lunes, 17 de marzo de 2025

ALISON RAYNER QUINTET CD: SEMA4

 


Pistas

1.Espíritu Libre 2.Looking For A Quiet Place 3.Semaphore 4.Hamble Horror 5.Signals From Space 6.Trip Dance 7.Riding The Waves 8.The Handkerchief Tree 9.All will Be Well

 

Intérpretes

Alison Rayner – contrabajo

Buster Birch – batería, percusión

Deirdre Cartwright – guitarra

Diane McLoughlin – saxofones

Steve Lodder – piano

 

Sello discográfico: Blow  The Fuse Records en asociación con ECN Music

Grabado en vivo en el Vortes Jazz Club. Londres, el 21 y 22 de mayo de 2024

Fecha de publicación: 7 de marzo de 2025

 

 

La contrabajista y compositora Alison Rayner ha estado tocando jazz y otros estilos contemporáneos desde mediados de los años 70. Pasó cinco años en los 80 con el grupo de jazz latino The Guest Stars, recorriendo los principales escenarios y festivales internacionales de jazz en diecisiete países y grabando tres álbumes. Actualmente lidera el quinteto ARQ, que  durante los últimos seis años ha realizado extensas giras por el Reino Unido y Europa.

Rayner también toca y graba con, entre otros, Deirdre Cartwright, Chris Hodgkins, Carol Grimes, el cuarteto de jazz latino Chico Chica y Zoe Lewis y ha actuado con artistas como Tal Farlow, Jayne Cortez, Denardo Coleman, Peter King y John Etheridge.

Es codirectora de Blow the Fuse, una asociación liderada por artistas en Londres desde 1989, que organiza noches de club de jazz, promueve giras, eventos a gran escala y produce discos en Blow the Fuse Records. Ha tocado en alrededor de 30 álbumes.

Rayner enseña en escuelas de verano de jazz en el Reino Unido y en el extranjero. Fue nominada en la categoría de "Mejor contrabajo" en los premios British Jazz Awards de 2018 y 2019.

Junto a Rayner, el quinteto lo forman la saxofonista,  compositora y arreglista Diane McLoughlin. Titulada de  posgrado en composición de jazz de la Guildhall School of Music, posee un máster en composición cinematográfica del London College of Music. Lidera la orquesta Giant Steppes, y dirige el grupo de jazz de cámara The Casimir Connection. El pianista y compositor Steve Lodder ( Naná Vasconcelos, orquesta Living Time de George Russell, Sarah Jane Morris, John Harle, Carla Bley, Andy Sheppard…). Ha sido socio musical de Paul McCartney en los proyectos “Standing Stone” y “Ecce Cor Meum” y arreglista musical de los Zappatistas. Estudioso del órgano en Cambridge,  ha escrito varios libros, uno sobre Stevie Wonder, otro sobre el órgano Hammond y The Keyboard Bible. El baterista Buster Birch, licenciado en música de la Universidad de Londres y diplomado de posgrado en jazz de la Guildhall School of Music. Ha actuado en prácticamente todas las salas de conciertos y clubes de jazz más importantes de Londres, realizado giras por más de 30 países y ha grabado más de 30 CD. Es un galardonado profesor de jazz y ha publicado una serie de libros interactivos sobre improvisación en todo el mundo. Tiene su propio espectáculo Buster plays Buster, en el que su cuarteto de jazz toca en directo durante proyecciones de películas clásicas de Buster Keaton. La guitarrista y compositora Deirdre Cartwright (Tal Farlow, Marjorie Whylie…), ha grabado cinco álbumes con su propio grupo. Fundadora de Blow the Fuse con Rayner, presentadora en BBC Radio 3 y de la BBC TV (serie Rockschool). Ha escrito siete libros sobre cómo tocar la guitarra.

La relación entre estos músicos viene de muy atrás. Por ejemplo Rayner y Deirdre Cartwright colaboran desde la  década de 1970. Con Steve Lodder y Diane McLoughlin, Rayner lleva trabajando más de 30 años. Buster Birch se unió al grupo en 1998.

El quinteto ARQ ,  había publicado tres álbumes con el sello Blow The Fuse Records: “August” (2014), “A Magic Life” (2016) y “Short Stories” (2019).  Su nuevo lanzamiento lleva por título “SEMA4” grabado en vivo en el Vortex Jazz Club en Dalston, al este de Londres. En principio no estaba previsto el lanzamiento de esta actuación, pero después de escuchar la grabación, Rayner supo que habían creado algo que tal vez no hubieran hecho en un estudio y afirma: “A veces hay que hacer concesiones en ciertas cosas con una grabación en vivo, pero sentí que habíamos logrado una gran onda y energía, algo realmente especial”.

ARQ “ha construido algo más grande que la suma de sus partes”, dice Rayner. “Quería la sensibilidad de un grupo en el que ensayamos y trabajamos juntos. Para mí, eso era muy importante, establecer una conexión, escribir para la gente de la banda. Cuando trabajas con gente durante años, realmente escuchas su forma de tocar”.

El disco abre con el tema de Rayner, “Espíritu Libre”  inspirado en un viaje al País Vasco (España). En esta composición se deja entrever la mezcla de influencias en las composiciones de Rayner, jazz, música latina, rock y folk. Es una forma brillante y alegre de comenzar el disco.

“Looking For A Quiet Place” de McLoughlin da un giro de 180 grados. Tema suave y meditativo que invita a la calma en este mundo un tanto acelerado. Interesante canción en donde podemos apreciar la expresiva y conmovedora guitarra de Cartwright, a la vez que roquera. Precioso sonido del saxo de McLoughlin.

 “Semaphore” de Rayner,  abre con el bajo de Rayner y, junto con Birch, crea un ritmo muy bailable que se transforma en reggae con Mcloughlin y Cartwright intercambiando solos. El título se debe a un divertido error, Rayner dijo que trabajarían en esta pieza en 7/4, pero Buster escuchó semáforo.

“Hamble Horror” de Lodder, empieza con atmósfera clásica que desemboca en un jazz trepidante, y rock progresivo, que evoca heroicidades cinematográficas. El listón sigue alto.

“Signals From Space” de Cartwright, está inspirado en las vibraciones de una estrella de neutrones que se captan en la Tierra, con los armónicos elegidos inteligentemente por la guitarrista que se suman a la atmósfera tensa y misteriosa. Los solos de saxo, contrabajo y piano brillan en el firmamento.

