lunes, 29 de junio de 2026

LORENZO DE FINTI QRT CD: Backlash of Uncertainty

 


Pistas

1.Backlash of Uncertainty 2.The Other Route That Wasn't There 3.Nine Bridges in Königsberg 4.Temporary Shunt 5.Occam's Razor  

 

Intérpretes

Lorenzo De Finti – piano

Alberto Mandarini – trompeta, flugelhorn

Stefano Dall’Ora - contrabajo 

Marco Castiglioni – batería


Sello discográfico: Losen Records  

Grabado el 28 de febrero, 1-2 de marzo de 2025 en Only Music Studio, Bruino, Turín (Italia)

Publicado el 21 de noviembre de 2025


El pianista y compositor Lorenzo De Finti,  se ha convertido en una de las voces más singulares del jazz europeo contemporáneo.

Su padre, un sólido pianista de jazz que tocaba principalmente por placer, le introdujo en la obra de Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Davis, Gerry Mulligan y muchos más. Sin embargo De Finti se inclinaba mas por el rock. Pero descubrió a Chick Corea, quien le impactó. Luego llegó Keith Jarrett y su poesía, Weather Report con su energía explosiva. Todo esto le abrió un  nuevo mundo. Y después, el Esbjörn Svensson Trio.

Desde su formación inicial en el Conservatorio Giuseppe Verdi de Milán con Remo Gelmini y Alberto Colombo, pasando por sus estudios de jazz con Sante Palumbo y Gil Goldstein, hasta su paso por el Berklee College of Music de Boston, De Finti ha forjado una trayectoria que fusiona la tradición con una exploración audaz.

La carrera de De Finti comenzó con el Lorenzo De Finti Group, un proyecto que fusionaba el jazz eléctrico con colaboraciones internacionales. El álbum debut del grupo, “Beyond the Desert” (1999), con el saxofonista Eric Marienthal y el percusionista Alex Acuña, cosechó un gran éxito en Estados Unidos, Japón y el norte de Europa. En 2005, publicaron “Groove Connection”, nuevamente con Marienthal junto a Stefano Dall’Ora, Giorgio Di Tullio y Sandy Chambers. Un tercer álbum, “Colors of Life”, contó con la colaboración de Fabrizio Bosso, Christian Meyer, Marco Castiglioni y la cantante Kate Kelly.

Durante este periodo, De Finti también fue contratado como artista de Yamaha y realizó giras internacionales con la Yamaha Band.

De Finti se ha consolidado como un prolífico compositor y productor. Su música ha aparecido en campañas publicitarias de Reebok, Opel, Mercedes Benz, Sharp y DeAgostini, así como en programas de cadenas nacionales como RAI, Mediaset, RSI y TVE.

Ha ejercido de director musical y coautor de producciones como La Dodicesima Notte de William Shakespeare, representada en el Teatro Romano de Verona con la vocalista Rita Pavone y el actor Renzo Montagnani.

Ha impartido seminarios y clases magistrales de piano e improvisación en Italia, España, Suiza, Alemania y Estonia.

En RSI – Rete Due de Lugano, es productor de jazz y presentador del programa Tra Jazz e Nuove Musiche, donde ofrece conciertos, entrevistas y reportajes dedicados al jazz contemporáneo.

En 2016 fundó el Lorenzo De Finti Quartet, junto a Stefano Dall’Ora (contrabajo), Marco Castiglioni (batería) y Alberto Mandarini (trompeta, fliscorno), con el que ha publicado “We Live Here” (2016), “Love Unknown” (2018) y “Mysterium Lunae” (2022), reseñado en este blog,  todos en el sello noruego Losen Records.

Su cuarto álbum, “Backlash of Uncertainty”,profundiza en su singular universo sonoro, caracterizado por su lirismo de corte cámara, sus atmósferas nórdicas y su energía roquera. Pero en esta ocasión el cuarteto amplía su paleta sonora, con sutiles capas de electrónica y procesamiento en tiempo real, que realzan la esencia acústica del grupo. Los cinco cortes que lo integran, está coescritos por De Finti y Dall’Ora.

El álbum comienza con el tema que le da título. Ocho minutos donde el lirismo de De Finti establece diálogos de pregunta respuesta con Mandarini, rotos por una rítmica enérgica que los tensiona. El registro emociona cambia y juega con el oyente.

“The Other Route That Wasn’t There” es una pieza más sobria. Una notas de contrabajo, unidas a tímidos acordes del piano, junto a suaves toques de batería, a los que se une Mandarini por encima. Todo flota alrededor del oyente, lo envuelve y le invita a soñar. 

Cuando, gracias al anterior corte,  todavía te encuentras suspendido en una nube, “Nine Bridges in Königsberg” te mantiene en ese mismo estado. De Finti repite una pequeña figura al piano, mientras la Mandarini esboza la melodía, a la, vez que la sección rítmica aumenta su presencia gradualmente. La batería y el bajo presionan con fuerza hasta que la música parece a punto de estallar; entonces la banda retrocede, adelgazando la textura y dejando que Mandarini que moldee la línea melódica sobre una batería precisa y un espacio abierto de piano. Una composición estructuralmente compleja, camerística, intelectual, pero que no deja de ser emocionalmente asequible. Un continuo cambio se produce a medida que la pieza se desarrolla.

Mandarini posee un toque cálido y de alguna manera, amigable. “Temporary Shunt”, comienza con esas líneas cálidas. Pero pronto se acelera y la canción adquiere suaves tintes roqueros,  con efectos electrónicos de fondo,  creados con las herramientas Acustica Audio y SoundDrops. De nuevo, los cambios cromáticos se adueñan de la composición, llevando al oyente por cambiantes senderos acústicos. 

El álbum concluye con “Occam's Razor”, el tema de mayor duración del álbum. Un comienzo relajado y luminoso se va desplazando hacia una melodía de carácter jazz-rock, Tras una quietud atmosférica, el grupo aumenta la intensidad para volver a los orígenes. Una textura electrónica bajo los instrumentos acústicos lo cohesiona todo, fundiéndose con ellos. Tras unos segundos de silencio, reaparecen en una maravillosa improvisación colectiva capturada espontáneamente durante una prueba de sonido. El grupo se entrega por completo, en un éxtasis de libertad interpretativa.

Un final fantástico !!

Durante una gira, cuando interpretaron una de sus piezas meditativas en un ruidoso pub lleno de charlas y tintineo de vasos, la atmósfera poco a poco fue cambiando. Las conversaciones se desvanecieron, el silencio se apoderó del lugar y la sala se sumió en un profundo silencio. Ese momento fue la muestra del poder cautivador de su música.

La influencia de Esbjörn Svensson Trio, Keith Jarrett y otros, es notoria, pero De Finti la transforma, la adapta a su estilo  y la dota de identidad propia.  

Dall’Ora, es particularmente evocador; Castiglioni proporcionando una base variada que abre espacios para el diálogo; Mandarini elabora castillos sonoros de gran belleza y profundidad. De Finti aporta su sensibilidad, su maestría minimalista, su pianismo poético.   

Sucesivas escuchas de “Backlash of Uncertainty” permiten profundizar en sus intrincadas composiciones, en la variedad de paisajes que contienen y así disfrutar plenamente de esta música.  


