RAMONA HORVATH CD: Absinthe

 

Pistas

1.Heal The World 2.You Are The Sunshine Of My life 3.Lament For An Orchide (Absinthe) 4.How Deep Is Your Love 5.Here I’ll Stay 6.Ballad For Very Tired And Very Sad Lotus Eaters 7.Just The Way You Are 8.Your Love Has Faded 9.The Heather On Yhe Hill 10.JFK 11.I Know Why 12.Saving All My Love For You

Intérpretes

Ramona Horvath - piano
André Villéger – saxo tenor
Nicolas Rageau - contrabajo
Antoine Paganotti - batería

Sello discográfico: Fresh Sound Records

Grabado en Midilive Studio, París, Francia el 8 y 9 de junio de 2024

Publicado el 24 de octubre de 2025

Nacida en Bucarest en el seno de una familia de músicos, de madre rumana y padre húngaro, Ramona Horvath cultivó desde pequeña su pasión por los clásicos de Broadway y la música de Duke Ellington, escuchando los programas de radio de Willis Connover, en particular "Jazz Hour" (en la Voz de América), que la familia escuchaba en secreto.

Horvath empezó a tocar el piano de oído a los tres años y a los seis comenzó la escuela de música formal. En casa, se sumergió en todo tipo de estilos musicales: canciones estadounidenses, jazz, música tradicional y gitana, boleros cubanos y, por supuesto, música clásica, que posteriormente estudiaría intensivamente.

A los 23 años, se graduó en piano clásico en el Conservatorio de Bucarest. Tras finalizar sus estudios, conoció a la pianista estadounidense de origen húngaro Jancy Korossy, un ícono del jazz internacional en las décadas de 1950 y 1960 tras el Telón de Acero. Este encuentro crucial la catapultó de lleno al mundo del jazz. Las dos pianistas también actuaron juntos en escenarios europeos durante varios años.

En 2010, se mudó a París. En 2012, conoció al bajista Nicolas Rageau, con quien desarrollaría varios proyectos.
En 2015, grabó su primer álbum en trío con Nicolas Rageau y Frédéric Sicart, "XS Bird" (Black&Blue), dedicado a la memoria de Jancy Korossy, fallecida dos años antes.
En 2017, publicó "Lotus Blossom" (Black&Blue), grabado en cuarteto con André Villéger al saxofón tenor, Nicolas Rageau y Philippe Soirat a la batería.

En 2019, grabó un dúo junto al bajista Nicolas Rageau, "Le Sucrier Velours" (Black&Blue), un álbum que recibió excelentes críticas en la prensa francesa e internacional y contribuyó a consolidar a Horvath como una figura clave en la escena del jazz parisino.
A finales de 2023, la pianista lanzó su álbum en trío, "Carmen's Karma", en el que los mundos del jazz y la música clásica se entrelazan de una manera muy personal y ecléctica. Ha publicado siete álbumes hasta la fecha:

"Dor De Acasa” (2008), “Let’s Fall In Love - American and Romanian Gold Songs” (2010), “XS Bird” (2015), “Lotus Blossom” (2017), “Le Sucrier Velours” (2019), “Carmen’s Karma” (2023), y el último lanzamiento titulado “Absinthe”. El álbum presenta un repertorio que podría dividirse en dos partes: una integrada por melodías del pop que marcaron la infancia de Horvath, interpretadas a trío y en un bello lenguaje jazzístico y otra, para la que se incorpora el gran saxofonista André Villéger, compuesta por melodías firmadas por grandes figuras.

Horvath abre el disco con "Heal The World" de Michael Jackson, a la que aplica unos arreglos Ellingtonianos, resultando un tema con ritmos africanos, revitalizante y pleno de alegría.

Algo parecido podemos afirmar del tratamiento que da a "You're the Sunshine of My Life" de Steve Wonder, pero algo más tamizado. Siempre fiel al original, pero dotándolo de una nueva personalidad, ligera y entretenida.

De Strayhorn incluye “Lament For An Orchide” también conocida como “Absinthe”, del que toma el título el álbum. Se trata de una pieza poco conocida de Strayhorn, de la que Ellington y su orquesta hicieron una única grabación. En esta ocasión, como ocurre cuando versiona temas clásicos, lo hacen en cuarteto, con la participación del saxofonista André Villéger, al que da protagonismo con su sonido aterciopelado. “Absinthe” es una preciosa pieza, oscura, de melancólica belleza.

"How Deep Is Your Love” es una canción interpretada por el grupo pop Bee Gees. El trío la aborda como un vals ligero, y la enriquece musicalmente hablando. Elegante solo de Rageau. Una re elaboración sofisticada.
"Here I'll Stay" es una de las canciones que Kurt Weill escribió para el musical "Love Life" en 1948. El cuarteto al completo. Swing impulsado por Horvath y Villéger mostrando su talento al tenor y un gran solo de Rageau.

"Ballad For Very Tired And Very Sad Lotus Eaters” es una bella balada donde Villéger muestra su lado más sensual. Canción, lenta e Introspectiva que nos hace rememorar aquello que se perdió para siempre. Una delicia.
Vuelve el trío en solitario con la preciosa “Just the Way You Are” de Billy Joel. Horvath es absolutamente respetuosa con la melodía original y su delicado toque al piano mantiene un suave swing durante toda la canción. Otra bella pieza y bella interpretación.

Le sigue "Your Love Has Faded", cuya autoría, unos adjudican a Duke Ellington y otros a Billy Strayhorn. Una pieza a medio tiempo con un elegante Villéger y una fantástica Horvath. Otra canción llena de elegancia y fragilidad.

