vez, comenzar algo nuevo».

Acaban de publicar su sexto álbum de estudio titulado “Circadia”. Todos los temas han sido compuestos conjuntamente por los tres músicos, quienes también figuran como coproductores junto a Ben Capp.

Turner se une a las cálidas notas de piano que abre este “Window To Your World". El tema sigue el camino iniciado sin derivar a terrenos frenéticos. Todo lo contrario, el saxo atempera esa posibilidad, que sin embargo, se ve rota en ocasiones por una intensidad palpable. Un comienzo más que interesante.

“Helios” comienza con un precioso e hipnótico solo de piano. La pieza se desarrolla en un plano melódico muy agradable y repetitivo que engancha de inmediato.

“Alia's Abandon” es una canción de corte cinematográfico, que mantiene un aire misterioso gracias a la secuencia repetitiva del piano, que él mismo rompe arrastrando al resto, para volver al final del tema a retomar la melodía más viva que inicialmente.

En “Paper Boats” se mantienen las frases repetitivas al teclado, creando tensión que el saxo y la batería acrecientan.

“Fallow Tide”, la canción más breve del álbum, rompe con todo lo escuchado hasta el momento, creando un ambiente introvertido y cíclico. Podría ser utilizada en una sesión de terapia relajante.

“Forgotten Friend” comienza con una línea de piano repetitiva, apoyada por la batería y el saxo de Jordan llenando el espacio de una melancólica melodía.

Le sigue “A Thread In The Dark” que comienza con un delicado y bello solo de piano, creando una atmósfera melancólica, que no rompe, todo lo contrario, se incrementa con la entrada del saxo. Turner mantiene un perfecto acompañamiento. Este corte es uno de los mejores del álbum.

“Four Flowers” va tomando fuerza a medida que se desarrolla, siempre dentro de una elegante y meditada fluidez. La linea argumental del piano es francamente bonita y lo mismo podemos decir del saxo. Otro importante corte del álbum.

El bajo sintetizado y la batería encajan a la perfección, creando una base rítmica que se deja notar en todo el disco.

El tema que cierra el disco es “Submerge”, una composición oscura e inquietante que comienza con el saxo distorsionado como si de una sirena de barco se tratara. Una vez más las frases repetitivas del piano son fundamentales en la creación de ese ambiente siniestro, lleno de tensión. Un excelente final.

Las diversas influencias de Mammal Hands les han granjeado seguidores internacionales, especialmente entre el público joven, para quienes este álbum puede ser una puerta de entrada al jazz moderno.

Libertad creativa, profundidad, impulso y energía, sonido envolvente y atmosférico, minimalismo y elegancia, precisión rítmica, texturas electrónicas, todo esto y más es lo que nos ofrecen Mammal Hands en este “Circadia”

La Habitación del Jazz

RAMIRO ZAYAS feat. Basel Jazz Orchestra CD: Familia

 

Pistas

1.Familia 2.La Cosecha 3.Mares 4.Feed the Cat 5.An Open Question 6.Autopsicografia 7.Argento 8.The Early Hours

Intérpretes:

Basel Jazz Orchestra

Directora: Francesca Gaza

Josh Schofield – saxo alto y soprano

Sara El Hachimi – saxo alto, flauta

Baptiste Stanek – saxo tenor , flauta, clarinete bajo

Charlie Rose – saxo tenor, clarinete

Charlotte Lang – saxo barítono, clarinete bajo, flauta

Bastien Rieser - trompeta

Alvaro Ocon - trompeta

Tobias Schneider - trompeta

Sebastian Greschuk - trompeta

Lukas Reinert - trombón

Yossi Itskovich - trombón

Lucas Wirz – trombón bajo

Fernando Brox - flauta

Michal Skwierczynski – guitarra

Ramiro Zayas - piano

Gianni Narduzzi – contrabajo

Marton Juhasz - batería

Invitados

Katie Webster – saxo alto (3)

Joyce bastos - voz (6)