La Habitación del Jazz

viernes, 26 de junio de 2026

VINCENT REIN QUINTET CD: Variants

 


Pistas

1.City Of Nokia 2.Windmills 3.Farwell 4.Unexpected 5.Be Flat 6.A Lovely Mirage 7.Variants


Intérpretes

Fabio Devigili – saxo tenor, saxo soprano 

Michael Salvermorser – trompeta, flugelhorn

Vincent Rein – contrabajo

Max Hacker - piano

Konstantin Krautler-Horváth - batería


Sello discográfico: Radau Records (Munich) 

Grabado el 21 y 22 de febrero de 2025 en Realistic Sound Studios, Munich (Alemania)

Publicado el 26 de junio de 2026


Vincent Rein reside en Dornbirn, Austria, y se formó musicalmente en Múnich (Alemania). Allí estudió bajo eléctrico con Patrick Scales. En esa misma ciudad, a los 21 años de edad, empezó su transición al contrabajo con Paulo Cardoso, Martin Zenker y Henning Sieverts. 

Como músico de sesión muy solicitado, ha participado en numerosos proyectos y realizado extensas giras por Sudáfrica y Mongolia. Su repertorio musical abarca el jazz, el pop y muchos otros géneros, en los que se nutre de una vasta experiencia sobre los escenarios.

Lidera su propio grupo, el Vincent Rein Quintet (VRQ). También destaca como compositor. Además, imparte clases en escuelas de música de Bregenz y Dornbirn.

Su nuevo álbum se titula “Variants”. El quinteto reúne a sus amigos de toda la vida de sus estudios en Múnich, Michael Salvermoser y Max Hacker, y sus colaboradores austriacos Konstantin Kräutler-Horváth y Fabio Devigili. Un solo ensayo y un concierto en directo bastaron para seleccionar el mejor material, dejando espacio para la espontaneidad y nuevas interpretaciones en el estudio.

En “Variants” podemos encontrar composiciones antiguas con material nuevo, dando como resultado un todo equilibrado.

El primer corte, "City Of Nokia", es un groove fresco, muy rítmico, impulsado por Krautler-Horváth en la batería. El jazz se fusiona con elementos de rock, que dotan a la pieza de una fuerte vitalidad, propiciada por los solos de Devigili y Salvermorser y Hacker. Sonido de los setenta con un final abrupto. 

“Windmills”, baja el tono y nos adentra en un mundo más contemplativo y relajado. Rein da mucho protagonismo a los solos de sus colegas, dejando que se explayen y marquen la dirección a seguir. Este tema es una buena prueba de ello. 

“Farewell” la compuso Rein en honor a su difunto maestro Paulo Cardoso, y a sus influencias formativas. Una emotiva composición donde Hacker brilla con luz propia así como el resto de componentes. Uno de los cortes del disco más completos. 

“Unexpected” es una de las composiciones más recientes del disco. La atmósfera se vuelve más densa e introspectiva. Devigili con su solo sube las revoluciones e intensidad, perfectamente secundado por la sección rítmica. Tras su explosivo solo, todo se ralentiza, y es Rein quien con su contrabajo mantiene el pulso y lanza de nuevo al grupo. Otro gran momento del álbum.

“Be Flat” nos devuelve a un mundo más desenfadado, o eso parece. Gran solo de Devigili, lleno de fuerza que cede el testigo a Salvermorser que hace lo propio. Lo que empezaba de forma algo anodina, se convierte en un intenso y excelente tema.

La batería abre "A Lovely Mirage" e inmediatamente los vientos, al unísono, toman la iniciativa. Seguido de un excelente solo de Devigili, que vuelve a cambiar completamente el sentido inicial del tema. Hacker le sigue con otro solo mientras unos incansables Rein y Krautler-Horváth impulsan el grupo.   

En el tema que da título al álbum, “Variants”, adoptan una nueva forma de exploración musical, más contenida y sutil, donde los diálogos fluyen sin esfuerzo aparente, reaccionando en conjunto de forma vibrante.

“Variants” ofrece un jazz europeo, melódico, sofisticado y bien construido, describiendo paisajes de gran belleza e intensidad, donde lo colectivo y lo individual se dan la mano, y la honestidad domina el resultado final.

“Quizás nunca sea el mejor ni el más virtuoso del planeta, pero creo que mi voz musical merece ser escuchada”, afirma Rein. Sin duda tiene razón. Su música debe ser escuchada y valorada como se merece.

Un álbum interesante que apetece escuchar más de una vez.

La Habitación del Jazz


miércoles, 24 de junio de 2026

ARBENZ feat. FRISELL / OSBY CD: Quiet Lights

 



Pistas

1.Homenaje 2.Chant 3.Jammin’ in the Childrenscorner 4.Lueget vo Berg und Tal 5.The Barradas Opening 6.Quiet Light 7.Rhumba  


Intérpretes

Florian Arbenz – batería, percusión

Bill Frisell - guitarra

Greg Osby - saxo


Sello discográfico: Hammer Recordings

Grabado el 8 de septiembre de 2025

Publicado el 29 de mayo de 2026


El baterista, compositor y arquitecto sonoro Florian Arbenz se erige como una de las voces más singulares del jazz contemporáneo europeo.

Ha colaborado con artistas como Ron Carter, Tineke Postma, Ivo Neame, João Barradas, Jorge y Maikel Vistel, Percy Pursglove, Nelson Veras, Jim Hart, Kirk Lightsey, Glenn Ferris, Wolfgang Puschnig, Bennie Maupin, Matthieu Michel, Hermon Mehari, Nelson Veras, Claudio Pontiggia y otros.


Además, su sólida formación en percusión clásica, desarrollada en Basilea y profundizada mediante colaboraciones con compositores y directores como György Kurtág y Christoph von Dohnányi, aporta a su música claridad, equilibrio y control dinámico. En este contexto, ha trabajado como percusionista en numerosos conciertos y festivales

Sus estudios internacionales han ampliado aún más su perspectiva. Largas estancias en La Habana le permitieron sumergirse en las tradiciones afrocubanas, mientras que las influencias de los sistemas rítmicos indios y la percusión persa siguen marcando su fraseo.

Cofundador en 2005 junto a su hermano, el pianista Michael Arbenz y el bajista Thomas Lähns, del trío VEIN, considerado uno de los tríos de piano más destacados de Europa. El conjunto es conocido por su sensibilidad hacia la música de cámara, su apertura estilística y sus colaboraciones con importantes solistas internacionales. Han ofrecido más de 1000 conciertos entre 2006 y 2025. También es fundador de los proyectos Amp y New Jazz Trio.

Desde 2020 lidera el proyecto multiálbum “Conversation”  reuniendo a músicos internacionales cuidadosamente seleccionados en formaciones en constante evolución. Cada grabación se centra en un diálogo musical distintivo, explorando el ritmo, la textura y la improvisación colectiva con claridad y precisión.

Arbenz regresa con un álbum a trío titulado “Quiet Lights”, una de las colaboraciones más significativas de su carrera con las leyendas del jazz Greg Osby y Bill Frisell.

Para Arbenz, quien admira desde hace tiempo a ambos músicos, el proyecto representa "un sueño hecho realidad".

La sesión duró aproximadamente 4 horas; la mayoría de los temas son tomas únicas, lo que le da a la música un toque muy espontáneo y fresco. No se utilizaron sobregrabaciones.

“Han interpretado tanta música hermosa y emocionante a lo largo de sus dilatadas carreras que me costó mucho crear algo significativo que no fuera simplemente una copia de la increíble música que Greg y Bill ya han compuesto e interpretado” afirma Arbenz.

“Tras mucha reflexión, decidí crear arreglos sencillos, pero con un sonido muy definido y ligeramente inusual, que se adaptaran a los sonidos de la guitarra de Bill y el saxofón de Greg”.

