SUSANNE ALT CD: Dark Horse

 

Pistas

1.Jazz Biptic 2.Altitudes of Freedom 3.Dark Horse 4.Au Privave 5.Maple Jam 6.Cannonballin’ 7.Kalunga Dance 8.Jonesin’

Intérpretes

Susanne Alt - saxo alto, tenor, soprano, flauta, percusión

James Hurt - Fender Rhodes, piano, clavinet, órgano, sintetizador, percusión (3)

Gerald Cannon – contrabajo

Willie Jones III - batería

Sello discográfico: Venus Tunes

Grabado en Eastside Sound, Nueva York, el 15 y 16 de febrero de 2022.

Publicado el 30 de enero de 2026

Nacida en Würzburg, Alemania, Susanne Alt es saxofonista, compositora, DJ y productora, residente en Ámsterdam (Paises Bajos). Creció en el seno de una familia musical, estudió saxofón clásico en el Conservatorio de Maestros Cantores de Núremberg, y ganó el Premio Siemens para jóvenes (1996). A los 18 años, se trasladó a los Países Bajos para estudiar saxofón jazz en los conservatorios de Hilversum y, posteriormente, en Ámsterdam. Continuó sus estudios en la Universidad de las Artes de Berlín, donde se graduó con honores. Desde 1999, ha tocado como saxofonista en diversos escenarios. Tiene su propio cuarteto de jazz, y desde 2015 se la puede ver actuando como DJ en las noches de Ámsterdam. En 2004, debutó como productora con "Nocturne" en su propio sello, Venus Tunes, al que siguieron varios álbumes más. Su experiencia en la música dance inspiró la creación de "Venus Tunes Live", un espectáculo en vivo exclusivamente femenino con músicos que también son DJs. A partir de 2016, se centró más en lanzamientos de música dance en su sello, antes de regresar al jazz acústico en 2024, combinándolo con su trabajo en la música electrónica.

Además de sus propios proyectos, es una solicitada artista invitada y de sesión, colaborando con artistas como Fred Wesley, DJ Spinna, Opolopo, Hardsoul, DJ Maestro y Wicked Jazz Sounds.

Además, imparte clases de saxofón y formación de bandas en la Universidad de las Artes ArtEZ Jazz & Pop de Arnhem, Alemania, desde 2024.

Cuando en febrero de 2022 se trasladó a Nueva York para grabar con músicos locales un álbum al que tituló “Royalty for Real”, dedicado a Roy Hargrove, que fue publicado en 2024. Los temas que no formaron parte de este trabajo, también grabados en esas sesiones, los publica ahora bajo el nombre "Dark Horse". De hecho la foto de portada fue tomada en la misma sesión de fotos de “Royalty for Real”.

Mientras que “Royalty For Real” marcó el regreso al jazz acústico, este nuevo álbum se inspira más en el soul, el funk, el latín y el bop.

Le acompañan tres músicos de primer nivel en la escena del jazz estadounidense: el bajista Gerald Cannon ( Milt Jackson, Arturo Sandoval, Roy Hargrove, Wynton and Branford Marsalis, Pat Martino, Carmen Lundy, Abbey Lincoln, Gary Bartz, Joe Lovano, Cyrus Chestnut, Dr. Eddie Henderson, Steve Turre…), miembro de la banda de Elvin Jones durante muchos años y exdirector musical de McCoy Tyner .El virtuoso del teclado James Hurt, (Abbey Lincoln, Sherman Irby, Jacques Schwarz-Bart. Antonio Hart,…) cuyo trabajo abarca proyectos de jazz, mainstream y hip-hop/electrónica, y el baterista Willie Jones III, (Kurt Elling,”Sonny Rollins, Bobby Hutcherson, Wynton Marsalis, Cedar Walton, Frank Wess, Houston ,Billy Childs, Eric Reed, Eric Alexander, Bill Charlap, Michael Brecker, Herbie Hancock, Hank Jones…), aclamado por sus actuaciones con Milt Jackson y Arturo Sandoval

Cannon y Jones III colaboraron durante siete años en la banda de Roy Hargrove.

El tema inicial, “Jazz Biotic”, es el típico tema funk-soul, sin más, en el que Jones III y Cannon marcan un potente ritmo, mientras Hurt y Alt dialogan.

Algo más relajada es "Altitudes of Freedom". El protagonismo de Alt es compartido con el sintetizador de Hurt, que se erige en lo más destacado de esta pieza.

La pista que da título al álbum, “Dark Horse” nos muestra a Alt en una interpretación llena de fuerza, secundada por un solo de Hurt al piano, que quizás hubiera sido mejor hacer al sintetizador, en aras de una mayor fuerza.

“Au Privave” es la única canción no original del álbum. Se trata de una composición de Charlie Parker que Alt aborda con el debido respeto. La pieza surgió de forma espontánea porque Hurt llegó tarde al estudio y esto provocó que los tres miembros restantes se lanzaran a improvisar sobre este tema. Empieza con “Bueno, empecemos", dice uno de los miembros del grupo rítmico.