Horvath conoce a la perfección la tradición del piano jazz, con dominio del instrumento, además de una sólida formación en el piano clásico-romántico. Y qué mejor que esta canción "Heather On The Hill" , para demostrarlo. Una canción escrita en 1947 por Frederick Loewe para el musical de Broadway “Brigadoon”. Horvath la aborda en solitario, mostrando el potencial de esta intérprete. Una maravillosa obra, maravillosos arreglos y una profunda interpretación

"JFK", iniciales de la pianista húngara Jancy Francis Korossy, mentora de Horvath, constituye la única canción original del álbum. Un tema donde los cuatro miembros muestran su lado más bop.

"I Know Why”, composición de Harry Warren de 1941 popularizada por la Orquesta de Glenn Miller. Tras una melódica introducción de Horvath, el saxo de Villéger se muestra con una emocionante intensidad.

"Saving All My Love for You”, popularizada por Whitney Houston, cierra este álbum. Rageau y Paganotti aportan un ritmo de bossa a esta canción, revitalizándola.

"Absinthe" es un álbum de jazz convencional, donde destacan varios aspectos. Por un lado la química con sus compañeros de viaje, Rageau al contrabajo y Paganotti a la batería. Por otro lado la interpretación del saxofonista Villéger un alter ego perfecto. Y por último los arreglos de Horvath.

"Absinthe” es un bonito álbum que invita a ser escuchado repetidas veces.

La Habitación del Jazz

El DISCO DE VINILO: El Ave Fénix de los soportes de audio (1 de 2)

El disco de vinilo, también conocidos como disco microsurco, microsurco o simplemente vinilo, es un medio de almacenamiento analógico de señales sonoras, caracterizado por utilizar como material de soporte un plástico denominado policloruro de vinilo, del que recibe el nombre.

Los dos formatos más frecuentes son el LP (Long Play) y el single o sencillo.

El LP (Long Play) fue lanzado en 1948 por la compañía Columbia Records en los Estados Unidos de América, como una evolución muy mejorada de los anteriores discos de 78 rpm, fabricados con un material mucho más frágil como la goma laca.

El LP, también conocido como álbum, es un disco de 12 pulgadas (30cm) de diámetro que gira a 33⅓ rpm, con un agujero pequeño en el centro.

El sencillo, lanzado por la compañía RCA-Victor en 1949, tiene un diámetro de 7 pulgadas (aproximadamente 18 cm) que gira a 45 rpm, con un agujero central más grande.

El sonido de un disco de vinilo se reproduce mediante un tocadiscos (por lo general, conectado a un amplificador), que permiten utilizar discos de diferentes diámetros y elegir la velocidad de rotación mediante un selector.

Sin entrar en tecnicismos, decir que el sonido del disco de vinilo se reproduce en modo de señal analógica. El disco de vinilo contiene surcos en espiral que actúan como un relieve físico, representando las ondas sonoras. Una aguja, generalmente de diamante, se desplaza por estos surcos, generando vibraciones derivadas de las irregularidades del surco, que se transmiten a un transductor (denominado cápsula fonocaptora) montada en el brazo lector, que las transforma en señales eléctricas.

La señal eléctrica resultante es muy baja, por lo que se envía a un preamplificador (o previo de phono) y posteriormente al amplificador y altavoces para convertirse en sonido.

Los defensores del vinilo, aducen que su sonido, reproducido de forma mecánica y analógica, produce una serie de imperfecciones e irregularidades conocidas como distorsiones, que hacen que la música sea más «agradable» e «interesante», más «natural», en comparación con los sistemas digitales modernos, que son más precisos pero considerados «fríos».

Quizás su principal inconveniente sean los desgastes y rayones que comprometen su calidad acústica y/o funcionamiento, así como la acción de mohos microscópicos que pueden afectar a su calidad de reproducción, por lo que requiere de cuidados periódicos especiales y continuas limpiezas.

Uno de los problemas del vinilo es el almacenamiento, debido a su tamaño. Mantenerlos apilados pueden hacer que se doblen y deterioren, tanto el disco como las fundas

Existen diferentes soportes para su almacenamiento. Uno de ellos es este estante para pared, especialmente diseñado para exhibir aquellos discos de vinilo especiales de tu colección, como si fueran piezas de arte.

Combina funcionalidad y una estética moderna. Fabricado en acero de gran calidad (negro mate o blanco mate) y con un diseño minimalista es ideal para decorar, transformando los vinilos en una pieza de museo. Su instalación es muy sencilla.

Tiene una capacidad para 20 vinilos, y proporciona un acceso rápido a los discos más usados. Una opción tanto para hogares como para estudios musicales, tiendas especializadas o zonas de exposición.

AQUÍ os dejo el enlace a Metal Bundle Shop, empresa española que los comercializa, para que podáis ampliar información.

La Habitación del Jazz

FRANCESCA REMIGI CD: Witchess

 

Pistas

1. Opening 2.Roots of gender violence 3.Caccia alle streche 4.Permanent colors 5.Fluid echoes 6.Loghaven 7.Liberation I 8.Blueberry picking 9.Liberation II

Intérpretes
Andrea Giordano – voz, flauta, electrónicos
Silvia Cignoli – guitarra eléctrica, electrónicos, voz (2,8)
Francesca Remigi – batería, percusión, electrónicos, voz (1, 2, 8)

Invitados
Alessandro Mazzieri - bajo eléctrico (2, 3, 4, 6, 8)
Naomi Nakanishi – piano, sintetizadores (7, 8, 9)

Sello discográfico: Hora Records
Grabado en Elfo Studio (Tavernago), el 29 y 30 de diciembre de 2024 
Publicado el 7 de noviembre de 2025

Francesca Remigi, es una baterista, improvisadora y compositora residente en Milán y Berlín. Criada en una familia de músicos, a los 5 años decidió seguir los pasos de sus padres y comenzó a estudiar guitarra y batería, desarrollando un profundo interés por los ritmos y la composición. Tras estudiar piano clásico durante cinco años, mientras asistía a una academia privada de batería, se licenció en interpretación de batería de jazz en el Conservatorio G. Verdi de Milán en 2017 y fue seleccionada para un programa Erasmus de un año en los Países Bajos. En 2020, tras graduarse de un máster en interpretación de jazz en el Conservatorio Koninklijk de Bruselas, bajo la tutela del baterista belga Stéphane Galland, Remigi recibió una beca completa para asistir al Máster del Berklee Global Jazz Institute, dirigido por el pianista de jazz ganador del Grammy, Danilo Pérez.

