REBOLADA CD: Tales Of The Uprooted

 

Pistas

1.Rebolada Inicial 2.Canción Para Aliviar Dolores 3.Retablo de la Cigüeña 4.Landú 5.Gente Que 6.Are You Sure, Suite: Part 1 7.Are You Sure, Suite: Part 2 8.Are You Sure, Suite: Part 3 9.Entradilla 10.Night Counterpoint 11.Ronda de la Rosca 12.Kaleidoscopic Dance

 

Intérpretes

Irene Sorozábal Moreno - voz

Adrián Moncada Espinosa - piano, coros (12)

Sello discográfico: Habitable Records

Grabado en Wisseloord Studios, Hilversum, Países Bajos el 13 y 14 de octubre de 2023

Fecha de publicación: 13 de septiembre de 2024

 

Rebolada es el nombre artístico de un proyecto liderado por Irene Sorozábal Moreno y Adrián Moncada Espinosa.  

Irene Sorozábal  es una flautista y cantante española afincada en Ámsterdam. Estudió en el Conservatorium van Amsterdam. Obtuvo su licenciatura con Erik Bosgraaf en 2018. Actualmente cursa un máster en canto histórico con Xenia Meijer en la misma institución.

Como intérprete, cantante y compositora, colabora con artistas visuales, creadores teatrales y coreógrafos. Ha compuesto música para obras como “Cow is a cow is a cow” de Abhishek Thapar (SpringUtrecht 2021), “Ordeal of Justice- The Epopee” de Lucretia de Sonia Kazovsky en colaboración con Maya Felixbrodt y Moving Strings (Mondriaan Fonds 2022) y Kerogen Voices de Jimmy Grimma (Debatable Land(s) 2020).

Canta en conjuntos como Capella Amsterdam, Bachkoor Holland, Omroepkoor y Música Temprana. También toca la flauta dulce en el consorcio renacentista The Royal Wind Music.

Entre los proyectos en los que participa, lidera el denominado KURKUMA, que fusiona lenguajes musicales que van desde el jazz contemporáneo hasta el contrapunto renacentista, atrayendo a un público ecléctico, interesado en el jazz contemporáneo, la música clásica, la música antigua y los géneros alternativos. En 2022, lanzó el álbum del mismo nombre, “Kurkuma”, en el sello TRPTK, que contenía sus primeras composiciones para quinteto de jazz.

Otro proyecto es GIESTA, un dúo, basado en los Países Bajos, junto a la vocalista y flautista portuguesa,  Joana Guiné.  Ambas se conocieron durante sus estudios de flauta de pico en el Conservatorio de Ámsterdam. El  dúo  explora la confluencia entre la música medieval y las tradiciones orales del Mediterráneo.

También forma parte del Moving Strings, un colectivo femenino de músicos no jerárquico con sede en Ámsterdam que explora la relación y los límites entre el movimiento, el cuerpo, el sonido y el espacio.

Adrián Moncada (Madrid, España) es un pianista y compositor residente en Ámsterdam. Tomó sus primeras lecciones de violín clásico a los 4 años. Más tarde, a los 8 años, se pasó al piano. Gracias a la influencia de su padre, siempre mantuvo los oídos abiertos a una gran variedad de estilos musicales. A los 14 años comenzó a interesarse por la música jazz por su aspecto improvisado, escuchando grabaciones de Keith Jarrett y Ahmad Jamal.

A los 16 años recibió una educación formal de jazz en la “Escuela de Música Creativa”. Recibió lecciones de los maestros Germán Kucich y Andrés Alén, quienes también lo introdujeron en la música clásica contemporánea.

En este punto, decidió convertirse en músico y seguir su carrera en la música en el extranjero, mudándose a los Países Bajos en 2014, y se graduó Cum Laude del programa de interpretación de jazz en CvA en 2020. Durante su estancia en Países Bajos recibió lecciones y clases magistrales de músicos como Brad Mehldau, Gerald Clayton, Harmen Fraanje, Rob van Bavel, Karel Boehlee y Franz von Chossy.

Es el líder del Adrián Moncada 6tet, con el que lanzó su álbum debut en marzo de 2021 titulado "Inhabitable Imagination" y  Garden Crack, con el que publicó su segundo disco "Lapis Lazuli" con Michael Moore.

Además de sus propios proyectos, es un pianista muy solicitado como acompañante de algunas de las bandas jóvenes emergentes de los Países Bajos, como: Liquid Identities, Noneto Desconcertante, Garden Crack con Michael Moore, Marta Arpini Pocket Orchestra, Chai Masters, K U R K U M A y REBOLADA.

Sorozábal y Moncada se conocieron en los Países Bajos  durante sus estudios en el Conservatorio de Ámsterdam y ambos forman REBOLADA y han publicado su primer álbum juntos, titulado “Tales of the uprooted”.

Se denominaba Rebolada al acto inicial de las fiestas castellanas y consistía en dar la vuelta al pueblo durante las primeras horas de la madrugada, para poner en movimiento al vecindario con la ruidosa alegría lugareña.

Durante la pandemia, empezaron a experimentar con el cancionero segoviano. En seguida sintieron una conexión con esta música, quizá porque ambos son originarios de la Sierra de Madrid.

La idea inicial de este proyecto surge de la colección de música popular, El Cancionero de Castilla la Vieja,  recopilada por Agapito Marazuela (Marazuela (Valverde del Majano, 1891-Segovia, 1983) fue un músico y folclorista español, concertista de guitarra y dulzaina que dedicó gran parte de su vida a la recuperación del folclore musical castellano (canciones populares, tonadas y romances, melodías para tamboril y dulzaina, y bailes populares)). Sorozábal y Moncada parten de esa selección de las más de 300 piezas vocales e instrumentales provenientes de Segovia, complementada con canciones de otras colecciones como El Cancionero Español de Pedrell y el archivo multimedia Literatura y Folklore de los Judíos Sefardíes.

De los doce cortes del disco, seis los firma Moncada y el resto Sorozábal.

De alguna manera, este proyecto pretende despertar el  folclore olvidado al que los intérpretes no han tenido acceso directo. Una reflexión musical sobre sus raíces culturales. Una visión de las influencias culturales tradicionales españolas a través de un prisma contemporáneo. Sonidos y ecos de bailes folclóricos se entrelazan con armonías de jazz y la improvisación libre.

Una apuesta arriesgada que no deja indiferente al oyente.