El tema de apertura del álbum, “Homenaje”, se caracteriza por unos intrincados ritmos a cargo Arbenz, mientras Frisell y Osby intercambian sutiles frases a cual más sugerente, en un juego delicado que en un momento dado, un riff de Frisell, transforma en algo más potente y bailable, a lo que Osby responde de forma contundente. La maestría de los tres intérpretes es evidente.

La maravillosa “Chant”, se adentra en un terreno más abstracto. Arbenz utilizando instrumentos de percusión hechos a medida para crear capas de resonancia y pulso que hacen que el trío suene mucho más grande que tres músicos en un estudio. Tema misterioso, donde Frisell toca suaves texturas de guitarra a las que se unen la percusión y unas preciosas notas del saxo soprano de Osby. Nadie es más que nadie. La relajación y elegancia hecha música.

“Jammin’ in the Children’s Corner”, toma otros derroteros, más acordes con un jazz tradicional, donde la improvisación y la libertad expresiva dominan la escena. La pieza fue escrita por Arbenz para el saxofonista Dave Liebman. Un viaje estimulante que finaliza de forma abrupta.

”Lueget vo Berg und Tal”, es la única pieza que no firma Arbenz. Se trata de una melodía canción folclórica suiza interpretada por Frisell con una delicadeza extrema. Arbenz pasa de puntillas, como si no quisiera interrumpir este momento mágico de Frisell. Preciosa canción.

“The Barradas Opening”, alude al acordeonista portugués João Barradas. Es una pieza que recuerda a las Brass Bands de  Nueva Orleans. Es difícil imaginar un trío que encaje mejor en la filosofía de Arbenz a la hora de componer.

Sigue el tema que da título al álbum, “Quiet Lights”, una luminosa canción de corte pop, elegantemente interpretada.

Y cierra el disco “Rhumba”. Arbenz ha estudiado y conoce muy bien los ritmos latinos y ritmos trivales. El álbum no se encasilla en un solo estilo. Tema con matices afrolatinos que junto a elementos electrónicos, que resultan adaptarse a la perfección.

Para Arbenz, la experiencia no solo fue musicalmente profunda, sino también personalmente significativa: «Greg y Bill fueron tan comprensivos y tenían un espíritu tan positivo que casi parecía un reencuentro entre viejos amigos».

Las composiciones de Arbenz es el eqjuilibrio que consigue entre la complejidad y la accesibilidad. A pesar de su arquitectura, nunca se perciben como algo sofisticado.

La complicidad entre los tres artistas es total. No existe una competición de virtuosismo. No hay jerarquías. Junto al sutil sonido de Frisell, el fraseo de Osby, se encuentra Arbenz, como catalizador, haciendo que la batería no sólo marque el ritmo, sino que dialogue con sus colegas y nos cuente historias como ellos.

Un álbum profundo, atmosférico y honesto.

La Habitación del Jazz


lunes, 22 de junio de 2026

THE VAMPIRES CD: Skydancer


 

Pistas

1.Asiago 2.Unfinished Dream 3.Desperations 4.Mr. Gadabout 5.South Coast Noir 6.Lofi Life 7.Skydancer 8.Stillness in Motion 9.Spirit 10.Pitah 11.Whisper Gently, Stay Strong

Intérpretes

Jeremy Rose – saxo tenor, clarinete bajo, sintetizadores 

Nick Garbett – trompeta  

Noel Mason – bajo 

Alex Masso – batería

 

Sello discográfico: Earshift Music 

Grabado el 6-8 de agosto de 2025 en Golden Retriever Studios, Sidney (Australia) 

Publicado el 19 de junio de 2026


The Vampires es un grupo formado en Sídney (Australia) en 2005. Está compuesto por Jeremy Rose (saxofones, sintetizadores, clarinete), Nick Garbett (trompeta), Alex Masso (batería) y Noel Mason (bajo). Se han consolidado como uno de los grupos de jazz australianos más creativos y reconocidos internacionalmente.

Entre sus célebres colaboraciones se incluyen proyectos con Chris Abrahams de The Necks (“Nightjar, Premio ARIA al Mejor Álbum de Jazz), el guitarrista Lionel Loueke (“The Vampires Meet Lionel Loueke”, finalista del Premio de Música Australiana), el trombonista Shannon Barnett (“South Coasting”, “Chellowdene”, “Garfish”) y Dave Rodriguez de Godtet, entre otros.

Durante estas dos décadas su química se ha fortalecido aún más, manteniendo las características que conforman su estilo.

“Skydancer” es el octavo álbum de The Vampires, donde los sintetizadores y las superposiciones de pistas amplían la paleta sonora del grupo pero, eso sí,  se utilizan con sutileza. 

El disco abre con “Asiago”, compuesta por Garbett mientras vivía en el pequeño pueblo homónimo del noreste de Italia, donde  pasó ocho meses durante los confinamientos por la Covid-19. La pieza refleja la atmósfera tranquila de ese período: una sensación de quietud, reflexión y distancia, moldeada por el paisaje y la soledad de aquella época. Ambiente meditativo de la Italia Rural. Interesante la labor de sostenimiento de la tensión del bajo de Mason y la batería de Masso, sobre la que vuelan la trompeta de Garbett y saxo de Rose.  Un interesante comienzo.

El segundo corte, “Unfinished Dream” de Rose, se inspira en el extraño momento de despertar en medio de un sueño profundo: ese estado nebuloso donde la realidad y la imaginación se confunden. La música sigue esta narrativa, comenzando en un lugar y transformándose gradualmente en algo completamente diferente, como un sueño que cambia de forma antes de disolverse. Frases recurrentes. Masso marca un tiempo potente. The Vampires no se andan con rodeos a la hora de poner fin al tema (ni en esta ni en otras pistas) .

“Desperations” de Rose, es una composición a la que no se le puede negar su originalidad. Teñida con rasgos  árabes y cinematográficos, resulta una pieza a la que se le podría aplicar una adecuada coreografía.     

“Mr. Gadabout” de Rose, es un retrato de un grupo de amigos amantes de la vida nocturna que nunca saben cuándo dar por terminada la noche. Captura esas veladas que se alargan mucho más de lo previsto y la aventura de conseguir que todos vuelvan a casa sanos y salvos. Ritmo africano donde los vientos juegan un papel fundamental. De nuevo, el grupo termina de forma abrupta, dejándonos con ganas de más.

Rose firma “South Coast Noir”, donde se  evoca la belleza agreste y el misterio silencioso de la costa sureste de Australia, lugares donde la banda ha pasado incontables horas de gira, surfeando y reconectando con la naturaleza. Sutiles grabaciones de campo se entrelazan en la canción, ayudando a evocar la atmósfera de esos paisajes. El álbum gira a un ambiente más oscuro e introspectivo, con fuerte protagonismo del sonido ambiental. 

“Lofi Life”, también compuesta por Rose, refleja un creciente deseo de desconectarse de nuestro mundo digital hiperconectado y regresar a algo más simple: ritmos más lentos, menos distracciones y una vida un poco más cercana a lo analógico. Ritmo lento y sosegado, que relaja el ambiente. En general, cómo me gusta el sonido del clarinete bajo. Y qué decir de la trompeta, con ese sonido espacial. Otro interesante momento del álbum

El tema que da título al álbum, “Skydancer”, de Garbett, toma su nombre de un cuadro que éste tiene colgado en casa (no es la que figura en la portada del álbum). La música refleja la sensación de opresión y apertura del cuadro: algo suspendido, flotante y expansivo. Ritmos africanos que invitan a la danza.