Remigi, ex alumna del Berklee Jazz & Gender Justice Institute, tuvo la oportunidad de estudiar con artistas visionarios como Linda May Oh, Billy Kilson, Kris Davis, Joe Lovano, John Patitucci, Terri Lyne Carrington, Shirazette Tinnin, Tamar Diesendruck, etc.
Es una de las fundadoras del sello independiente "Habitable Records". Ganadora de Nuova Generazione Jazz 2021, Top Jazz 2022 (Musica Jazz) y Pathways to Jazz 2024, es conocida por sus colaboraciones internacionales en la escena del jazz de vanguardia e improvisación libre con músicos como Steve Lehman, Danilo Perez, Jen Shyu, Linda May Oh, Val Jeanty, George Garzone, Camila Nebbia, Marion Hayden, Ellen Rowe, Alexander Hawkins, Antonello Salis, Gianluigi Trovesi, Nicole Glover, Dee Dee Bridgewater, Carmen Staaf, Yuhan Su, DoYeon Kim, Mario Biondi, Simona Molinari y muchos otros.
Ha liderado bandas en festivales y salas de todo el mundo. El primer álbum de su proyecto Archipélagos, “Il Labirinto Dei Topi”, se publicó en 2021 y, según Steve Lehman, fue «uno de los álbumes debut más emocionantes que he escuchado en los últimos tiempos». El segundo álbum “The Human Web”, se lanzó en marzo de 2022. En palabras de Linda May Han Oh: «Francesca es una fuerza musical audaz y vibrante. Además ha publicado otros cinco álbumes como co-líder y otros como acompañante.

Su tercer álbum como líder se titula “Witches” acrónimo de Women Implement The Creation of Harmonious Ecosystems of Selfless Species. Se inspira en las obras de la filósofa, activista política marxista y feminista estadounidense, Angela Davis (y especialmente en su ensayo "Marcos para el Feminismo Radical" de 2019); la académica italoamericana y activista feminista marxista Silvia Federici, y la escritora nigeriana Chimamanda Ngozi Adichie.

Las presentaciones en vivo de este proyecto incluyeron las danzas de Clotilde Cappelletti. El álbum se grabó en Elfo Studio en Tavernago en diciembre de 2024.

Los derechos de las mujeres, feminismo, justicia social, el capitalismo, el patriarcado, la violencia colonial y, la lucha por la igualdad de género, se abordan en esta obra donde el jazz libre, el rock, la electrónica y el noise se dan cita.

El disco abre con “Opening” donde Remigi pone su voz a textos reivindicativos sobre el feminismo, el género y la igualdad económica y racial, junto a paisajes sonoros con sonidos electrónicos, guitarras, voces de fondo y otros sonidos.

Le sigue “Roots of gender violence” con voces infantiles cantando, sonidos y más voces. Remigi nos presenta una batería agresiva junto a ruidos, electrónicos, sirenas y voces desgarradoras, todo ello in crescendo hasta su finalización
Sin tiempo para la relajación, sigue “Caccia alle streghe”, voces, pasajes cantados, todo aderezado con una potente batería y ritmos cambiantes. La segunda mitad de la pieza se compone de paisajes sonoros abstractos.
“Permanent colors” comienza con la flauta y la percusión a los que se unen sintetizadores con sonido cristalinos, para continuar con otra sesión abstracta de ruidos, gruñidos, batería, guitarra y la flauta retomando la “melodía” inicial hasta la conclusión del tema.
“Fluid echoes”, nos transporta a espacios siderales, enigmáticos, difíciles de definir. La melodía brilla por su ausencia.

“Loghaven” tiene una estructura musical más convencional. Rock progresivo, que en cierta medida parece un homenaje a Ian Anderson y a Jethro Tull.

Tras un breve silencio, “Liberation I”, una pieza que sobre una base que se repite, la batería y la potente y desgarradora voz de Giordano, nos trasladan a un interesante mundo onírico y tribal.

“Blueberry picking”, es otra pieza potente, que incluye la palabra hablada de Remigi y Cignoli. Otra interesante e inclasificable pieza, donde predominan en mayor medida los matices jazzísiticos y roqueros.
El disco cierra con “Liberation II”, en la misma línea argumental, algo matizada y sensual.

“Witchess” es un ambicioso álbum. Una obra compleja, exigente, explosiva, de una emotividad extrema, áspera en ocasiones, inteligente, en la que Remigi huye del jazz intencionadamente. Remigi afirma: “En el jazz nunca ha habido muchas instrumentistas femeninas. Más aún si consideramos el papel de la baterista. Creo que me he distanciado en gran medida de las estéticas más orientadas al jazz porque son demasiado restrictivas. Incluso el tipo de música que se interpreta se ha convertido en una imposición de la individualidad de uno a los demás”. Remigi se encuentra cómoda en la improvisación: ”Siento que hay un retorno a una estética más colectivista de la creación musical, y eso es lo más hermoso porque se convierte en una forma hermosa de comunicarse y estar con los demás”.

Remigi, que en la música siempre intenta plasmar sus experiencias directas y su forma de vivir, no se caracteriza por elegir caminos fáciles y en este disco es una buena muestra de ello.