Podemos disfrutar de un excelente solo de Cannon, y el saxo de Alt en su mejor momento interpretativo a lo largo del álbum. La pieza termina con la risa de uno de los miembros masculinos de la banda, diciendo: "Sí, Susanne, bien”. Para mi, el mejor corte del álbum.

Volviendo al jazz-funk con “Maple Jam”. Está dedicada al fallecido teclista Larry Willis. Como en otras partes del disco, el sonido de Alt nos recuerda a David Sanborn. Sonido evocador de los años 70, gracias a Hurt y su Rhodes. Buena labor, como siempre, de Cannon y Jones III.

"Cannonballin'" sigue una línea argumental similar. Alt, además del saxo, toca la flauta, pero con la novedad de la flauta de Alt. Cannon, a quien está dedicado el tema, toca el Rhodes. Una pieza interesante.

Le sigue "Kalunga Dance", una canción con un cierto ritmo afro-latino, y un bonito tema central interpretado por Alt. Hurt interviene con un largo solo. Un pieza alegre y bailable.

El disco cierra con "Jonesin'", dedicado a Jones III. El funky está presente, pero en este caso, el tema evoluciona hacia un potente final sicodélico, donde destaca la percusión y la flauta.

“Dark Horse” es una continuación de “Royalty for Real”. Con una Alt convincente, de sonido suave y aterciopelado; con Cannon y Jones III, apoyando y lanzando los temas y Hurt marcando buenos solos, pero que quizás, debido a la grabación, en ocasiones, su sonido quede lejano y fuera de lugar.

La Habitación del Jazz

Søren Bebe Trio CD: Gratitude

 

Pistas

1.Frostblad 2.Good Enough 3.Tystrup Sø 4.A Much Simpler Song 5.And So It Goes 6.Silent Listener 7.Chico 8.Throw It Away 9.Gratitude

Interpretes

Søren Bebe – piano

Kasper Tagel – contrabajo

Knut Finsrud – batería

Sello discográfico: Out Here Music

Grabado el 4 y 5 de abril del 2025 en The V-Recording, Dinamarca

Publicado el 30 de enero de 2026

Nacido en la ciudad danesa de Odense, Søren Bebe recibió sus primeras lecciones de piano a la edad de ocho años. En 2004, después de siete años de estudio con, entre otros, el muy respetado pianista de jazz sueco Lars Jansson, se graduó en la Real Academia de Música de Aarhus (Dinamarca) con un diploma de posgrado avanzado en música para solistas excepcionales.

Es  uno de los principales pianistas de la escena europea del jazz y la música contemporánea. A menudo se le compara con Tord Gustavsen y el fallecido Esbjörn Svensson, ambos escandinavos.

Entre sus influencias están los pianistas  Oscar Peterson, Keith Jarrett y Aaron Parks y el trompetista Kenny Wheeler.

La revista estadounidense de jazz All About Jazz dice: “Bebe ciertamente pertenece a la tradición de pianistas líricos que va desde Erroll Garner y Bill Evans hasta Keith Jarrett. Lo que Bebe añade a la tradición lírica del piano es una sensación de simplicidad folclórica, con melodías de duelo que florecen como tímidas flores nocturnas”.

Además de liderar sus propios proyectos, Bebe también es un pianista muy solicitado que gira frecuentemente como acompañante de artistas como Cæcilie Norby y Benjamin Koppel.

El Trío que lidera se fundó en el año 2007 y poco a poco se ha ido consolidando como un sólido grupo de jazz europeo. Actualmente, junto a Søren Bebe, lo integran el bajista danés Kasper Tagel y el baterista noruego Knut Finsrud.

Reconocido como uno de los pianistas de jazz más líricos y distintivos de Europa, Bebe regresa con su trío para su noveno álbum de estudio, “Gratitude”, una reflexión profundamente personal sobre la gratitud, la conexión y la belleza de los momentos de tranquilidad de la vida.

El álbum comienza con "Frostblad", una bella pieza, que refleja un paisaje gélido y solitario. Una composición onírica de sonido cristalino y profunda emotividad.
"Good Enough" es una pieza misteriosa y oscura en su comienzo, transitando a otra melancólica y conmovedora hasta desvanecerse. Otra bella composición.

"Tystrup Sø" hace referencia al lago Tystrup en Selandia, Dinamarca, un gran lago conocido por sus rutas de pesca y senderismo, cercano a la casa de Bebe. Un sugerente y descriptivo tema donde la suavidad y lirismo son protagonistas.

"A Much Simpler Song" da un giro conceptual, con matices que recuerdan un tango. Ritmo suave, fluido y sensual que incita a bailar. Como es habitual el trío termina abruptamente.

Sigue una canción del gran Billy Joel, titulada "And So It Goes", con arreglos de extrema delicadeza que mantienen intacta su fuerza emocional. ¡Qué instrumento más precioso es el piano!

Tras una oscura introducción del contrabajo con arco, el piano dibuja las delicadas notas de "Silent Listener", una elegante y romántica canción.

La empatía del trío se deja ver, una vez más, en “Chico”, una composición cargada de clasicismo romántico, resulta algo más ligera, pero no por ello menos bella.