“Stillness in Motion” es una composición de Rose, que explora la paradoja sugerida por su título: la idea de que el movimiento y la quietud pueden existir al mismo tiempo. La música se despliega lentamente, permitiendo que el espacio y los cambios sutiles creen una sensación de movimiento silencioso. Una preciosa pieza, atmosférica, sutil, con el clarinete bajo como gran figura, y la trompeta y saxo llenando el espacio que queda a su alrededor. Sin duda uno de los  temas destacados del álbum.  

“Spirit” fue compuesta por Mason y desarrollada a través de talleres con la banda tras un intenso periodo de giras (alrededor de treinta conciertos por Europa y Australia). Una melodía sencilla, sin pretensiones y muy cinematográfica. El presente y el pasado de dan la mano.

“Pitah” de Garbett, se desarrolla a partir de una idea simple que evoluciona gradualmente, con texturas cambiantes que crean una sensación de influencia silenciosa. Un tema que te envuelve y no quieres que pare. Garbett saca de su trompeta un sonido precioso, en este y en todos los cortes del disco. Y lo mismo podemos decir de Rose con el saxo y el clarinete. 

“Whisper Gently, Stay Strong”, otra pieza firmada por Rose, se despliega como una invocación silenciosa. Lentas líneas de viento entrelazadas emergen una a una, cada voz escuchando antes de unirse al sonido colectivo. Como una meditación, la pieza invita a la entrega en lugar del control, un recordatorio de que la fuerza puede surgir de la suavidad, la paciencia, la respiración y la intención compartida. Una canción delicada, pura meditación colectiva. Un fenomenal cierre de disco.

“Queríamos tomar lo que aprendimos de Nightjar —esa sensación de amplitud y textura— y aplicarlo a nuestro sonido característico de cuarteto”. “Cada uno grabó partes adicionales, superponiendo metales, sintetizadores y percusión, pero siempre con moderación. El reto era crear nuevos mundos sin perder la inmediatez que define a la banda”, explica Rose.

No conocía la trayectoria de este grupo, pero me ha sorprendido muy gratamente.

The Vampires huye de los momentos explosivos, de los solos egocéntricos. Su música es atmosférica, envolvente, espacial y profundamente íntima y emocional.

Este “Skydancer” contiene música relajada, sin estridencias, con el que hay que dejarse llevar, dejarse atrapar por su hipnotismo, y disfrutarlo.

Un álbum seductor.

La Habitación del Jazz

viernes, 19 de junio de 2026

DARREN LITZIE CD: On My Own Time

 


Pistas

1.On My Own Time 2.Moonlight in Vermont 3.Just After Three 4.Maybe We'll Try 5.If Only I Could Forget 6.Brief Distraction - Interlude 1 7.Busy Work 8.Before Tomorrow  9.A Short Walk from Here 10.In Walked Bud 11.Last-Minute Thought - Interlude 2 12.Time of the Season


Intérpretes

Darren Litzie - piano

Chris DeAngelis - contrabajo

John Riley – batería 


Sello discográfico: Summit Records 

Grabado el 17 y 18 de junio de 2025 en Firehouse 12 Studio B, New Haven, CT

Publicado el 6 de febrero de 2026


El pianista y compositor Darren Litzie se sintió atraído por el jazz a los siete años, cuando se sentó por primera vez al piano e improvisó. Sus padres eran grandes aficionados a la música, y Litzie creció escuchando el Gran Cancionero Americano y a artistas como Frank Sinatra y Nat King Cole.

Litzie lleva más de quince años actuando profesionalmente en una gran variedad de escenarios. Posee una maestría en Estudios de Jazz del Instituto de Jazz Jackie McLean de la Escuela Hartt de la Universidad de Hartford y una licenciatura en Interpretación de Jazz de la Universidad Estatal de Western Connecticut.

Es un músico de acompañamiento muy solicitado y ha participado en varios álbumes de otros artistas de jazz.

Desde 2013, es profesor adjunto de música en la Universidad Sacred Heart en Fairfield, Connecticut, donde imparte clases de piano y cursos sobre música latinoamericana y caribeña, solfeo y música de conjunto de jazz. Además, es un gran admirador de The Beatles y creó un popular curso llamado "El Legado de The Beatles".

Cuenta con una sólida trayectoria. Ha estudiado, actuado y grabado con numerosos artistas de renombre mundial. Entre 2009 y 2010, fue el tecladista de gira del cantante Andrew Strong, de la banda y de la película de 1991, The Commitments.

Compositor y arreglista prolífico, formó parte durante tres años del prestigioso Taller de Compositores de Jazz de BMI en Nueva York, donde varias de sus obras fueron estrenadas en concierto por la Orquesta de Jazz de BMI.

Tras su primer disco,“My Horizon” en 2022, ha grabado “On My Own Time” (Summit Records). El disco incluye nueve composiciones originales y tres versiones cuidadosamente seleccionadas. Acompañan a Litzie al piano, el bajista, multiinstrumentista y compositor,  Chris DeAngelis (Jimmy Greene, Chris Brubeck, Steve Davis…), actualmente de gira con la aclamada banda tributo a Pink Floyd, The Machine, y el baterista John Riley (Woody Herman, Stan Getz, Milt Jackson, Miles Davis, Dizzy Gillespie, John Scofield…), baterista de la legendaria Vanguard Jazz Orchestra durante más de 30 años. Ambos músicos participaron en “My Horizon” 

El tema que da título al álbum, “On My Own Time”, se basa en el baião, un género musical y estilo de baile animado y sincopado del noreste de Brasil. Una composición llena de pausas y relanzamientos rítmicos, impulsados por Riley y DeAngelis, que realizan interesantes solos. Una pieza que en su estructura y desarrollo nos recuerda al estilo de Brad Mehldau.

"Moonlight in Vermont" es una de las tres piezas no originales. La composición  de John Blackburn (letras) y Karl Suessdorf (música) de 1944, es abordada con un tono oscuro. Parece ser, captura la melancolía de una hermosa pero breve relación que tuvo lugar hace muchos años en Vermont.

Le sigue otro original, “Just After Three”, un vals donde los tres músicos brillan por mérito propio. El ritmo no decae durante todo su desarrollo. 

“Maybe We’ll Try” es una melodía con base de samba. El solo de De Angelis mantiene la melodía vigente. El trío impulsa la música logrando que el swing se vea natural y fluido.

Litzie se siente cómodo interpretando blues como lo demuestra en “If Only I Could Forget”, una bonita balada con influencias de country-blues. Y también en "Busy Work", ésta más alegre y en la que destaca De Angelis. La influencia de The Beatles se deja sentir.

De “Before Tomorrow” Litzie dice: “Tiene un estilo que siempre disfruto tocando, especialmente con este trío: swing a medio tempo, pero con el bajo y la batería tocando principalmente con un ritmo suelto y fragmentado en lugar de un groove estricto. Crea una atmósfera espaciosa y etérea que me gusta mucho. John tiene un don para encontrar justo lo que hay que tocar para realzar una canción”. Presta atención a la sutil sofisticación y el detalle en su trabajo con los platillos a lo largo de este tema”. Uno de los momentos más interesantes del álbum.

"A Short Walk from Here" es una composición que sigue los estándares más ortodoxos del jazz, donde hay un cambio rítmico que, según dice Litzie, es un guiño a "Giant Steps" de John Coltrane.

Litzie concluye con dos versiones muy diferentes: su arreglo de “In Walked Bud”  de uno de sus iconos, Thelonious Monk, a la que dota de un ritmo funky. DeAngelis nos brinda un gran y enérgico solo. Litzie tiene predilección por el rock de los sesenta, y por ello elige el éxito de los Zombies de esa década, “Time of the Season” para cerrar el disco. Una verdadera reinterpretación, llena de sensualidad. Otro momento a tener en cuenta.   