Sobre este tipo de música afirma: "Más que experimental, me gusta definirla como música creativa. No es free jazz neoyorquino, como Ornette Coleman; más bien, se remonta al movimiento que se desarrolló en Chicago a partir de la década de 1960. Pienso en Roscoe Mitchell, quien, en cierto modo, abrió el jazz a otras influencias estéticas, como la música electrónica. Y, obviamente, también a la escena europea, como Derek Bailey en Inglaterra”.

"Witches” un álbum experimental, repleto de ideas musicales.

La Habitación del Jazz

Josep Lluís Galiana CD: Ballads for Tenor Saxophone y Josep Lluís Galiana – Thomas Bjelkeborn - Jesús Gallardo CD: Swedish Connection

 

Pistas

1.The Ballad of Marjana 2.Soroll de fulles 3.Atropellat pel temps 4.Ballad I. Langsam 5.Broken Ballad 6.Ballad II. Nocturn 7.Slap,lap,ap, p… plash! 8.Ballad III. Sonant com les roselles 9.Deaf Ballad 10.Joc d’infants 11.Camí del desert 12.Cant trèmul d’aus 13.Ballad IV. Pels indrets de la imaginació 14.Music On Loop 15.De la mà d’un mosquit 16.Ballad V. Des de la solitud 

Intérpretes

Josep Lluís Galiana – saxo tenor

Sello discográfico: Liquen Records

Grabado en Liquen Studios (Pedralba, Valencia, España)

Josep Lluís Galiana, nacido en Valencia (España) es Diplomado en Estudios Avanzados (DEA) por la Universidad Politécnica de Valencia y Titulado Superior por el Conservatorio de Música Joaquín Rodrigo, de Valencia. Saxofonista, compositor, escritor, editor y gestor cultural español destacado en la escena europea de la libre improvisación, la creación electroacústica, el avant-garde jazz, la investigación musicológica y la divulgación de la cultura y las artes, comienza su trayectoria artística en la década de 1980, formando parte de diversas formaciones instrumentales contemporáneos, colectivos de jazz y agrupaciones de música popular y tradicional. Sus composiciones han sido estrenadas e interpretadas en importantes festivales internacionales.

A lo largo de su dilatada trayectoria artística, ha fundado formaciones junto a músicos de relieve internacional y ha colaborado con músicos como Agustí Fernández, Josep Manuel Berenguer. Wade Matthews, Avelino Saavedra, Carlos D. Perales, Gonzalo Biffarella, Liba Villavecchia, Ramón López, David Herrington, Jorge Gavaldá, Miguel Molina, Diego Caicedo, Antonio Luis Guillén, Javier Carmona, Pablo M. Esparza, Martín Meléndez, Sarah Claman, Luiz Rocha, Carlos Suárez, Quique Téllez, Jesús Gallardo, Lisa Ullén, Lucía Martínez, Ramon Prats, Àlex Reviriego, Ángel Faraldo, Carlos Galán, John Butcher, por citar solo unos pocos. Es autor de varios libros, así como de numerosos artículos, críticas, ponencias y estudios musicológicos publicados en libros, revistas especializadas y prensa escrita. En 2016, crea el sello editorial EdictOralia i Publicaciones y del sello discográfico Liquen Records, dedicado a las músicas improvisadas y experimentales.

Tiene más de doscientas composiciones en catálogo y sesenta discos publicados.

"Ballads for Tenor Saxophone” lo integran 16 composiciones de Josep Lluís Galiana, interpretadas por el propio Galiana con el saxo tenor.

No es el primer disco de Galiana en solitario, donde se mueve como pez en el agua. Con su estilo inconfundible, nos guía por senderos de musica libre con un sonido íntimo y enérgico, fiel al progresivo abandono de la escritura musical, orientando su actividad principal hacia la libre improvisación y música experimental.

Sin duda es un replanteamiento de lo que entendemos por baladas.

En palabras del percusionista y compositor Jesús Gallardo, autor de las notas del disco, «Josep Lluís Galiana navega abriéndose paso a través de aguas sonoras muy diversas. Mundos sonoros lejanos confluyen en la balada como forma de expresar sentimientos y emociones, y de sacudir el alma mediante el sonido».

Este nuevo trabajo confirma a Galiana como un especialista en el formato solista.

La Habitación del Jazz

Pistas

1.Swedish Connection VI 2.Swedish Connection V 3.Swedish Connection IV 4.Swedish Connection VIII 5. Swedish Connection III 6.Swedish Connection VII 7.Swedish Connection II 8.Swedish Connection I

Intérpretes

Josep Lluís Galiana – saxo tenor, saxo soprano

Thomas Bjelkeborn - electrónicos

Jesús Gallardo - percusión

Sello discográfico: Liquen Records

Grabado el 10 de junio de 2025 en Mondo Rítmic Studio (Castellón de la Plana, España)

Tres músicos de reconocido prestigio, Tomas Bjelkeborn (Estocolmo, Suecia), Josep Lluís Galiana (Valencia, España) y Jesús Gallardo (Castellón, España) se unen para grabar “Swedish Connection”.

Jesús Gallardo (Madrid, España) es un baterista, percusionista, compositor, improvisador y educador musical.

Es una figura destacada en el ámbito de la improvisación libre y la música experimental en España, conocido por su versatilidad y su enfoque interdisciplinario del arte sonoro.

Obtuvo su Licenciatura en la especialidad de Jazz por el Conservatorio Superior de Música de Valencia (CSMV). Su práctica artística se centra en la improvisación —que considera la base de la música auténtica— y la exploración sonora bajo el concepto de que "todas las cosas pueden ser instrumentos".

Además de su faceta artística, Gallardo dirige La Escuela de Música Mondo Rítmic en Castellón (España), promoviendo un enfoque pedagógico que integra el jazz, la música clásica y la improvisación.