"Throw It Away" es una preciosa canción de la inigualable Abbey Lincoln, que Bebe aborda de forma rítmicamente suave pero sin dejar de mostrar su lado conmovedor.

Bebe deja para el cierre del disco el tema que da título al mismo, “Gratitude”. Una relajante canción llena de dulzura y calidez emocional. Un excelente broche de oro.

En esencia, “Gratitude” es una expresión de agradecimiento a los fieles oyentes del trío, a la alegría de crear música juntos y al simple regalo de poder hacer lo que aman. “Es un álbum para nuestros fans”, dice Bebe. “Estamos agradecidos de tener gente que conecta con nuestra música, nos escribe y comparte cómo ha tocado sus vidas”.

La grabación es fantástica, capturando hasta el más mínimo detalle.

“Gratitude” es un álbum muy bello, que transmite tranquilidad, con muchos sutiles matices, donde los silencios tienen el mismo valor que el sonido, siempre con una fuerte carga emocional.

La Habitación del Jazz

XAVIER DOTRAS CD: Paisatges Interiors / Inner Landscapes

 

Pistas

1.Everything happens to me 2.Alfonsina y el mar 3.Blau 4.Un dibuix per a tu, Núria 5.Dans un Réve 6.Full en blanc 7.I loves you Porgy 8.MTN 12G 9.Cares/Faces 10.Saverio 11.Montse 50 somnis 12.Desconcert 13.Tensió 14.Prec 15.De lluny 16.Les iris 17.Wait for me listening to Bill Evans 18.Eu sei que vou te amar

Intérpretes

Xavier Dotras – piano, voz (18)

Sello discográfico: Rocket Music

Grabado el 30 de junio y 1-2 de julio de 2025 en el estudio privado de Joan Sala (Pals-Girona, España)

El pianista y compositor español Xavier Dotras nació en Canet de Mar, Barcelona. Inició sus estudios musicales con su padre, Jaume Dotras i Serrabella. Posteriormente obtuvo la titulación superior en música clásica  y jazz en el Conservatorio Superior Municipal de Música de Barcelona, y en la ESMuC (Escola Superior de Música de Cataluña) respectivamente. En 2004 fundó el Xavier Dotras Trío, junto a Toni Pujol en el contrabajo y César Martínez en la batería. Con el pianista Lluís Escuadra grabó el disco "Overture".

Dotras ha seguido una larga trayectoria de actuaciones, tanto en España como internacionales. Colabora en otras formaciones de jazz, blues, gospel, pop y rock, con los que ha grabado diversos trabajos.​

Aparte de su trayectoria como compositor de jazz, también cabe citar su obra coral entre la que destaca la obra sinfónica "Missa 1919", estrenada el año 2019 por el Orfeó Misericordia y la Orquestra de Cambra de Granollers. Dotras es también Ingeniero Industrial pero no ha ejercido nunca como tal.

Como docente, Dotras ha sido profesor de música en centros de educación secundaria e imparte cursos universitarios en la Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED).

En este “Paisatges interiors / Inner Landscapes”, su décimo disco, Dotras se sienta ante el piano y aborda 18 canciones, mostrándonos la esencia del piano, fusionando jazz, clasicismo y sonido mediterráneo.

El primer tema del disco es “Everithing happens to me” de Matt Dennis y Tom Adair, un estándar del que se han hecho muchas versiones. Dotras lo interpreta siguiendo las pautas de uno de sus referentes, Bill Evans. Una hermosa pieza.

Le sigue “Alfonsina y el mar” de Ariel Ramírez y Félix Luna, una preciosa canción, ajena al mundo del jazz, que sin embargo, han versionado muchos intérpretes de este género. Preciosa versión, fiel a la melodía original, para disfrutarla plenamente.

A continuación un bloque de composiciones del propio Dotras. La preciosa “Blau”, con un sonido mediterráneo que nos recuerda a Tete Montoliu.

Sigue la Suite llamada “Tres Co-Valsos” integrada por tres canciones: “Un dibuix per a tu, Núria”, “Dans un rève” y “Full en blanc”, dedicadas a tres mujeres; Nuri, Montse y Aina, respectivamente. Música intimista que fusiona el clasicismo con el jazz.

Volviendo a los estándares, “I loves you Porgy” de los hermanos Gershwin, Qué decir de esta fantástica canción.

Dotras incorpora cuatro nuevas composiciones originales: “MTN 12G”, sabor a estándar, matizado con aromas mediterráneos; “Cares/Faces”, de corte más piano clásico romántico; “Saverio” que huele a flamenco y copla , y por último, “Montse 50 somnis” una hermosa balada.

Una segunda suite original de Dotras, que lleva el título del álbum, “Paisatges interiors”, dedicada a su madre, e integrada por tres temas: “Desconcert”, “Tensió” y “Prec”. Dotras nos cuenta historias que se identifican fielmente con los títulos de las canciones. Tres bellas composiciones.

Los tres siguientes cortes del disco, también son originales de Dotras. Se trata de la hermosa “De lluny”; “Les iris” donde Dotras nos lleva por caminos más novedosos y experimentales, para terminar con “Wait for me listening to Bill Evans”, dedicado al enorme Bill Evans, que, de alguna manera, está presente en muchos pasajes de este álbum.

