ALAIN MÉTRAILLER CD: Heights Prospection

 

Pistas

1.Obvious Transmission 2.Crispy 3.EWR Hero Saynt 4.Jump Loud 5.Flight of The Humble Being 6.Unstablemates
7.I’m In Tears 8.Crazy He Calls Me

Interpretes

Alain Métrailler - saxo tenor

Elias Stemeseder – piano

Chris Tordini – contrabajo

Eric McPherson – batería

Gregoire Maret – armónica (5)

Sello discográfico: Unit Records

Grabado en Bunker Studio, Brooklyn, NY
Publicado 13 de marzo de 2026

Alain Métrailler es un saxofonista y compositor originario del Valais, Suiza. Se mudó a Nueva York a principios de 2019, donde se integró a la dinámica escena jazzística de la ciudad como líder de banda y músico de sesión muy solicitado. Establecido en Brooklyn y formado en The New School for Jazz and Contemporary Music, dedicó seis años a perfeccionar su visión artística y a consolidar su cuarteto antes de regresar a Suiza.

Su temprana mentoría con el renombrado saxofonista y compositor Ohad Talmor —colaborador cercano de Lee Konitz— fue fundamental en su desarrollo musical. En Nueva York, continuó profundizando su técnica bajo la tutela de figuras destacadas del jazz como Reggie Workman, Dave Douglas, Chris Cheek y Mark Turner.
En 2018, Métrailler recibió el Premio Langnau Jazz Nights, otorgado por el legendario baterista Adam Nussbaum. Un momento clave llegó en 2021, cuando fue invitado a tocar junto a Dave Douglas y el icónico Joe Lovano en el Front Yard Fest, en el norte del estado de Nueva York. Esta experiencia influyó profundamente en la dirección de su actual cuarteto.

Colabora regularmente con Ohad Talmor y Eric McPherson, y regresa con frecuencia a Nueva York. Recientemente formó un nuevo trío con el contrabajista Fabien Iannone y el baterista Noé Tavelli.

Métrailler obtuvo una Licenciatura en Bellas Artes con especialización en Saxofón en 2015 y una Maestría en Bellas Artes con especialización en Saxofón y Pedagogía Musical en 2017 en el Conservatorio de Música de Lausana, donde estudió con el profesor Pierre-Stéphane Meugé. En 2018, tuvo la oportunidad de estudiar con el reconocido saxofonista y compositor Mark Turner en la Musik-Akademie Basel. Ese mismo año, estudió composición con Ohad Talmor en el Conservatorio de Ginebra (AMR). En 2019, Métrailler obtuvo una Licenciatura en Bellas Artes con especialización en Interpretación de Jazz en The New School for Jazz and Contemporary Music de Nueva York.

Métrailler ha publicado su álbum debut titulado “Heights Prospection”. Cuenta con una impresionante formación, que incluye a Elias Stemeseder (Laurie Anderson, John Zorn, Joe McPhee, Jim Black…) al piano, Chris Tordini (Dapp Theory. Andy Milne, Greg Osby, Jeremy Pelt, Ari Hoenig, Steve Lehman, Jim Black, Andrew D’Angelo, Tyshawn Sorey, Chris Speed, Dave King... ) al contrabajo, Eric McPherson (Jackie McLean, Pharoah Sanders, Andrew Hill, David Virelles, Ben Street... ) a la batería y el invitado especial Gregoire Maret (Herbie Hancock, Pat Metheny, Bill Frisell, Marcus Miller, Prince, Dianne Reeves, Toots Thielemans, Tito Puente, George Benson ...) a la armónica.

El disco mezcla sabiamente los lenguajes del jazz estadounidense y europeo.

Incluye siete temas originales y una versión de “Crazy He Calls Me” de Carl Sigman, con los que Métrailler homenajea a sus principales influencias, entre las que se encuentran sus mentores y su padre, Richard, percusionista, director de orquesta y su primer mentor, cuya temprana partida dejó una profunda huella.

El grupo ensayó exhaustivamente antes de la grabación, lo que les permitió grabar en un solo día de marzo de 2024.

El primer tema del álbum se titula “Obvious Transmission”, escrito para su mentor, el saxofonista Ohad Talmor. Métrailler muestra su lado casi minimalista, despojado de cualquier signo de exuberancia gratuita. Composición enigmática y muy interesante de ambiente oscuro y coltreniano con McPherson ejecutando una variedad de intrincados ritmos.

El ambiente se destensa con “Crispy”, un homenaje hard bop al saxofonista y clarinetista Chris Speed. Una pieza con un ritmo desenfadado y ligero, que toma derroteros menos convencionales cuando interviene Stemeseder.

"EWR Hero Saynt”, se inspira en Wayne Shorter. Y obviamente en Coltrane. Un blues lento cargado de elegancia.

"Jump Loud”, dedicada a Joe Lovano, evoca el espíritu de Thelonious Monk y Charles Mingus. Tema más vanguardista y free, sin llegar al desenfreno, pero casi.

El armonicista Grégoire Maret interviene en el corte titulado “Flight of the Humble Being”, aportando nuevos y dulces sabores a esta bonita balada.