Rayner también es la autora de  “Trip Dance”, una pieza animada con sonido balcánico, donde sin duda se divierten los cinco músicos, echando fuera la adrenalina acumulada.

McLoughlin aporta "Riding The Waves" basada en la imagen de un surfista en las olas, arriba y abajo.

Lodder aporta "The Handkerchief Tree", inspirada en una planta llamada “Davidia involucrata” que semeja a pañuelos colgantes y que Lodder pudo ver en un parque del norte de Londres.

Rayner cierra el álbum con "All Will Be Well". Emotiva pieza compuesta durante los dos años en los que la hermana menor de Rayner enfermó gravemente. La esperanza de una mejoría, truncada  finalmente. Todos y cada uno de los músicos muestran su fuerza interpretativa, potencia y lirismo mezclados con sabiduría. Rayner dedica este disco a su hermana fallecida en 2023.

Rayner, con su contrabajo de sonido potente, melódico y cálido, junto a Birch, y su potente pero comedida pulsación en la batería, impulsan al  grupo, unido a la sensibilidad y energía del piano de Lodder, el lirismo de McLoughlin a los saxos y la sensibilidad y energía de Cartwright en la guitarra, conforman un quinteto cohesionado que brilla en los solos pero dejando espacio al resto cuando se necesita.

La grabación en directo es un acierto, permitiendo captar la energía de las interpretaciones tal cual.

La Habitación del Jazz

 

 


viernes, 14 de marzo de 2025

Mathias Landæus - Nina De Heney - Kresten Osgood CD: Dissolving Patterns

 


Pistas

1.Dissolving Patterns 2.Primordial Plot 3.Blues Excavation 4.Puddle of Light 5.The Gift 6.Body Rejoice 7.Fear of Nothing 8.Breathing Magnet 9.Asteroid Heroes 10.Lullaby Boomerang

Intérpretes

Mathias Landæus - piano

Nina de Heney - contrabajo

Kresten Osgood  - batería

 

Grabado el 13 de noviembre de 2023 en Studio Epidemin

Sello discográfico: SFÄR

Fecha de publicación: 7 de marzo de 2025

 

Los veteranos de la escena escandinava del jazz y la improvisación, el pianista Mathias Landæus, la bajista Nina de Heney y el baterista Kresten Osgood tocaron juntos por primera vez en 2013 como parte de la serie de conciertos Underground en Lund, Suecia.

Mathias Landæus nació en Suecia. Vivió en Nueva York en los años 1990, donde estudió con Jaki Byard y Richie Beirach, entre otros. Tras regresar a Suecia se convirtió en uno de los pesos pesados de la escena del jazz de Estocolmo. Ha sido miembro de la banda de la cantante Lina Nyberg, Sonic Mechatronik Arkestra, Norrbotten Big Band y de sus propias bandas Reunion y Mathias Landaeus House of Approximation. Ha realizado discos en solitario, con su propio trío y con otros grupos. Fundó el Glenn Miller Café y el Club Underground de Estocolmo  donde invitaba a tocar a jóvenes músicos. También ha tocado, entre otros, con Benny Golson, Jonas Kullhammar, Magnus Lindgren y Tim Hagans. Recientemente ha iniciado la red de músicos "Jazz por la justicia climática". Artista inquieto que gusta de explorar nuevos horizontes ha lanzado más de veinte álbumes como líder.

Nina De Heney, nació en Suecia y creció en Suiza. Estudió con Miroslav Vitous en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra en Boston de 1981 a 1983. Nina se mudó a Suecia en 1983, donde estudió nuevamente de 1988 a 1993 en el Conservatorio de Música de Gotemburgo, donde también obtuvo un Diploma de Solista de 2004 a 2006. Empezó a hacer actuaciones en solitario en 1992, a menudo trabajando con bailarines y en 2008 fundó el festival Dance 'n' Bass junto con la bailarina y coreógrafa Anna Westberg. Sus tres álbumes en solitario “Archipelago”,”2” y “Three” han sido aclamados por la crítica y recibió el Premio al Músico de Jazz del Año 2012. Nina ha trabajado en la escena del jazz y la improvisación en Suecia durante muchos años con varios grupos y actualmente trabaja en dúo con la pianista Lisa Ullén y en trío con Karin Johansson al piano y Henrik Wartel en la batería.

El baterista y compositor danés Kresten Osgood es una de esas personas que desafían y se adueñan de las categorías a la vez. Un baterista e improvisador extraordinario que, con el máximo respeto por la tradición, la desafía en cualquier momento de su labor creativa. Tiene alrededor de 100 álbumes en su haber, ha estado de gira prácticamente en todas partes, ha estado tocando y/o grabando con leyendas como Roscoe Mitchell, Paul Bley, Lee Scratch Perry, William Parker, Masabumi Kikuchi, Derek Bailey, Wadada Leo Smith, Jason Moran, Michael Blake, Kurt Rosenwinkel, John Tchicai, Tim Berne, Justin Vernon, Peter Brötzman, Joshua Redman, Billy Preston, Alan Silva, Brad Mehldau, Mats Gustafsson, Bennie Maupin, Lonnie Smith, Sam Rivers, Henry Grimes, Yusef Lateef, Warren Smith y muchos otros. También es un exitoso rapero, compositor, pianista, vocalista, saxofonista y trompetista, un verdadero multiinstrumentista, un poderoso organizador que es una fuerza impulsora extremadamente importante para impulsar y hacer avanzar la vida musical en Copenhague, artista con sus propios programas en televisión y radio, ganador de numerosos premios y honores, un hombre de caleidoscopio muy agudo, independientemente del contexto, siempre desarrolla su máximo potencial.

El trío que conforman estos tres músicos ha actuado esporádicamente, a menudo incorporando artistas invitados como Herb Robertson, Signe Emmeluth y Per 'Texas' Johansson. Acaban de publicar su álbum debut que lleva por título “Dissolving Patterns”. Grabado en noviembre de 2023 en una única sesión de estudio antes de una actuación en Gotemburgo, el álbum presenta la música exactamente como se desarrolló, pieza por pieza, en el orden en que fue grabada.

Landæus tenía una asignatura pendiente: grabar la magia que se produce cada vez que este trío se reúne para tocar, y con este disco lo ha logrado.