La pistas 6 y 11 son dos interludios titulados “Brief Distraction”  y “Last-Minute Thought”, inspirados en la canción de The Beatles “Eight Days a Week”. Litzie utiliza el efecto de fundido en ambos.

Sobre “On My Own Time” Litzie comenta: “Creo que todo músico serio evoluciona y cambia su enfoque musical, y este álbum es una instantánea de mi estado creativo actual. Desde mi último disco, he estado explorando conceptos armónicos más complejos al piano, y últimamente he escuchado mucha música brasileña, lo cual creo que se refleja en mis composiciones. Pero también me ha influenciado el rock de los 60, especialmente The Beatles. Todas esas influencias se han fusionado en mi composición e interpretación. Estoy seguro de que mi próximo álbum será diferente a este”.

Litzie es un pianista y compositor lírico y a la vez sólido y con mucho swing, capaz de combinar composiciones originales con clásicos y darles un toque persona.

Posee un estilo muy moderno y enérgico, pero sin dejar de lado la tradición del jazz.

Los arreglos y composiciones originales poseen gran inventiva y resultan muy agradables al oyente.

La interpretación es de primer nivel y el resultado es una grabación de trío conversacional, con calidad.


La Habitación del Jazz


miércoles, 17 de junio de 2026

ZAK SCERRI CD: In Case i Don't See You

 


Pistas

1.The Push Back 2.Supreme 3.Almost Home 4.M.M. 5.Coming Down 6.Another Door 7.In Case I Don’t See You 8.Roach

Intérpretes

Zak Scerri - guitarra

Ross Anderson - contrabajo 

Billy Pod - batería

 

Grabado el 14 de noviembre  de 2025 en Lightship 95 Studio, Londres (Inglaterra)

Publicado el 8 de mayo de 2026


Zak Scerri es un guitarrista y compositor australiano que reside actualmente en Londres. Comenzó a tocar la guitarra a los doce años, inicialmente inmerso en el rock antes de inclinarse hacia el jazz y los sonidos contemporáneos. Esta doble identidad sigue siendo fundamental en su obra.

En sus inicios, le encantaba ver y escuchar las actuaciones en directo de Jimi Hendrix, Led Zeppelin y Red Hot Chili Peppers. Scerri quedó cautivado por sus largos solos y su entrega en los escenarios.  Se propuso ser capaz de hacer lo mismo.

Algunos de los guitarristas que han tenido un gran impacto en Scerri son Wes Montgomery, el primer guitarrista de jazz que descubrió; James Muller, “un increíble guitarrista australiano poco conocido fuera de Australia, pero al que siempre vuelvo y que me sigue inspirando”; Julian Lage, “cuyo sonido, enfoque y apertura me parecen increíbles” y, más recientemente, Lage Lund: “su técnica con la guitarra es alucinante”.

“In Case I Don’t See You” es el segundo álbum de Zak y su primera grabación desde que se mudó a Londres. Este disco cuenta con la participación de Ross Anderson al contrabajo y Billy Pod a la batería.

Las pistas se grabaron en un solo día y en el mismo orden en que aparecen en el álbum. Scerri aconseja escucharlas en este orden y no otro.

Las ocho composiciones originales abarcan casi diez años, desde el tema que da título al álbum, escrito en 2017, hasta piezas terminadas apenas unas semanas antes de la sesión como “Another Door”.

El álbum comienza con “The Push Back”, una reflexión sobre el estado del mundo y la necesidad de defender lo que es bueno. La guitarra es la protagonista, con la batería manteniendo el impulso en colaboración con el  contrabajo. 

“Supreme” nos vuelve a mostrar la fuerte interacción entre los tres intérpretes, en una pieza cambiante, de ida y vuelta, sin dejar un momento de descanso. 

En cada tema del disco, Scerri nos describe un momento personal. Así en “Almost Home” captura el período transitorio de vivir entre dos lugares tras llegar a Londres. Scerri y Anderson acaparan el protagonismo, dialogando sobre sus sensaciones en ambos lugares, Australia y Gran Bretaña.  

“M.M.” es una curiosa canción que Scerri dedica a su gato Marley.

Le sigue “Coming Down”, el tema de menor duración del álbum. La canción rezuma cierto sabor negativo, depresivo, de pensamientos circulares y obsesivos.

“Another Door”, escrita poco antes de la grabación, supone un reto técnico para Scerri, con melodía y acompañamiento interpretados simultáneamente sin sobregrabaciones. 

Scerri dice: “Hay un momento en la sección de solo de mi tema “Another Door” donde toco una nota que no tenía intención de tocar. Recuerdo haber pensado en ese momento: "Bueno, esta toma va bastante bien, veamos si puedo corregir este error. Lo que terminé haciendo fue repetir ese "error" y lo integré en una idea que, al escucharla de nuevo, tiene sentido musical en ese momento”.

El título de la canción que da nombre al álbum, “In Case I Don’t See You”,  está inspirado en una frase de la película “The Truman Show”. Se trata de una de sus primeras composiciones, y se ha convertido en un clásico del repertorio en directo de Scerri. Una pieza reflexiva, en la que el trío muestra lo mejor de cada uno, individual y colectivamente.

La composición que cierra el disco es “Roach”. Scerri se “suelta la melena” y aborda este enérgico tema, roquero, que es secundado a la perfección por sus dos colegas.

A Scerri le gusta el formato en trío, y Anderson y Pod se ajustan como un guante a sus composiciones.

“Siempre me he esforzado por ser lo más honesto posible al tocar e improvisar, y busco constantemente la autenticidad” afirma Scerri.

Y sobre este principio  construye su música, sobre un jazz casi ortodoxo, incorporando sonidos más modernos y contemporáneos, además de rock y música groove.


La Habitación del Jazz 





lunes, 15 de junio de 2026

OCEAN FANFARE CD: Third Nature

 


Pistas

1.Kritisk Stadie 2.Circular One 3.Paper Mountains 4.Long Time 5.Circular Two 6.Natskygge Ordnen 7.Quantum

Intérpretes

Sven Dam Meinild – saxo alto, saxo tenor, clarinete bajo

Tomasz Dąbrowski – trompeta 

Richard Andersson – contrabajo 

Peter Bruun – batería


Sello discográfico: Barefoot Records 

Grabado en agosto de 2024 en Tambourine Studios, Malmö (Suecia)

Publicado el 12 de junio de 2026


Ocean Fanfare es el nombre de un cuarteto internacional formado por Tomasz Dąbrowski (trompeta), Sven Dam Meinild (saxofón), Richard Andersson (bajo) y Peter Bruun (batería).

Los orígenes del grupo se remontan a 2012, cuando el aclamado baterista Tyshawn Sorey colaboró ​​con el grupo en su álbum debut, “Imagine Sound, Imagine Silence”, lanzado en 2014.

El cuarteto ha desarrollado una identidad colectiva distintiva a lo largo de la trilogía “Nature”. La primera entrega “First Nature – Ecological Relations” (2019) se centró en un sonido predominantemente acústico y espacial, mientras que la segunda,  “Second Nature – Capitalist Transformation” (2022) incorporó procesos algorítmicos y amplificación electrónica.

La tercera, y última, entrega recién publicada, “Third Nature”, lleva por subtítulo “Temporal Polyphony” y mantiene la identidad de las dos anteriores pero haciendo mayor hincapié en el instinto colectivo y la interacción espontánea.