Gallardo ha colaborado con un extenso número de figuras: John Butcher, Liz Albee, Lucía Martinez, Thomas Bjelkeborn, Josep Lluis Galiana, Agustí Fernandez, Wade Mathews, Perico Sambeat, Kirk McDonald, Fabio Miano, Jesús Santandreu, David Pastor, Andres Belmonte entre otros.

Bjelkeborn, toda una institución en la electroacústica (fundador del Instituto de Artes Digitales IDKA en Suecia y director del mismo entre 2001 y 2006) y que en 2018 , formara dueto con Galiana en “Critical Sounds”. Nacido en Suecia, estudió composición en EMS (Electro-Acoustic Music, Suecia).

Bjelkeborn es conocido en los círculos de la música moderna, y probablemente ha conseguido llegar a un público más amplio que otros compositores gracias a sus instalaciones interactivas en museos y algunos grandes proyectos musicales al aire libre. Su música se caracteriza por el cruce de fronteras entre los géneros en diferentes encuentros con otras formas de arte.

Junto a Philippe Moenne-Loccoz forman el franco-sueco, The Sound Quartet.

"Swedish Connection” es un disco donde la electrónica, los saxos tenor y soprano y la percusión se citan con la improvisación en una propuesta musical que podríamos etiquetar como electroacústica, free jazz, free vanguardia...sin límites.

Todos los temas del álbum, están compuestos/improvisados por Galiana, Bjelkeborn y Gallardo.

Un disco que hará las delicias de los amantes del free jazz al límite.

La Habitación del Jazz

Josep Lluís Galiana y Joan Gómez Alemany CD: Homenatge a Manolo Millares i Pablo Palazuelo

 Pistas

1.Para Pablo Palazuelo, variaciones sobre un imposible paisaje (electroacústica) 2.Millares 1972-2022 (obra per a saxofons i electrònica) 3.Millares 1970 (obra per a saxofons i electrònica)

Intérpretes

Josep Lluís Galiana – saxo soprano y tenor

Joan Gómez Alemany - composición electrónica

 

Sello discográfico: Liquen Records

Grabado el 14 de noviembre de 2022 en Liquen Studios, Pedralba, Valencia, España

Josep Lluís Galiana, nacido en Valencia (España) es Diplomado en Estudios Avanzados (DEA) por la Universidad Politécnica de Valencia y Titulado Superior por el Conservatorio de Música Joaquín Rodrigo, de Valencia. Saxofonista, compositor, escritor, editor y gestor cultural español destacado en la escena europea de la libre improvisación, la creación electroacústica, el avant-garde jazz, la investigación musicológica y la divulgación de la cultura y las artes, comienza su trayectoria artística en la década de 1980, formando parte de diversas formaciones instrumentales contemporáneos, colectivos de jazz y agrupaciones de música popular y tradicional. Sus composiciones han sido estrenadas e interpretadas en importantes festivales internacionales.

A lo largo de su dilatada trayectoria artística, ha fundado formaciones junto a músicos de relieve internacional y ha colaborado con musicos como Agustí Fernández, Josep Manuel Berenguer. Wade Matthews, Avelino Saavedra, Carlos D. Perales, Gonzalo Biffarella, Liba Villavecchia, Ramón López, David Herrington, Jorge Gavaldá, Miguel Molina, Diego Caicedo, Antonio Luis Guillén, Javier Carmona, Pablo M. Esparza, Martín Meléndez, Sarah Claman, Luiz Rocha, Carlos Suárez, Quique Téllez, Jesús Gallardo, Lisa Ullén, Lucía Martínez, Ramon Prats, Àlex Reviriego, Ángel Faraldo, Carlos Galán, John Butcher, por citar solo unos pocos. Es autor de varios libros, así como de numerosos artículos, críticas, ponencias y estudios musicológicos publicados en libros, revistas especializadas y prensa escrita. En 2016, crea el sello editorial EdictOralia i Publicaciones y el sello discográfico Liquen Records, dedicado a las músicas improvisadas y experimentales.

Tiene más de doscientas composiciones en catálogo y sesenta discos publicados.

Joan Gómez Alemany comienza el Grado en Composición en el Conservatori del Liceu y lo finaliza en Kunstuniversität, Graz. Tiene un Máster en Composición (KUG), un Máster en Ópera y Teatro Musical (KUG). También es graduado en Piano (Conservatori Superior de València - Conservatori del Liceu). Es licenciado en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València, donde también obtiene su doctorado Cum Laude con una tesis sobre la interdisciplinaridad artística.

Gómez Alemany compagina la creación musical, las artes visuales y el cine, en continuo diálogo, con la escritura de ensayo y crítica principalmente sobre música y arte.

Sus composiciones han sido encargadas o interpretadas en una enorme cantidad de festivales. Como pianista improvisador ha colaborado con John Butcher, Bartolomé Ferrando, Josep Lluís Galiana.

Por ahora su catálogo de composiciones consta de más de 80 obras. Su filmografía consta hasta la fecha de más de 10 cortometrajes, 3 medio metrajes y 4 largometrajes.

Ambos, Galiana (saxofón soprano y tenor) y Alemany (electrónica) rinden homenaje al pintor nacido en Las Palmas de Gran Canaria (España) Manolo Millares y al pintor nacido en Madrid (España) Pablo Palazuelo, en el álbum que lleva por título “Homenatge a Manolo Millares i Pablo Palazuelo”, editado en el sello Liquen Records, que difunde músicas improvisadas y experimentales desde 2016.

El disco está inspirado en la obra de estos dos reconocidos pintores.