La Habitación del Jazz

VIVIAN BUCZEK CD: Le Grand Michel

Pistas

1.The Windmills of Your Mind 2.I Will Wait for You 3.The Summer Knows 4.The Way He Makes Me Feel 5.His Eyes, Her Eyes 6.Love Makes the Changes 7.Summer Me, Winter Me 8.What Are You Doing the Rest of Your Life? 9.Where’s the Love? 10.Le Grand Michel 11.You Must Believe in Spring

Intérpretes

Vivian Buczek -voz

Mathias Heise- armónica

Martin Sjöstedt – piano, Rhodes 

Peter Asplund – trompeta, flugelhorn, voz

Jesper Bodilsen- contrabajo

Zoltan Csörsz – batería  

 

Sello discográfico: Prophone Records

Grabado el 10-11 de mayo de 2024 en The Village Recording, Copenague, Dinamarca 

Fecha de publicación: 25 de octubre de 2024

 

 

La vocalista Vivian Buczek nació en Malmoe, Suecia. Sus padres eran músicos de jazz de Polonia y Francia. Estudió en la Academia de Música de Malmoe, donde se graduó en 2003. Comenzó a actuar y grabar durante sus estudios y se ha convertido en una de las cantantes de jazz más importantes de Suecia en la actualidad. Tiene un alcance y un sentido del jazz notables y ha realizado numerosas apariciones con celebridades tanto internacionales como suecas.

Vivian también aparece como uno de los miembros del famoso cuarteto vocal Jazz Vocal Unit, que consta de cuatro de los mejores artistas de jazz suecos: Svante Thuresson, Viktoria Tolstoy, Vivian Buczek y Peter Asplund.

Buczek ha publicado hasta la fecha ocho álbumes en solitario: “ROOTS” (2022) , “A Woman's Voice” (2019), “Ella Lives” (2017), “Songs Of Our Lives” (2016), “Curiosity” (2014), “Live At The Palladium” (2012), “Dedication To My Giants” (2009), “Straight From My Heart” (2006).

“Le Grand Michel” es su noveno álbum como solista y con él rinde homenaje a uno de sus compositores favoritos, el gran compositor, pianista y director de orquesta francés Michel Legrand.

“Michel Legrand siempre ha sido una gran inspiración para mí y siempre he soñado con hacer un proyecto en el que pueda interpretar su música. La música de Legrand en combinación con las hermosas letras escritas por Alan y Marilyn Bergman representan lo que principalmente quiero transmitir a mi público: romance, dinamismo, melancolía, pero también blues y swing” afirma Buczek.

Le acompañan el bajista danés  Jesper Bodilsen y el baterista sueco Zoltan Csörsz que tuvo el honor de tocar con Legrand. El álbum cuenta con invitados especiales como el campeón mundial de armónica cromática danés (2013) Mathias Heise y el trompetista sueco ganador de múltiples premios Peter Asplund. Y por supuesto, el pianista sueco Martin Sjöstedt, su colaborador desde hace más de diez años.

Las versiones de los temas de Legrand que integran este disco son diferentes a los originales, llenas de arreglos originales, firmados por  Sjöstedt.

El enorme repertorio de Legrand está perfectamente representado en este trabajo. Desde el famosísimo “The Windmills Of Your Mind”, pasando por “I Will Wait For You” de la película Los Paraguas de Cherburgo  (The Umbrellas of Cherbourgh), el muy versionado “The Summer Knows” o el inmortal “ What Are You Doing the Rest of Your Life?”, uno de los mejores cortes del álbum.

Asplund aporta un tema propio, “Le Grand Michel” que da título al disco y que posee el espíritu de las composiciones de Legrand.

Buczek aporta su voz y estilo transmisor de emociones junto a unos músicos que aportan ideas originales a unas canciones que en ocasiones suenan algo manidas y sin fuerza, pero que en manos de estos intérpretes cobran nueva fuerza y vida.

Heise y Asplund nos brindan improvisaciones melódicas que realzan el producto final. Lo mismo se puede decir de la extraordinaria sección rítmica.

Un sorprendente y gran disco.

La Habitación del Jazz

 

BRENDA EARLE STOKES CD: Motherhood

 

Pistas

1.The Endless Wait 2.This is Your Childhood 3.Who Am I Now? 4.Where Are the Mothers? 5.Kathleen 6.Loose Tooth Blues 7.Saying Goodbye 8.Sharp Edges 9.The Strength of a Woman 10.Happy Mother's Day

 

Intérpretes

Brenda Earle Stokes – voz, piano

Ingrid Jensen - trompeta

Evan Gregor- contrabajo

Ross Pederson - batería

Melissa Stylianou – coros

Nicole Zuraitis - coros

  

Grabado el  8 y 9 de  octubre de 2023 en Samurai Studios,  Queens, NY.

Coros grabados el 30 de octubre de 2023 en35th Street Studio, Nueva York.

Fecha de publicación: 10 de mayo de 2024

 

Brenda Earle Stokes es una cantante, pianista y educadora originaria de Sarnia, Ontario, Canadá. Comenzó a estudiar piano clásico a la edad de cuatro años. Se interesó por el jazz a los 15 años, después de escuchar a Oscar Peterson por primera vez. Recibió la beca Oscar Peterson para estudiar piano de jazz en la Universidad de York, en Toronto y se benefició de la tutoría de su ídolo. Después de graduarse, pasó unos años tocando en Toronto. Comenzó a desarrollar seriamente sus habilidades de interpretación cuando trabajó en un bar de piano en cruceros por el Caribe.

Ella comenta sobre la experiencia: “Aceptar pedidos seis noches a la semana durante varios años fue una gran experiencia educativa para mí. No solo tuve que aprender cientos de canciones, sino que también tuve que aprender a mantener la atención del público y a conectar con la gente”. Después de ganar suficiente dinero, decidió ir a Nueva York, donde planeaba estudiar y sumergirse en la escena del jazz. Terminó en la Manhattan School of Music, donde obtuvo una maestría en piano y voz de jazz.

Desde entonces ha acompañado a figuras como John Riley, Dick Oatts, Joel Frahm, Roxy Coss, Wycliffe Gordon, Maurice Hines y la DIVA Jazz Orchestra entre otros. Ha realizado residencias en el Kennedy Center y el Banff Center for Fine Arts y fue finalista del Mary Lou Williams Jazz Piano Competition. También ganó el concurso Sister’s in Jazz de la IAJE (Asociación Internacional de Educadores de Jazz) y fue reconocida como una de las mejores artistas de jazz emergentes de su generación.

Stokes también es una reconocida educadora musical y empresaria. Dirige un estudio privado en la ciudad de Nueva York que atiende en persona a estudiantes locales y, como una de las primeras en adoptar la formación en línea, ha enseñado a estudiantes de todo el mundo con su sitio web, The Virtual Musician. También posee un canal  de YouTube, Piano and Voice with Brenda.