Para finalizar, Dotras nos depara una sorpresa. Se trata de la canción “Eu sei que vou te amar”, de Antonio Carlos Jobim y Vinicius de Moraes, en la que Dotras, tras una larga introducción con el piano (casi dos tercios del tema) nos sorprende con su suave y cálida voz. Qué maravillosa canción y qué extraordinaria versión.

Dotras posee un sonido claro, cristalino, a la vez que cálido y lírico, que nos transporta a un universo musical introspectivo, y posee una indudable calidad como compositor

"Paisatges interiors/Inner landscapes” es un precioso disco para escuchar en soledad o, porqué no, en compañía, una buena y especial compañía.

La Habitación del Jazz

RAMONA HORVATH CD: Absinthe

 

Pistas

1.Heal The World 2.You Are The Sunshine Of My life 3.Lament For An Orchide (Absinthe) 4.How Deep Is Your Love 5.Here I’ll Stay 6.Ballad For Very Tired And Very Sad Lotus Eaters 7.Just The Way You Are 8.Your Love Has Faded 9.The Heather On Yhe Hill 10.JFK 11.I Know Why 12.Saving All My Love For You

Intérpretes

Ramona Horvath - piano
André Villéger – saxo tenor
Nicolas Rageau - contrabajo
Antoine Paganotti - batería

Sello discográfico: Fresh Sound Records

Grabado en Midilive Studio, París, Francia el 8 y 9 de junio de 2024

Publicado el 24 de octubre de 2025

Nacida en Bucarest en el seno de una familia de músicos, de madre rumana y padre húngaro, Ramona Horvath cultivó desde pequeña su pasión por los clásicos de Broadway y la música de Duke Ellington, escuchando los programas de radio de Willis Connover, en particular "Jazz Hour" (en la Voz de América), que la familia escuchaba en secreto.

Horvath empezó a tocar el piano de oído a los tres años y a los seis comenzó la escuela de música formal. En casa, se sumergió en todo tipo de estilos musicales: canciones estadounidenses, jazz, música tradicional y gitana, boleros cubanos y, por supuesto, música clásica, que posteriormente estudiaría intensivamente.

A los 23 años, se graduó en piano clásico en el Conservatorio de Bucarest. Tras finalizar sus estudios, conoció a la pianista estadounidense de origen húngaro Jancy Korossy, un ícono del jazz internacional en las décadas de 1950 y 1960 tras el Telón de Acero. Este encuentro crucial la catapultó de lleno al mundo del jazz. Las dos pianistas también actuaron juntos en escenarios europeos durante varios años.

En 2010, se mudó a París. En 2012, conoció al bajista Nicolas Rageau, con quien desarrollaría varios proyectos.
En 2015, grabó su primer álbum en trío con Nicolas Rageau y Frédéric Sicart, "XS Bird" (Black&Blue), dedicado a la memoria de Jancy Korossy, fallecida dos años antes.
En 2017, publicó "Lotus Blossom" (Black&Blue), grabado en cuarteto con André Villéger al saxofón tenor, Nicolas Rageau y Philippe Soirat a la batería.

En 2019, grabó un dúo junto al bajista Nicolas Rageau, "Le Sucrier Velours" (Black&Blue), un álbum que recibió excelentes críticas en la prensa francesa e internacional y contribuyó a consolidar a Horvath como una figura clave en la escena del jazz parisino.
A finales de 2023, la pianista lanzó su álbum en trío, "Carmen's Karma", en el que los mundos del jazz y la música clásica se entrelazan de una manera muy personal y ecléctica. Ha publicado siete álbumes hasta la fecha:

"Dor De Acasa” (2008), “Let’s Fall In Love - American and Romanian Gold Songs” (2010), “XS Bird” (2015), “Lotus Blossom” (2017), “Le Sucrier Velours” (2019), “Carmen’s Karma” (2023), y el último lanzamiento titulado “Absinthe”. El álbum presenta un repertorio que podría dividirse en dos partes: una integrada por melodías del pop que marcaron la infancia de Horvath, interpretadas a trío y en un bello lenguaje jazzístico y otra, para la que se incorpora el gran saxofonista André Villéger, compuesta por melodías firmadas por grandes figuras.

Horvath abre el disco con "Heal The World" de Michael Jackson, a la que aplica unos arreglos Ellingtonianos, resultando un tema con ritmos africanos, revitalizante y pleno de alegría.

Algo parecido podemos afirmar del tratamiento que da a "You're the Sunshine of My Life" de Steve Wonder, pero algo más tamizado. Siempre fiel al original, pero dotándolo de una nueva personalidad, ligera y entretenida.

De Strayhorn incluye “Lament For An Orchide” también conocida como “Absinthe”, del que toma el título el álbum. Se trata de una pieza poco conocida de Strayhorn, de la que Ellington y su orquesta hicieron una única grabación. En esta ocasión, como ocurre cuando versiona temas clásicos, lo hacen en cuarteto, con la participación del saxofonista André Villéger, al que da protagonismo con su sonido aterciopelado. “Absinthe” es una preciosa pieza, oscura, de melancólica belleza.