El álbum se inspira en “The Mushroom at the End of the World: On the Possibility of Life in Capitalist Ruins”  de la antropóloga  Anna Lowenhaupt Tsing, cuyas ideas sobre la polifonía temporal —la coexistencia de múltiples líneas temporales y posibilidades— impulsaron aspectos del proyecto.

La portada del disco muestra una foto del “Old Tjikko”un árbol ubicado en el Parque Nacional de Fulufjället, en Suecia, que tiene 9.550 años de antigüedad y está considerado uno de los más antiguos del mundo (o quizás el más antiguo).

“Kristisk Stadie” comienza con la estridente trompeta de Dąbrowski, ritmo irregular marcado por la potente batería de Bruun. Este corte enlaza sin solución de continuidad con “Circular One”, donde la fragmentación sonora, pero con sentido constructivo, es seña de identidad. 

“Paper Mountains” es un tema más contemplativo, cercano a una oscura balada que nos transporta a una especie de funeral, cuyo séquito acompaña al difunto. Andersson mantiene el pulso con unas sencillas, pero imprescindibles, notas.    

En “Long Time” se mantiene la misma línea argumental con diálogos entre Dąbrowski y Meinild. 

“Circular Two”, otro tema abstracto, introspectivo. Las intervenciones son contenidas, como si no se quisiera romper este momento mágico que han creado.   

“Natskygge Ordnen” es todo un ejercicio de improvisación, con toques concisos, vibrantes, que van cogiendo forma a medida que se desarrolla el tema, gracias a las pautas marcadas por la sección rítmica.

El disco cierra con “Quantum”. Dąbrowski y Meinild dialogan de forma fluida, ante la escucha atenta de Andersson y Bruun.

“Third Nature” se aleja del jazz convencional, adentrándose en lo que podría ser el jazz de un futuro no muy lejano. El grupo se expresa con el lenguaje que les caracteriza: una sección rítmica compacta, siempre atenta, y una sección de vientos con una gran capacidad de interacción mutua, en base a diálogos que fluyen de forma natural. La improvisación no es un recurso más, sino el eje sobre lo que gira el resto, consiguiendo que lo disonante, se convierta en coherencia.

El álbum negocia entre lo emocionalmente fuerte y la intimidad, la tensión inquietante y la relajación.

Una grata sorpresa !

La Habitación del Jazz


viernes, 12 de junio de 2026

LILLY HERTZMAN CD: Heartshaped

 


Pistas

1.Revelation 2.Heartshaped 3.Fire In The Sky 4.The Calling 5.Toward The Sun 6.In The Sound Of The Night 7.Big Heart 8.Flowers Will Grow Again


Intérpretes

Lilly Hertzman - voz

Aaron Parks - piano

Thomas Morgan - contrabajo

Jongkuk Kim – batería


Sello discográfico: ACT Records 

Grabado los días 10 y 11 de abril de 2023 en el Clubhouse Recording Studio de Rhinebeck (Nueva York) 

Publicado el 17 de abril de 2026


Lilly Hertzman es una cantante, compositora y productora danesa. Se graduó en 1998 en la Real Academia de Música de Silkeborg/Aarhus, Dinamarca, en el departamento de música y movimiento (CRMB). Su formación se centró especialmente en las ricas culturas musicales de África, Brasil y Cuba, así como en el jazz, el pop y el rock. Allí  pudo combinar y desarrollar su pasión por la música y el movimiento/danza, que cultivaba desde la infancia.

Recuerda que, durante su niñez, le gustaban mucho un álbum de Simon & Garfunkel y otro de Louis Armstrong de la colección de discos de sus padres. En la década de 1980, empezó a apreciar especialmente a Michael Jackson y Prince.

En su adolescencia, tomaba prestados muchos discos de la biblioteca musical y escuchaba a Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Duke Ellington, Frank Sinatra, Chet Baker, Stevie Wonder, Pat Metheny, Miles Davis y Bill Evans, entre otros. El primer álbum que compró fue “The Joshua Tree” de U2. Abbey Lincoln ha sido y sigue siendo otra gran fuente de inspiración, al igual que Joni Mitchell, Peter Gabriel, Milton Nascimento, Radka Toneff, Johnny Hartman y Shirley Horn. 

Los tres primeros álbumes que lanzó Lilly contenían principalmente canciones de su propia autoría. Su álbum debut, “Before The Crossing” (2005), le siguió “Love Is A Sound” (2009). Su tercer álbum se llamó “Menneskeblomst” (2016), una palabra inventada por Hertzman que significa "flor humana" en español. A estos tres, les siguió “Tenderly” (2017), a dúo con el guitarrista israelí, afincado en Nueva York, Gilad Hekselman. En 2021, publicó "The Song is You".

Hertzman ha tocado, grabado y colaborado con algunos de los músicos más destacados de Escandinavia, Europa y Estados Unidos. Entre ellos, Lew Soloff, Aaron Parks, Gilad Hekselman, Gustaf Ljunggren, Anders AC Christensen, Jonas Berg, Jeppe Kjellberg, Thommy Andersson, Krister Jonsson, Jacob Fischer.

Hertzman ha vuelto con su sexto álbum de estudio titulado “Heartshaped”. Todas las  canciones llevan la firma de Hertzman, y muchas de ellas las compuso en 2014, cuando colaboraba estrechamente con Parks en Dinamarca. Más de dos décadas han permanecido en la “nevera”. Pero esto no es debido a poca calidad en los temas, ni a que se trate de una mezcla ecléctica, sin más. Ambas premisas son erróneas. También llama la atención que desde que se grabaron en abril de 2023 han pasado tres años hasta su publicación.

La vocalista ha contado con el apoyo del  pianista Aaron Parks, el contrabajista Thomas Morgan (Anne Efternøler & Lige Børn, Bill Frisell...) y el baterista coreano Jongkuk Kim (Simon Moulier,Gilad Hekselman, Dayna Stephens…).

Grabado con un mínimo de ensayos, lo que dota a la grabación de una espontaneidad y naturalidad que se agradecen

El tema que abre el álbum, "Revelation", es una maravillosa pieza. Las notas altas no son precisamente algo que Hertzman domine, pero lo suple con giros vocales que recuerdan a Abbey Lincoln. Hertzman dice: “Finalmente elegí «Revelation» como tema de apertura de mi nuevo álbum, porque para mí simboliza el inicio del viaje temático que se explora en el disco. Explora ideas de conexión, impermanencia y atención plena: hacia uno mismo, hacia los demás y hacia la naturaleza”. Un empiece clásico de Parks al piano, se transforma gradualmente en una improvisación fantástica, llena de matices y exploraciones rítmicas. La sección rítmica realiza una labor fundamental.  

La línea de contrabajo de Morgan es excepcional y creativa en  “Heartshaped”. Kim en un discreto segundo plano y Parks acompañando la voz de Hertzman. Una preciosa composición, con una narrativa etérea.

“Fire In The Sky” es una conmovedora canción que nos habla de cosas actuales, a pesar de estar escrita hace una década: “un mundo loco de asuntos tristes en estos tiempos”. A pesar del futuro incierto, la esperanza prevalece. La canción tiene mucho de pop, pero cuando Parks hace su solo, el giro es total. El tema finaliza con un   breve y extraño, pero intenso, solo de Kim.

"The Calling" nos habla sobre despertarse en mitad de la noche sin poder volver a dormirse. La inspiración en McCoy Tyner y John Coltrane es evidente. Una composición introspectiva, oscura e inquietante. Hertzman se mueve como pez en el agua en este tipo de canciones.

"Toward the Sun" relaja la tensión emocional, aportando algo de optimismo en un estilo entre pop, soul y jazz. 