"Unstablemates”, un homenaje a Benny Golson, donde destacan Stemeseder, Tordini y McPherson, a los que Métrailler da espacio suficiente para que así sea. Métrailler demuestra su capacidad para generar ideas.
Un interesante tema.

"I'm in Tears”, es una elegante y sensible balada, no exenta de swing y de momentos más extrovertidos y cautivadores.

El dúo Métrailler – Stemeseder, interpretan el clásico “Crazy He Calls Me”, dedicado a Lee Konitz. Una elegante balada, donde es elogiable la contención de ambos intérpretes.

Métrailler es un excelente saxofonista, con un sonido personal y atractivo, así como un, no menos, excelente compositor, combinando el jazz clásico con propuestas innovadoras.

"Heights Prospection” es un excelente álbum, que hará disfrutar a los amantes del jazz (del buen jazz) y del saxofón.

La Habitación del Jazz

ALBA CARETA GROUP CD: Panical

 

Pistas

1.Panical 2.Elles 3.Nosaltres les dones 4.Pangea 5.Diluvi 6.Liliana 7.Under Water 8.D.O. 9.El metec 10.GGG

Interpretes

Alba Careta - trompeta

Lucas Martínez- saxo tenor

Roger Santacana - piano

Giuseppe Campisi - contrabajo

Jordi Pallarés - batería

Sello discográfico: Seguell Microscopi  

Alba Careta (Avinyó, España) es cantante y trompetista de jazz. Siempre escuchó jazz en su casa, pues su hermano Santi (dieciocho años mayor que ella) era guitarrista de grupos de rock, si bien a los 25 años  empezó a gustarle el jazz. Cuando Careta empezó a estudiar trompeta, su hermano le animaba a tocar con él.

Careta estudió en la Escuela Municipal de Música de Artés, en el Conservatorio Municipal de Música de Manresa, en la Escuela Superior de Música de Barcelona y en el Conservatorio Real de la Haya (Países Bajos), y terminó su etapa académica haciendo el máster en Trompeta jazz en el Conservatorio de Ámsterdam (Países Bajos). Ha actuado con músicos de la talla de Carles Benavent, Bob Minz o John Clayton.

Aparte de sus propios proyectos también participa en otras formaciones de diferentes  estilos.

Cuenta con cinco trabajos como líder: “Orígens” (2018), “Alades”  (2020), “Teia” (2023), “Udolç” (2023) y “Panical” (2026), donde combina sus composiciones  propias con música de raíz catalana.

Panical es una planta silvestre, con pequeñas flores y muchas espinas, algo consustancial en los cardos. Careta, que ama los cardos, ha querido dignificar estas especies de plantas, siempre mal consideradas (ser un cardo, como persona fea), además pinchan. 

Careta se inspira mucho en Maria Mariar y Natsuko Sugao, y este primer tema del álbum, “Panical”, es prueba de ello. Una canción enérgica, viva y alegre.

En “Elles” el piano y la trompeta son los protagonistas, bien secundados por el resto de músicos. “Es un tema más triste, que dediqué a dos chicas de mi quinta, que nos dejaron antes de tiempo, va por todas esas chicas, que se han ido sin querer. Cuando estás haciendo un disco, lo que sucede a tu alrededor tiene que reflejarse de alguna forma”, afirma.

“Nosaltres les dones” es una versión de un poema de Edith Södergran que tradujo y puso música María del Mar Bonet. Una bonita canción  a la que Careta pone voz. Dice: “Empiezas diciendo que las mujeres estáis muy cerca de la tierra. Leía el otro día a Brigitte Vasallo que cuando llega el tractor, es el hombre quién sube a él, la mujer sigue a pie.

Prefiero pensar en un mundo dónde la diferencia hombre y mujer no exista, en mi caso ha tenido que escuchar demasiadas veces, que una mujer no podía tocar la trompeta, Las tres canciones con letra, son tres versiones relacionadas con mujeres. En este caso la letra es muy dura, habla de una mujer indomable, y me apetecía dar voces a estas mujeres y también a las cantantes de la Nova Cançó”.

“Pangea” es un himno a la paz, contra todas las guerras que están ocurriendo ahora mismo. Un tema rítmico y vivaz, donde la batería y el contrabajo impulsan a la banda. Interesante canción.

"Diluvi” refleja la fuerza del agua en situaciones extremas.  Los vientos aportan la narración y la sección rítmica la fuerza desatada de la naturaleza. Una composición muy interesante.

“Liliana” es un poema de Apeles Mestres y Careta la canta en referencia a “Dona d’aigua”, cantada por Teresa Rebull a capella. Careta canta acompañada de la batería.

Careta cantaba junto a su hermano, Santi Careta, en los conciertos que daban en los pueblos. Uno de sus grandes referentes es Chet Baker, trompetista que alternaba con la voz en sus discos y actuaciones. Cantar es algo que siempre le ha gustado. 

“Under Water” es otra curiosas pieza, a dúo con el piano. Careta imprime a la trompeta un carácter vocal muy interesante, la hace gemir y casi hablar. Una preciosa canción. 

