GUIDO SPANNOCCHI CD: Kammermusik

 

Pistas

1.Echoes of Your Formal Education 2.Imaginary Capetown 3.Seven Dials Triptychon 4.Pensées / Meditations 5.Full Moon on the Bosporus 6.DKT 7.Kivu 8.Contra Corrente 9.Retrospect

Intérpretes

Guido Spannocchi - saxo alto

Danny Keane – violonchelo, sintetizador 

Andrea Di Biase – contrabajo

James Larter – vibráfono, campanas tubulares, percusión

Sello discográfico: Audioguido Records 

Grabado en Fish Factory, Londres, el 30 y 31 de enero de 2025 

Publicado el 24 de abril de 2026

El saxofonista Guido Spannocchi, nacido en Viena (Austria) y residente en Londres (Inglaterra), ha cosechado elogios de la crítica gracias a su tono delicado y su enfoque único, que combina el vocabulario del jazz con su formación rodeada de composiciones clásicas. Su producción musical original, bajo su propio sello discográfico, le ha asegurado conciertos con entradas agotadas desde Ronnie Scott's en Estados Unidos hasta Senegal, desde la Semana de la Moda de Vogue en Tokio, pasando por Brasil, Ghana, Nigeria, Sudáfrica y Europa, hasta el Festival de Jazz de Londres.

Cuando no está de gira, Spannocchi organiza sesiones de música en directo en Londres. 

“Kammermusik” es el primer álbum de estudio de Spannocchi en cinco años, tras su gran éxito  “Perihelion” en 2021. En este trabajo, Spannocchi explora su infancia en Viena, rodeado de música clásica, y muestra cómo su vida profesional en Londres se manifiesta con un sonido moderno y cosmopolita, influenciado también por sus experiencias e impresiones de extensas giras, en las que abraza los sonidos del mundo.

En “Kammermusik” participa algunos de sus amigos y colaboradores más cercanos: el violonchelista Danny Keane (Anoushka Shankar, Mulatu Astatke ...), compositor nominado al Grammy , la contrabajista Andrea Di Biase, nacida en Milán (Italia) y residente en Londres  y el percusionista solista de la Orquesta Filarmónica de Londres, James Larter, al vibráfono y campanas tubulares.

Para Spannocchi, esta es su obra más íntima, serena y radical hasta la fecha, presentando un sonido completamente nuevo, sin batería pero en absoluto falto de ritmo. 

La música combina lenguajes de jazz, música de cámara contemporánea y toques exóticos, manteniéndose fresca y alejada de clichés y tópicos, fusionando la formación en música clásica recibida en Viena con las experiencias vividas en Londres y giras.

El disco fue grabado y mezclado en Londres por Raphael Spannocchi, su hermano. La masterización corrió a cargo de Simon Kummer e incluye un texto filosófico del padre de Guido Spannocchi, el Dr. Eugen Spannocchi.

En Kammermusik, Spannocchi explora su infancia en Viena, rodeado de música clásica, y la fusiona con las influencias del jazz y su vida como músico de gira, ahora afincado en Londres.

El tema de apertura, “Echoes of Your Formal Education”, nos ofrece una melodía fluida donde Spannocchi expande su sonido suave y evocador. Larter nos deja un solo algo juguetón que da paso de nuevo al saxo alto, que finaliza el tema. 

Sobre “Imaginary Capetown”, Spannocchi afirma: “está dedicado a los artistas y bajistas sudafricanos de gran legado, Herbie Tsoaeli, cuyo álbum “African Time” tuvo un efecto inspirador fascinante en mí y a quien, tras doce años de planificación y preparación, pude conocer en Ciudad del Cabo y Johannesburgo en otoño de 2025”. Este tema cuenta con la participación de Danny Keane al violonchelo y al sintetizador, que contribuye a ampliar la paleta sonora del grupo. Una pieza relajada y cálida.

“Seven Dials Triptychon”, se inspira en las laberínticas calles del centro de Londres inmortalizadas por Charles Dickens. Lo desconocido, los emocionantes paseos nocturnos, se dan cita en esta canción, con la presencia constante de Di Biasi y Keane. 

“Pensées / Meditations”, está inspirada libremente en el primer movimiento del Cuarteto de Cuerdas n.º 2 de Schoenberg. Una pieza oscura y de gran profundidad. El jazz de club, decadente, y lo clásico, caminan cogidos de la mano. Los intérpretes alternan diálogos, complementándose. Un tema destacado del álbum.

"Full Moon on the Bosporous" es otro tema relajado, que nos transporta a profundos bosques, remansos de paz y naturaleza. Lo tradicional, el jazz y lo clásico se unen en esta bonita pieza.

“DKT” es una canción juguetona, exploradora de sonidos y peculiares ritmos cambiantes. Bellos sonidos evocadores de danzas tradicionales. Larter nos brinda un excelente solo. Otro momento más que interesante del álbum. 

En “Kivu” hay que prestar especial atención al violonchelo y al saxo alto. Una pieza introspectiva, con cierto sabor oriental y centroeuropeo.

En “Contra Corrente”, Spannocchi nos deleita con el saxo alto en la primera mitad del tema, dando paso al vibráfono que acelera el ritmo y tiene la réplica del alto, etérea y brillante.  

La emotiva interpretación de Spannocchi sirve de entrada a “Retrospect”, el tema que cierra el álbum. Di Biase ofrece un interesante solo. Un relajado y elegante diálogo de Larter y Spannocchi pone rumbo a la finalización, algo inesperada,  de este señorial corte.  

No hay batería, pero su ausencia no se echa de menos. Todos los músicos disponen de mucho espacio para desarrollar y exponer sus ideas.

Spannocchi nos encandila con su sonido y su sensibilidad compositiva, llena de matices clásicos y jazzísticos.

En conjunto, este es un álbum íntimo, cautivador, que relata experiencias personales.