"How Deep Is Your Love” es una canción interpretada por el grupo pop Bee Gees. El trío la aborda como un vals ligero, y la enriquece musicalmente hablando. Elegante solo de Rageau. Una re elaboración sofisticada.
"Here I'll Stay" es una de las canciones que Kurt Weill escribió para el musical "Love Life" en 1948. El cuarteto al completo. Swing impulsado por Horvath y Villéger mostrando su talento al tenor y un gran solo de Rageau.

"Ballad For Very Tired And Very Sad Lotus Eaters” es una bella balada donde Villéger muestra su lado más sensual. Canción, lenta e Introspectiva que nos hace rememorar aquello que se perdió para siempre. Una delicia.
Vuelve el trío en solitario con la preciosa “Just the Way You Are” de Billy Joel. Horvath es absolutamente respetuosa con la melodía original y su delicado toque al piano mantiene un suave swing durante toda la canción. Otra bella pieza y bella interpretación.

Le sigue "Your Love Has Faded", cuya autoría, unos adjudican a Duke Ellington y otros a Billy Strayhorn. Una pieza a medio tiempo con un elegante Villéger y una fantástica Horvath. Otra canción llena de elegancia y fragilidad.

Horvath conoce a la perfección la tradición del piano jazz, con dominio del instrumento, además de una sólida formación en el piano clásico-romántico. Y qué mejor que esta canción "Heather On The Hill" , para demostrarlo. Una canción escrita en 1947 por Frederick Loewe para el musical de Broadway “Brigadoon”. Horvath la aborda en solitario, mostrando el potencial de esta intérprete. Una maravillosa obra, maravillosos arreglos y una profunda interpretación

"JFK", iniciales de la pianista húngara Jancy Francis Korossy, mentora de Horvath, constituye la única canción original del álbum. Un tema donde los cuatro miembros muestran su lado más bop.

"I Know Why”, composición de Harry Warren de 1941 popularizada por la Orquesta de Glenn Miller. Tras una melódica introducción de Horvath, el saxo de Villéger se muestra con una emocionante intensidad.

"Saving All My Love for You”, popularizada por Whitney Houston, cierra este álbum. Rageau y Paganotti aportan un ritmo de bossa a esta canción, revitalizándola.

"Absinthe" es un álbum de jazz convencional, donde destacan varios aspectos. Por un lado la química con sus compañeros de viaje, Rageau al contrabajo y Paganotti a la batería. Por otro lado la interpretación del saxofonista Villéger un alter ego perfecto. Y por último los arreglos de Horvath.

"Absinthe” es un bonito álbum que invita a ser escuchado repetidas veces.

La Habitación del Jazz

El DISCO DE VINILO: El Ave Fénix de los soportes de audio (1 de 2)

El disco de vinilo, también conocidos como disco microsurco, microsurco o simplemente vinilo, es un medio de almacenamiento analógico de señales sonoras, caracterizado por utilizar como material de soporte un plástico denominado policloruro de vinilo, del que recibe el nombre.

Los dos formatos más frecuentes son el LP (Long Play) y el single o sencillo.

El LP (Long Play) fue lanzado en 1948 por la compañía Columbia Records en los Estados Unidos de América, como una evolución muy mejorada de los anteriores discos de 78 rpm, fabricados con un material mucho más frágil como la goma laca.

El LP, también conocido como álbum, es un disco de 12 pulgadas (30cm) de diámetro que gira a 33⅓ rpm, con un agujero pequeño en el centro.

El sencillo, lanzado por la compañía RCA-Victor en 1949, tiene un diámetro de 7 pulgadas (aproximadamente 18 cm) que gira a 45 rpm, con un agujero central más grande.

El sonido de un disco de vinilo se reproduce mediante un tocadiscos (por lo general, conectado a un amplificador), que permiten utilizar discos de diferentes diámetros y elegir la velocidad de rotación mediante un selector.

Sin entrar en tecnicismos, decir que el sonido del disco de vinilo se reproduce en modo de señal analógica. El disco de vinilo contiene surcos en espiral que actúan como un relieve físico, representando las ondas sonoras. Una aguja, generalmente de diamante, se desplaza por estos surcos, generando vibraciones derivadas de las irregularidades del surco, que se transmiten a un transductor (denominado cápsula fonocaptora) montada en el brazo lector, que las transforma en señales eléctricas.

La señal eléctrica resultante es muy baja, por lo que se envía a un preamplificador (o previo de phono) y posteriormente al amplificador y altavoces para convertirse en sonido.

Los defensores del vinilo, aducen que su sonido, reproducido de forma mecánica y analógica, produce una serie de imperfecciones e irregularidades conocidas como distorsiones, que hacen que la música sea más «agradable» e «interesante», más «natural», en comparación con los sistemas digitales modernos, que son más precisos pero considerados «fríos».

Quizás su principal inconveniente sean los desgastes y rayones que comprometen su calidad acústica y/o funcionamiento, así como la acción de mohos microscópicos que pueden afectar a su calidad de reproducción, por lo que requiere de cuidados periódicos especiales y continuas limpiezas.