“D.O.” es un homenaje a todos aquellos que acuden a los conciertos en vivo “D” de dear (queridos) y “O” de oyentes. Otra muestra de la calidad compositiva se Careta.   

Georges Moustaki compuso la famosa canción titulada “Le Métèque”, que se escuchaba mucho en casa de los padres de Careta. Marina Rosell, la versionó con el nombre de “El Metec”. La versión cantada de Careta es más rítmica y alegre. 

El disco cierra con “GGG”, una onomatopeya utilizada en español para representar una risa (más bien sería “jejeje”, pero suena igual). Una canción que suena a big band, algo caótica, pero muy enérgica y alegre.

“Panical” está dedicado a todas las mujeres luchadoras, indomables, fuertes y fieles a sí mismas. También es un alegato “en contra de los cánones de belleza, que intentan imponernos”.   

"Panical" es un álbum con calidad. Careta ha evolucionado como compositora y como intérprete, tanto como trompetista como en su faceta vocal.

La Habitación del Jazz

Lasse Mørck CD: Lo simple

 

Pistas

1.Revuelta 2.Por un recuerdo 3.Despedida 4.El mosquito 5.Ya no lloro 6.After You 7.Así fue que te conocí 8.Lo simple

Interpretes

Fredrik Lindborg – saxo tenor y barítono

Jonas Due – trompeta

Adrian Cox – clarinete

Casper Christensen – guitarra acústica

Paquito Cruz – piano

Lasse Mørck - contrabajo

Alex Lozano – batería

Grabado en Mill Factory Studios, Copenague, el 6 y 7 de marzo de 2025

Publicado el 6 de febrero de 2026

Nacido Svendborg, Dinamarca, Lasse Mørck (Stephen Riley, Steve Turre, Magnus Hjort, Jan Harbeck, Tobias Wirklund, Cæcilie Norby, Jesper Thilo, Mads Mathias Sidsel Storm …) siempre ha estado interesado en la música, la gente y la cultura. Comenzó a experimentar con diferentes instrumentos: primero con el bajo y luego con el piano y la guitarra. Finalmente se decantó por el bajo, continuando una tradición iniciada tanto por su padre como por su abuelo, quienes tenían una formación clásica en el contrabajo. Formalizó su educación musical en Frederiksberg MGK en Copenague mientras exploraba el arte del jazz, con una especial predilección por Bill Evans, Scott LaFaro y Miles Davis.

Se trasladó a México buscando una nueva experiencia y perspectiva, absorbiendo su herencia cultural y musical y aprendiendo suficiente español para sobrevivir. Al regresar a Dinamarca, en 2017, publicó “Imagining Places I've Never Been” (ver reseña en este blog) con el que ganó el premio al mejor disco de jazz del año en Dinamarca.

Su último trabajo hasta la fecha, titulado “Lo Simple” se inspira profundamente en los años en los que Mørck vivió en México.

En este álbum fusiona diferentes tradiciones musicales mexicanas (son jarocho, canto cardenche, ranchera), con el jazz contemporáneo europeo. Y lo hace de forma natural, no impostada.

El disco comienza con “Revuelta”, una alegre composición, donde el piano de Cruz se muestra con una viveza desatada, en este ritmo de son jarocho, una forma folclórica tradicional de Veracruz (México), que invita a bailar sin freno.

En la segunda canción, "Por un recuerdo", nos brindan un vals pausado. El barítono de Lindborg y la trompeta de Due, llevan el peso de la melodía, que en cierto momento se vuelve algo caótica

Le sigue la breve “Despedida”, en la que Lozano imprime un ritmo de marcha, casi miliar, casi procesión, con un Due que hace gemir a la trompeta.

En “El mosquito”, el clarinetista británico Cox, tras una línea que se repite, ejecuta un precioso solo que da paso al saxofón, que hace lo propio, para ceder el testigo a un piano que parece salirse del guion marcado.

El quinto tema, "Ya no lloro", comienza con un triste saxofón tenor, secundado por el resto del grupo. Un minuto y medio intenso.

El corte titulado "After You", muestra el lado más jazzístico del álbum, con el saxofón y el piano protagonistas, cediendo el testigo a un consistente Mørck.

Otro tema breve y romántico, "Así fue que te conocí", con el piano estilo Monk, y un excelente solo con arco del contrabajo.

El disco cierra con la emotiva canción que da nombre al álbum, "Lo simple", con la guitarra acústica de Christensen, dando apoyo al contrabajo y a la preciosa melodía ejecutada por un bello clarinete. Uno de los momentos que más he disfrutado del álbum.

Este “Lo simple” , el cuarto disco de Lasse Mørck como líder de banda, es una bocanada de aire fresco que aúna a ambos continentes, América y Europa, y más concretamente México y Dinamarca, donde también podemos apreciar sabores norteamericanos.