La curiosidad musical de Stokes la ha llevado a trabajar profesionalmente como directora coral, vocalista clásica, organista de iglesia, directora musical off-Broadway, profesora de música para niños pequeños y animadora de piano en un bar de cruceros. Estas experiencias musicales aparentemente no relacionadas la han ayudado a desarrollar su versatilidad y fluidez como pianista y vocalista.

Su último álbum publicado hasta la fecha, el sexto de su carrera, se titula “Motherhood”. Es su primer álbum de larga duración de canciones originales. Una colección de 10 canciones sobre la experiencia de la "vida real" de ser madre en el siglo XXI. En él nos habla sobre el miedo, las expectativas, la alegría, la frustración, el trabajo invisible, la amistad, sobre los desafíos que enfrentan las madres modernas, el estrés, la inseguridad financiera, la cultura de las armas y la presión social de la imagen personal.

Stokes comenzó a componer esta música durante los primeros días de la vida de su hijo, anotando palabras en un cuaderno mientras empujaba el cochecito de su hijo por su vecindario de la ciudad de Nueva York.

Ocho años después, Stokes fue invitada a una residencia musical en el Banff Centre for Arts and Creativity en Alberta, Canadá, donde completó la mayor parte de las canciones para este proyecto. Docenas de notas de voz guardadas en su teléfono móvil, diarios llenos de ideas y observaciones sobre letras, le sirvieron de base para componer 8 canciones en solo 9 días.

Actualmente Stokes vive y trabaja en la ciudad de Nueva York y para este álbum contó con algunos de los músicos más destacados de la ciudad, entre ellos el bajista Evan  Gregor (Gary Burton, Dave Liebman, Phil Woods, Bob Dorough, John Fedchock), el baterista Ross Pederson  (Snarky Puppy, Patti Austin, The Manhattan Transfer) y la trompetista Ingrid Jensen. También las vocalistas Melissa Stylianou y la ganadora del Grammy Nicole Zuratis en los coros.

El disco abre con “The Endless Wait”, que reflexiona sobre la identidad del niño que lleva dentro, su conexión  con sus antepasados ​​conocidos y desconocidos.

Stokes descubrió que su hijo no podía recordar la mayor parte de su primera infancia y en “This is Your Childhood”, canta sobre que tal vez su infancia realmente les pertenece a ambos.

En “Who Am I Now?”, Stokes examina cómo cambia la identidad de una persona cuando un niño llega a su vida y se pregunta si está preparada para el desafío de la maternidad.

Stokes plantea el teórico cambio de imagen al ser madre en  “Where Are the Mothers?”. En general se guardan cientos de fotos de los hijos, pero casi ninguna de las madres. ¿Es la vergüenza que rodea el cuerpo cambiante de una madre la que lleva a esconder su cuerpo de las fotografías?

En la bonita canción “Kathleen”,  Stokes habla con una madre joven ficticia sobre todos los desafíos y responsabilidades de un nuevo papel como mujer.

Una madre ve el mundo a través de los ojos de su hijo en “Loose Tooth Blues”, con un fantástico sonido stride. 

“Saying Goodbye” trata sobre la sensación agridulce de ver a tu hijo crecer ante tus ojos demasiado rápido y saber que un día, inevitablemente, se irá.

Stokes en “Sharp Edges” habla, con algo de conversación-canto,  sobre los peligros y la toxicidad de las redes sociales  y enfermedades que los niños se pueden encontrar en el mundo moderno. Detrás, el grupo le acompaña de forma impecable, resultando este uno de los cortes más jazzísticos del álbum.

El góspel está presente en el emotivo  “The Strength of a Woman”, en el que Stokes pone en valor el coraje y la perseverancia de las mujeres comunes y corrientes y les desea un feliz Día de la Madre en “Happy Mother’s Day”, tema animado con el que cierra el disco.

“Motherhood” tiene jazz, góspel y pop-elegante. Stokes nos envuelve con su voz expresiva que va como anillo al dedo en estas canciones que cuentan historias conmovedoras y esperanzadoras;  alegres, agridulces y, a veces, desalentadoras. Los músicos que le acompañan son profesionales de calidad y así lo demuestran en cada corte del álbum. 

Un álbum recomendado a las madres y padres, presentes y futuros, y a los amantes de la música relajada y bien construida.

 

La Habitación del Jazz

JOEL LYSSARIDES & GEORGIOS PROKOPIOU CD: Arcs & Rivers

 

Pistas

1.Arcs 2.Anamnesis 3.A Night in Piraeus 4.Echoes 5.Rivers 6.Lyssarides Lament 7.Kamilieriko Road 8.Orange Moon 9.From East to West 10.Zafeirious Solo

 

Intérpretes

Joel Lyssarides – piano

Georgios Prokopiou – bouzouki

 

Sello discográfico: ACT Records

Grabado en la ACT Gallery en Berlín, Alemania el 29 y 30 de abril de 2024.

Fecha de publicación: 27 de septiembre de 2024

 

El pianista sueco Joel Lyssarides se graduó en el Royal College of Music de Estocolmo. Ha trabajado con una amplia gama de artistas, entre ellos Anne Sofie von Otter, Benny Andersson, Nils Landgren y Viktoria Tolstoy. Recientemente, participó en el homenaje a E.S.T. 30, que celebra la música de Esbjörn Svensson. Desde su lanzamiento en 2022, el álbum debut de Lyssarides “Stay Now”, ha tenido en Spotify 25 millones de reproducciones. Actúa en clubes de jazz, festivales y giras con artistas de jazz, música clásica, blues y pop. Pero a  pesar de su versatilidad, el jazz sigue siendo el núcleo del trabajo de Joel Lyssarides. En su infancia, se escuchaban discos de Miles Davis, Charlie Parker, Thelonious Monk y muchos otros, que desempeñaron un papel fundamental y sirvieron como inspiración inicial. Entre sus influencias posteriores se encuentran artistas como Chick Corea, Keith Jarrett y Gonzalo Rubalcaba. Ha recibido numerosos premios y reconocimientos nacionales e internacionales de jazz.

Georgios Prokopiou, originario de Atenas y ahora afincado en Estocolmo, empezó a tocar el bouzouki con tan solo seis años y medio. Hizo su debut en concierto a los ocho años y a los diez ya actuaba en los bares de Atenas. Trabaja tanto en contextos clásicos como en música folclórica y experimental. Además del bouzouki, también toca el saz o bağlama, además de otros instrumentos de cuerda.