Uno de los problemas del vinilo es el almacenamiento, debido a su tamaño. Mantenerlos apilados pueden hacer que se doblen y deterioren, tanto el disco como las fundas

Existen diferentes soportes para su almacenamiento. Uno de ellos es este estante para pared, especialmente diseñado para exhibir aquellos discos de vinilo especiales de tu colección, como si fueran piezas de arte.

Combina funcionalidad y una estética moderna. Fabricado en acero de gran calidad (negro mate o blanco mate) y con un diseño minimalista es ideal para decorar, transformando los vinilos en una pieza de museo. Su instalación es muy sencilla.

Tiene una capacidad para 20 vinilos, y proporciona un acceso rápido a los discos más usados. Una opción tanto para hogares como para estudios musicales, tiendas especializadas o zonas de exposición.

AQUÍ os dejo el enlace a Metal Bundle Shop, empresa española que los comercializa, para que podáis ampliar información.

La Habitación del Jazz

FRANCESCA REMIGI CD: Witchess

 

Pistas

1. Opening 2.Roots of gender violence 3.Caccia alle streche 4.Permanent colors 5.Fluid echoes 6.Loghaven 7.Liberation I 8.Blueberry picking 9.Liberation II

Intérpretes
Andrea Giordano – voz, flauta, electrónicos
Silvia Cignoli – guitarra eléctrica, electrónicos, voz (2,8)
Francesca Remigi – batería, percusión, electrónicos, voz (1, 2, 8)

Invitados
Alessandro Mazzieri - bajo eléctrico (2, 3, 4, 6, 8)
Naomi Nakanishi – piano, sintetizadores (7, 8, 9)

Sello discográfico: Hora Records
Grabado en Elfo Studio (Tavernago), el 29 y 30 de diciembre de 2024 
Publicado el 7 de noviembre de 2025

Francesca Remigi, es una baterista, improvisadora y compositora residente en Milán y Berlín. Criada en una familia de músicos, a los 5 años decidió seguir los pasos de sus padres y comenzó a estudiar guitarra y batería, desarrollando un profundo interés por los ritmos y la composición. Tras estudiar piano clásico durante cinco años, mientras asistía a una academia privada de batería, se licenció en interpretación de batería de jazz en el Conservatorio G. Verdi de Milán en 2017 y fue seleccionada para un programa Erasmus de un año en los Países Bajos. En 2020, tras graduarse de un máster en interpretación de jazz en el Conservatorio Koninklijk de Bruselas, bajo la tutela del baterista belga Stéphane Galland, Remigi recibió una beca completa para asistir al Máster del Berklee Global Jazz Institute, dirigido por el pianista de jazz ganador del Grammy, Danilo Pérez.

Remigi, ex alumna del Berklee Jazz & Gender Justice Institute, tuvo la oportunidad de estudiar con artistas visionarios como Linda May Oh, Billy Kilson, Kris Davis, Joe Lovano, John Patitucci, Terri Lyne Carrington, Shirazette Tinnin, Tamar Diesendruck, etc.
Es una de las fundadoras del sello independiente "Habitable Records". Ganadora de Nuova Generazione Jazz 2021, Top Jazz 2022 (Musica Jazz) y Pathways to Jazz 2024, es conocida por sus colaboraciones internacionales en la escena del jazz de vanguardia e improvisación libre con músicos como Steve Lehman, Danilo Perez, Jen Shyu, Linda May Oh, Val Jeanty, George Garzone, Camila Nebbia, Marion Hayden, Ellen Rowe, Alexander Hawkins, Antonello Salis, Gianluigi Trovesi, Nicole Glover, Dee Dee Bridgewater, Carmen Staaf, Yuhan Su, DoYeon Kim, Mario Biondi, Simona Molinari y muchos otros.
Ha liderado bandas en festivales y salas de todo el mundo. El primer álbum de su proyecto Archipélagos, “Il Labirinto Dei Topi”, se publicó en 2021 y, según Steve Lehman, fue «uno de los álbumes debut más emocionantes que he escuchado en los últimos tiempos». El segundo álbum “The Human Web”, se lanzó en marzo de 2022. En palabras de Linda May Han Oh: «Francesca es una fuerza musical audaz y vibrante. Además ha publicado otros cinco álbumes como co-líder y otros como acompañante.

Su tercer álbum como líder se titula “Witches” acrónimo de Women Implement The Creation of Harmonious Ecosystems of Selfless Species. Se inspira en las obras de la filósofa, activista política marxista y feminista estadounidense, Angela Davis (y especialmente en su ensayo "Marcos para el Feminismo Radical" de 2019); la académica italoamericana y activista feminista marxista Silvia Federici, y la escritora nigeriana Chimamanda Ngozi Adichie.

Las presentaciones en vivo de este proyecto incluyeron las danzas de Clotilde Cappelletti. El álbum se grabó en Elfo Studio en Tavernago en diciembre de 2024.