La Habitación del Jazz

GAFIEIRA RIO MIAMI CD: Beleza Pura

 

Pistas

1.Tô Voltando 2.Dama Ideal 3.Você Não Entende Nada 4.Pé do Meu Samba 5.Um a Zero 6.A Voz do Morro 7.Mas Que Nada 8.Trilha do Amor 9.Só Danço Samba 10.A Volta da Gafieira

Intérpretes

Isa Duarte – voz (1,2,4,7,8)

Eggy – coros (7,8), voz (10)

Diogo Brown – bajo, rap (10)

Phill Fest – guitarra (2,7,10)

Davi Mello – guitarra (1,3,6,8-10) 

Igor Souza – guitarra de 7 cuerdas (4)

Tito Camargo – piano (1,2,3,5,6,8)

Livan Mesa – piano (7)

Cassio Coutinho – piano (7,10)

Gilmar Moraes – órgano (2)

Wesley Cosvosk - batería

Dada Costa - percusión

Hugo Luiz, Adriano Borba y Laercio Da Costa–percusión (8)

Erick Chacon – flauta (5)

Rodolfo Madruga – cavaco (1,4,6,8)

François De Lima . Trombón (10)

Joel Martinez - trombón 

Ben Sparrow – saxo tenor (7,10)

Amed Torrecilla – saxo tenor (1,3-6,8-10)

Yainer Horta – saxo alto (1,3-6,8-10)

Jason Arkins, saxo alto y tenor (2,7,10) 

Peter Francis – trompeta (1,3,4,6,8-10)

Kate Hamann – trompeta (1-6,8-10)

Kissis Muñoz – trompeta (7,10)

Invitados

Roberta Sá (3), Yamandu Costa (5), Luciana Mello (6),

Tony Succar (7), Antonio Adolfo (9), Nestor Torres (9) y Eylen Ramon (7),  Eggy (10)

Grabado entre enero 2025 y septiembre de 2025, en Golden Dome Studios, Fort Lauderdale, Miami 

Publicado 25 de octubre de 2025

Gafieira Rio Miami es una vibrante big band brasileña con sede en Miami (Florida, EE.UU), una ciudad cargada de  influencias caribeñas, centroamericanas y sudamericanas, rebosante de música latina en festivales, teatros y clubes. Es una de las bandas más populares de la zona dedicada a celebrar la riqueza y la energía de la cultura brasileña. Fundada en 2020 por el bajista y productor brasileño Diogo Brown (Buika, Laura Pausini, Nouvelle Vague, Gloria Estefan...), ganador del Latin Grammy, la agrupación traslada el espíritu de los icónicos salones de baile gafieira de Río a los escenarios internacionales contemporáneos, fusionando la tradición con un toque fresco y moderno.

“Gafieira” es una palabra en portugués brasileño que significa honky-tonk, lugares donde se practicaba la libre expresión, desafiando las normas sociales de la época. La gafieira es un subgénero de la samba que evolucionó entre las décadas de 1940 y 1960.

Al igual que la música de las grandes orquestas estadounidenses, que a menudo se interpretaba en salones de baile, la gafieira evolucionó como un estilo de baile para parejas. Para los brasileños, la palabra gafieira evoca a los bailarines de samba.

Compuesta por músicos de Brasil, Venezuela y Estados Unidos, Gafieira Rio Miami es un vivo reflejo del vibrante espíritu multicultural de Miami. El grupo se ha convertido rápidamente en una fuerza única en la escena musical estadounidense, ofreciendo al público una experiencia auténtica y electrizante donde la música, la danza y la diversidad cultural se unen. 

“Beleza Pura” es su segundo álbum de estudio, tras “Bring Back Samba” (2023), y el lanzamiento en vivo “Live at The Black Room Sessions” (2024). Para este trabajo cuentan con una serie de extraordinarios artistas invitados, como son Roberta Sá, Yamandu Costa,  Luciana Mello, Tony Succar, Antonio Adolfo, Nestor Torres, Eggy y Eylen Ramon.

Aunque el álbum se grabó en Miami, los arreglos son todos originales y fueron escritos en Brasil por Ricardo Gilly, quien ha trabajado con algunos de los nombres más famosos de la música brasileña, como Djavan y Edu Lobo, entre otros.

Desde el primer corte del disco,“Tô Voltando” compuesta por Mauricio Tapajós y Paulo César Pinheiro, ya podemos prever el contenido del disco que tenemos entre las manos. Música enérgica, festiva, percusiva, rítmica a tope, puro brasil.

“Dama Ideal”, de Arnaldo Passos y Alcebíades Nogueira,  es una gafieira tradicional, que habla sobre encontrar la pareja de baile para la gafieira. Como en la anterior canción, Isa Duarte pone la voz.

En “Você Não Entende Nada” de Caetano Veloso, la voz corresponde a la invitada Roberta Sá, nominada en 2017 al Latin GRAMMY al Mejor Álbum de Samba/Pagode. En cierta manera, la atmósfera se relaja. 

Isa Duarte vuelve a cantar en “Pé Do Meu Samba” , también compuesta por Caetano Veloso. Un viaje por los lugares emblemáticos que representan la esencia de la música brasileña. 

“Um a Zero” es un choro compuesto por Pixinguinha y Benedito Lacerda, que cuenta con la intervención  de otro invitado, Yamandu Costa con su guitarra acústica,  aportando una velocidad adicional al tema. Música festiva con Costa y a la flauta Eric Chacon, como principales protagonistas

Luciana Mello pone la voz en “A Voz Do Morro” de Zé Keti, reflejando la alegría que la samba brinda a la clase trabajadora más humilde, haciéndoles olvidar todas su penas

Qué decir del famoso tema de Sergio Mendes  “Mas Que Nada” al que añaden un toque de rap por parte de Diogo Brown. Isa Duarte pone su voz y Eggy los coros. Además cuenta con la participación del maestro de la percusión, Tony Succar, compositor, arreglista, director de orquesta y productor peruano-estadounidense, ganador de dos premios Grammy Latinos, y la vocalista cubana Eylen Ramon. La banda suele cerrar sus actuaciones con este fantástico tema.  