Sobre tocar con el trío, la bajista Nina De Heney dice: “A menudo estoy en el bosque, donde prefiero caminar por los senderos más pequeños, mis pensamientos vagan mientras miro y escucho los sonidos de la naturaleza. Tocar con Mathias y Kresten me da la misma sensación de libertad, paz y felicidad, es como caminar por nuevos senderos sinuosos cada vez que nos encontramos, en un bosque muy hermoso lleno de frutas mágicas y todo sabe como la primera vez”.

Las diez piezas del disco son pura improvisación, de atmósfera impredecible, o quizás sí, donde la química musical entre los componentes del trío es evidente.

Según Osgood: “Una de las ideas más cercanas a mi corazón es que la improvisación tiene el potencial de ser el lugar donde nace la música más interesante. Supera con creces a la composición, o al menos, tiene el potencial de hacerlo”

La improvisación se combina con un minimalismo, dando como resultado un producto de difícil asimilación. Música oscura en ocasiones, enérgica en otras. El piano es el instrumento principal y catalizador de lo que ocurre en el estudio, pero siempre bien acompañado del contrabajo (con y sin arco) y batería. De Heney realiza espectaculares introducciones y excelentes solos. Por su parte Osgood también añade su buen hacer ya sea con solos minimalistas o momentos rápidos. 

El tipo de música que podemos escuchar en este álbum,  no dejará indiferente al oyente.

 

La Habitación del Jazz

 


miércoles, 12 de marzo de 2025

STEFAN SIRBU, JULIETA EUGENIO, CLOVIS NICOLAS, ANTHONY PINCIOTTI CD: Reverie

 


Pistas

1.Drydown 2.Elsa Au Miroir 3.No Worries 4.Reverie 5.Sweet 6.That Very Vienne 7.V.S.T. (Valse Sans Titre)

Intérpretes

Stefan Sirbu – piano, Fender Rhodes

Julieta Eugenio – saxo tenor

Clovis Nicolas – contrabajo

Anthony Pinciotti – batería

 

Grabado el 7 de mayo de 2024 en Tedesco Studios, Nueva York.

Fecha de publicación: 7 de marzo de 2025

 

Stefan Sirbu nació en Moldavia; actualmente reside en Alemania, un cambio que sin duda ha moldeado su sensibilidad musical y su enfoque de la composición. 

Tras el éxito de su álbum debut, “Autumn Whispers” (2021), acaba de publicar un nuevo trabajo titulado “Reverie”.  

Sirbu dice:”La idea de grabar algunas de mis canciones con esta banda en particular me vino a la mente durante la pandemia. Quería producir un disco que uno pudiera escuchar durante un corto viaje a casa, para desconectarse durante el tiempo de un viaje en autobús al anochecer o un paseo tranquilo por una ciudad al anochecer. No demasiado tiempo; solo el tiempo para dejar que la mente divague, como en un sueño, y luego "despertar" al silencio después de la última pista”. Sin  duda, palabras que incitan a la escucha de este disco.

Sirbu vio a la saxofonista Julieta Eugenio y el bajista Clovis Nicolas transmitir canciones en vivo desde la sala de estar de éste último e inmediatamente supo que había encontrado a los colaboradores perfectos para este proyecto y dice “incluso a través de una pantalla, sentí una conexión musical entre ellos que era profunda y fluida”.

Los llamó y finalmente cuando Sirbu regresó a Nueva York tras un descanso de 4 años, ese proyecto se hizo realidad. Completa el cuarteto, el baterista  Anthony Pinciotti, que falleció el 30 de diciembre de 2024, solo unos meses después de su valiosísima contribución a esta grabación. Son músicos conectados con la tradición del jazz neoyorquino, que contribuyen a engrandecer las composiciones de Sirbu, mostrando una química total entre los cuatro.

El disco abre con “Drydown” que en palabras de Sirbu, se siente como "un estándar que siempre había estado ahí, en el mejor sentido posible. “Drydown" es el término que se usa en perfumería para describir el olor que queda de un perfume mucho después de habérselo aplicado. Esta es una metáfora adecuada para describir cómo escribí esta canción. La composición comienza con una cadencia que toqué al final de otra canción, dejándola resonar; me gustó el sonido del acorde de abajo y seguí tocando esa frase hasta que escuché el siguiente acorde y lo desarrollé en la composición que escuchas en la primera pista de este álbum”. Una bella y romántica balada, de corte jazz clásico, en la que, según Sirbu, se escuchan ecos de  "Lush Life" y "Body and Soul". El sonido del saxo de Eugenio es cálido y reconfortante, recordándome al sonido de Ernie Watts.

Sigue  "Elsa Au Miroir" que Sirbu ya incluyó en su anterior disco en 2021 y se presentó como balada. En esta ocasión la versión es más dinámica. Sirbu toca el Fender Rhodes. Una canción muy agradable.

Sirbu escribió “No Worries” en 2019 para el proyecto “Riesling Da Groove” con el trompetista de Basilea Jonathan James ND. La pandemia impidió el desarrollo del proyecto. Un tema alegre, despreocupado, que hace que muevas los pies y te balancees. En definitiva, una canción despreocupada, con ritmo contagioso y bailable.

La canción que da nombre al álbum, “Reverie” la compuso Sirbu con el sonido de Julieta Eugenio en mente. Sirbu afirma: “Durante varios meses estuve (y todavía lo estoy) absorbido por la belleza de los corales de J.S. Bach en la edición de Riemenschneider. Inspirado por ellos, he escrito varios corales que nunca llegaron a publicarse; este tema le debe algo a esos estudios”. Otra hermosa composición. 

En "Sweet" Sirbu vuelve a utilizar el Rhodes. Canción sin demasiadas aspiraciones, que tiende al pop suave y relajado.

Sobre "That Very Vienne" Sirbu dice: “refleja el estado de ánimo de un joven que deambula sin rumbo por las calles nocturnas de Vienne, una pequeña ciudad francesa que alberga un gran festival de jazz. Asistí cuando era estudiante y significó mucho para mí. Autobiográfica en cierto modo, es oscura al principio, reflexiva, se resuelve en un rayo de luz musical que señala la esperanza y la luz al amanecer”. En la línea de las baladas anteriores, relajante y cautivadora. 

El disco cierra con un vals “V.S.T. (valse sans titre” que Sirbu compuso hace dos décadas y que con el tiempo  se ha convertido en una de sus obras más queridas y la más conocida y solicitada.