Ambos han publicado "Arcs & Rivers". Lo grabaron tras un concierto de ensayo en la ACT Art Collection en Berlín, en  el mismo lugar. Todo el álbum se grabó en una sesión, en cuatro horas, principalmente con primeras tomas. También se incluyó una canción grabada en vivo en el concierto ensayo, titulada "Zafeirious Solo".

La combinación de piano y bouzouki no es precisamente algo usual en un disco de jazz.

El bouzouki es un laúd de mástil largo, cuerpo redondeado, tapa plana y diapasón con trastes. Sus cuerdas de acero, tocadas con púa, producen un sonido metálico y agudo similar al de una mandolina, pero con un tono más bajo. No se ha determinado el momento exacto en que el bouzouki llegó a Grecia. Sus orígenes se remontan al siglo IV antes de Cristo.

Al principio se utilizaba en bares, fiestas y festivales, y su uso ha contribuido al resurgimiento a partir de los años 60, del rebético, al que a menudo se denomina “el blues griego”. El instrumento se ha convertido en un símbolo de la música folclórica griega, especialmente a través de las obras del compositor Mikis Theodorakis.

Hasta ahora, el bouzouki nunca había sido protagonista  como instrumento de jazz. Sin embargo, esto ha cambiado con este trabajo.

La gestación de esta colaboración viene de lejos. Lyssarides tiene cierta vinculación con la música griega. "Los vínculos y las conexiones no son evidentes", dice  Lyssarides, "pero provienen de mi abuelo, un grecochipriota que llegó a Suecia en los años 40. Siempre me gustó la música griega, pero no la conocía muy bien. En cualquier caso, siempre me ha fascinado el buzuki. Durante la pandemia me compré un instrumento y empecé a aprenderlo un poco. Navegando por Internet descubrí a Georgios en un concierto en la televisión en homenaje a Theodorakis”.

Lyssarides fue a escuchar a Prokopiou tocar en directo, habló con él después y quedaron en una sesión. Tocaron juntos, rápidamente se dieron cuenta de que se llevaban bien y en verano de 2023 consiguieron una cita para dar su primer concierto juntos.

El disco comienza con la elegante y romántica "Arcs", donde Lyssarides y Prokopiou intercambian el protagonismo sin estridencias. Le sigue otro tema romántico de Prokopiou titulado “Anamnesis”. "A Night In Piraeus" es más intensa, y es una referencia a “A Night In Tunisia” de Dizzy Gillespie. Lyssarides vive en una casa en el bosque, a media hora de Estocolmo. Prefiere componer de noche, en silencio, sin distracciones. Esto se refleja en muchas de sus composiciones como esta introspectiva canción titulada “Echoes” o en la titulada “Lyssarides Lament”, un tema corto, donde hay matices flamencos. El bonito “Rivers” suena más clásico.

“Kamilieriko Road” suena a tradición, a danza y divertimento que, no obstante, encierra algo trágico.

De nuevo la delicadeza más absoluta de apropia de ambos músicos en “Orange Moon”. “From East to West” también suena a folclore tradicional, a sirtaki. El disco cierra con “Zafeirious Solo” de Stelios Zafeiriou. Es la única pista en vivo del álbum, grabada durante un concierto de ensayo en la ACT Art Collection en Berlín. Se puede decir que es la pieza con más connotaciones del folclore griego del álbum.

El dúo es cautivador y su integración se produce de forma natural, nada forzada, es como si estos dos instrumentos hubieran estado tocando juntos hace décadas.

Un más que interesante disco.

La Habitación del Jazz

JIM WITZEL QUARTET CD: Breaking Through Gently

 

Pistas

1.My Compass 2.Firefly Waltz 3.The Celebration  4.Abjohn 5.Hello My Friend 6.The Little Dragon  7.Old Friends 8.Breaking Through Gently

 

Intérpretes

Jim Witzel – guitarra

Phil Aaron – piano

Dan Feiszli – contrabajo

Jason Lewis - batería

 

Sello discográfico: Joplin & Sweeney Music Company

Grabado el 26 y 27 de julio en Opus Studios , Berkeley, California

Fecha de publicación: 20 de septiembre de 2024.

 

El guitarrista, compositor y educador Jim Witzel creció en la ciudad de San Rafael, en el norte de la Bahía de San Francisco. Comenzó el aprendizaje de  la guitarra a los doce años. Exploró varios estilos (folk, pop, rock y blues) y comenzó a estudiar guitarra de jazz en la escuela secundaria con el conocido maestro e intérprete de la Bahía de San Francisco, Dave Smith.

Después de graduarse en la escuela secundaria, asistió a la Universidad Estatal de San Francisco, donde completó una Licenciatura en Artes Interdisciplinaria de Artes Creativas (Énfasis en Música). Allí se centró en la composición de bandas sonoras para películas y grupos de jazz. En esta Universidad tuvo la oportunidad de estudiar con el legendario saxofonista alto, John Handy.

Después de graduarse, trabajó como freelance en clubes y conciertos de la Bahía de San Francisco, como líder y acompañante de músicos como Mark Isham, Art Lande, Mike Clark, Delbert Bump, Michael Barsimanto, Glenn Cronkite, Mike Formanek, Chris Amberger y Todd Dickow. Durante este período, se unió a la banda "Life is Color" junto con el vocalista Jesse Foster y el vibrafonista Jon Ericson. Poco después recibió una beca de estudio de National Endowment for the Arts, donde estudió con los guitarristas Jack Wilkins (Nueva York) y Howard Roberts (Los Ángeles).

Cuando se mudó a Los Ángeles, Witzel se asoció con la cantautora Joyce Yarrow para explorar el lado “jazz-pop” de la escena musical de Los Ángeles. Trabajó como freelance con músicos tan destacados como Bob Sheppard, Scott Colley, Henry Butler, Richie Cole, Casey Schuerell y Clay Jenkins. Grabó un álbum en trío (“Up Until Now”) con el bajista John Patitucci y el baterista Ralph Penland. Estudió con  los guitarristas Joe DiOrio y John Abercrombie.

Antes de regresar al Área de la Bahía, grabó su primer disco de música completamente original (“Give and Take”) con Ernie Watts, Russ Ferrante, Marc Johnson, Ralph Penland y John Abercrombie. Después de mudarse al Área de la Bahía, formó una nueva banda que interpretaba el material de “Give and Take”. Actualmente es miembro de la facultad (profesor de estudios de guitarra de jazz) en la Universidad de Santa Clara. Ejerce una amplía actividad como docente en la escuela pública y en su estudio de enseñanza privado.