"In the Sound of the Night" es el tema de mayor duración del álbum. Parks y Morgan marcan el camino a seguir para que Hertzman conmueva con su interpretación. Una preciosa balada, llena de sombras, acentuadas por el contrabajo de Morgan, pero iluminadas por cristalinas notas de piano. No se preocupen si escuchando esta canción, en determinados momentos, sienten una presión en el pecho. Estamos ante otra excelente composición de Hertzman y una excelente interpretación vocal e instrumental.

"Big Heart" quizás sea la pista más pop. Hertzman nos dice: “Esta canción es una «tarjeta» de San Valentín para alguien muy querido, pero que ya no está en tu vida. Se lanza como un acto de conmemoración, que es el significado original de este día. El título se inspiró literalmente en el corazón de mi padre, quien fue hospitalizado y falleció con un corazón agrandado y dificultad para bombear sangre”. Una preciosa canción que rebosa amor y nostalgia.

Hertzman posee una voz seductora e hipnótica que te atrapa y no te abandona.

El álbum cierra con "Flowers Will Grow Again", una compleja canción profundamente íntima y emotiva sobre la fe, la esperanza y el amor.

Hertzman transforma las ocho canciones en ocho momentos poéticos, sensibles, llenos de belleza, sugerentes, seductores  y sensuales. 

El trío que acompaña a la cantante y compositora, y subrayo lo de compositora, nos ofrecen una extraordinaria interpretación, una paleta de colores impresionante donde la improvisación surge de forma espontánea y natural.

Voz e instrumentos se complementan y apoyan como pocas veces hemos escuchado.

La sesión de grabación dio como resultado doce grabaciones, ojalá pronto tengamos otro álbum con las cuatro restantes y nuevos temas originales. 

No dejen de escuchar y de disfrutar “Heartshaped”,  un álbum maravilloso!!

La Habitación del Jazz


miércoles, 10 de junio de 2026

GRAMMOFON CD: Fabelagtige Forviklinger

 



Pistas

1.Backwards 2.Absinth 3.Ferdinand 4.De Muzen 5.Louie 6.Ella 7.Contempo 8.Moonflow 

Intérpretes

Niels Oldin – saxo tenor, clarinete, clarinete bajo

Jakob Frandsen – guitarras acústicas 

Torben Westergaard - bajo 

Victor Dybbroe – percusión


Sello discográfico: Zack’s Music 

Grabado en Karma Crew Studio el 12 y 13 de junio de 2024

Publicado el 24 de abril de 2026


Grammofon es un grupo danés, liderado por el saxofonista Niels Oldin y el guitarrista Jakob Frandsen. Se conocieron en el Real Conservatorio de La Haya en 1996. Durante las décadas siguientes, sus vidas y carreras se cruzaron repetidamente: regresaron a Dinamarca, impartieron clases en la misma escuela popular de la isla de Ærø, compartieron un apartamento en Copenhague (Dinamarca). Luego, dejaron la ciudad casi al mismo tiempo para establecerse en otro lugar con sus familias.

La colaboración entre ambos comenzó como dúo de jazz en 2001, tocando en Copenhague. Más tarde formaron un trío y finalmente un cuarteto.

Acaban de publicar el álbum titulado ”Fabelagtige Forviklinger”, junto a Torben Westergaard al bajo y Victor Dybbroe a la percusión. 

El álbum fue grabado junto al mar en el estudio del productor John Formsgaard en la isla danesa de Møn, con todos los músicos tocando juntos en la misma sala.

“Fabelagtige Forviklinger” se inspira en la bossa nova, el tango, ritmos hispanoamericanos, todo ello aderezado con una notable sensibilidad nórdica.

El primer corte del disco "Backwards", es una melodía sencilla pero que engancha. Un balanceo continuo envuelve al oyente. Frandsen utilizó una guitarra vieja y oxidada con cuerdas muy viejas. Oldin con el tenor enamora.

“Absinth” destaca por la interpretación de Olden con el clarinete bajo. Una canción de ritmo folclórico, que en ocasiones parece perder el rumbo.

“Ferdinand” es una relajada samba con Oldin de nuevo con el clarinete bajo, aporta un punto más de relajación y profundidad.

“De Muzen” es una bonita melodía en la que Frandsen utiliza una guitarra con cuerdas de acero. Atmósfera oriental, de encantador de serpientes. Uno de los mejores momentos del álbum.

Oldin con el clarinete, aporta profundidad y belleza al conjunto. Como en “Louie”, una sensible serenata, en modo samba. De nuevo Oldin encandila con el clarinete bajo. Otro momento del disco a tener en cuenta.

Frandsen utilizó tres guitarras diferentes en este álbum. Todas acústicas. Aquí toca una de cuerdas de nailon, su preferida en los últimos años, ideal para el tipo de música interpretada en el tema titulado "Ella". Una bonita balada de corte jazzístico y latino.

Le sigue la canción titulada “Contempo”, de sabor latino, incluso flamenco, que mantiene un ritmo bailable todo el tiempo. 

El disco cierra con "Moonflow", una sensible canción, dulce, que te acaricia sin contemplaciones.

”Fabelagtige Forviklinger” es un álbum de jazz contenido, melódico, Una colección de composiciones originales atemporales, que se mueven entre la tradición y la sensibilidad moderna. Elegantemente minimalista.


La Habitación del Jazz 


lunes, 8 de junio de 2026

BIG MAMA MONTSE & Captain's Brotherhood CD: Senza Confine Vol. 1

 


Pistas

1.Soul Connections 2.You’re My Angel 3.Qué Quiero de Ti 4.Glass of Tears 5.Sex O'Clock 6.Bossa 4 You


Intérpretes

Big Mama Montse -  voz

Lorenzo Spinozzi – guitarra 

Alberto Burguez - piano

Hernán Fridman - bajo

Salva Suau – batería


Grabado en Medusa Estudio, Barcelona (España) el 12 y 13 de marzo de 2026


Montserrat Pratdesaba nace en St. Quirze de Besora (Cataluña, España). A los 6 años se inicia en piano y solfeo. A los 12 años se apasiona por la guitarra, instrumento que aprende de forma casi autodidacta y que utiliza para acompañarse al cantar y al componer.

Es Ingeniera de Telecomunicaciones especialista en Imagen y Sonido. Ha coproducido 22 discos y ha colaborado en una larga lista de álbumes. También ha estado muy implicada en ofrecer conciertos pedagógicos para iniciar a niños y adultos en el universo del Blues. Entre 2008 y 2016 ha colaborado como periodista musical para la revista francesa Blues & Co.

Putumayo Records incluyó la canción "No way out", de Big Mama & Victor Uris, para el recopilatorio "Blues Around The World". 

Actualmente es Vicepresidenta de la Sociedad de Artistas Intérpretes o Ejecutantes (AIE), Vicepresidenta de la Asociación Profesional de Músicos de Cataluña (Musicat) y miembro del Board de la International Artists Organisation (IAO).

Ha ofrecido conciertos en multitud de festivales, clubs, y espacios musicales varios. 

Ha ejercido una gran actividad docente, y como impulsora del Blues en colegios con niños, jóvenes. Ha recibido infinidad de premios, menciones y reconocimientos.

En 2013, Montserrat Pratdesaba celebró su 25 aniversario como Big Mama. En 2018 conmemoró tres décadas de Blues con la 30's Band y en 2023 celebró 35 años de profesión con Captain's Brotherhood.

Big Mama Montse y Captain’s Brotherhood empezaron su andadura musical como trío en 2023, celebrando los 35 años de carrera artística de Big Mama en el blues, y realizando juntos una gira que duró dos años.