Sirbu hace mención a la portada del disco creada por Charlotte Morot, una pintora francesa afincada en el sur de Francia. “Su calidad etérea, la delicada interacción entre transparencia y opacidad, color y su ausencia, me han cautivado. Como gran parte de la música que he compuesto para este álbum, señala una experiencia emocional y un estado de transformación; una emoción, justo antes de que la forma y el pensamiento tomen forma completa” afirma Sirbu.


La Habitación del Jazz

 


martes, 11 de marzo de 2025

Libro: GLAM ROCK: La revolución de las lentejuelas Autora: Noelia Murillo

 


Título: GLAM ROCK: La revolución de las lentejuelas

Autora: Noelia Murillo

Editorial: Redbook Ediciones

Colección: Ma Non Troppo

Serie: Música

ISBN: 9788410459137

Idioma: Español

Número de páginas: 224

Encuadernación: Tapa blanda

Fecha de lanzamiento: 14 de febrero de 2025

Medidas: 24cmx17cm

Peso: 650 gr

 

Redbook Ediciones lanza una nueva publicación  dedicada al rock y más concretamente al glam rock, un subgénero del rock nacido a principios de la década de 1970 en Inglaterra. Glam es un apócope de la palabra glamur, por lo que el glam rock, se puede traducir como “rock glamuroso”. En este estilo la sensualidad está presente a través de la puesta en escena de sus intérpretes.

Se puede considerar su inicio cuando en 1971 y ante millones de espectadores del programa de televisión Top of the Pops, Marc Bolan apareció con purpurina en las mejillas, un gesto con el que inauguró una nueva década destinada a hacer del rock algo glamuroso, ambiguo y atractivo.

Los artistas (bandas o solistas) de glam rock  incluyen en su repertorio canciones de rock clásico, metal rock, heavy metal o power ballad. Es decir, su característica no es tanto la música que interpretan como su estética.

En Estados Unidos a este género musical se lo denominó  glitter, si bien no tuvo tanto éxito ya que entonces la sociedad norteamericana no era tan tolerante con algunos conceptos que formaban parte de su discurso.

La autora es Noelia Murillo Carrascosa (Madrid) a quien  la profesión de periodista le ha llevado a medios como El Mundo, 20 Minutos, Onda Cero y Europa Press. En Woman y Stilo, ha publicado artículos sobre moda, cultura o lifestyle. Gracias a su trabajo en Metrópoli, fue redactora de la XIII edición de su anuario gastronómico y entrevistó a diferentes artistas musicales. Con Máster en Industria Musical y Estudios Sonoros por la Universidad Carlos III de Madrid,  ha investigado sobre la contracultura, con interés en la figura de la mujer en el rock de los sesenta y setenta. Siente pasión por el cine clásico y los gatos, aunque, por el momento, no se ha planteado escribir un libro sobre eso.

 

“Glam Rock”  es su primer libro y en él hace un recorrido detallado por los principales exponentes del glam, desde los pioneros como Marc Bolan y David Bowie hasta figuras más recientes como Lady Gaga o Måneskin. A través de un enfoque documentado y una cuidada edición a todo color, el libro examina la evolución del género y su influencia en la música contemporánea.

Dedica distintos capítulos centrados en solistas y bandas como Mötley Crüe, Kiss, Alice Cooper, New York Dolls o Lady Gaga por citar algunos ejemplos.

En las páginas del libro no faltan los tres elementos que caracterizaron el glam rock: la vestimenta, el uso del maquillaje para favorecer la androginia (al menos en sus inicios) y la teatralidad.

Como indican desde la editorial, se trata de contar «la historia de una época que, aunque efímera, permitió a los artistas crear propuestas muy singulares. La gran mayoría lo hicieron con absoluta libertad creativa, a través de personajes y estilismos únicos, aunque también fueron cuestionados por quienes querían mantener el virtuosismo y la formalidad técnica característica de la psicodelia y la contracultura».

El libro contiene un interesante capítulo dedicado al glam en el cine, otro a documentales imprescindibles, una extensa bibliografía y un código QR que conecta con una Play List en Spotify.

La Habitación del Jazz

 

ÍNDICE

-¿Qué es el glam rock?

-Glam para atraer: la belleza de un nuevo género

-Palmadas, pisotones y chaquetas metalizadas glam para bailar

-La cara B del éxito: canciones brillantes y volátiles

-Art Rock una amalgama de glam, pop y rock progresivo

-El glam tardío: raros, inclasificables y olvidados

-Glam que no suena a glam: el camino hacia el punk

-Mujeres y glam: la androginia también en ellas

-El glam lo inventaron las mujeres

-Sleaze rock en los ochenta: festival de la horterada

-Del blanco y negro al estallido de color con el gay rock en España

-Sin miedo a la diferencia: residuos del glam en Latinoamérica

-Ecos del pasado: así ha llegado el glam a nuestros días

-El glam en el cine

-Documentales imprescindibles

-Bibliografía


lunes, 10 de marzo de 2025

ELDAD TARMU CD: Silver On Aluminium

 


Pistas

1.The St. Vitus Dance 2.Pyramid 3 No Smokin’ 4.Horacescope 5.Gregory Is Here 6.Opus De Funk 7.Strollin’ 8.Yeah

 

Intérpretes

Eldad Tarmu – vibráfono

Marty Isenberg – contrabajo

Michael Shapira – batería

 

Sello discográfico: Queen of Bohemia

Fecha de publicación: 10 de junio de 2025

 

Eldad Tarmu nació en Los Ángeles, California, donde comenzó su carrera musical estudiando batería y percusión. Aprendió a tocar el vibráfono de jazz con Dave Pike como mentor. Estudió en Israel en la Universidad de Tel Aviv, luego regresó a los EE. UU. y comenzó a realizar giras internacionales con varios conjuntos de jazz, actuando en festivales y salas de música en más de veinticinco países, principalmente en Europa y Asia.

En 1997 lanzó su primer disco, “Aluminum Forest”, seguido de “Get Up Close” en 2001.

Tras graduarse en la Universidad Estatal de California  con un Máster en Música Afrolatina en 2005, fue nombrado Director del Departamento de Jazz de la Escuela de Jazz "Richard Oschanitzky" de la Universidad de Tibiscus (actualmente un departamento de la Universidad del Oeste) en Timisoara, Rumania, tras una colaboración con el bajista, violinista e investigador musical rumano Johnny Bota, que fue uno de los fundadores de la escuela.