La Habitación del Jazz

THE NEW YORK SECOND CD: Café Madrid

 

Pistas

1.One Sunday 2.As The Crow Flies 3.Algerian Boardwalk 4.Skylines 5.Café Madrid 6.West By Northwest Boulevard 7.The Lost Christmas 8.So Long 9.And Then It’s Gone 10.Now It’s Just You And Me 11.Grow Your Quiet Fortune

Intérpretes

Rob Waring - vibráfono

Lorenzo Buffa - contrabajo

Max Sergeant - batería

Harald Walkate - piano

Grabado en febrero de 2025 en el estudio Wedgeview de los Países Bajos

The New York Second es un grupo musical con sede en los Países Bajos, fundado en 2015 por el pianista, compositor y director de orquesta neerlandés, Harald Walkate.

El nombre del grupo tiene su origen en el tiempo que supuestamente tarda un taxista en Nueva York en tocar el claxon al coche de delante, desde el momento en el que el semáforo se pone verde. ¿Os suena de algo?.

El grupo ha lanzado cinco álbumes: “Bay of Poets” (2017), “Emergo” (2020),  “Music at Night (And Other Stories)” (2022) y “After the Hours, the Minutes” (2023),“Room For Other People” (2025). Se ha presentado como trío, cuarteto, quinteto, septeto y octeto. Su sexto álbum, recién publicado, se titula “Café Madrid”.

La formación está compuesta por el líder, compositor y pianista Harald Walkate; el compositor y vibrafonista Rob Waring, músico estadounidense-noruego que se mueve entre el jazz y la música clásica, que también formó parte del octeto en el magnífico álbum “Room for Other People”; el bajista italiano Lorenzo Buffa, formado en el conservatorio de Ámsterdam, y el baterista neerlandés, Max Sergeant.

El martes 18 de julio de 2023 (12;45h) Walkate le envió un correo electrónico a Waring comentándole que le había escuchado a Eyolf Dale en los Países Bajos a través de NRK Jazza, y que le gustaría colaborar con él en un futuro.
Waring le respondió ese mismo día a las a las 21:37 diciéndole que había escuchado “Music At Night” y lo había disfrutado (el texto de los correos se pueden leer en el libreto del álbum). A partir de ahí grabaron "Room for Other People". Ambos quedaron muy satisfechos de la química musical entre ambos. Waring visitó el país para los conciertos de presentación del álbum, circunstancia que aprovecharon para grabar este nuevo trabajo.

La interacción entre piano y vibráfono quedó más que patente hace algunas décadas, con los álbumes de Keith Jarrett y Gary Burton, del mismo nombre y con Gary Burton y Chick Corea en "Crystal Silence".

"Café Madrid” contiene once composiciones originales de Walkate, algunas escritas justo antes de la sesión de estudio y otras de mediados de los 90.

En esta ocasión, The New York Second, pasa de octeto a cuarteto y en cinco de los temas del álbum, a formato dúo, Waring-Walkate.

Se trata de once composiciones agradables y armoniosas, donde el piano y el vibráfono son los protagonistas, compartiendo la responsabilidad melódica y armónica por igual.

El disco abre con la tranquila “One Sunday” compuesta, precisamente, un domingo por la tarde en
Ámsterdam. La relajación y buen rollo entre el piano y el vibráfono se deja notar enseguida. Un diálogo musical que fluye ligero y natural.

Como en todo el álbum, Buffa y Sergeant, trabajando a la perfección pero siempre manteniendo una discreción y una sensibilidad elogiables.

El primer dúo lo podemos disfrutar con “As te Crow Files”, donde queda patente la química entre ambos músicos.

El tercer corte, “Algerian Boardwalk” es una delicia, una obra maestra de música de cine negro.

"Skylines” es otra fantástica pieza a dúo, inicialmente escrita para piano y guitarra. El título hace referencia a la estela dejada en el cielo por un aeroplano.

Le sigue la canción que da título al álbum, “Café Madrid”. Walter vivió una temporada en Madrid (España). El tema lo dedica a un bar llamado Venecia que frecuentaba en 1995, cuando escribió esta pieza, una de las primeras composiciones “serias” de jazz que compuso. El título se cambió para que coincidiera con la foto de la portada que tomó años después. Otra composición de extraordinaria belleza.

"West By Northwest Boulevard”, otra delicada canción dedicada a esa dirección en Houston (TX), en la que nunca ha vivido, pero si ha visto.

"The Lost Christmas ” fue escrita durante una recientes Navidades. Una introspectiva canción llena de recuerdos y sensaciones.

"So Long” (en Chicago, probablemente en 2001), transmite añoranzas, lugares a los que puede que no se vuelva nunca jamás, pero lleno de gratos recuerdos.

"And Then It’s Gone”, otra elegante melodía, que va y viene, que se suspende en el aire, donde Buffa muestra su lirismo al contrabajo.

"Now It’s Just You And Me”, escrita poco antes del día de la grabación. Un tema melancólico, a dúo, donde Walter pone de manifiesto su lirismo innato.

El disco cierra con ”Grow Your Quiet Fortune” escrita hace años por Walter. Una canción que le recuerda a Ketith Jarrett. Quizás este corte, algo más enérgico que los anteriores, se aleja del tono introspectivo del álbum, pero es fantástico. El contrabajo y la batería por fin se pueden explayar a gusto.