Isa Duarte interpreta “Trilha do Amor”  donde el saxofonista Yainer Horta, ganador del GRAMMY al Mejor Álbum de Jazz Latino en 2026, ofrece un solo espectacular.

A continuación un tema de Antonio Carlos Jobim y Vinicius de Moraes titulado “Só Danço Samba”, interpretado a un ritmo muy vivo,  con el pianista invitado Antonio Adolfo, que ofrece un brillante diálogo con el flautista, también invitado, Néstor Torres y otros miembros de la banda.

Cierran el álbum con la voz de la invitada Eggy en un tema llamado “A Volta Da Gafieira”, de Dedé da Portela y Dida, una nueva pieza que rebosa ritmo y alegría. 

Como dice Antonio Adolfo: «Traer la atmósfera de los salones de baile del centro de Río de Janeiro y São Paulo de los años 50 a la actualidad es un verdadero regalo. Fue un gran honor para mí participar en un tema del álbum, ya que también pude viajar al mundo de la gafieira en su máximo esplendor, ¡disfrutando del ritmo y la excelencia de esta maravillosa big band!»

“Beleza Pura” reúne 10 canciones que expresan el sonido alegre, potente y cautivador de la música Brasileña.

Prepárense para disfrutar y bailar con este álbum.

La Habitación del Jazz

FRANCESCA CONFORTINI / RYAN MACKENZIE CD: Mosaico

 

Pistas

1.Rosa Morena 2.Casa Forte 3.How Insensitive 4.Accendi Una Luna Nel Cielo 5.Tarde Em Itapoã 6.Eu Vim Da Bahia 7.Tristezza 8.Carinhoso

Intérpretes

Francesca Confortini - voz

Ryan Mackenzie - arreglos

Ed Rice - piano

Luca Boscagin - guitarra

Matheus Nova - bajo

Marcinho Pereira - batería

Barak Schmool - percusión

 

Sello discográfico: Tessera Records  

Publicado el 20 de marzo de 2026

La vocalista, compositora y arreglista Francesca Donfortini nació en Milán (Italia), si bien lleva muchos años viviendo y trabajando en Londres (Inglaterra). Allí obtuvo una licenciatura en Interpretación de Música Popular. Actualmente cursa un máster en Estudios de Jazz en la Guildhall School of Music and Drama.

Tras graduarse en el liceo clásico de Milán, se incorporó a la prestigiosa academia de teatro musical SDM (La Scuola del Musical).

Ha actuado en algunos de los escenarios más prestigiosos de Europa: 100 Club, Estadio de Wembley y Ronnie Scott's de Londres;  Blue Note de Milán, Grand Hotel de Paris en Mónaco. Ha colaborado con artistas como Yusuf Islam (Cat Stevens), Francesco Mendolia (Incognito), Giuliano Dottori (Amor Fou), Leif Searcy (Emma Marrone, Malika Ayane) y muchos otros.

Desde 2018 imparte clases de interpretación musical y canto contemporáneo en el ICMP London - The Institute of Contemporary Music Performance.

Ryan Mackenzie es un compositor, arreglista y director musical, nacido en Aberdeen (Escocia).

A los siete años, sorpresivamente, pidió clases de piano. Poco después, incorporó el violín y se sumergió en la cultura de las sesiones musicales escocesas, donde el repertorio se aprende escuchando, memorizando y conversando, en lugar de a través de partituras.

Durante su adolescencia, realizó giras por el Reino Unido, Estados Unidos y Canadá con los Strathspey Fiddlers.

Más tarde, fue finalista en dos ocasiones del Campeonato de Violín Glenfiddich, una competición exclusiva por invitación limitada a seis intérpretes de todo el mundo cada año, un honor excepcional para un músico aún adolescente. Mackenzie estudió en el Real Conservatorio de Escocia de 2013 a 2017.Se especializó en piano clásico, completando su formación con clases de arreglos de jazz, ensayos de big band, producciones de teatro musical y acompañamiento para cantantes de diversos géneros.

Una lesión en el hombro durante la producción de Los Miserables puso fin a su carrera como intérprete y centró su atención definitivamente en la composición y los arreglos. Comenzó sus estudios particulares con Scott Stroman en la Guildhall School of Music & Drama, donde obtuvo una maestría en composición y arreglo. Posteriormente, continuó su colaboración con Vince Mendoza —una influencia musical clave y mentor. Ha colaborado con una amplia gama de artistas, entre ellos Pixie Lott, Alan Cumming, Gabrielle Aplin, Rob Brydon, Benj Pasek, Colman Domingo, Donna McKechnie, Wayne Sleep y Christina Bianco.  Como  compositor e intérprete incluye colaboraciones con la Royal Philharmonic Orchestra, la BBC Scottish Symphonic Orchestra, la Royal Scottish National Orchestra, la Scottish Chamber Orchestra y la English Chamber Orchestra. Actualmente compone y arregla para orquestas, big bands, conjuntos de cámara y colaboraciones interdisciplinarias. Aunque reside en Londres, mantiene una relación activa con la comunidad folk escocesa.

El interés de Mackenzie por la bossa nova orquestal se consolidó durante un viaje a Río de Janeiro en 2018, donde vio a Maria Rita en concierto y sus canciones y música brasileñas lo conmovieron profundamente. "Sus álbumes fueron mi puerta de entrada a la música brasileña. De hecho, arreglé varias canciones que escuché para mi portafolio de solicitud de maestría en Guildhall. Lo que comenzó como una atracción instintiva se convirtió más tarde en una comprensión más estructurada a través del estudio y el trabajo de arreglos", escribe MacKenzie en las notas del álbum.

Por su parte, la pasión de Confortini por la música brasileña le viene de su crianza en Milán y sus vínculos familiares con el histórico intercambio cultural italo-brasileño.