En 2008, regresó a los EE. UU. para continuar su educación en la Universidad de Stony Brook, donde obtuvo un Máster en Composición Clásica, así como un Doctorado en Artes Musicales en Interpretación de Jazz, bajo la guía de Ray Anderson. Profesor de Estudios Musicales en el Hudson County Community College (HCCC)  y el Raritan Valley Community College de Nueva Jersey, desarrolló e introdujo un curso de Música Latinoamericana para el HCCC.

A lo largo de su carrera, ha colaborado ​​con nombres como Ron Affif, Ray Anderson, Mike Clark, Billy Higgins, Freddie Hubbard, Taj Mahal, Frank Morgan, Poncho Sanchez, Cybill Shepherd y Ernie Watts.

En los últimos años, Eldad Tarmu se ha centrado cada vez más en la música contemporánea original para conjuntos de cámara y vibráfono, componiendo para cuartetos de cuerda, quintetos de viento y obras para piano.

El título de su último álbum hasta el momento, “Silver on Aluminum”, tiene un doble significado: por un lado el vibráfono está hecho de aluminio y por otro, y más importante, este álbum es un tributo a Horace Silver. Este es su décimo álbum como líder y el primero en el que las canciones no son predominantemente originales de Tarmu, que se acompaña de dos jóvenes y excelentes músicos  neoyorquinos: el bajista Marty Eisenberg y el baterista Michael Shapira.

Teniendo en cuenta que Horace Silver compuso más de  300 canciones, no debió de ser nada fácil para Tarmu elegir las ocho que integran el disco y que corresponden a la década de los 50.

Abre el álbum con "The St. Vitus Dance", un tema que lleva el nombre de una enfermedad caracterizada por movimientos rápidos, involuntarios e irregulares de los músculos. Una versión trepidante y enérgica.

Sigue “Pyramid” donde se dejan entrever matices latinos y otros que se alejan de la ortodoxia jazzística.

“No Smokin” es otra melodía que se mueve a un ritmo frenético. Tarmu explica: “Aunque tocamos esta melodía muy rápido, no tocamos demasiadas notas, porque no quería que sonara demasiado mecánica”. La conexión entre los tres miembros del trío es absoluta.

“Horacescope” es un tema animado y también interpretado a una gran velocidad. Tarmu dice: “Dado que la escritura es tan fuerte, es un gran vehículo para la sustitución percusiva que ofrece el vibráfono”.

Tarmu aborda el arreglo original de "Gregory is Here" con un cierto ritmo latino. La sección rítmica no deja de empujar y empujar como en los cortes anteriores.

"Opus De Funk" sigue la misma línea argumental de swing potente y un trabajo en conjunto de muchos diamantes.

"Strollin" baja el ritmo y relaja el ambiente, lo que se agradece en cierta medida.

El disco se despide con otro tema explosivo y lleno de energía, "Yeah". Tarmu explica: "Kessel es mi guitarrista de jazz favorito. Músico que toca en trío. Traté de imaginar su estilo rítmico y cortante y la forma en que se relacionaba con la sección rítmica”.

Los arreglos de Tarmu transcriben canciones que fueron creadas para quinteto en otras que adapta para trío de vibráfono, bajo y batería, capturando totalmente el espíritu de la música de Silver, haciendo que su vibráfono parezca un piano.

Este trabajo de Tarmu  muestra la genialidad compositiva de Horace Silver  y la excelencia interpretativa del trío.

 

La Habitación del Jazz

 


viernes, 7 de marzo de 2025

JOSEPHINE DAVIS & THE ENSO ENSEMBLE CD: The Celtic Wheel of the Year Suite

 



Pistas

1.Eos (summer solstice) 2.Lammas 3.Mabon 4.Samhain 5.Gaia’s Breath (winter solstice) 6.Imbolc 7.Ostara 8.Beltane

 

Intérpretes

Josephine Davies –saxo tenor

Michael Chillingworth – saxo alto, saxo soprano

Rachael Cohen – saxo alto

Helena Kay – saxo tenor

Adam Bishop – saxo tenor, clarinete, flauta alto

Tamar Osborn – saxo barítono clarinete bajo

Noel Langley - trompeta, flugelhorn

Reuben Fowler – trompeta, flugelhorn

Nick Smart – trompeta, flugelhorn

Robbie Robson - trompeta, flugelhorn

Anna Drysdale – cuerno francés

Olli Martin – trombón

Maddie Dowdeswell – trombón

Eddie Curtis – trombón bajo

Alcyona Mick - piano

Dave Whitford - contrabajo

Shaney Forbes - batería

 

Sello discográfico: Ubuntu Music

Grabado en Livingston Studios, Londres, el 21 de mayo de 2023

Fecha de publicación: 28 de febrero de 2025

 

Josephine Davis es una saxofonista, compositora y directora británica, que se encuentra a la vanguardia de la escena musical contemporánea del Reino Unido. Ha lanzado cuatro álbumes en Whirlwind Recordings con su trío Satori, un trío de saxofón, bajo y batería que pone énfasis en la improvisación extensa y colaborativa. Es un proyecto que combina su búsqueda de libertad de expresión con su interés por la filosofía y el estilo de vida japoneses. Además Davis es conocida por su enfoque melódico, versatilidad y estilo único como instrumentista.

Fue compositora residente e intérprete de saxo tenor de la Orquesta de Jazz de Londres de 2012 a 2018. Posteriormente formó su propio gran conjunto al que bautizó como "The Ensō Ensemble", que se inspira en la práctica budista zen de un círculo dibujado con una sola pincelada sin editar, que celebra la belleza de lo incompleto y la imperfección, y la polaridad del movimiento y la quietud.

Acaba de lanzar “The Celtic Wheel of the Year Suite” en el sello Ubuntu Music, junto con su grupo The Ensō Ensemble. Este trabajo abre una nueva etapa como  compositora, con  una mezcla de música clásica, jazz y folk, creando un sonido intensamente dinámico influenciado de sus raíces en el archipiélago escocés de Shetland. La inspiración de  Vince Mendoza,  Stravinsky y Maria Schneider, se dejan sentir.

El álbum se compone de 8 piezas que representan las ocho partes de la Rueda Celta del Año. Davis explica: “Este proyecto comenzó hace 10 años cuando escribí mi primera pieza para la London Jazz Orchestra durante un período en el que me levantaba muy temprano. Inspirada por la salida del sol, la bauticé en honor a Eos, la diosa del amanecer. Una década después, con varias piezas de orquesta de jazz en mi haber y trasladándome fuera de la ciudad durante el confinamiento, me sentí instintivamente atraída a profundizar mi relación con la tierra y la naturaleza salvaje que me rodea, al mismo tiempo que quería expandir esta primera pieza. El resultado es la suite de ocho partes, cada movimiento inspirado en una época particular del año y lo que esta me depara a nivel emocional y espiritual”.