Tras sus dos primeros lanzamientos, “Give and Take” (1993) y  “Feelin' It” (2022) lanza su tercer álbum titulado “Breaking  Through Gently”. Le acompañan viejos amigos: Phil Aaron, que cofundó junto a Witzel el grupo Hyperion, donde también estaban Eric VonEssen y Tony Jones, tocando  una mezcla de estándares de jazz y temas originales compuestos por miembros de la banda, trabajando en clubes de la zona metropolitana de Los Ángeles. Además de liderar su propio trío, sigue trabajando como músico acompañante de innumerables cantantes y otros instrumentistas en la próspera escena de clubes de la zona. También compone  para cine, televisión y publicidad; Dan Feiszli, bajista e ingeniero que ha tocado y/o ha sido ingeniero de sonido en docenas de álbumes, incluido “Feelin' It” de Witzel; y el baterista Jason Lewis,  músico muy ocupado que ha actuado con muchos artistas musicales conocidos de todos los géneros, incluidos Gary Burton, James Moody, Mark Murphy, Norma Winstone, Larry Coryell y Boz Scaggs, entre muchos otros.

El disco lo integran 8 temas de los que tres son composiciones originales de Witzel: el tema que abre el álbum, “My Compass”, una canción animada que tras la el solo de guitarra nos presenta a Aaron con otro solo al piano. El segundo tema de Witzel es “Abjohn”, dedicado al  guitarrista John Abercrombie, del que afirma: “un maestro, mentor y amigo” y “No traté de imitar a John en esta melodía. Quería capturar su espíritu caprichoso y reflexivo”. Interesante la labor de Feiszli al contrabajo. El tercer tema es “The Little Dragon”, un tema rápido donde Witzel vuelve a demostrarnos su habilidad a la guitarra, así como Aaron al piano, Feiszli al contrabajo y Lewis a la batería.

Aaron por su parte firma cuatro temas: “Firefly Waltz”, un vals a medio tiempo que Witzel y Aaron han tocado durante muchos años. “The Celebration”, una canción desenfadada y alegre, que suena funky. “Hello My Friend”, una hermosa balada y la canción principal, “Breaking Through Gently”, que cierra el álbum.

Por último Witzel ha incluido un tema de Paul Simon, “Old Friends” en honor a sus compañeros músicos del álbum. Witzel la ralentiza con respecto a la versión original, lo que aumenta el sentimiento introspectivo de la misma, dotándola de una gran belleza.

Witzel es una figura importante en la escena del jazz del norte de California.  

“Breaking  Through Gently” es un álbum de jazz contemporáneo y a la vez lírico, con originales más que interesantes y una brillante interpretación.

La Habitación del Jazz

 

MYLES SANKO CD: Let It Unfold

 

Pistas

1.Unfolding 2.Dream Chaser 3.I Feel the Same 4.Stronger 5.Working It Out 6.More Than This 7.Let Go 8.Won’t Be Lonely 9.Refuge 10.Peace of Mind 11.No More Running 12.Say It

 

Intérpretes

Myles Sanko – voz, coros (1,3-9,11,12), sintetizador (11), Rhodes (12)

Gareth Lumbers – saxo tenor (1,3-5,8-11), flauta  (1,3,5,10,11)

Samuel Ewens – trompeta (6,8,9), flugelhorn (5-8,10), sintetizador (9,11,12)

Chris Booth – guitarra eléctrica

Tom O’Grady – piano (1-9,12), Rhodes (4,6-8)

Jon Mapp – bajo eléctrico (1-10,12), sintetizador (2,5,6)

Ric Elsworth – batería (1-11), percusión, congas (7), marimba (1,2,3), vibráfono (8,11)

 

 

Sello discográfico: 213 Music

Grabado en 213 Studios

Fecha de publicación: 4 de octubre de 2024

 

El cantante, compositor y productor británico Myles Sanko, nació en Acra (Ghana). Con raíces en Ghana y Francia, su música refleja una mezcla de diversas influencias culturales y resiliencia.

Su trayectoria comenzó con orígenes humildes, cantando y rapeando en clubes nocturnos de Cambridge.

A lo largo de los años, Sanko ha colaborado con artistas como Gregory Porter, Martha High, China Moses, Ben l’Oncle Soul, Nicola Conte,  y el director ganador del Grammy GastWaltzing, por citar algunos.

En 2013, lanzó de forma independiente su álbum debut "Born In Black & White" en su sello discográfico, 213 Music, llamando la atención de sellos discográficos internacionales. A este trabajo le siguieron “Forever Dreaming” en 2014, “Just Being Me” en 2016,  “Memories Of Love” en 2021 y “Live at Philharmonie Luxemburgo“ en  2023, en los que muestra una mezcla de soul y jazz.

Sanko se ha marcado el objetico de publicar 15 álbumes antes de cumplir 60 años de edad.

Acaba de presentar su sexto disco que lleva por título  “Let it Unfold” del que es productor y distribuidor  a través de su propio sello, 213 Music.

El disco abre con “Dream Chaser”,  una composición de Sanko y O’Grady. La canción defiende la perseverancia, confianza en uno mismo y la búsqueda incansable de los sueños. Enfrentar los traumas del pasado, animando a las personas a permanecer firmes en sus viajes. Sanko explica: "Esta canción es para cualquiera que haya tenido un sueño y se haya enfrentado a dudas o reveses. Es un recordatorio de que tus sueños son válidos y vale la pena perseguirlos, y que no estás solo en tu viaje". Como es habitual en Sanko, las letras son significativas y la música es una mezcla de soul y jazz.

“I Feel the Same”, de los mismos compositores, transmite un poderoso mensaje de empatía y solidaridad. Sanko aborda la experiencia universal de la conexión humana, enfatizando que a pesar de nuestras diferencias y orígenes, todos estamos unidos por emociones y luchas comunes, un grito de guerra por la igualdad y la inclusión. Independientemente de la raza o la etnia, todos experimentamos amor, dolor y alegría. Sanko afirma: "Esta canción es un reflejo de mis propias experiencias como hombre de raza mixta, pero el mensaje se extiende a todas las personas. Se trata de derribar barreras y reconocer que todos somos iguales. Debemos unirnos contra el racismo, la xenofobia y abrazar la belleza de la diversidad".