Confortini y Mackenzie se conocieron en la Guildhall School of Music & Drama y unen su amor por la música y sus talentos, para crear un álbum de jazz brasileño con un marcado sabor latino, titulado "Mosaico".

El álbum abre con "Rosa Morena", de Dorival Caymmi. Confortini aborda la canción con voz cálida y no exenta de cierta picardía, realiza un bonito scat. Los arreglos de MacKenzie hacen brillar las secciones de metales y rítmica. Una canción festiva que invita a bailar. 

Sigue “Casa Forte”, de Edu Lobo, con Tereza Catarov y Francesca Raimondi-Taylor acompañando a Confortini. Como en el tema anterior, los ,metales tienen gran protagonismo y , cómo no, la percusión. Nova destaca con buen solo de bajo. Que no pare el ritmo y el baile. 

Tiempo para el precioso “How Insensitive”, de Antônio Carlos Jobim y Vinícius de Moraes, con letra en inglés de Norman Gimbel. Mackenzie aplica unos  acertados arreglos a la sección de cuerdas, formato cámara, que realza el dramatismo de la canción. Confortini la interpreta con una preciosa emoción contenida. 

“Accendi una Luna Nel Cielo”, de Toquinho y Vinícius de Moraes, está cantada en italiano. Con arreglos que la hacen cinematográfica, Confortini la canta dulcemente, sin prisa, con voz y tono adolescente. Una bonita y romántica balada.

“Tarde em Itapoã”  de Vinícius de Morais y Toquinho es un reflexiva canción, sin mayores aspiraciones, en clave brasileña y pop.

“Eu Vim da Bahia”, la escribió Gilberto Gil al inicio de su carrera. Otra canción con ritmo de samba que sirve de contrapeso  a los dos temas anteriores. Confortini usa el scat con maestría, inmersa en sonidos orquestales. Ritmo contagioso que de nuevo invita a bailar.

El clásico y muy conocido "Tristeza", de Sergio Mendes y su Brasil ’ 66 nos anima a bailar y disfrutar. Canción festiva donde la orquesta toma un indiscutible papel protagonista.  

Para finalizar un trío Confortini-Boscagin-Schmool en "Carinhoso" de Pixinguinha y Braguinha. Una delicada canción, cautivadoramente interpretada por los tres y, si se me permite, destacaría la maravillosa interpretación de Confortini.

Confortini y la orquesta de Mackenzie, forman un todo indisoluble, que se complementan y retroalimentan. Los arreglos de Mackenzie son interpretados por Confortini con esa hermosa voz cálida que nos traslada a los mejores años de la música brasileña.

La Habitación del Jazz

NOA LEVY and PAUL EDIS Trio CD: Portrait in Evans

 

Pistas

1.Peri’s Scope 2.Only Child 3.Very Early 4.Blue In Green 5.Nardis 6.Waltz for Debby 7.Laurie 8.Time Remembered 9.We Will Meet Again 10.Turn Out the Stars 

Intérpretes

Noa Levy -  voz

Paul Edis - piano

Adam King - contrabajo

Joel Barford - batería

 Alan Barnes saxo, clarinete, clarinete bajo

Sello discográfico: Dot Time Records 

Grabado en Red Gables Studio, Londres, los días 9 y 10 de julio de 2024.

Publicado el 20 de marzo de 2026

Noa Levy, residente en San Francisco (California, EE.UU.) aunque nacida y criada en Tel Aviv (Israel), es una de las nuevas voces emergentes del jazz, habiendo ganado en el año 2020 A.D. el Sheila Jordan Award por su álbum de debut «You, Me & Col». En su enfoque musical las influencias de Ella Fitzgerald y Carmen McRae están muy presentes, pero también las de Brad Mehldau en su enfoque melódico. Ha actuado en algunos de los locales más prestigiosos de San Francisco, como SFJAZZ y The Fillmore. Su popularidad sigue creciendo gracias a una agenda repleta de conciertos en Estados Unidos, Reino Unido y Europa.

Inspirada por Ella Fitzgerald, Eva Cassidy y Carmen McCrae, Levy canta con un sonido swing, auténtico y vanguardista. La revista JAZZIT la describe como “una vocalista única, a la vez clásica y contemporánea”.

Actualmente, Levy deslumbra en la escena jazzística del Área de la Bahía de San Francisco, cautivando al público con un sonido auténtico y vibrante.

Por su parte, el pianista, compositor y arreglista  londinense Paul Edis, además de liderar su propio sexteto y trío, y de ofrecer conciertos en solitario, es uno de los músicos creativos más destacados del Reino Unido, con prestigiosos reconocimientos como el obtenido por el álbum “When Winter Turns To Spring” (Lateralize Records) al Mejor Álbum en los Parliamentary Jazz Awards 2023, junto a la vocalista Jo Harrop, con quien colabora habitualmente.

Edis ha colaborado con el saxofonista Vasilis Xenopoulos durante 20 años y ha actuado junto a otras figuras destacadas del jazz como Jon Faddis, Alan Barnes, Bruce Adams, Nigel Price, Jim Mullen, Tim Garland, Julian Siegel, Tony Kofi, Steve Waterman, Iain Ballamy y Mark Nightingale. 

Destaca también su vasto conocimiento, trabajando como pedagogo para organizaciones como Sage Gateshead, la Orquesta Nacional Juvenil de Jazz y el Colectivo Nacional Juvenil de Jazz. Su trabajo abarca tanto el jazz como la música clásica.

Noa Levy, se une a Paul Edis y su trío  formado por el baterista Joel Bradford, figura destacada en la escena musical juvenil, el contrabajista Adam King, ganador del Premio al Joven Músico de Jazz, y el Alan Barnes, dos veces ganador del Premio al Músico de Jazz de la BBC, como invitado al clarinete bajo, clarinete y saxofón, y publican “Portrait In Evans”, un álbum con la música original de Bill Evans con nuevas letras, interpretaciones vocales y arreglos originales.