Maduraron con la preparación del disco “Smile”en 2025, que grabaron en formato de sexteto. 

Ahora regresan con un EP titulado “Senza Confine Vol.1”.

El tema que abre el disco es un fantástico soul titulado “Soul Connections”, tema inspirado en las recientes protestas pacíficas de la población de Minneapolis. El bajo de Fridman dibuja los márgenes donde se  va a desarrollar el tema. A destacar también el piano de Burguez. Montse, borda la interpretación.

Sigue el blues “You’re My Angel”, con Montse transmitiendo fuerza a raudales.  

El funk se hace presente en “Qué quiero de ti”. Montse se adapta a todo y se involucra en cada uno de los cortes del disco. No puedes dejar de moverte escuchando este tema. Spinozzi nos brinda un  buen solo y la sección rítmica, Burguez, Fridman y Suau, mantienen el pulso y la intensidad justa.

“Glass of Tears” comienza con una delicada guitarra, que  no deja de acariciarnos durante toda la canción. Una bonita  y emocionante balada blusera que rebosa sentimentalismo, sin empalagar. 

Con “Sex o Clock” volvemos a movernos a ritmo de funky. El título lo dice todo. La imaginación al poder!.

El disco cierra con una alegre, pícara  y elegante bossa titulada “Bossa 4 For You” cantada en español.

Las composiciones de Montse y los arreglos son excelentes. La interpretación tiene calidad y es fresca, sincera y libre.

Escuchando este “Senza Confine Vol. 1” de Big Mama Montse y los Captain’s Brotherhood, se nos olvidan todas las preocupaciones del día a día, nos incita a bailar y a escuchar una vez más el disco.


La Habitación del Jazz 


viernes, 5 de junio de 2026

GUIDO SPANNOCCHI CD: Kammermusik

 


Pistas

1.Echoes of Your Formal Education 2.Imaginary Capetown 3.Seven Dials Triptychon 4.Pensées / Meditations 5.Full Moon on the Bosporus 6.DKT 7.Kivu 8.Contra Corrente 9.Retrospect


Intérpretes

Guido Spannocchi - saxo alto

Danny Keane – violonchelo, sintetizador 

Andrea Di Biase – contrabajo

James Larter – vibráfono, campanas tubulares, percusión


Sello discográfico: Audioguido Records 

Grabado en Fish Factory, Londres, el 30 y 31 de enero de 2025 

Publicado el 24 de abril de 2026


El saxofonista Guido Spannocchi, nacido en Viena (Austria) y residente en Londres (Inglaterra), ha cosechado elogios de la crítica gracias a su tono delicado y su enfoque único, que combina el vocabulario del jazz con su formación rodeada de composiciones clásicas. Su producción musical original, bajo su propio sello discográfico, le ha asegurado conciertos con entradas agotadas desde Ronnie Scott's en Estados Unidos hasta Senegal, desde la Semana de la Moda de Vogue en Tokio, pasando por Brasil, Ghana, Nigeria, Sudáfrica y Europa, hasta el Festival de Jazz de Londres.

Cuando no está de gira, Spannocchi organiza sesiones de música en directo en Londres. 

“Kammermusik” es el primer álbum de estudio de Spannocchi en cinco años, tras su gran éxito  “Perihelion” en 2021. En este trabajo, Spannocchi explora su infancia en Viena, rodeado de música clásica, y muestra cómo su vida profesional en Londres se manifiesta con un sonido moderno y cosmopolita, influenciado también por sus experiencias e impresiones de extensas giras, en las que abraza los sonidos del mundo.

En “Kammermusik” participa algunos de sus amigos y colaboradores más cercanos: el violonchelista Danny Keane (Anoushka Shankar, Mulatu Astatke ...), compositor nominado al Grammy , la contrabajista Andrea Di Biase, nacida en Milán (Italia) y residente en Londres  y el percusionista solista de la Orquesta Filarmónica de Londres, James Larter, al vibráfono y campanas tubulares.

Para Spannocchi, esta es su obra más íntima, serena y radical hasta la fecha, presentando un sonido completamente nuevo, sin batería pero en absoluto falto de ritmo. 

La música combina lenguajes de jazz, música de cámara contemporánea y toques exóticos, manteniéndose fresca y alejada de clichés y tópicos, fusionando la formación en música clásica recibida en Viena con las experiencias vividas en Londres y giras.

El disco fue grabado y mezclado en Londres por Raphael Spannocchi, su hermano. La masterización corrió a cargo de Simon Kummer e incluye un texto filosófico del padre de Guido Spannocchi, el Dr. Eugen Spannocchi.

En Kammermusik, Spannocchi explora su infancia en Viena, rodeado de música clásica, y la fusiona con las influencias del jazz y su vida como músico de gira, ahora afincado en Londres.

El tema de apertura, “Echoes of Your Formal Education”, nos ofrece una melodía fluida donde Spannocchi expande su sonido suave y evocador. Larter nos deja un solo algo juguetón que da paso de nuevo al saxo alto, que finaliza el tema. 

Sobre “Imaginary Capetown”, Spannocchi afirma: “está dedicado a los artistas y bajistas sudafricanos de gran legado, Herbie Tsoaeli, cuyo álbum “African Time” tuvo un efecto inspirador fascinante en mí y a quien, tras doce años de planificación y preparación, pude conocer en Ciudad del Cabo y Johannesburgo en otoño de 2025”. Este tema cuenta con la participación de Danny Keane al violonchelo y al sintetizador, que contribuye a ampliar la paleta sonora del grupo. Una pieza relajada y cálida.

“Seven Dials Triptychon”, se inspira en las laberínticas calles del centro de Londres inmortalizadas por Charles Dickens. Lo desconocido, los emocionantes paseos nocturnos, se dan cita en esta canción, con la presencia constante de Di Biasi y Keane. 

“Pensées / Meditations”, está inspirada libremente en el primer movimiento del Cuarteto de Cuerdas n.º 2 de Schoenberg. Una pieza oscura y de gran profundidad. El jazz de club, decadente, y lo clásico, caminan cogidos de la mano. Los intérpretes alternan diálogos, complementándose. Un tema destacado del álbum.

"Full Moon on the Bosporous" es otro tema relajado, que nos transporta a profundos bosques, remansos de paz y naturaleza. Lo tradicional, el jazz y lo clásico se unen en esta bonita pieza.

“DKT” es una canción juguetona, exploradora de sonidos y peculiares ritmos cambiantes. Bellos sonidos evocadores de danzas tradicionales. Larter nos brinda un excelente solo. Otro momento más que interesante del álbum. 

En “Kivu” hay que prestar especial atención al violonchelo y al saxo alto. Una pieza introspectiva, con cierto sabor oriental y centroeuropeo.

En “Contra Corrente”, Spannocchi nos deleita con el saxo alto en la primera mitad del tema, dando paso al vibráfono que acelera el ritmo y tiene la réplica del alto, etérea y brillante.  

La emotiva interpretación de Spannocchi sirve de entrada a “Retrospect”, el tema que cierra el álbum. Di Biase ofrece un interesante solo. Un relajado y elegante diálogo de Larter y Spannocchi pone rumbo a la finalización, algo inesperada,  de este señorial corte.  

No hay batería, pero su ausencia no se echa de menos. Todos los músicos disponen de mucho espacio para desarrollar y exponer sus ideas.

Spannocchi nos encandila con su sonido y su sensibilidad compositiva, llena de matices clásicos y jazzísticos.

En conjunto, este es un álbum íntimo, cautivador, que relata experiencias personales.

La Habitación del Jazz