Han contado con la colaboración de la Fundación Pablo Palazuelo, la familia de Millares, la Fundación Azcona y el Instituto Valenciano de Cultura (IVC) y es la banda sonora de tres películas, estrenadas en el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, (Marco), Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) de Valencia y la Fundación Antonio Pérez-Centro de Arte Contemporáneo de Cuenca.

La producción tiene su génesis en el libro “Cartas en torno a Manolo Millares, Pablo Palazuelo y otros”, una correspondencia entre Alfonso de la Torre y Joan Gómez Alemany publicado por EdictOràlia en 2022, año en que se conmemoraba el 50 aniversario de la defunción de Millares y ve la luz en el centenario del nacimiento de Millares.

Galiana indica que “ha sido un gran reto como artista participar en este proyecto discográfico en el que hemos compuesto y realizado improvisaciones musicales a partir de la obra de Manolo Millares y de la obra audiovisual tanto de Millares como de Joan Gómez Alemany, artista con quien colaboro desde hace ocho años”. Y añade: “en los últimos años he profundizado en la poética visual de Millares, lo que me ha reportado grandes emociones y sentimientos enfrentados”. Y apunta: "su pintura es de una fuerza impactante por su oscuridad, sus grietas, la sencillez de los materiales encontrados… esa pintura (casi escultura) que es proyectada desde el cuadro como reclamante ser escuchada por una mirada comprometida. Al final, ha sido una experiencia única".

Por su parte, Alemany asegura que “este trabajo discográfico, en cierto modo, prolonga y musicaliza el libro “Cartas en torno a Manolo Millares, Pablo Palazuelo y otros”, que escribí con Alfonso de la Torre y publicó EdictOràlia”. Y continua: “la música dialoga con la pintura, el cine, la escritura y el pensamiento, traduciendo la herida de Millares en grito acústico y la línea de Palazuelo en paisaje abstracto”; y subraya que "como las cartas, las composiciones operan por capas, resonancias y retornos. Sonido, imagen y palabra se fundan en una experiencia interdisciplinaria donde escuchar es pensar y viceversa".

La Habitación del Jazz

JULIUS GAWLIK CD: It’s All in Your Head

 

Pistas

1.There Are No Ugly Dogs 2.You Wish 3.Fuchs 4.Glow 5.Chicago 6.TSCH

Intérpretes

Julius Gawlik – saxo tenor, clarinete
Evi Filippou – vibráfono, percusión
Phil Donkin . contrabajo
Jim Black - batería

Sello discográfico: Unit Records

Grabado en Hansa Studios, Berlín (Alemania) en marzo de 2024.
Publicado el 20 de noviembre de 2025

Julius Gawlik, nacido en Halle (Alemania), es un saxofonista, clarinetista y compositor, conocido por su trabajo en el jazz, la música experimental y la improvisación contemporánea. Lidera sus propios proyectos, como su cuarteto y el trío colaborativo Dream Big Fish, y continúa contribuyendo a la escena europea como acompañante de bandas como Jim and the Schrimps e inEvitable, y como miembro de la NDR Bigband.

Gawlik ha actuado en festivales de renombre como el Festival de Jazz del Mar del Norte, el Festival de Jazz de Londres y el Festival de Jazz de Copenhague, así como en prestigiosos escenarios como la Filarmónica del Elba, el Bimhuis de Ámsterdam, la Filarmónica de Berlín y el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago.

Ha colaborado con artistas como Jim Black, Aynur Doğan, John Hollenbeck, Evi Filippou, George Garzone, Wanja Slavin, Jochen Rückert, Matt Moran, Michaël Attias, Crush String Collective y Ensemble Modern. Ha recibido galardones como la Beca al Solista Destacado de la Universidad de Temple en Filadelfia y el Premio Solista de la Karl Hofer Gesellschaft de Berlín.

Reconoce la influencia de intérpretes como Andrew Hill, Joe Henderson y del cantautor Jeff Buckley.

“It’s All in Your Head” es el álbum debut del saxofonista tenor Julius Gawlik como líder.

Le acompañan tres músicos de primera fila. El baterista Jim Black (quien toca con Gawlick en su cuarteto Jim & His Schrimps), aporta su toque preciso e imprevisible creando ambientes rítmicos para que el resto arriesgue. La vibrafonista griega Evi Filippou añade complejidad melódica y una enriquecedora tensión y el bajista británico Phil Donkin, impulsa los temas a cotas inimaginables, en perfecta sintonía con Black.

Los vínculos de Gawlik con los miembros de la banda son antiguos y mutuos, habiendo trabajado en las bandas de cada uno durante bastante tiempo.

Esta familiaridad, evidente, no se traduce en un espacio de confort, sino en continuos retos interpretativos que impulsan sus intervenciones.

Gawlik describe sus composiciones como "bocetos", fragmentos concisos de melodía y ritmo diseñados para impulsar la improvisación en lugar de limitarla, l,o que lleva a que cada músico participa creando música en tiempo real.

El comienzo tranquilo de “There Are No Ugly Dogs”, con el saxofón y vibráfono fusionados mientras el contrabajo y la batería mantienen un suave pulso, se va expandiendo a medida que Black inyecta desafiantes ritmos, secundados por Donkin, Un aparente desconcierto se apodera del escenario. Gawlik teje un mundo sonoro alrededor y por encima de lo que acontece a su alrededor. Constantes cambios, sin una guía preestablecida, seña de identidad del grupo.

"You Wish" es más relajante. Pero se trata de una relajación contenida. Un tono contemplativo y misterioso caracteriza este tema, donde la conexión de los cuatro músicos es total.

“Fuchs” es todo energía. Improvisación, líneas cambiantes, complejas e inestables. La sección rítmica a tope. Gawlik y Filippou no se quedan atrás y entre todos nos brindan un tema trepidante, extraordinario.