La idea de grabar este álbum surgió después de que ambos tocaran juntos por primera vez en Londres hace unos años. Tras una larga espera entre la prueba de sonido y la actuación, y entre bastidores empezaron a charlar y pronto se dieron cuenta de que ambos eran grandes admiradores del gran Bill Evans.

Animados por la entusiasta respuesta del público durante las giras europeas, desarrollaron el proyecto hasta convertirlo en un álbum completo grabado los días 9 y 10 de julio de 2024.

Las composiciones de Bill Evans se enriquecen (?) con letras escritas por Paul Edis, Carol Hall, Paul Lewis, Meredith d’Ambrosio, Noa Levy, Gene Lees, Roger Schore y Bob Dorough.

Levy aporta lo que podríamos denominar “la novedad del proyecto” con su voz. Edis, una vez más, es un acompañante ideal, que dialoga con Levy. La sección rítmica, Adam King y Joel Barford, ofrece un soporte sólido, erigiéndose en una de las notas de calidad del disco. La presencia de Alan Barnes enriquece la paleta sonora del conjunto.

El tema de apertura  es la compleja "Peri's Scope", que apareció por primera vez en el álbum “Portrait In Jazz” (Riverside Records, 1959), cuando el pianista colaboraba con Scott LaFaro y Paul Motian. Edis pone la letra a esta alegre versión con mucho swing. Barford y King siguen los pasos de Paul Motian y Scott LaFaro respectivamente.

Le sigue  la balada “Only Child” que cuenta con la participación de Alan Barnes. Levy da la sensación de estar más cómoda que en el tema anterior.

“Very Early" es una delicada balada que Levy canta con sentimiento, en donde la parte instrumental tiene un peso muy importante (como en todos los cortes del disco).

“Blue In Green”, la compuso Evans para el maravilloso álbum de Miles Davis, “Kind of Blue”. En esta ocasión Barnes vuelve con el clarinete bajo. 

“Nardis” comienza con un scat de Levy acompañada por el piano de Edis, con un sonido claramente inspirado en el flamenco que da paso a una exhibición de alto voltaje a cargo del trío. La interpretación de Levy es una de las mejores del álbum.   

“Waltz For Debby” (escrita por Evans para su sobrina), es entonada con dulzura por Levy.

"Laurie" toma el ritmo de una animada bossa nova, que es interpretada con evidente relajación por el grupo.

Todo lo contrario ocurre en “Time Remembered”, donde la introspección se adueña del ambiente. Barnes con el clarinete aporta toques idílicos al tema.

“We Will Meet Again” eleva el nivel general del álbum antes de cerrar con "Turn Out The Stars",la canción de menor duración del disco, pero quizás la más “redonda”.

Noa Levy afirma: “Hay una franqueza emocional en las composiciones de Bill. Escribir las letras no se trataba de cambiarlas, sino de adentrarse en ellas”. Y añade: “Elegimos melodías compuestas por Bill en diferentes etapas de su vida musical y personal… hemos intentado “pintar un retrato” de Bill Evans como artista”.

Edis añade: “El reto no era añadir palabras, sino escuchar con la suficiente atención para captar lo que la música ya expresaba”.

No es discutible que el proyecto está elaborado con seriedad, cariño, respeto y profesionalidad. Sin embargo, el resultado final, nos deja algo decepcionados. Es como si la interpretación vocal y la instrumental fueran conjuntos disjuntos, que solo se tocan tangencialmente. 

“Portrait in Evans” es una obra ambiciosa, que entraña mucho riesgo. Este álbum, a los conocedores de la obra de Bill Evans les puede defraudar o incluso molestar. Para los que no conozcan el universo musical de Evans, seguramente lo disfrutaran más. 

La Habitación del Jazz

OPEN THREAD CD: Waiting Music

 

Pistas

1.Waiting Music 2.God’s Little Prefect 3.From the Deck 4.The Sideway 5.Pocket Rocket 6.Rattle Song 7.Travelling Home 8.The Surface 9.Egg On the Escalator 10.Prince of Spoons 11.Sumud

Intérpretes

Peggy Lee – violonchelo

Julien Wilson – saxo tenor

Theo Carbo – guitarras

Dylan van der Schyff – batería, campanas, cuencos

Sello discográfico: Earshift Music

Grabado en Warehouse Studio de Vancouver (Canada)

Publicado el 22 de mayo de 2026

Open Thread es un cuarteto australo-canadiense cuyo origen se gestó en 2023 a raíz del traslado de Peggy Lee a Melbourne y su deseo de conectar con músicos locales. Esto propició una reunión con músicos que culminó en una serie de actuaciones improvisadas en el Bar 303 de Melbourne, las cuales dejaron entrever las ricas posibilidades de su sonido colectivo. «La alegría que hemos sentido al crear esta música es algo que esperamos que los oyentes también sientan, encontrándola a la vez desafiante y gratificante con cada escucha», explica. El grupo reúne a cuatro voces singulares: Peggy Lee (violonchelo), reconocida improvisadora canadiense de formación clásica y prolífica compositora, quien impulsó el proyecto; Theo Carbo (guitarras), prodigioso guitarrista en varios géneros, que aporta una dinámica moderna y fresca al grupo, Dylan van der Schyff (batería, percusión), destacado percusionista de vanguardia, célebre por su estilo delicado y expresivo y Julien Wilson (saxo tenor, electrónica), figura prominente en la escena del jazz australiano, que aporta ricas texturas y destreza en la improvisación.

Su álbum debut homónimo, “Open Thread”, fue lanzado por Earshift Records

Este “Waiting Music”, su segundo álbum, se grabó en un solo día de junio de 2025 en The Warehouse Studio en Vancouver, y lo publica también el sello Earshift Music.

“Waiting Music” es un ambicioso álbum de jazz (?) improvisado, que fusiona texturas electroacústicas, ritmos experimentales y espontaneidad colaborativa en un paisaje sonoro en constante transformación.