Sello discográfico: Club del Disco

Grabado en Basilea (Suiza) en junio de 2024

Publicado el 15 de diciembre de 2025

Ramiro Zayas es un músico argentino residente en Berlín desde el año 2019. Ha actuado en escenarios y festivales de toda Europa, Argentina y Uruguay. Además, ha participado en numerosos proyectos y grabaciones con diversos grupos de la escena del jazz argentino, como Big Nant, Anónimous Big Band, Mingunos, Tundra. Ha recibido premios de la Musicboard Berlin, el Consejo Alemán de la Música y el Cantón de Basilea, entre otros. Desde 2018, como líder del Ramiro Zayas Ensemble, se presenta activamente en Berlín. También forma parte de Narat, un trío argentino-finlandés cuyo primer álbum se publicó en 2024, y colabora con el baterista y compositor uruguayo Juan Ibarra.

Su álbum debut como líder fue “Río Interior” (2019) al que siguieron “Parte del viaje” (2024) y “Collector” (2025), tres álbumes que reflejan su evolución artística y su interés por diversos formatos, desde pequeños conjuntos hasta orquestas contemporáneas.

Ahora publica su último trabajo titulado “Familia”. Grabado junto a la Basel Jazz Orchestra. Zayas se adentra en el terreno de las grandes orquestas, tras el enfoque más íntimo y de cámara de “Collector” (2025).

Desde 2018 lidera el Ramiro Zayas Ensemble en Buenos Aires y Berlín, así como el sexteto de cámara Collector. Su obra ha recibido el apoyo de Musicboard Berlin, Deutscher Musikrat y Kanton Basel, y se caracteriza por tender puentes entre tradición, improvisación y modernidad.

Zayas ha colaborado estrechamente con la BJO durante varios años, y eso se traduce en un sonido natural y fluido.

Sus colaboraciones más recientes incluyen Narat, un trío argentino-finlandés que lanzó “Tai-Tui”(2024), y un quinteto co-liderado con el baterista y compositor uruguayo Juan Ibarra, cuyo álbum “Surin” fue lanzado en 2025.

La Basel Jazz Orchestra (BJO), fundada en 2023, está formada por 18 músicos profesionales, todos activamente involucrados en la vibrante escena musical de Basilea. Como un centro dinámico para compositores tanto dentro como fuera de sus filas,el ensamble fomenta una amplia diversidad de expresiones musicales. Sus miembros, provenientes de distintos contextos internacionales y con intereses musicales eclécticos, contribuyen al ricio entramado del repertorio de la orquesta.La dirección artística corre a cargo de Francesca Gaza, destacada compositora y vocalista con experiencia en jazz contemporáneo, barroco y música improvisada.Más allá de sus esfuerzos artísticos, la BJO desempeña un papel clave en el desarrollo de una comunidad de jazz floreciente en Basilea.

Zayas afirma: “Lo que más me gusta de las orquestas es esa sensación poderosa de estar envuelto en sonido: tantas personas tocando juntas y creando algo irrepetible. Con la Basel Jazz Orchestra, esa experiencia se vuelve aún más fuerte gracias a una relación profunda construida sobre la confianza y la libertad creativa que hemos compartido estos últimos años. Hace tiempo, alguien habló de una ‘familia extendida’ —más allá de los lazos de sangre— para referirse a la familia musical: colegas, amigos y todas esas personas con quienes compartimos música y momentos y que, con el paso del tiempo, se vuelven parte de nuestra propia historia. La BJO se ha convertido sin duda en eso para mí, y por eso escribí ‘Familia’ para ellos. Son una comunidad abierta, comprometida y de gran sensibilidad. Esta música nació de ese vínculo, haciendo que la colaboración fuera casi inevitable. De esa conexión surgió una pieza que escribí para ellos llamada ‘Familia’, que también dio nombre al álbum”.

Y así nació este álbum, que abre con “Familia” un guiño a la música de Guillermo Klein, quien ha sido una gran influencia para Zayas. Una canción ligera, con giros rítmicos, que invita a bailar. A destacar el solo de saxofón alto de Joshua Schofield. La unión y empatía entre los miembros de la orquesta es evidente.