El primer corte del disco se llama “EOS (summer solstice)” y la compuso Davis durante las madrugadas mientras trabajaba como compositora residente de la London Jazz Orchestra. El nombre de Eos es el de la diosa del amanecer y celebra la gloria del sol en el día más largo del año. Davies plasma ese momento de luz y de generosidad de la tierra con elementos orquestales bien diferenciados sin atropellarse unos a otros.

Le sigue “LAMMAS” que celebra la llegada del otoño y la cosecha. Lughnasa (de Lugh, dios que da nombre a esta celebración) también se conoce como Lammas, y marca el punto medio entre el solsticio de verano y el equinoccio de otoño. De tono más oscuro que el anterior tema, presenta una gran presencia de las trompetas.

“MABON” es el equinoccio de otoño, la noche y el día vuelven a tener la misma duración y se honra la plenitud de la cosecha. Los huertos y jardines están llenos de frutas y verduras. Este es un momento para dar gracias a la Tierra que nos sostiene y para considerar cómo podemos vivir en reciprocidad con la naturaleza. Davis aporta un ritmo funky  contenido, con los vientos llenando el espacio sonoro. Tema interesante y hasta ahora el más jazzístico.

“SAMHAIN” representa el fin de la cosecha y la llegada de la mitad oscura del año, los meses con menos luz solar, la caída de las hojas y la descomposición que genera nueva vida.  El saxo con sonidos chirriantes evoca todo lo dicho. La melodía apenas aparece y lo progresivo hace su aparición.

“GAIAS’S BREATH (Winter solstice)” es el solsticio de invierno y el regreso del sol. Es un momento de renovación, renacimiento y la promesa de días más largos por venir. El solsticio de invierno es el momento preciso en el que el sol alcanza su punto más al sur en el cielo, lo que marca el inicio del invierno astronómico. Davis da mucho protagonismo a esta composición y le dota de trece minutos, la de mayor duración del álbum.

Un inicio orquestal, da paso a un sonido más big band y jazzero pero siempre imbuido de una majestuosidad  que da paso a un solo de batería, retomando la orquesta el tema principal para dar por finalizado el tema.

“IMBOLC” se encuentra a medio camino entre el solsticio de invierno y el equinoccio de primavera. La fertilidad se abre paso. La poesía, la creatividad, el fuego y la forja, la curación y la fertilidad los resume Davis en poco más de  minuto y medio.

“OSTARA” es el equinoccio de primavera, celebra el renacimiento, la renovación y la fertilidad, mientras la tierra despierta del letargo invernal y la vida comienza a florecer nuevamente. El nombre Ostara proviene de la diosa germánica del mismo nombre, que estaba asociada con el amanecer, la primavera y los nuevos comienzos. Se celebra el regreso del calor y la luz del sol, el punto del año en el que la noche y el día tienen la misma duración. Hay equilibrio entre la oscuridad y la luz. Davis desarrolla un tema que va in crescendo.

El disco cierra con “BELTANE” celebrando el apogeo de la primavera y la llegada del verano,  una celebración vibrante de la fertilidad, el fuego, la creatividad y el crecimiento. Los animales salen a pastar, las flores florecen y los días son más largos y brillantes. Tras un comienzo orquestal, Davis da paso a fases más relajantes y pastoriles propias de la época del año reflejada.

A lo largo de los ocho movimientos de la suite, Davies consigue sostener el drama y el movimiento, la majestuosidad y la sencillez, la oscuridad y la luz, junto a  improvisaciones  sobresalientes.

“The Celtic Wheel of the Year Suite”  es un proyecto ambicioso, el mayor desafío  de Davis como profesional, como intérprete y, sobre todo, como compositora.

No es un disco comercial que llegue fácilmente  a todo el público, pero eso no importa.

La Habitación del Jazz

 


miércoles, 5 de marzo de 2025

Libro: En los santuarios del Rock: Los grandes festivales Autor: David López

 


Título: En los santuarios del Rock. Los grandes festivales

Autor: David López

Editorial: Redbook Ediciones

Colección: Ma Non Troppo

Serie: Música

ISBN: 9788410459144

Idioma: Español

Número de páginas: 232

Encuadernación: Tapa blanda

Fecha de lanzamiento: 31 de enero de 2025

Medidas: 24 cm x 17 cm

Peso: 490 g

 

Redbook Ediciones, dentro de su sello Ma Non Troppo, ha publicado un nuevo libro dedicado al rock. En esta ocasión a los grandes festivales que marcaron un antes y un después en este género musical.

Su autor es David López. Nacido en Jerez de la Frontera  (Cádiz, España), estudió filología hispánica y se doctoró en 2004. Ha sido docente de español para extranjeros y posteriormente copywriter, redactor y corrector. En 2008 puso en marcha su blog personal, El Cofre de Bechamel, que le llevó primero a colaborar con Rock in Spain y luego en Miusyk. Desde entonces redactando a diario a través esta última WEB  da a conocer noticias y curiosidades del  mundo del rock. Su satisfactoria experiencia en la industria musical le ha permitido ver a bandas míticas y conocer mejor cómo funciona el negocio de la música.   

López ha recopilado cantidad de información sobre los festivales más famosos, los comentarios de quienes asistieron, su historia, secretos, anécdotas y curiosidades,  eliminando cualquier tipo de comentario crítico. Es un libro sobre los festivales y los conciertos más decisivos en la historia del rock, de las estrellas del folk, rock, dance y del metal.

El libro contiene las fotos más icónicas de los festivales  y una gran cantidad de anécdotas y curiosidades insospechadas. En definitiva todo lo que te gustaría saber sobre los grandes festivales del rock.

Un libro que no decepciona de lectura imprescindible para quienes quieran conocer cómo fueron en realidad esos conciertos. Cada concierto se acompaña de códigos QR donde poder ver los vídeos disponibles en YouTube. También se acompaña de un QR de la lista de reproducción en Spotify.