No es música diseñada para la comodidad inmediata, requiriendo del oyente, cierta paciencia, apertura de ideas y ganas de adentrarse en lo desconocido..

Con un enfoque realmente original, su música es un constante reto de audición, con ideas radicales, que pueden llegar a confundir al oyente, pero siempre gratificantes.

El disco no podía empezar con un tema más inquietante y misterioso, “Waiting Music”, de Carbo, combina un riff de guitarra con el chelo de Lee, chirriando, llorando, implorando, junto a sonidos electrónicos, percusión y un saxo desbocado, antes de volver al riff inicial. Un interesante comienzo.

“God's Little Prefect”, también de Carbo, es una enérgica canción con reminiscencias pop, donde la percusión y el saxo juegan un papel protagonista. Las atmósferas se suceden y tras un explosivo comienzo, la calma inunda el ambiente para despedir el tema, que enlaza con “From the Deck”, de Lee, un tema circular, relajante y más cercano al jazz, pero sin adueñarse de él. Muy bonito saxo.

“The Sideway” de Lee, se adentra en terrenos progresivos y jazzísticos con matices tribales. Ritmo embriagador. Fantástico el chelo.

“Pocket Rocket” de Carbo, te envuelve en una abstracción de gran espiritualidad. La tensión aumenta progresivamente, para pasar a una sección de ruidos, notas aisladas, vibrantes, libres, que nada tienen que ver con el inicio.

“Rattle Song” es una breve improvisación colectiva que sirve de puente con “Travelling Home” de Wilson, una pieza oscura, cinematográfica, que va tomando impulso a medida que se desarrolla. Otra interesante canción. Como en otros momentos del álbum, Jan Garbarek sobrevuela el estudio.

“The Surface” de Lee, es otra pieza muy breve, muy bella, de corte clásico.

“Egg on the Escalator”, de Lee, es un alegre tema, sin excesivas pretensiones, que transmite vitalidad y “buen rollo”.

Con “Prince of Spoons”, de Wilson, volvemos a un mundo onírico, sideral. Un ritmo repetitivo aderezado con sonidos que, en cierta medida, recuerdan a ballenas en el fondo del mar.

El disco cierra con otra composición de Wilson, titulada “Sumud”, palabra que proviene del árabe y significa perseverancia. Una vibrante composición con texturas electroacústicas, de sabor árabe y a flamenco español.

“Waiting Music” nos muestra una serie de atmósferas que evolucionan a medida que se despliegan ante nuestros oídos, desde texturas sicodélicas pasando por momentos electroacústicos, hasta momentos de sutil delicadeza.

De alguna manera, Open Thread, juega con las emociones del oyente

La Habitación del Jazz

MARK CHRISTIAN MILLER CD: Strange Meadowlark

 

Pistas

1.Mr. Kicks 2.You Make Me Feel So Young 3.Strange Meadowlark/Skylark 4.Hello Love 5.Dream 6.I've Got My Love To Keep Me Warm 7.Early In The Morning 8.I'll See You In My Dreams 9.Sometimes

Intérpretes

Mark Christian Miller – voz, piano (9)

Robert Kylse saxo tenor, flauta, flauta alto

Josh Nelson – piano (7)

Chris Dawson – piano

Joe LaBarbera – batería

Chuck Berghofer – contrabajo

Publicado el 6 de febrero de 2026

Mark Christian Miller se ha consolidado como una presencia valiosa y apreciada en la escena del jazz de la Costa Oeste norteamericana. Como miembro de la junta directiva de la Sociedad de Jazz de Los Ángeles, colabora con la organización en sus numerosas actividades educativas y de presentación musical. En respuesta a los confinamientos por la pandemia, junto con otros miembros de la junta directiva de la Sociedad de Jazz, lanzó “Los Angeles Jazz Society Presents”, una serie de conciertos virtuales. La serie continúa y ha evolucionado para centrarse en jóvenes músicos emergentes.

Obtuvo una beca para estudiar música a tiempo completo en el Los Angeles City College, otorgada por el baterista David Alpert. Durante un concierto de honor en este centro, llamó la atención de Teri Merril-Aarons, fundadora de la Los Angeles Jazz Society, quien comenzó a contratarlo para los locales más importantes de la ciudad, colaborando frecuentemente con el pianista Gildo Mahones (Lambert, Hendricks & Ross, Lorez Alexandria, Lou Rawls). Tras conocer a Page Cavanagh en una jam session, Miller comenzó a trabajar, grabar y actuar con Cavanagh. El legendario representante artístico Alan Eichler lo invitó a participar en una serie de presentaciones con Anita O’Day.

Su álbum debut fue “Dreamer With a Penny” (Page Cavanaugh, Joyce Collins, Jane Getz). También comenzó a trabajar como programador y promotor de música en vivo. Durante siete años, organizó un ciclo de jazz los domingos por la noche en Chaya Brasserie, en Beverly Hills, donde presentó a jóvenes promesas como Sara Gazarek, Kris Bowers, Josh Nelson, Graham Dechter, Kathleen Grace y Margo Rey y a artistas consagrados como Page Cavanaugh, Betty Bryant, Jennifer Leitham, Julie Kelly y muchos más.

Durante dos años, programó música en Il Moro, en el West Side, donde presentó, entre otros, a Peter Erskine y a la aclamada pianista y cantante de Los Ángeles, Dini Clarke. En los últimos años ha trabajado de forma independiente y con Corniche Entertainment como promotor y agente de música.

Su segundo álbum lo publicó en 2015, "Crazy Moon" (Josh Nelson, Dave Robaire, Sammy Miller, Bob Sheppard, Ron Stout, Larry Koonse y Billy Hulting), al que siguió "Music in the Air" (Jamieson Trotter, Mike Gurrola, Kevin Winard, Larry Koonse, Danny Janklow).

Miller ha organizado cientos de veladas musicales en hoteles de lujo, salas de conciertos, restaurantes exclusivos y clubes nocturnos.