Walter afirma: “Aldous Huxley dijo: «Después del silencio, lo que más se acerca a expresar lo inexpresable es la música».Mi objetivo con mi música ha sido y sigue siendo expresar lo inexpresable”.

Y lo consigue con “Café Madrid”, un excelente trabajo, que contiene exquisita y elegante música: conmovedora, y emocionante.

La Habitación del Jazz

DAPHNE ROUBINI & BLACK GARDENIA CD: Whisky Scented Kisses

 

Pistas

1.Minor Mood 2.Am I Crazy? 3.Whisky Scented Kisses 4.How Do I Know? 5.Today 6.There’s Always Tomorrow 7.You Leave Me Breathless 8.This Year’s Kisses 9.Who Stole the Moon?

Interpretes

Daphne Roubini - voz

Paul Pigat - guitarra

Stephen Nikleva - guitarra

Dave Say - saxo

Brad Turner – fliscorno - trompeta

Jeremy Holmes - contrabajo"

Sello discográfico: Cellar Live Records

Grabado en Warehouse Studios el 3 de abril de 2025

Publicado el 3 de abril de 2026

La vocalista y compositora Daphne Roubini es originaria de Londres. Formó parte del dúo de folk-jazz Ruby & Smith. Ha participado en festivales de jazz y folk por todo Canadá. Su música se inspira en las tradiciones del jazz, el folk y el blues, a las que da vida con un toque atemporal y contemporáneo.

Roubini es la creadora y presentadora de Like a Pearl, un podcast que explora la creatividad en diversas disciplinas, desde las artes hasta el emprendimiento y la vida cotidiana. Como fundadora de Like a Pearl Publicity, apoya a músicos, festivales y proyectos creativos mediante relaciones públicas estratégicas, difusión en medios y narración auténtica. Es también la fundadora de Ruby’s Ukes, la escuela de ukelele más grande fuera de Hawái, y creadora del Festival de Ukelele de Vancouver.

Al principio de su carrera,trabajó como masajista y escribió dos libros sobre masaje terapéutico.

Es la fundadora y líder del grupo Black Gardenia, uno de los grupos de jazz más populares de Vancouver (Canada). Además de Roubini, el sexteto está formado por Paul Pigat (guitarra), Stephen Nikleva (guitarra), Dave Say (saxo), Brad Turner (trompeta, fliscorno) y Jeremy Holmes (contrabajo).

Su sexto álbum, y último lanzamiento hasta la fecha, se titula “Whisky Scented Kisses” y marca el debut del grupo con el sello Cellar Live. Fusiona composiciones originales con estándares cuidadosamente seleccionados.

El primer tema del álbum es “Minor Mood”, primera canción que compuso Roubini junto a su buen amigo, el multiinstrumentista Chris Davis, antes de que éste se mudara a Nueva York. Según relata Roubini: ”En aquel entonces, él seguía en Vancouver, tocando con Black Gardenia, mientras yo vivía en una isla remota de la Columbia Británica. Un día, mientras nos escribíamos mensajes, le pregunté cómo estaba. Su respuesta —“Estoy de mal humor”— me inspiró al instante una melodía y una letra, que le envié. En menos de una hora, ya teníamos nuestra primera canción, con armonía y todo. Esta canción captura la melancolía de la añoranza y la soledad del amor cuando una relación termina”.¡Así da gusto!. Preciosa canción, relajante y rebosante de melancolía, que Roubini canta con cierta desgana, muy a lo Holiday. Precioso solo de Turner.

Sobre “Am I Crazy?” Roubini dice: ”Esta canción explora cómo el amor puede vencer a la razón, cómo a veces nos rendimos a su atracción incluso cuando parece condenado al fracaso desde el principio. Para mí, habla del coraje y el abandono del deseo, de su embriagadora mezcla de belleza y riesgo emocional. Sorprendentemente, esta canción me llegó en un sueño: la melodía y la letra aparecieron al mismo tiempo que despertaba. La grabé directamente en una nota de voz y se la envié a Chris Davis, el brillante multiinstrumentista neoyorquino. Con su armonía, la melodía floreció por completo, capturando el espíritu salvaje e impulsivo del amor que se atreve a florecer contra viento y marea”. El sonido de las décadas de 1940 y 1950 está presente en esta canción (como en otras muchas de este álbum).

"Whisky Scented Kisses” es la canción que da título al álbum. Roubini dice sobre ella: “La frase “Whisky Scented Kisses” permaneció durante años en un trozo de papel en mi caja de letras, esperando su momento. Cuando Chris Davis y yo empezamos a componer juntos, finalmente encontró su canción. Esta melodía captura la intensidad de los encuentros fugaces: la chispa de la atracción, la atmósfera del deseo y la belleza de experiencias irrepetibles. Para mí, celebra la naturaleza efímera del romance: un amor vivido plenamente en el presente, poderoso e inolvidable, por breve que sea. “Whisky Scented Kisses”es un recuerdo destilado en melodía, que perdura mucho después de que el momento haya pasado”. Una sensual canción, de corte cinematográfico.