La sutileza se abre paso con “Glow”. El diálogo entre Black y Gawlik generan un espacio intrigante. Una composición abstracta donde el clarinete de Gawlik muestra su fragilidad y sutileza espectral. Otra muestra del amplio rango emocional del álbum.

De alguna manera "Chicago", mantiene ese carácter intrigante, pero con constantes cambios de dirección. Un flujo de ritmo constante y el saxofón de Gawlik audaz, protagonista, sin alardes innecesarios, junto a Filippou.

"TSCH", que cierra el álbum, comienza con un diálogo entre Gawlick y Filippou. A pesar del sonido cálido del saxo y del vibráfono, la tensión entre ambos instrumentos es patente y está alimentada por la batería y contrabajo. Sin vencidos ni vencedores, el tema termina, dejando el nivel del álbum a una gran altura.

El interés de Gawlik por la improvisación viene de su adolescencia, y surge al tener acceso a la colección de discos de su padre y al estar expuesto al jazz y la música improvisada.

Ese interés se plasma en las composiciones, impredecibles, con constantes giros, siempre en el filo entre la composición y la improvisación, exigiendo una escucha atenta para su mejor disfrute.

“It’s All in Your Head”, catalizador de dos mundos sonoros: el estadounidense y el europeo, es un excelente álbum debut.

La Habitación del Jazz

ODENSE JAZZ ORCHESTRA meets Loren Stillman

 

Pistas

1.A Tree Falls 2.Waterworks 3.Buffalo 4.Like A Magic Kiss 5.Fowlkes 6.Dervish

Intérpretes

Loren Stillman - saxo tenor y soprano

Morten Øberg - saxo alto, flauta

Guy Moscoso – saxo alto, clarinete soprano

Michael Olsen – saxo tenor, clarinete soprano y bajo

Hans Mydtskov – saxo tenor

Ole Visby – saxo barítono, clarinete bajo y soprano

Rolf Thofte Sørensen – trompeta, flugelhorn

Tomasz Dąbrowski – trompeta, flugelhorn

Jakob Holdensen – trompeta, flugelhorn

Hans Christian Heide Erbs – trompeta, flugelhorn

Stefan Ringive - trombón

Mikkel Vig Aagaard – trombón

Anders Ringgaard Andersen – trombón

John Kristensen – trombón bajo

Morten Nordal - guitarra

Pojken Flensborg – piano

Kasper Tagel – contrabajo, arreglos

Chano Olskær – batería

Sello discográfico: AMM Records

Grabado en Peak Productions, Odense (Dinamarca)

Publicado el 16 de enero de 2026

La Orquesta de Jazz de Odense es la big band líder de la región del Sur de Dinamarca y un referente en la escena del jazz danés. Desde su fundación en 1994, la orquesta ha reunido a algunos de los músicos, compositores y arreglistas más talentosos del país para crear experiencias musicales innovadoras y dinámicas.

Al objeto de buscar nuevas direcciones y posibilidades al formato de big band, la Orquesta de Jazz de Odense explora constantemente nuevas direcciones musicales. La banda combina el sonido de la big band con una amplia gama de instrumentos, desde experimentos electrónicos hasta percusión clásica, y ha colaborado con la Orquesta Sinfónica de Odense, coros clásicos, así como, con solistas de diferentes ámbitos musicales.

Además de una extensa actividad concertística, la orquesta se dedica al desarrollo de talentos a través de proyectos educativos, la Big Band Juvenil de Fionia y colaboraciones con la Academia de Música del Sur de Dinamarca.

Su director musical es Torben Sminge, y está formada por un grupo de músicos y arreglistas de primera línea.

La Orquesta de Jazz de Odense ha actuado con una impresionante selección de artistas, como Stacey Kent, Ingrid Jensen, Nikki Iles, Lars Jansson, Richard Bona, Loren Stillman, Lucy Woodward, Fredrik Lundin, Steffen Brandt y Harald Haugaard entre otros. También ha colaborado con el Festival Internacional de Cine de Odense y el Festival de Jazz de Odense.

En este nuevo trabajo “Odense Jazz Orqhestra meets Loren Stillman” cuentan con el reconocido saxofonista y compositor Loren Stillman. De las contribuciones de Stillman al jazz moderno se han hecho eco publicaciones como The New York Times, Downbeat Magazine, Jazziz, Jazz Times y National Public Radio. Formado bajo la tutela de figuras del jazz como Lee Konitz, David Liebman y Ted Nash, Stillman abarca una extensa trayectoria interpretativa que incluye Estados Unidos, Europa y Japón. Ha colaborado con artistas de la talla de The Charlie Haden Liberation Music Orchestra, Paul Motian Trio 2000+2, Carla Bley, John Abercrombie y Michael Formanek: Ensemble Kolassus, entre otros. Posee numerosos galardones como intérprete y compositor.

El álbum fusiona el jazz estadounidense con el colorido sonido orquestal nórdico.

El primer corte, "A Tree Falls" es una hermosa balada, reflexiva y sugerente. Solos de Heide Erbs, Stillman y Nordal.

Las composiciones de Stillman, a menudo densas y narrativas, renacen en este contexto de big band, como sucede en “Waterworks”, inspirada en una ruta de senderismo rodeada de flores silvestres y mariposas revoloteando, cerca de Missoula, Montana. Solos de Flensborg, Nordal y Stillman.

"Buffalo", un blues dedicado al gigante itinerante de Norteamérica. Solos de Stillman y Nordal.

"Like A Magic Kiss" con el poder de romper maldiciones, lanzar hechizos y otorgar habilidades mágicas, esta pieza transmite algo mágico. Solos de Stillman y Dąbrowski.

"Fowlkes",es una pieza conmovedora dedicada al fallecido trombonista y amigo, Curtis Fowlkes. Solo de Stillman.