De formación mayormente autodidacta, actualmente estudia piano con Josh Nelson. “El piano me ha enseñado mucho sobre concentración, paciencia y constancia”, afirma. Sin duda, ha influido profundamente en mi canto. Nunca interpreto una canción que no haya aprendido también al teclado. Es sorprendente la poca cantidad de cantantes que hacen esto. La tendencia es aprender el material basándose en las interpretaciones de otros o trabajando con un acompañante. No hay nada de malo en ello, pero yo quiero comprender realmente la estructura de una canción. Fue particularmente útil en la canción que da título al álbum, ‘Strange Meadowlark’ de Dave Brubeck, que es extensa y compleja. La interacción entre acordes y melodía, la forma en que los grandes compositores utilizan todos los elementos de la composición y la teoría impregnados de emoción, es algo espiritual, un proceso de aprendizaje interminable.”

Recientemente ha publicado su cuarto álbum, “Strange Meadowlark”. Miller siempre se rodea de intérpretes de gran calidad, y este álbum no es una excepción. La sección rítmica cuenta con dos gigantes del género: Joe LaBarbera en la batería y Chuck Berghofer en el contrabajo. El pianista Chris Dawson aporta su característica combinación de lirismo y swing, y Robert Kyle, uno de los saxofonistas más solicitados de la Costa Oeste, que contribuye con la mayoría de los arreglos del álbum. Por último el gran Josh Nelson, interviene y arregla “Early in the Morning” de Ned Rorem.

La portada del álbum "Strange Meadowlark" es un acrílico sobre lienzo pintado por el propio Miller.

El álbum comienza con "Mr. Kicks", una canción compuesta por Oscar Brown, Jr. En 1962, popularizada por Jerry Raye en 1967. Los arreglos de Kyle, quien realiza un elegante solo al saxo, aportan un enfoque suave que se adapta muy bien el estilo de Miller, que ejecuta un scat medida la canción y otro al finalizar.

Miller hace una enérgica versión de “You Make Me Feel So Young” de Mack Gordon y Joseph Myrow, con Kyle como arreglista y a la flauta. Miller no solo canta una letra, sino que la vive y aquí rebosa alegría y juega con ella y nos invita a jugar con él.
La canción que da título al álbum, "Strange Meadowlark", compuesta por Dave y Iola Brubeck se une de forma fuida con “Skylark” de Johnny Mercer y Hoagy Carmichael, con arreglos de Dawson y el propio Miller. Una canción llena de amor y melancolía, con una hermosa interpretación de Miller y de Dawson.

"Hello Love” de Michael Barr y Dion McGregor, con arreglos de Dawson (delicado al piano) y Miller, es otra bonita canción de amor, conmovedora, a la que el saxo de Kyle aporta una atmósfera nocturna. Uno de los mejores momentos del álbum.

Dawson introduce "Dream" de Johnny Mercer y Miller nos envuelve con su suave voz, junto al cálido saxo de Kyle y el contrabajo, con un excelente solo, y batería, en un segundo, pero impecable, plano. Otro momento memorable del álbum.

"I’ve Got My Love to Keep Me Warm” de Irving Berlin, es una alegre canción que transmite optimismo, como los solos de Dawson y de Berghofer.

"Early in the Morning” de Ned Rorem y Robert Hillyer, cuenta con el talentoso Josh Nelson al piano y Kyle a la flauta. Nostalgia emocionante, recuerdos revividos. Los arreglos de Nelson dan fuerte protagonismo a la parte instrumental. Una bella canción y una bella interpretación en conjunto.

"I'll See You In My Dreams", de Isham Jones y Gus Khan, empieza lentamente pero enseguida el contrabajo la impulsa y junto al saxo y piano, logran un ritmo y una energía que Miller traslada a su interpretación. Además, podemos disfrutar de un solo de batería de LaBarbera.

El dúo The Carpenters interpretó en los años 70 el tema de cierre titulado “Sometimes”, con letra de un poema de Felice Mancini dedicado a su padre Henry quien posteriormente le puso música. Una tierna balada a la que han incorporado los arreglos Miller y Nelson. Esta es la primera grabación en la que Miller se acompaña al piano. Miller afirma: “Con el paso de los años, he encontrado una nueva cercanía con mi familia. Son una fuente de consuelo y felicidad. Me llevó un tiempo darme cuenta de ello”. Un hermoso cierre.

Miller es un narrador espléndido, con una elegancia innata que pone de manifiesto en este “Strange Meadowlark”, un excelente álbum.

La Habitación del Jazz

DISTANT BIRDS CD: Vol. 01 - Vol. 02

 

Pistas

Vol. 1

1.Drill 2.Sea Grass

Vol. 2

1.Spirit Level 2.Driver

Intérpretes

Chris Abrahams – teclados

Dave Symes – bajo

Evan Mannell – batería, percusión

Ellen Kirkwood – trompeta

Matt Ottignon – saxo barítono, saxo tenor

Sello discográfico: Earshift Music

Grabado en Studios 301, Challis Studios y Electric Avenue Studios 

Publicado el 15 de mayo de 2026

El teclista y compositor Chris Abrahams  nació en Oamaru, Nueva Zelanda, pero creció en Sídney, Australia.

Se involucró activamente en la escena del jazz de Sídney a principios de los ochenta, tocando con grupos de jazz moderno como los Freeboppers de Mark Simmonds y The Keys Music Orchestra. Junto con Lloyd Swanton, formó The Benders en 1982, una banda con influencias del jazz moderno de los años 60. Durante su trayectoria, la banda lanzó tres álbumes: “E”, “False Laughter” y “Distance”. 

En 1984, grabó y lanzó su primer álbum de piano solista, “Piano”, seguido en 1986 por “Walk”. 