"How Do I Know" es la segunda colaboración de Roubini con el legendario guitarrista de Vancouver, Paul Pigat. La primera fue “Lucky Star”, la canción que dio título al álbum de Black Gardenia de 2017. “Esta melodía explora el preludio del amor: la tierna y dolorosa etapa de incertidumbre y esperanza, cuando aún se desconoce si los sentimientos serán correspondidos. Es una experiencia universal, quizás incluso más esquiva en el mundo actual que en el pasado” afirma Roubini. Una emotiva canción sobre la incertidumbre en el amor.

Sobre “Today”, Roubini nos dice:”Esta es una canción para las mujeres de 2026: solteras y felices, con amor propio y abiertas a las posibilidades del deseo. Celebra la libertad, la independencia y las múltiples formas que puede adoptar el amor: una chispa fugaz, una constelación abierta o la devoción de dos. La intimidad aquí es mutua, explorada con honestidad y alegría. Lo concibo como una oda a la época actual, donde las mujeres eligen su propio camino en el amor y en la vida, liberadas de maneras antes reservadas a los hombres. Agradezco a mi amigo Noah Walker, brillante guitarrista de Vancouver, cuya armonía dio vida a mi melodía y letra”. Picardía y sensualidad.

"There’s Always Tomorrow” es una canción escrita por Mimi Marlowe Jaffe en 1950, a los 19 años de edad. Escuchada por primera vez más de 70 años después, tras su muerte a los 91 años, fue transcrita de una grabación inédita. Roubini dice: “Esta canción refleja para mí cómo nos vemos a nosotros mismos —jóvenes o mayores— a lo largo de la línea del tiempo de nuestras vidas. Es un delicado himno a la universalidad y la esperanza del eterno llamado del amor. Un sincero agradecimiento a mi amigo, el brillante trompetista neoyorquino Antoine Drye, por sugerírmela. Él transcribió la pieza de una antigua grabación inédita”.

Roubini hace un homenaje a Nancy Wilson versionando "You Leave Me Breathless", compuesta en 1938 por Ralph Freed y Friedrich Hollaender. Roubini dice: “Popularizada por Nancy Wilson —cuya voz me ha inspirado durante mucho tiempo— es mi homenaje a su arte y a su inmenso don para el jazz. Lo que más me gusta de esta canción es... La canción celebra las imperfecciones: las peculiaridades, los gestos y los pequeños detalles que nos enamoran. En una época tan centrada en la belleza superficial, su mensaje resulta especialmente tierno. Me identifico plenamente con la letra: «Esa barbilla tuya tan graciosa me llega al corazón»”.

A su vez, con “This Year’s Kisses” esc rita en 1936 por Irving Berlin rinde homenaje a su ídolo vocal, Billie Holiday, quien la grabó en 1937. “Esta canción siempre ha ocupado un lugar especial en mi corazón. Me encanta especialmente su versión con Teddy Wilson, que también marcó su primera colaboración con Lester Young. Incluirla aquí es mi homenaje a Billie Holiday —mi mayor inspiración— y a los músicos que forjaron mi amor por el jazz desde sus inicios. En consonancia con el tema de este álbum, la melodía me recuerda que algunos amores nunca nos abandonan”.

El disco cierra con “Who Stole the Moon?” donde un elegante swing domina, gracias a la guitarra de Nikleva. Sobre este tema Roubini dice: “Escuché por primera vez la melodía de esta canción —compuesta por Stephen Nikleva, el maestro de la guitarra rockabilly-jazz de Vancouver— durante un concierto de Black Gardenia en el Frankie’s Jazz Club, cuando le pedí que incluyera una pieza instrumental. La melodía me cautivó al instante y se convirtió en nuestra primera colaboración. Me atraen las canciones que pintan imágenes vívidas, y esta evoca una cualidad clásica y cinematográfica: dos amantes que se encuentran bajo la luz de la luna, solo para separarse al amanecer. Romántica y misteriosa, transmite la melancolía de la añoranza con un swing irresistible, y desde entonces se ha convertido en una de mis piezas animadas favoritas para interpretar”.

Roubini y Black Gardenia hacen un recorrido por el amor mostrándonos algunas de sus múltiples caras como son el anhelo, el deseo, la independencia, el riesgo, la intimidad, la volatilidad, la incertidumbre y la certeza.

"Whisky Scented Kisses” es un bonito álbum, elegante, sosegado y delicado, que nos invita a reflexionar.

La Habitación del Jazz

PAT BIANCHI CD: Confluence

 

Pistas

1.It Was A Very Good Year 2.Jitterbug Waltz 3.Guess I’ll Hang My Tears Up To Dry 4.The Song Is You 5.Dizzy’s Dilemma 6.Come Rain or Come Shine 7.Wise One

Interpretes

Pat Bianchi - órgano, teclados

Troy Roberts – saxo

Colin Stranahan - batería

Sello discográfico: Origin Records

Grabado el 10 de junio de 2025 en el Trading & Studio de Nueva York 

Publicado  el 6 de febrero de 2026

El organista Pat Bianchi, nació en Rochester, Nueva York, Bianchi proviene de una familia con una gran tradición musical. Comenzó a tocar el órgano a los 7 años y a los 11 ya ofrecía sus primeros conciertos profesionales. Durante su etapa escolar, se matriculó en el programa preparatorio de piano y teoría musical de la Escuela de Música Eastman, donde recibió la mentoría de numerosos músicos de la escena musical de Rochester. Bianchi continuó sus estudios en el Berklee College of Music (Boston) y pasó unos ocho años en Denver perfeccionando sus habilidades antes de mudarse a Nueva York en 2008.