Los derechos de las mujeres, feminismo, justicia social, el capitalismo, el patriarcado, la violencia colonial y, la lucha por la igualdad de género, se abordan en esta obra donde el jazz libre, el rock, la electrónica y el noise se dan cita.

El disco abre con “Opening” donde Remigi pone su voz a textos reivindicativos sobre el feminismo, el género y la igualdad económica y racial, junto a paisajes sonoros con sonidos electrónicos, guitarras, voces de fondo y otros sonidos.

Le sigue “Roots of gender violence” con voces infantiles cantando, sonidos y más voces. Remigi nos presenta una batería agresiva junto a ruidos, electrónicos, sirenas y voces desgarradoras, todo ello in crescendo hasta su finalización
Sin tiempo para la relajación, sigue “Caccia alle streghe”, voces, pasajes cantados, todo aderezado con una potente batería y ritmos cambiantes. La segunda mitad de la pieza se compone de paisajes sonoros abstractos.
“Permanent colors” comienza con la flauta y la percusión a los que se unen sintetizadores con sonido cristalinos, para continuar con otra sesión abstracta de ruidos, gruñidos, batería, guitarra y la flauta retomando la “melodía” inicial hasta la conclusión del tema.
“Fluid echoes”, nos transporta a espacios siderales, enigmáticos, difíciles de definir. La melodía brilla por su ausencia.

“Loghaven” tiene una estructura musical más convencional. Rock progresivo, que en cierta medida parece un homenaje a Ian Anderson y a Jethro Tull.

Tras un breve silencio, “Liberation I”, una pieza que sobre una base que se repite, la batería y la potente y desgarradora voz de Giordano, nos trasladan a un interesante mundo onírico y tribal.

“Blueberry picking”, es otra pieza potente, que incluye la palabra hablada de Remigi y Cignoli. Otra interesante e inclasificable pieza, donde predominan en mayor medida los matices jazzísiticos y roqueros.
El disco cierra con “Liberation II”, en la misma línea argumental, algo matizada y sensual.

“Witchess” es un ambicioso álbum. Una obra compleja, exigente, explosiva, de una emotividad extrema, áspera en ocasiones, inteligente, en la que Remigi huye del jazz intencionadamente. Remigi afirma: “En el jazz nunca ha habido muchas instrumentistas femeninas. Más aún si consideramos el papel de la baterista. Creo que me he distanciado en gran medida de las estéticas más orientadas al jazz porque son demasiado restrictivas. Incluso el tipo de música que se interpreta se ha convertido en una imposición de la individualidad de uno a los demás”. Remigi se encuentra cómoda en la improvisación: ”Siento que hay un retorno a una estética más colectivista de la creación musical, y eso es lo más hermoso porque se convierte en una forma hermosa de comunicarse y estar con los demás”.

Remigi, que en la música siempre intenta plasmar sus experiencias directas y su forma de vivir, no se caracteriza por elegir caminos fáciles y en este disco es una buena muestra de ello.

Sobre este tipo de música afirma: "Más que experimental, me gusta definirla como música creativa. No es free jazz neoyorquino, como Ornette Coleman; más bien, se remonta al movimiento que se desarrolló en Chicago a partir de la década de 1960. Pienso en Roscoe Mitchell, quien, en cierto modo, abrió el jazz a otras influencias estéticas, como la música electrónica. Y, obviamente, también a la escena europea, como Derek Bailey en Inglaterra”.

"Witches” un álbum experimental, repleto de ideas musicales.

La Habitación del Jazz

Josep Lluís Galiana CD: Ballads for Tenor Saxophone y Josep Lluís Galiana – Thomas Bjelkeborn - Jesús Gallardo CD: Swedish Connection

 

Pistas

1.The Ballad of Marjana 2.Soroll de fulles 3.Atropellat pel temps 4.Ballad I. Langsam 5.Broken Ballad 6.Ballad II. Nocturn 7.Slap,lap,ap, p… plash! 8.Ballad III. Sonant com les roselles 9.Deaf Ballad 10.Joc d’infants 11.Camí del desert 12.Cant trèmul d’aus 13.Ballad IV. Pels indrets de la imaginació 14.Music On Loop 15.De la mà d’un mosquit 16.Ballad V. Des de la solitud 

Intérpretes

Josep Lluís Galiana – saxo tenor

Sello discográfico: Liquen Records

Grabado en Liquen Studios (Pedralba, Valencia, España)

Josep Lluís Galiana, nacido en Valencia (España) es Diplomado en Estudios Avanzados (DEA) por la Universidad Politécnica de Valencia y Titulado Superior por el Conservatorio de Música Joaquín Rodrigo, de Valencia. Saxofonista, compositor, escritor, editor y gestor cultural español destacado en la escena europea de la libre improvisación, la creación electroacústica, el avant-garde jazz, la investigación musicológica y la divulgación de la cultura y las artes, comienza su trayectoria artística en la década de 1980, formando parte de diversas formaciones instrumentales contemporáneos, colectivos de jazz y agrupaciones de música popular y tradicional. Sus composiciones han sido estrenadas e interpretadas en importantes festivales internacionales.