“Stronger” de Sanko y O’Grady, refleja el viaje de autodescubrimiento y perdón de Sanko, en particular hacia sus padres por los desafíos que enfrentó en su infancia. Reconoce el dolor y las luchas que soportó, pero expresa gratitud por la fuerza que obtuvo de esas experiencias. Sanko comparte: "Crecer fue una verdadera montaña rusa de emociones e incertidumbre para mí. A los 16 años, había vivido en varios países diferentes, me había mudado de casa más veces de lo que cualquier niño debería y, en consecuencia, recibí una educación muy esporádica. Con mi padre trabajando en el mar durante la mayor parte del año y mi madre luchando con la salud mental mientras trataba de cuidar a tres niños, nuestra familia enfrentó innumerables desafíos. Experimenté muchas formas de abuso y pasamos de tenerlo todo en un momento a perderlo todo al siguiente". Un tema que sigue la línea soul, jazz y hip-hop.

“Working It Out” también de Sanko y  O’Grady  explora temas como la confianza en uno mismo, la perseverancia y el manejo de la ansiedad. Sanko afirma: "Esta canción es muy personal para mí y trata sobre mi viaje de lidiar con la ansiedad y la presión de demostrar mi valía a los demás. Estoy tan concentrado en lograr mis metas en la vida que rara vez me tomo un momento para hacer una pausa, respirar y reconocer lo que he superado. Es un recordatorio para ser amables con nosotros mismos y apreciar el progreso que logramos, sin importar cuán pequeño sea. Esta canción refleja mis propias experiencias y crecimiento". El soul y el jazz siguen presentes.

“More Than This” es otro original de Sanko y  O’Grady. "Quería que esta canción resonara en mis oyentes a un nivel emocional profundo", dice Sanko. "'More Than This' trata sobre reconocer nuestro valor y luchar por el amor y la vida que realmente merecemos. Al crecer e incluso hoy, he tenido una sensación interna de no ser lo suficientemente bueno y digno del amor y la pertenencia de los demás. Esto viene de la infancia, por lo que estoy usando esta canción como una forma de terapia para recuperar mi valor". El soul y el jazz se encuentran en este tema, donde la voz hablada cobra protagonismo junto al fliscorno de Ewens.

Le sigue “Let Go” de Sanko, una canción de ritmo pegadizo y bailable que nos anima a seguir adelante. Sanko mezcla el soul, el jazz,  el hip-hop  y las influencias rítmicas de sus raíces ghanesas, creando un sonido moderno e inconfundible.

“Won’t Be Lonely”, de Sanko y O’Grady, con su sonido atmosférico combina el soul y el R&B. Un tema estimulante. Sanko afirma: "Cuando crecí, no siempre tuve a alguien en quien apoyarme durante mis momentos de necesidad, y a menudo tuve que enfrentar esos desafíos por mi cuenta. Tuve la suerte y la resiliencia suficientes para encontrar mi camino, pero sé lo difícil que puede ser ese viaje. Con esta canción, quiero recordarles a las personas que me importan que no tienen que enfrentar sus luchas solos: siempre estaré allí para ellos, sin importar lo que pasen". Una canción de esperanza ante las situaciones difíciles de la vida y cómo podemos afrontarlas en compañía de alguien.

“Refuge” de Sanko sigue la línea argumental y sonora de sus predecesores. Musicalmente sonido elegante y la voz de Sanko aterciopelada.

"Peace of Mind" de Sanko y O’Grady, explora la relación padre-hijo. "Convertirme en padre me ha llevado a reflexionar profundamente sobre varios aspectos de mi infancia para asegurarme de no repetir esos errores con mi hijo" afirma Sanko. Una emotiva balada como no podía ser de otra manera que se aparta algo del estilo general del álbum.

“No More Running” también de Sanko y  O’Grady sigue la estela del anterior corte, balada de medio tiempo en la que Sanko toca el sintetizador, que da paso a  “Say It” de Sanko, que toca el Rhodes, un rítmico tema con el que cierra el disco.

Sanko sabe llegar a lo más profundo del oyente, actuando de terapia. Su suave voz junto a los músicos que le acompañan crean estados de ánimo especiales y muy personales.

Un trabajo reflexivo, muy logrado.

La Habitación del Jazz

DAVID LENKER & VICENTE SOLSONA CD: A Few Remarks

 

Pistas

1.Quiet Girl 2.Yesterday 3.Remembering The Rain 4.Nobody Knows 5.Blue Ballad 6.Pools 7.Willow Weep For Me 8.Think of One 9.Aguas de Marzo 10.Un Ramito de Violetas

Intérpretes

David Lenker – piano

Vicente Solsona – guitarra

 

Sello discográfico: LaLabelWeb

Grabado en Estepona (Málaga, España) en junio-agosto de 2022

Fecha de publicación: 2024

 

David Wilson Lenker, pianista y compositor nacido en Harrisburg (Pennsylvania, EE.UU) se inició en el piano desde pequeño, y comenzó a componer a los quince años de forma completamente autodidacta. Como pianista, fue conocido como intérprete de jazz e improvisador, grabando numerosos discos como tal.

En 1987 se trasladó a España, formó varios tríos y grabó el CD “Imperfections” (2001).

Compuso bandas sonoras para películas entre 1988 y 1994 en colaboración con el cineasta francés Vincent Biarnés. Colaboró en varios grupos, trabajando con artistas como Clark Terry, Madeline Bell, Jorge Pardo, Perico Sambeat, Carles Benavent, Steve Waterman, Bob Sands o Antonio Mesa. También compuso música clásica, con composiciones como sus “Variaciones para violín” (2007), “Suite para violoncelo” (2008), "Estudios Amables" para piano y “Piezas Andaluzas”.

En 2015 su proyecto "Entreculturas" (flamenco-jazz) se presentó en Alemania.

En España, tocó en muchos festivales de jazz.  Como compositor/letrista es autor de un gran número de canciones que grabó con varios artistas españoles e internacionales. Escritor divertido y reflexivo, dibujante y pintor con una sólida formación académica en Bellas Artes por la Carnegie Mellon University (Pittsburgh) y excelente cocinero, su vida se truncó prematuramente e inesperadamente en junio de 2023 cuando se encontraba en su momento creativo más fértil y productivo.

Vicente Solsona Dellá  es Licenciado en Composición por el Conservatorio Superior de Málaga y posee el Título Profesional de Guitarra, instrumento que toca desde los siete años. Se ha formado con reconocidos artistas del jazz como Ximo Tébar, Perico Sambeat, Daniel Flors o Jose Carra, así como con profesores del ámbito clásico como Marco Socías o Gaëlle Solal. Ha formado parte de un buen número de grupos en Valencia y en Málaga, actuando frecuentemente en conciertos y jam sessions a lo largo de toda la costa mediterránea. Tiene publicados dos discos con su nombre y sus composiciones para ballet y cine han sido estrenadas en el Teatro Cervantes de Málaga, destacando la composición íntegra de la música para la obra de ballet inclusivo «Vestigio» de la compañía Dan Zass de Madrid, representada en numerosos teatros de la geografía española. Sus investigaciones sobre Inteligencia Artificial aplicada a la Música han sido divulgadas a través de la Asociación de Música Electroacústica de España (AMEE).