Le sigue “La Cosecha”, una canción más introspectiva y oscura, que ya grabó en el álbum “Parte del Viaje” (2024), adaptándola para grupo,pequeño aunque originalmente fue escrita para una big band. Inspirada en “Nefertiti” de Wayne Shorter, cuenta con la intervención del trompetista argentino Sebastián Greschuk.

“Mares” es una pieza melancólica que ya había grabado antes, e inspirada en parte en “The Barbara Song” de Gil Evans, del álbum “The Individualism of Gil Evans” (Verve, 1964), en la que Shorter tocaba el saxofón. En esta ocasión es la invitada Katie Webster quien con su saxo ahonda en el ambiente tenebroso y misterioso de la composición.

“Feed the Cat” s una pieza de big band, enérgica, potente e inquietante. Con la intervención primero de Zayas y posteriormente Charlotte Lang al barítono.

“An Open Question” es una composición más abstracta, de tensión contenida, que va in crescendo. Con la intervención del saxo tenor del francés Charley Rose. Gran aportación de Gianni Narduzzi al contrabajo y sobre todo de Marton Juhasz en la batería.

“Autopsicografia” es una composición del saxofonista español, nacido en Barcelona, Gianni Gagliardi. Está basada en un poema de Fernando Pessoa. Gagliardi pidió a Zayas que la arreglara, y le gustó tanto que decidió grabarla. Cuenta con la vocalista brasileña Joyce Bastos, que aporta calidez y dulzura a esta canción. Bonito solo del trompetista español, Álvaro Ocón

Argento es una forma coloquial de decir ‘argentino’, pero también apunta a una actitud, una energía, una manera de vivir que es difícil de poner en palabras: hay que estar allí para entenderlo” afirma Zayas. La composición titulada “Argento” alude esa identidad argentina. Y añade ”La melodía me llevó de vuelta a canciones de mi infancia, tal vez Atahualpa Yupanqui o alguna milonga, pero filtradas a través de Billy Strayhorn y Duke Ellington”. Solos del flautista español nacido en Málaga, Fernando Brox,y del guitarrista polaco Michał Skwierczyński.

El disco finaliza con el reflexivo “The Early Hours”, inspirada en “Opening” de Kenny Wheeler, del álbum “Large Ensemble”. Se trata de la primera pieza para big band compuesta por Zayas. Solos del guitarrista Skwierczyński y del saxofonista tenor francés, Baptiste Stanek.

Con “Familia”, Zayas da un paso muy importante en su carrera como compositor para big band al aunar la contundencia orquestal con los detalles de los solistas permitiendo que ambos convivan en total armonía.

Su obra combina lirismo, ritmo, energía e introspección, junto a una constante búsqueda de nuevas formas.

La Habitación del Jazz

BETTY BRYANT CD: Nothin' Better To Do

 

Pistas

1.You Are Not My First Love 2.I Can't See for Lookin' 3.He May Be Your Man 4.Haven't Got Anything Better to Do 5.Time Was 6.Mama Sue 7.Thanks for You 8.Awrite Then 9. Winter Warm

Intérpretes

Betty Bryant – piano, voz

Robert Kyle – saxo soprano y tenor, flauta

Tony Guerrero – trompeta (8)

Kleber Jorge – guitarra (4)

Hussain Jiffry – contrabajo (4,5)

Richard Simon – contrabajo (1-3,6-9)

Kevin Winard – batería (1-4,6,8,9)

Aaron Serfaty – batería (5,7)

Luanne Homzy – violín y viola (4,9)

Niall Taro – chelo (4,9)

Sello discográfico: Bry Mar Music.

Grabado en Jiffry Studios. Cuerdas grabadas en Las

Ventanas Studios

Publicado el 16 de enero de 2026

Originaria de Kansas City, Missouri, Betty Bryant es una venerada pianista y cantante que aporta a su música una sólida técnica pianística, un toque ligero y rítmico, y una voz magistral.