Presenta el programa semanal de radio “Organized” en Sirius XM y actualmente es profesor asociado de órgano de jazz en el Berklee College of Music.

Ganador de la encuesta de estrellas emergentes de la revista Downbeat en 2016, de la encuesta Hot House en 2019 y nominado por la Asociación de Periodistas de Jazz en 2024 como Tecladista del Año.Su estilo fusiona la tradición con una creatividad vanguardista, inspirándose en sus mentores Dr. Lonnie Smith y Joey DeFrancesco.

Además de liderar sus propios grupos, ha actuado junto a una amplia gama de músicos, entre ellos Chuck Loeb, Ralph Peterson Jr., Tim Warfield, George Coleman, Terrace Martin, Joe Locke, Red Holloway, Dakota Staton, Mark Whitfield, Terell Stafford, Eric Marienthal, Steely Dan y Lou Donaldson.

Sus nueve álbumes como líder de banda,("Something To Say", "3osity", "In The Moment", "A Higher Standard", "Crazy", "Back Home", "East Coast Roots", "The Art of Jazz Organ Trio", "Three"), junto con más de 35 colaboraciones como músico de sesión y su nominación al Grammy, han afianzado su posición entre los organistas de jazz más importantes de la actualidad.

Su último trabajo hasta la fecha se titula “Confluence”, una grabación en trío , junto a dos de los mejores músicos de Nueva York: el saxofonista  tres veces nominado al GRAMMY Troy Roberts (Joey DeFrancesco, Van Morrison, Jeff "Tain" Watts, Kurt Elling , Veronica Swift...) y Colin Stranahan (Kurt Rosenwinkel, Jonathan Kreisberg, Dr. Lonnie Smith, Fred Hersch, Terence Blanchard, Dave Kikoski, Kevin Hays, Herbie Hancock, Wayne Shorter…), uno de los bateristas más solicitados actualmente.

El título del álbum es muy apropiado para esta grabación (realizada en aproximadamente seis horas). Al igual que en la grabación anterior con este trío, Bianchi busca una interpretación semejante al vivo y llena de sorpresas.

El álbum abre con “It Was a Very Good Year”, el clásico de Ernin Drake inmortalizado por Frank Sinatra y Ray Charles. Bianchi lo aborda desde una perspectiva enérgica , rechazando la nostalgia y junto a Roberts lo impulsa  con fantásticas improvisaciones , con explosivos diálogos entre ambos . Una versión potente, donde la batería de Stranahan tienen mucho que decir, impulsándola  con sus redobles y platillos siempre atento. Un gran comienzo.

Le sigue “Jitterbug Waltz" . Fats Waller la compuso y grabó con un órgano Hammond, en 1942.Una pieza intencionadamente asimétrica, en clave contemporánea. Diálogos muy medidos entre órgano y saxo tenor, con la batería manteniendo un compás irregular durante toda la pieza que contribuye a ese nuevo enfoque fresco y ágil, perseguido por Bianchi Una interpretación rápida que te deja sin aliento.

Cambio radical de atmósfera con la lacónica y hermosa "I Guess I'll Hang My Tears Up To Dry" de Jule Styne y Sammy Cahn. Una hermosa balada con Bianchi aportando acompañamiento al sensual saxo de Roberts. El solo de Bianchi impulsa algo el tema , guante que recoge Roberts, tocando con algo más de brío. La batería en un discreto y preciso segundo plano. Roberts pone un broche final de lujo.

“The Song Is You” de Jerome Kern y Oscar Hammerstein, es interpretada enérgicamente por el trío, cohesionado por la urgente batería de Stranahan, y un Bianchi manteniendo de forma continuada la linea de bajo mientras improvisa con la mano derecha a lo largo del teclado Roberts aporta improvisaciones muy logradas interactuando con Bianchi a lo largo del tema. Otra interpretación cargada de energía.

Bianchi aporta el único corte original del disco, titulado “Dizzy’s Dilemma”, alternando el órgano con el Fender Rhodes,creando momentos que desafían lo hasta ahora desarrollado, pero manteniendo el ritmo fluido. Roberts desgrana elegantes frases a lo largo de este tema funky y elástico. Al final del tema, Bianchi regresa al órgano. Stranahan admirable, como en todo el álbum.

La preciosa "Come Rain Or Come Shine" de Harold Arlen y Johnny Mercer , quizás sea la pieza más floja del álbum, como si no acertaran o no estuvieran convencidos de cómo abordar esta canción.