A lo largo de su dilatada trayectoria artística, ha fundado formaciones junto a músicos de relieve internacional y ha colaborado con músicos como Agustí Fernández, Josep Manuel Berenguer. Wade Matthews, Avelino Saavedra, Carlos D. Perales, Gonzalo Biffarella, Liba Villavecchia, Ramón López, David Herrington, Jorge Gavaldá, Miguel Molina, Diego Caicedo, Antonio Luis Guillén, Javier Carmona, Pablo M. Esparza, Martín Meléndez, Sarah Claman, Luiz Rocha, Carlos Suárez, Quique Téllez, Jesús Gallardo, Lisa Ullén, Lucía Martínez, Ramon Prats, Àlex Reviriego, Ángel Faraldo, Carlos Galán, John Butcher, por citar solo unos pocos. Es autor de varios libros, así como de numerosos artículos, críticas, ponencias y estudios musicológicos publicados en libros, revistas especializadas y prensa escrita. En 2016, crea el sello editorial EdictOralia i Publicaciones y del sello discográfico Liquen Records, dedicado a las músicas improvisadas y experimentales.

Tiene más de doscientas composiciones en catálogo y sesenta discos publicados.

"Ballads for Tenor Saxophone” lo integran 16 composiciones de Josep Lluís Galiana, interpretadas por el propio Galiana con el saxo tenor.

No es el primer disco de Galiana en solitario, donde se mueve como pez en el agua. Con su estilo inconfundible, nos guía por senderos de musica libre con un sonido íntimo y enérgico, fiel al progresivo abandono de la escritura musical, orientando su actividad principal hacia la libre improvisación y música experimental.

Sin duda es un replanteamiento de lo que entendemos por baladas.

En palabras del percusionista y compositor Jesús Gallardo, autor de las notas del disco, «Josep Lluís Galiana navega abriéndose paso a través de aguas sonoras muy diversas. Mundos sonoros lejanos confluyen en la balada como forma de expresar sentimientos y emociones, y de sacudir el alma mediante el sonido».

Este nuevo trabajo confirma a Galiana como un especialista en el formato solista.

La Habitación del Jazz

Pistas

1.Swedish Connection VI 2.Swedish Connection V 3.Swedish Connection IV 4.Swedish Connection VIII 5. Swedish Connection III 6.Swedish Connection VII 7.Swedish Connection II 8.Swedish Connection I

Intérpretes

Josep Lluís Galiana – saxo tenor, saxo soprano

Thomas Bjelkeborn - electrónicos

Jesús Gallardo - percusión

Sello discográfico: Liquen Records

Grabado el 10 de junio de 2025 en Mondo Rítmic Studio (Castellón de la Plana, España)

Tres músicos de reconocido prestigio, Tomas Bjelkeborn (Estocolmo, Suecia), Josep Lluís Galiana (Valencia, España) y Jesús Gallardo (Castellón, España) se unen para grabar “Swedish Connection”.

Jesús Gallardo (Madrid, España) es un baterista, percusionista, compositor, improvisador y educador musical.

Es una figura destacada en el ámbito de la improvisación libre y la música experimental en España, conocido por su versatilidad y su enfoque interdisciplinario del arte sonoro.

Obtuvo su Licenciatura en la especialidad de Jazz por el Conservatorio Superior de Música de Valencia (CSMV). Su práctica artística se centra en la improvisación —que considera la base de la música auténtica— y la exploración sonora bajo el concepto de que "todas las cosas pueden ser instrumentos".

Además de su faceta artística, Gallardo dirige La Escuela de Música Mondo Rítmic en Castellón (España), promoviendo un enfoque pedagógico que integra el jazz, la música clásica y la improvisación.

Gallardo ha colaborado con un extenso número de figuras: John Butcher, Liz Albee, Lucía Martinez, Thomas Bjelkeborn, Josep Lluis Galiana, Agustí Fernandez, Wade Mathews, Perico Sambeat, Kirk McDonald, Fabio Miano, Jesús Santandreu, David Pastor, Andres Belmonte entre otros.

Bjelkeborn, toda una institución en la electroacústica (fundador del Instituto de Artes Digitales IDKA en Suecia y director del mismo entre 2001 y 2006) y que en 2018 , formara dueto con Galiana en “Critical Sounds”. Nacido en Suecia, estudió composición en EMS (Electro-Acoustic Music, Suecia).

Bjelkeborn es conocido en los círculos de la música moderna, y probablemente ha conseguido llegar a un público más amplio que otros compositores gracias a sus instalaciones interactivas en museos y algunos grandes proyectos musicales al aire libre. Su música se caracteriza por el cruce de fronteras entre los géneros en diferentes encuentros con otras formas de arte.

Junto a Philippe Moenne-Loccoz forman el franco-sueco, The Sound Quartet.

"Swedish Connection” es un disco donde la electrónica, los saxos tenor y soprano y la percusión se citan con la improvisación en una propuesta musical que podríamos etiquetar como electroacústica, free jazz, free vanguardia...sin límites.

Todos los temas del álbum, están compuestos/improvisados por Galiana, Bjelkeborn y Gallardo.

Un disco que hará las delicias de los amantes del free jazz al límite.

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