 

La Habitación del Jazz

 

ÍNDICE

Introducción

PARTE 1: LOS MÁS GRANDES

Reading, más de seis décadas de música (1961)

Monterey Pop Festival (1967)

Isle of Wight (1968)

Woodstock, el festival más mítico (1969)

Glastonbury, un referente desde 1970

Concert for Bangladesh  (1971)

Canet Rock (1975-1978)

Monsters of Rock Donington (1980-1996)

WOMAD (1982)

Live Aid (1985)

Rock in Rio (1985)

Farm Aid, el festival más solidario (1985)

Nelson Mandela: su 70 cumpleaños (1988)

Wacken, más de tres décadas de heavy metal (1989)

Moscow Peace Festival (1989)

Espárrago Rock, pioneros de un modelo todavía vigente (1989)

The Freddie Mercury Tribute: Concert for AIDS Awareness (1992)

Live 8 (2005)

Cosquín Rock, el festival más importante de Hispanoamérica

Hell and Heaven Fest, ¡arriba los rudos!

Rock al Parque, la propuesta Colombiana

PARTE 2:

COCIERTOS QUE CAMBIARON LA HISTORIA DEL ROCK

Elvis Presley, Aloha from Hawaii (1973)

La despedida de The Band (1976)

Queen en el Madison Square Garden (1977 y 1982)

Pink Floyd, presentan The Wall en directo (1981 y 1990)

The Rolling Stones  en el estadio Vicente Calderón (1982)

Rock & Ríos (1982): una revolución para el rock nacional

Cream en el Royal Albert Hall (2005)

Lista de reproducción Spotify

Bibliografía consultada

 

 


lunes, 3 de marzo de 2025

ADAM BEN EZRA CD: Heavy Drops

 


Pistas

1.Heavy Drops 2.Play It Cool 3.Cosmic Nomad 4.Rise Up 5.Free Fly 6.Hazy Steps 7.Portrait of Natalie 8.Taming the Bull 9.Escape Route 10.Lazy Butterfly

 

Intérpretes

Adam Ben Ezra – contrabajo, voz, teclados, flauta

Michael Olivera Garcia – batería, percusión

Omer Mor – guitarra eléctrica (2)

 

Grabado en Camaleón Music Studio, Madrid, España. Grabaciones adicionales en Adam Ben Ezra Studio en São Luís, Portugal.

Fecha de publicación: 28 de febrero de 2025

 

Adam Ben Ezra nació en Tel Aviv, Israel. Es un multiinstrumentista, compositor y educador autodidacta. Comenzó a tocar el violín cuando tenía cinco años; guitarra cuando tenía nueve. Después de una temporada con el bajo eléctrico a los 16 años, se enamoró del rico timbre del contrabajo dedicándose en cuerpo y alma a su aprendizaje.

Ha  ido añadiendo a su arsenal el piano, el clarinete, el laúd, la flauta e incluso el BeatBox, aprendiendo en gran medida, de forma autodidacta.

Ha realizado cientos de espectáculos en todo el mundo y ha compartido cartel con artistas como Snarky Puppy, Pat Metheny, Victor Wooten y  Richard Bona por nombrar algunos.

Ben Ezra es una auténtica estrella de Internet con más de 20 millones de visitas a sus vídeos hasta la fecha.

Colaboró con la cantante Achinoam Nini ("Noa"), apareciendo en su álbum de 2014 “Love Medicin” y en giras por América del Norte y Europa.

En 2022 se retiró a la campiña del sur de Portugal, donde la paz reinante y el entorno impulsaron a Ben Ezra a componer una gran cantidad de piezas breves de un minuto para contrabajo, grabadas con una cámara sin bucles ni sobre grabaciones, con las que llegó a nuevas audiencias en línea, explorando nuevas posibilidades de su instrumento, utilizando técnicas de auto acompañamiento,  utilizando el cuerpo del contrabajo bajo como instrumento de percusión.

Su discografía incluye álbumes como el debut “Can’t Stop Running” (2015), “Pin Drop” (2017), ‘Hide and Seek’ (2020) y “Intermission” (2021).

Su música se inspira en músicos como J.S. Bach, Jaco Pastorius, Bobby McFerrin y Chick Corea,  incorporando elementos de jazz, funk, música latina, mediterránea y de su país de origen,  a su forma de tocar.

Su último lanzamiento se titula "Heavy Drops", grabado a dúo junto al contrabajista Michael Oliver. También aparece invitado el guitarrista Omer Mor en uno de los temas.

El disco se grabó en vivo en Madrid. Posteriormente Ben Ezra  agregó capas adicionales de bajo, voz, flauta y sintetizadores en su estudio casero, agregando efectos, pedales y loops.

El disco abre con la canción que da nombre al disco “Heavy Drops”. Tema que nos hace bailar irremediablemente. El contrabajo de Ben Ezra  y la percusión de Olivera son hipnóticos. Influencias latinas y de Oriente Medio. Excelente comienzo.

La curiosidad que caracteriza a Ben Ezra se deja ver en “Play It Cool”, ritmo reiterativo, instrumentación sobre grabada, única aparición del guitarrista  Omer Mor. Resultado óptimo.

“Cosmic Nomad” es una vorágine de ritmo. El contrabajo de nuevo como instrumento protagonista, sin concesiones.

“Rise Up” comienza al más puro estilo jazzístico. Ritmo medio-lento, para un tema enigmático y sugerente.

Con “Free Fly” vuelve el ritmo que incita a moverse, a no parar. Tema con matices country.

El jazz–fusión está presente en “Hazy Steps”, con sintetizadores, voces y la percusión que marca el camino a seguir y da personalidad a la composición. Con este dúo uno no puede dejar de moverse.

“Portrait of Natalie” es una delicada, relajante  y elegante canción en la que el contrabajo es más que un contrabajo. Preciosa.

En “Taming the Bull”, el Medio Oriente y sobre todo el flamenco son la base de esta canción. La versatilidad del contrabajo en las manos de Ben Ezra es pasmosa.  

“Escape Route” es una carrera hacia no se sabe dónde, una huida,  no se sabe de qué. La integración de percusión y contrabajo es genial.

El disco termina con “Lazy Butterfly”, un colofón a la altura del resto del álbum.

Ben Ezra ha redefinido al contrabajo, dándole nueva vida y lo ha elevado a la categoría de instrumento principal y no solo de acompañamiento.

Pocas veces, por no decir ninguna, había visto elevar al  contrabajo a este nivel de sonido y ritmo; posibilidades no ensayadas con anterioridad, de gran  creatividad. La unión musical con Olivera es todo un acierto, la conexión es instantánea creándose una fluidez que no necesita de engrase.