El álbum cierra con “Wise One” de John Coltrane. La grabaron sin ensayos previos en una sola toma. Una composición firmada por Coltrane, es una garantía, y esta canción no lo es menos. La forma de abordarla por el trío es acertadísima, capturando el espíritu en toda su amplitud. Roberts toma el mando, de forma pausada, marca el camino a seguir y Bianchi, junto a Stranahan acompañan sin protagonismos, incluso cuando Bianchi hace su solo. Una quietud embriagadora se adueña del ambiente.

“Confluence” transmite la intensidad y frescura de un concierto en vivo. Es un trabajo estimulante, Bianchi demuestra que el trío de órgano, en manos expertas, sigue siendo uno de los formatos más enérgicos del jazz.

Dejando de lado los convencionalismos asociados al órgano y convirtiéndolos en algo nuevo, novedoso, enriqueciendo su sonido y armonías, Bianchi se ha consolidado como uno de los organistas más destacados de la escena internacional actual. 

La Habitación del Jazz

ELLAS KAPELL CD: Ember

 

Pistas

1.Very Early 2.I Didn't Know What Time It Was 3.All the Things You Are 4.I Cover the Waterfront 5.How Deep Is the Ocean 6.The Very Thought of You 7.Don't Explain 8.I Fall in Love Too Easily

Intérpretes

Lovisa Jennervall - voz

Manne Skafvenstedt - piano, sintetizadores

August Eriksson - contrabajo, bajo eléctrico, violín

Edvin Glänte - batería, percusión

Invitados

Johan Christofferson - saxo alto

Tobias Wiklund - corneta

Gustav Alte - guitarra pedal steeel

Sello discográfico: Naxos Prophone Records

Grabado en verano y otoño de 2025

Fecha de publicación: 27 de febrero de 2026

El grupo Ellas Kapell se formó en el otoño de 2016. Compartiendo una visión entusiasta del gran catálogo musical de Ella Fitzgerald, le sirvió de inspiración para tomar el nombre del grupo (Kapell en sueco significa capilla y se usa para describir una banda más pequeña) y adoptar su repertorio inicial. Desde entonces, el repertorio se ha expandido más allá de los límites del cancionero de Ella, pero el nombre de la banda permanece.

Tras su formación lanzaron dos álbumes, “Longing” y “What’s It All About?” y ganaron el premio Golden Album Reader's Choice Award (JAZZ/Orkesterjournalen), fueron nombrados Vocal Jazz Act of the Year por la revista Lira Music, obtuvieron más de cuatro millones de reproducciones y colaboraron con algunos de los nombres más importantes del jazz sueco, incluidos Karin Hammar y Magnus Lindgren. Su tercer álbum se tituló “For All We Know” (ver reseña en este blog).

Con “Ember” (Naxos Prophone Rrecords) , su cuarto álbum, el cuarteto sueco Ellas Kapell, marca un punto de inflexión pues, aunque sigue su trayectoria como intérpretes de estándares de jazz, por primera vez la banda toma el control de la grabación , de la producción , y de las mezclas, lo que les otorga un control artístico absoluto sobre cada detalle del resultado final.

El cuarteto está formado por Lovisa Jennervall (voz), Manne Skafvenstedt (piano, sintetizadores), August Eriksson (contrabajo, bajo eléctrico, violín) y Edvin Glänte (batería, percusión). Además cuentan con tres invitados: Johan Christofferson (saxo alto), Tobias Wiklund (corneta) y Gustav Alte (guitarra pedal steeel).

Ellas Kapell es conocido por sus emotivas interpretaciones de estándares, generalmente de jazz. Y aún siguiendo esa dinámica, lo cierto es que en esta ocasión ha incluido cambios dignos de mención. El principal, y más audaz, es la inclusión de la guitarra pedal steel, en las manos de Gustav Alte, despojándola de sus connotaciones country, utilizándola para crear paisajes sonoros ambientales. Otra nota característica de este nuevo álbum es el uso de sintetizadores, que junto al bajo eléctrico, aportan texturas modernas y experimentales.

Otros dos invitados, Johan Christofferson con el saxo alto y Tobias Wiklund con la corneta, amplían aún más la paleta sonora. Lo íntimo y minimalista cabalgan junto a lo expansivo, el sonido acústico junto al electrónico.

Pero la piedra angular de los nueve cortes del álbum es Lovisa Jennervall. Su voz cristalina es un claro exponente del jazz vocal contemporáneo, integrando el sonido folk escandinavo con un fraseo jazzístico íntimo y relajado.

Ellas Kapell va más allá de un simple grupo nostálgico que versiona canciones clásicas. En “Ember” mantiene su profundo respeto por estándares como”All the Things You Are”, “I Cover the Waterfront”, “How Deep Is the Ocean”, “The Very Thought of You”, “Don't Explain” o “I Fall in Love Too Easily”, pero a la vez los reinventa, aplicándoles arreglos muy elaborados,casi cinematográficos, que de primeras, pudieran parecer sencillos, pero nada más lejos de la realidad.

Un interesante trabajo que servirá para acercar a Ellas Kapell a otro púbico objetivo.

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