Apodada "Cool Miss B" desde que Robert Kyle le puso ese sobrenombre en una canción de 1997.Comenzó en su ciudad natal, Kansas City, donde fue apadrinada por el gran Jay McShann. En 1955 se mudó a la costa oeste, donde inmediatamente consiguió un contrato en el famoso "Ye Little Club" de Beverly Hills. Este fue el comienzo de sus presentaciones, principalmente en solitario, en Los Ángeles. Su reputación creció y pronto se convirtió en una atracción popular en los numerosos locales nocturnos que salpicaban las ciudades costeras desde Santa Mónica hasta Laguna.

En 1987 se declaró el "Día de Betty Bryant" en Kansas City y se le entregaron las llaves d ella ciudad

Bryant ha actuado internacionalmente en Oriente Medio y Brasil, y durante muchos años fue una atracción habitual y popular en el exclusivo Tableaux Lounge de Tokio, Japón.

Judy Jordan en un artículo de la revista Venice Magazine:

expresó acertadamente lo que se siente cuando se escucha mejor un CD de Bryant en casa o viéndola en directo: "Acomódese en un cómodo sillón y deje que Betty Bryant le robe el corazón... sus oídos se deleitarán, su corazón bailará y sus pies tal vez encuentren voluntad propia, porque Betty Bryant es una hechicera".

Con Bryant y Kyle al frente, la música tiene un atractivo ritmo blues. Los arreglos son principalmente de Bryant y Kyle, con arreglos de cuerda en dos temas a cargo de Jim McMillen.

Bryant, desde su anterior grabación “Lotta Livin’” (Bry-Mar Music, 2024), no había publicado ningún nuevo disco-

“Nothin’ Better to Do” es el decimoquinto disco de la vocalista y pianista e incluye nueve cortes de los que tres son originales (uno de Bryant, otro de Kyle y otro de ambos) y el resto canciones, en general, no muy conocidas.

Los arreglos son principalmente de Bryant y Kyle. Los arreglos de cuerda en dos temas a cargo de Jim McMillen.

Bryant abre el disco con una divertida y pícara versión de “You Are Not My First Love”. Su voz y su forma de tocar el piano van de la mano. Si hay algo que tiene, para dar y tomar, es experiencia y desparpajo.

En “I Can't See For Looking” es un hermoso blues con una deliciosa intervención de Kyle con el soprano, que recuerda a Sidney Bechet. Simon y Winard marcando el pulso constantemente.

Seguimos en clave de blues con la composición de Bryant "He May Be Your Man" que interpreta al más puro estilo de las grandes divas del género. Solos de Kyle y Bryant, para adornar una pieza extraordinaria.

La preciosa “I Haven’t Got Anything Better to Do” en clave de bossa nova acentuado por la guitarra de Jorge es una deliciosa canción interpretada de forma deliciosa por todos y cada uno de sus intérpretes, incluidas las cuerdas camerísticas de Homzy y Taro

En “Time Was” Kyle toca la flauta. Ritmo caribeño que transmite alegría.

Le sigue "Mama Sue", compuesta por Bryant y Kyle, es tema con personalidad propia, estilo Nueva Orleans que invita a bailar. El desenfado de Bryant es fantástico. Uno de los mejores momentos del álbum (y tiene muchos)

“Thanks For You”es una balada a tiempo medio que encaja perfectamente con el espíritu del álbum.

La composición original de Kyle "Awrite Then", un blues instrumental relajado que permite que los integrantes del grupo se luzcan. Con sendos solos de Bryant, Kyle, el trompetista Tony Guerrero, Simon y Winard, perfectos en su papel.

El disco cierra con “Winter Warm” de Burt Bacharach y Hal David .Por segunda vez intervienen las cuerdas de Homzy y Taro que realzan el sonido orquestal de esta tranquila y romántica pieza. Kyle de nuevo toca la flauta. Un tierno final.

Es extraordinariamente reconfortante escuchar a esta mujer de 96 años, con esa vitalidad y calidad forjada durante décadas en todo tipo de escenarios. Rebosante de experiencia y con ese talento innato que solo poseen las grandes intérpretes.

Y qué decir de la inigualable labor como productor e intérprete de Robert Kyle, que junto a un grupo de músicos de primera talla, arropan a Bryant sin eclipsarla.

La Habitación del Jazz