Un disco para disfrutar.

La Habitación del Jazz

 


miércoles, 26 de febrero de 2025

ELAINE DAME CD: Reminiscing

 


Pistas

1.Tell Me Something Good 2.Use Me 3.Reminiscing 4.Wish You Were Here 5.Sing Child 6.Nothing Seems to Matter 7.Midnight at the Oasis 8.Last Dance 9.Love Will Find a Way

Intérpretes

Elaine Dame – voz, flauta (3)

Chris Madsen – saxo tenor y saxo soprano (4,5,6,9)

Tom Vaitsas - piano, órgano (9), Fender Rhodes (3)

Sam Peters – contrabajo

Jon Deitemyer - batería

Victor Garcia – trompeta (1)

Art Davis – trompeta (3)

Neal Alger - guitarra (2, 3)

Alyssa Allgood – armonía vocal (5)

Christy Bennett – armonía vocal (5)

 

Grabado en Transient Sound, Chicago

Fecha de publicación: 21 de febrero de 2025

 

Elaine Dame creció en Michigan. Su talentosa madre era flautista y cantante, y la introdujo a la música a muy temprana edad. La joven Dame, siguiendo los pasos  de su madre, estudió flauta clásica, canto y teatro en la Universidad Pepperdine en el sur de California y completó su educación en la Universidad Estatal de California, Northridge. Tras nueve años en Los Ángeles, regresó a sus raíces y se mudó de nuevo a Chicago para dedicarse a la actuación en la escena teatral de la ciudad. Pero todo cambió cuando leyó “The Artist's Way”, publicado en 1992 y reconocido como uno de los "100 mejores libros de autoayuda de todos los tiempos"; el libro está diseñado para ayudar a las personas a aprovechar sus talentos y habilidades creativas. Su lectura le abrió los ojos y se dio cuenta de que su verdadera vocación era cantar jazz y no el teatro. No pasó mucho tiempo hasta que Dame se convirtió en una habitual de la escena del jazz de Chicago, actuando en los mejores clubes y encabezando el cartel del Festival de Jazz de Chicago. Dame es una apasionada de la educación, imparte  talleres de jazz vocal en todo el país y como instructora privada de jazz vocal.

Además, su labor filantrópica es importante. Todos los años organiza y presenta un evento musical benéfico para una buena causa.

Tras sus dos primeros discos, “Comes Love” (2005) y “You’re My Thrill” (2014), ha publicado “Reminiscing”.

En 2019, Dame se propuso cumplir un sueño que tenía desde hacía mucho tiempo: grabar un álbum de canciones pop de los años 70 reinterpretadas como melodías de jazz moderno y actual. Tenía previsto empezar a grabar en 2020 cuando estalló la pandemia, un año devastador para ella marcado por la pérdida de sus padres. Tras la pandemia, sufrió una depresión y pensó en dejar de cantar por completo. Sin embargo, en 2024, volvió a encontrar su equilibrio y el resultado es este disco, una colección de nueve canciones pop de los años 70.

Dame no se limita a versionar sin más estas canciones, las dota de nueva vida y las sumerge en un jazz moderno, conservando su esencia originaria.

Dame dice: “Tengo una conexión emocional muy profunda con todas estas melodías. Puedo recordar días específicos, e incluso momentos específicos del día, en los que las escuché por primera vez”.

El disco abre con un tema de Steve Wonder titulado  "Tell Me Something Good", interpretado en su día  por Chaka Khan y Rufus. El funk-soul está presente, pero Dame le aliña con un ritmo de mambo rápido. Solo de trompeta de Victor García. La canción pierde su original carácter sensual, pero no importa.   

En 1972, Bil Withers compuso e interpretó el famoso “Use Me”. Dame la reinterpreta dando protagonismo a la guitarra de Alger y al  piano de Vaitsas. Gracias a los arreglos que le aplican, la canción gana en matices jazzísticos sin perder toda la carga sexual del original.

La canción que da título al disco “Reminiscing", compuesta por Graeham  Goble e interpretada en 1978 por los  australianos  Little River Band, es una balada suave, a la que se le aplica un ritmo íntimo de bossa nova. Solos de guitarra, flauta (de Dame) y trompeta. Dame la canta con un tono inocente y sexy. Dame eligió esta canción porque fue elegida como tema para su fiesta de graduación de la escuela secundaria.

David Gilmour y Roger Waters compusieron “Wish You Were Here”, un tema que Pink Floyd elevó a lo más alto. La versión de Dame es un vals que le recuerda a la interrupción del noviazgo que tuvo en la universidad.

Le sigue “Sing Child”, que interpretó la banda liderada por mujeres, Heart, que la incluyó en el álbum “Dreamboat Annie”. Dame dice: “Me mostró que, ¡Dios mío, las mujeres podían rockear!”. Dame hace un alegato  en contra del sexismo desenfrenado que todavía existe hoy. Intervienen en los coros Allgood y Bennett. Solo de Madson al saxo. La rítmica fundamental.  

"Nothing Seems to Matter" es una canción de Bonnie Raitt, que ella misma interpretó. Una canción llena de sentimiento y nostalgia, sentimientos que Dame transmite a la perfección.

"Midnight at the Oasis" de David Nichtern, fue un gran éxito de Maria Muldaur. Dame le agrega algo más de ritmo pero sin perder su carácter sugerente.

“Last Dance” de Paul Jaraba y llevado a la cima del éxito por Donna Summer. Dame la ralentiza y la convierte en una balada maravillosa. Dame afirma: “En este punto de mi vida, es una canción bastante significativa. Realmente trata de ese último capítulo: ‘Simplemente baila conmigo una última vez’”. Dame la eleva emocionalmente.

El disco cierra con “Love Will Find a Way” de David Jenkins y Cory Lerios que interpretó Pablo Cruise,  un grupo no muy recordado. La canción fue un gran éxito en 1978. Solo de Madsen y Vaitsas al órgano. Una canción rock sin más, que en la voz de Dame gana enteros.

Dame ha estado escuchando música de los 70 una y otra vez desde secundaria. “Creo que es una de las mejores músicas jamás inventadas, tan increíblemente diversas. Podría haber hecho tres discos de estas canciones” afirma Dame.

“Reminiscing” traerá recuerdos a más de un oyente del disco al volver a escuchar canciones que tienen un peso específico durante toda una década y más.

La interpretación de Dame y sus acompañantes, de primera.

 

La Habitación del Jazz