Ambos músicos desarrollaron durante más de diez años, una gran amistad, colaboración musical y admiración mutua. Fruto de ello, es este trabajo titulado “A Few Remarks”, grabado en Estepona (Málaga, España) en 2022 y que acaba de publicar el sello LaLabelWeb.

El primer corte que aparece en el álbum es el titulado “Quiet Girl” compuesta por Billy Childs, uno de los compositores estadounidenses más destacados de su época, y perteneciente a su álbum “Acceptance”. Una bonita balada en la que Lenker y Solsona dejan meridianamente claro su empatía musical.

Sigue el inmortal  “Yesterday” de Lennon & McCartney, perteneciente al álbum de The Beatles titulado “Help”. La versión de Lenker y Solsona se acerca más a música de cámara que al pop. Una bonita forma de abordar esta canción sin caer en la rutina. 

“Remembering The Rain” se publicó en 1978 dentro del álbum del pianista Bill Evans titulado “New Conversations”. Una preciosa canción y una preciosa interpretación llena de sensibilidad.

“Nobody Knows” de Michel Legrand, forma parte de la banda sonora de la película de 1970 titulada “The Magic Garden of Stanley Sweetheart”. Tema introspectivo,  interpretan transmitiendo la tensión justa.   

“Blue Ballad” es el único tema original del disco. Compuesta por Lenker, esta triste y melancólica canción, encaja a la perfección con el espíritu del resto de temas del álbum. Qué bonita canción y qué bella interpretación.

“Pools” está compuesta por el teclista de Steps Ahead, Don Grolnick y se publicó en 1983 dentro del álbum homónimo del grupo. Sin duda Lenker y Solsona saben realzar lo bueno de cada composición.

La inigualable “Willow Weep For Me” compuesta en 1932 por Ann Ronell, que se la dedicó a George Gershwin por el apoyo que recibió de éste al principio de su carrera. En la versión que realizan, añaden algún cambio de ritmo funky, pero conservando su belleza original.

Thelonious Monk grabó “Think Of One” en 1953. Un típico tema Monk, con todo lo que ello conlleva. La versión es fiel al tema original y por ello, extraordinaria. 

Del brasileño Antonio Carlos Jobim incluyen la inmortal “Aguas de Marzo” de 1974. Conservando el espíritu bossa  original nos llevan por senderos jazzísticos de buen swing.

El disco cierra con “Un Ramito de Violetas” escrito por la cantautora española Evangelina Sobredo Galanes,  conocida artísticamente como Cecilia. La canción se publicó en 1975 dentro del álbum del mismo título. Canción que no es fácil versionar sin caer en el tópico, pero el dúo lo hace de maravilla, intercalando la melodía con acertadas improvisaciones.

Los temas elegidos para este trabajo forman un todo homogéneo. La interpretación es fantástica, dejando claro Lenker y Solsona  la interacción  entre ambos músicos, cuya amistad trasciende al escucharlos.

Me ha sorprendido muy gratamente este álbum y sus intérpretes, a los que no conocía.  

La Habitación del Jazz

Nestor Dimopoulos & Evgenia Karlafti's Organ Trio (Music Soup) CD: Upbeat Mood

 

Pistas

1.Korean Apartment 2.A Day in the Park  3.Around the World 4.My Little Red Book 5.Freeland (To O.P. With Love) 6.Fun Island  7.Upbeat Mood  8.Appointment in Athens

Intérpretes

Nestor Dimopoulos – guitarra

Evgenia Karlafti – órgano B3

Vagelis Kotzabasis – batería

Invitados

Kym Purling – piano (3, 6)

Henry Gergen – trompeta  (8)

 

Sello discográfico: Chicken Coup/Summit Records

Fecha de publicación: 6 de septiembre de 2024

 

Nestor Dimopoulos comenzó a tocar la guitarra clásica a temprana edad. Estudió guitarra de jazz en el Berklee College of Music de Boston (Diploma en Música Profesional) y tuvo la oportunidad de estudiar con profesores destacados como Ed Tommasi, Garrison Fewel, Ron Savage y tocar con artistas de todo el mundo. Después de terminar sus estudios en Berklee, tomó lecciones privadas de improvisación de jazz con Jerry Bergonzi durante dos años.

Tras una década en los Estados Unidos regresó a Europa, comenzó a tocar como líder de banda o acompañante en festivales de jazz, clubes y eventos especiales.

Dimopoulos enumera a varios músicos que han influido en su estilo como Joe Henderson, Grant Green, McCoy Tyner y Elvin Jones, entre otros. Y destaca el álbum titulado “Solid” de Grant Green.

Evgenia Karlafti nació en Atenas. Estudió piano clásico en el Conservatorio Nacional M. Kalomoiris, donde obtuvo el diploma de solista con honores por su extraordinaria musicalidad. Se graduó en la Universidad Nacional Kapodistrian de Atenas, en el Departamento de Estudios Musicales. Al mismo tiempo, participó en seminarios y clases magistrales con Constantin y Julia Ganev, Ida Margaritis, Paul-Badura Skoda, Stella Dimitrova y perfeccionó sus estudios con el pianista Igor Tarasansky.

Como cantante de jazz, ha asistido a clases magistrales y seminarios de canto  con Gege Telesforo, Shawn Monteiro y Bob Stolloff. Ha trabajado extensamente para el teatro y ha colaborado con el Teatro Nacional de Grecia, el Anfiteatro Sp. Evangelatos, la Ópera Nacional como instructora musical, co-repetidora y/o como músico de orquesta. También ha tocado como solista y como miembro de conjuntos de música de cámara.

Ha colaborado con muchos músicos aclamados de Grecia y del extranjero que provienen de diferentes tradiciones y géneros musicales, grabando y/o tocando en vivo con  Sonia Theodoridou, Maria Joao y Savina Yannatou, entre otros.

Vangelis Kotzabasis nació en Atenas en 1983. A los 14 años empezó a recibir clases de batería con Yiannis Stavropoulos y también estudió guitarra y teoría musical. Se graduó en la Universidad Jónica estudiando con Dimos Dimitriadis, George Kontrafouris, Stefanos Andreadis y Alexandros Drakos Ktistakis. Desde 2007 enseña, graba y actúa en conciertos, principalmente de jazz, blues y pop.