El disco cierra con “Dervish”, con toques de cultura persa y un movimiento circular de influencia Sufí. Solos de Stillman, Ringive y Olskær.

En esta grabación todo fluye de forma natural: la composición, la interpretación, los arreglos y el sonido orquestal.

A destacar la calidad de la grabación, que permite captar cada matiz orquestal.

«Aunque provenimos de orígenes y lugares del mundo muy diferentes, tenemos mucho en común», explica el director de orquesta Hans Christian Heide Erbs: «Está en la naturaleza misma de la música y de ser músico».

La Habitación del Jazz

MAXIMILIAN HERING CD: The Gathering

 

Pistas

1.Moles on her skin 2.Ojo de Madera 3.The Gathering 4.519 km is too far for kissing you 5.Oliver 6.Route A66 7.Entre tú y yo 8.Gleisgeflüster 9.Summer in PT

 

Intérpretes

Fernando Brox – flauta
Edu Cabello – saxo alto, clarinete bajo
Victor Carrascosa – trompeta, flugelhorn
David Muñoz – contrabajo
Maximilian Hering – batería

Invitada

Lucia Fumero – piano (1,4)

 

Sello discográfico: Klangraum Records

Grabado el 20 y 21 de mayo de 2024 en Sol de Sants Studios, Barcelona (España).

Publicado el 23 de enero de 2026

 

Maximilian Hering, nacido en  Wiesbaden, es baterista y músico residente en Colonia, Alemania. Ha tocado la batería durante la mayor parte de su vida: recibió su primera batería a los cuatro años de edad y recibió clases formales desde los cinco. En 2019, se graduó en el Conservatorio ArtEZ de Arnhem con una Licenciatura en Música.
En su trayectoria musical, Hering ha colaborado con una amplia variedad de bandas. Además de numerosos conciertos por toda Europa Central, participó en una treintena de producciones de álbumes y EP.
Compone para sus bandas Red Hering, Maximilian Hering Group y The Foaming Waves, pero también para películas, como el cortometraje Feindesland (2016) de Christine Wetzel y El Hamdu Lillah (2018) de Jonathan Kaiser. Además, colabora regularmente con el estudio de música para cine y sello discográfico Klangraum. En 2022 lanzó su primer álbum, "Nostalgia", y posteriormente el EP "Max Hering & The Foaming Waves". En octubre de 2024, Red Hering debutó en la serie Jazz Thing Next Generation con el álbum "Butter bei die Fische". Es muy solicitado como acompañante de bandas, como Engel Trio, The New Hot, Sol Jang Trio, Sara Bax, Haberecht 4 y MAR.CO, entre otras. Hering  explora las posibilidades del trabajo interdisciplinario y le apasiona la combinación de la danza con la batería y los sonidos. Desde 2021 colabora con los bailarines/coreógrafos Sabrina Gargano y Rafa Jagat (Compañía Elelei), últimamente en su nueva creación Too Much.

Uno de los proyectos de Hering es el Maximilian Hering Group, un conjunto sin acordes que combina instrumentos de viento y ritmo. Fundado en 2018, cuando Hering reunió a sus músicos favoritos de la escena de jazz local de Barcelona para una actuación en un club. Inicialmente el grupo estaba formado por dos instrumentos de viento, bajo y batería. Posteriormente se añadió una flauta y en su último trabajo hasta la fecha, “The Gathering” (2026, Klangraum Records), el piano.

De los nueve cortes del disco, cinco son originales de Hering, dos de David Muñoz, uno de Fernando Brox y otro de Edu Cabello.

El disco inicia su andadura con “Moles On Her Skin” de Hering, un tema lleno de optimismo, con sabor brasileño y un fraseo vivo, donde aparece por primera vez Lucía Fumero al piano.

“Ojo de Madera” de Cabello, se inspira en un trozo de madera que parece devolver la mirada. La percusión de Hering y el contrabajo de Muñoz marcan el terreno y contrastan con el sonido de la flauta de Brox y resto de vientos. El tema deriva en una enérgica improvisación.

“The Gathering”, firmada por Hering,  da título al álbum. Un poderoso comienzo de Brox, secundado por el contrabajo de Muñoz, seguido de sendos solos de Carrascosa,  Cabello y Hering. Una excelente pieza donde brilla la colectividad.

Fumero hace su segunda aparición en “519 Km Is Too Far For Kissing You”, de Hering, una romántica y relajante balada que da paso al clásico “Oliver” de Brox, dedicado al compositor Olivier Messiaen. Vanguardia y originalidad se entremezclan en este extraño tema.

Como contraste el funky  "Route A66", una composición de Hering, donde destacan los solos de Cabello, con Brox y Hering como impulsores. Un tema muy divertido.

“Entre tú y yo” de Muñoz, es otra de las canciones que  exploran diferentes facetas del amor. El clarinete bajo da las pinceladas melancólicas que calman el ambiente. Pieza en cierta medida sombría y muy Íntima. Solo de Carrascosa, acompañado de Brox. El pulso lo mantienen a la perfección el propio Muñoz y Hering.

Otra pieza “seria” e introspectiva es "Gleisgeflüster" de Hering, a la que parece le cuesta arrancar. Sonidos de trenes nocturnos de mercancías y de animales selváticos. No hay melodía.

El álbum cierra con "Summer in PT", de Muñoz. Hering y Muñoz establecen una base rítmica cambiante y alegre que favorece los solos de los vientos.
No cabe duda que el grupo tiene una química natural, que contribuye a una agradable sensación de integración colectiva.

Hering y Muñoz dominan el ritmo a la perfección, lo que da espacio suficiente para que los solistas puedan tocar con gran libertad, creativos, sin cortapisas.

Excelente jazz contemporáneo, no apto para una escucha distraída.

La Habitación del Jazz