Dimopoulos y Karlafti tocaron juntos en un  concierto allá por 1998 y desde entonces no han dejado de colaborar. En 2006 formaron el grupo denominado Music Soup,  cuyo álbum debut fue "Cut to the chase", publicado en 2016. En 2014 se les unió Kotzabasis.

Han publicado “Upbeat Mood”,  con siete temas originales y uno de Burt Bacharack.

La grabación "Korean Apartment" con la que comienza este álbum, fue compuesta por Dimopoulos y Karlafti  durante una estancia prolongada en Corea del Sur. Como muchas de las piezas del repertorio del grupo, la canción fue compuesta originalmente para piano y guitarra, y la parte del teclado fue reconfigurada posteriormente para órgano. El tema tiene un gran ritmo y energía, tomando giros inesperados por parte de la guitarra y el órgano.  

Sigue un tema de Dimopoulos titulado "A Day in the Park", un swing suave propiciado por la batería de Kotzabasis. Karlafti apoya el fraseo elegante de Dimopoulos y nos brinda un excelente solo.

El pianista Kym Purling interviene en este tema titulado  "Around the World" sin interferir para nada en el desarrollo de la canción, integrándose de forma natural. Otro tema lleno de swing, agilidad  y fuerza.

La única canción no original del álbum es un tema poco conocido de Burt Bacharach, "My Little Red Book". Arreglos arriesgados salpican esta canción con constantes cambios de ritmo, incluso de estilo.

Karlafti es la autora de "Freeland (To O.P. With Love)", una especie de tributo a su ídolo Oscar Peterson,   inspirada en dos de las composiciones originales de Peterson, "Hymn to Freedom" y "Wheatland".

En el funky  "Fun Island" interviene de nuevo Kym Purling que como en la anterior ocasión, se integra de forma perfecta.

A continuación la canción que da nombre al álbum, “Upbeat Mood”, una canción divertida y desenfadada donde los tres componentes del trío muestran su empatía. 

El disco cierra con "Appointment In Athens" donde interviene el trompetista Henry Gergen (miembro de la Banda de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos del Pacífico-Asia con sede en Japón). Gergen aporta un nuevo color al grupo con su poderoso solo. 

“Upbeat Mood” es un álbum accesible, funky y amable que incluso resulta divertido de escuchar y con una excelente interpretación.

 

La Habitación del Jazz

 

MYRA BROWNBRIDGE CD: The Voyage Out

 

Pistas

1.The Voyage Out 2.Weathering the Storm 3.Entangled 4.As Dreams Are Made 5.Sweeter Than Honey 6.The Joy of Being 7.Icarus

Intérpretes

Myra Brownbridge – contrabajo, voz

Tom Ollendorff - guitarra

George Garford – saxo alto

Tony Kofi – saxo alto (4)

Matthew Holmes – batería

 

Grabado en Strongroom Studios, en abril de 2022  y mayo de 2023

Fecha de publicación: 18 de octubre de 2024

 

Myra  Brownbridge siempre se sintió atraída por la música y la creatividad, ya sea cantando, tocando un piano o una guitarra. Sin embargo, cuando descubrió el contrabajo en la escuela de música, y el ambiente que reinaba en la  banda de jazz, liderada por Phil Meadows, comenzó a adentrarse en el mundo de este estilo musical  y se dejó arrastrar por esa música. Después de menos de un año estudiando contrabajo, le ofrecieron una plaza en la Purcell School for Young Musicians estudiando música clásica. En el verano, antes de comenzar en Guildhall, le otorgaron una plaza en la escuela de verano Jazz House Kids bajo la tutela de Christian McBride y otros músicos y tutores legendarios como Marcus Printup. Luego continuó en la Guildhall School of Music and Drama para estudiar con Colin Paris.

Se trasladó a estudiar a Trinity Laban con Steve Watts, Calum Gourlay y Paul Westwood y se graduó en 2021. Tras graduarse, recibió el premio a la innovación de Trinity Laban y el premio Ed Renshaw. También participó en las Summer Sessions de JazzDanmark bajo la tutela de mentores como Jakob Bro, Midori Takada y Billy Hart.

Ha actuado en los lugares más prestigiosos de Londres con su propia banda, así como con la leyenda del saxofón británico Tony Kofi. Ha realizado giras por Alemania con Zara McFarlane y ha tocado junto a la BBC Concert Orchestra, Tomorrow's Warriors, NYJO y la Nu Civilization Orchestra.

Algunos de los aspectos más destacados de su carrera hasta la fecha, incluyen actuar con Tony Kofi en varios proyectos de Thelonious Monk en lugares como Ronnie Scott's, Band on the Wall y Jazz Café, realizar giras con Zara McFarlane en Alemania, unirse a la Ukulele Orchestra of Great Britain en partes de su gira por el Reino Unido y una colaboración con Tomorrow's Warriors interpretando la música de Duke Ellington junto a la BBC Concert Orchestra y la Nu Civilization Orchestra.

Le resulta increíblemente gratificante trabajar en educación musical y talleres comunitarios y le apasiona el papel fundamental que puede desempeñar la música para conectarnos con nosotros mismos y con nuestros congéneres.

Acaba de lanzar su álbum debut, titulado “The Voyage Out”, y en esta aventura le acompañan algunos de los mejores músicos del Reino Unido: el guitarrista Tom Ollendorff, el baterista Matthew Holmes,  el saxofonista George Garford y un invitado especial, el saxofonista Tony Kofi que participa en una pista.

El álbum lleva el nombre de la primera novela de Virginia Woolf, “The Voyage Out”, y de alguna manera Brownbridge establece un paralelismo entre su álbum y los primeros escritos de Woolf. Se trata de los primeros pasos de ambas artistas, en sus respectivas carreras artísticas.

La música de Brownbridge se sustenta en el jazz pero con tintes de folk. También nos brinda, temas con un swing animado y ritmos latinos como en “The Joy Of Being” y de samba en  “Weathering The Storm”. Las baladas predominan en este trabajo, como en la canción que da nombre al disco, “The Voyage Out” y “As Dreams Are Made” donde interviene el saxofonista Tony Kofi. En el breve “Entangled”, Brownbridge muestra su lado innovador y nos sorprende cantando en el tema que cierra el álbum, “Icarus”, una delicada nana. Las composiciones de Brownbridge están tiernamente elaboradas. Su forma de atacar el contrabajo es delicada, sin invadir terrenos ajenos, incluso cuando realiza solos.

Una artista con un presente interesante a la que habrá que seguir su evolución.

La Habitación del Jazz