En 1985, se convirtió en miembro fundador de la banda de indie rock de Sídney, The Sparklers. Gracias a esto,  comenzó a trabajar regularmente con la cantante y compositora Melanie Oxley, componiendo canciones y produciendo álbumes durante toda la década de los noventa. Con ella ha publicado cinco álbumes: “Resisting Calm” (1990), “Welcome to Violet” (1992), “Coal” (1994), “Jerusalem Bay” (1998) y “Blood Oranges” (2003). 

Abrahams lanzó su tercer álbum de piano solo, “Glow”, en 2001. Le siguieron “Streaming” en 2003, “Thrown” (2004), “Play Scar” (2010) y “Memory Night” (2013). 

Ha colaborado, tanto en grabaciones como en directo, con numerosos músicos de improvisación contemporáneos, entre ellos Burkhard Beins, Mike Cooper y Anthony Pateras. Actúa con regularidad en la escena de la música de improvisación tanto en Australia como en Europa.

El bajista y compositor Dave Symes es licenciado en Música por el Conservatorio de Música de Sídney, donde estudió con los maestros Craig Scott, Judy Bailey y Mike Nock.

Como miembro de Boy & Bear, ha logrado grandes éxitos en las listas, realizando giras por Australia, Norteamérica y Europa.

Desempeñando diversos roles como intérprete, compositor, productor y arreglista, ha colaborado con muchos grandes artistas australianos, como Missy Higgins, Sarah Blasko, The Sleepy Jackson, Marcia Hines, Keith Urban y los Whitlams, entre otros.

Mantuvo una estrecha relación artística y de mentoría con el fallecido Jackie Orszaczky, estudiando música bajo su tutela mientras actuaba y grababa en Australia y Europa. Bajo su atenta mirada y guía, la experiencia musical de Symes creció y su círculo musical se expandió.

Es miembro fundador de la banda de post-rock Prop, del grupo de punk-jazz Aronas y del trío de improvisación Informal Troupe. 

Ha colaborado en grabaciones o en directo con All Our Exes Live In Texas, Seeker Lover Keeper, Stu Larsen, Tim Hart, They Will Have Their Way, Grace Amos, K.I.T., Jade Macrae, Cristovam, Josh Pyke, Take Something Beautiful, Ben Gilles, Mat Walters, Brett Dennen, Tony Buck, Tina Harrod, Hamish Stuart, Lucie Thorne, Maples, Liz Martin, M Jack Bee y Moth.

Ambos músicos forman el grupo australiano Distant Birds, y acaban de publicar el pasado 15 de mayo el álbum titulado “Vol. 01 - Vol. 02”, en el sello Earshift Music.

Grabado en directo en tomas únicas, con el bajo como protagonista, sintetizadores Moog, Fender Rhodes y órgano Hammond, con secciones de viento intercaladas.

Los cuatro cortes del disco tienen una duración entre 15 y 18 minutos cada uno. La primera pista se titula"Drill". Symes marca unas líneas de bajo que se mantienen constantes durante todo el tema (esta característica se repite en todos los temas del álbum). Mannell acentúa el ritmo, mientras Abrahams entrelaza interesantes pasajes de con los teclados y Kirkwood y Ottignon se suman con capas de trompeta y saxofón.

“Sea Grass”, mantiene el efecto hipnótico de su antecesor, pero de forma más relajada. Una atmósfera sofisticada y cargada de sensualidad inunda el ambiente. Los teclados crean esa sensación de flotabilidad, con los vientos entrando y saliendo justo en el momento idóneo. Una canción para disfrutar tumbado y con los ojos cerrados.

Le sigue “Spirit Level”, también relajante, su ritmo sincopado con influencias reggae, permite que los teclados se expandan y los vientos se desplieguen con agilidad. Otra composición para dejarse llevar y soñar...  

El cuarto y último corte se titula “Driver”. De nuevo el ritmo enérgico de Mannell y el incansable bajo de Symes lanzan al grupo que se adentra en terrenos sicodélicos con tintes  soul. A medida que avanza su desarrollo, se hace más envolvente y fluido, aumentando en energía y texturas. Abrahams se marca una excelentes improvisaciones.

Las cuatro composiciones de Abrahams y Symes se desarrollan sobre ritmos hipnóticos, texturas evolutivas e interacción rítmica y juntos  crean un universo sonoro donde la repetición se convierte en signo de identidad junto a la improvisación. Sonido retro pero bañado en modernidad.

Puede dar la sensación de que las canciones se alargan innecesariamente, pero curiosamente te enganchan de tal modo que el resultado final es que te saben a poco.

En definitiva, música diseñada tanto para la escucha inmersiva como para la pista de baile.

La Habitación del Jazz

MEATSHELL CD: The Elevator Child

 

Pistas

1.The Elevator 2.The Kind That Cuts Deep 3.Maximum Anything 4.Scrape It Off 5.High Speed Jockey 6.Bliss

7.The Elevator Child 8.Pressure On Me 

Intérpretes

Andrew Saragossi – saxo alto, saxo soprano 

Helen Svoboda - voz, electrónicos, contrabajo, bajo eléctrico

Invitados

Roman MC – voz (8)

Dylan van der Schyff – batería (4)

Sello discográfico:  Earshift Music  

Publicado el 1 de mayo de 2026

Andrew Saragossi (saxo alto, saxo soprano) y Helen Svoboda (voz, electrónicos, contrabajo, bajo eléctrico). Tras mudarse a los Países Bajos desde su ciudad natal, Brisbane (Australia), en 2018, formaron MEATSHELL.

El grupo debutó un año después de su formación con el álbum "Afar"; su segundo álbum, "Since Subito", fue lanzado en 2021 por Earshift Music, un sello discográfico con sede en Sídney (Australia), fundado por el saxofonista y clarinetista de jazz, Jeremy Rose. Rose también ha patrocinado el último trabajo de Meatshell titulado "The Elevator Child".

Svoboda y Saragossi cuentan con dos invitados: Dylan van der Schyff en la batería, nacido en Johannesburgo, Sudáfrica, y residente en Melbourne, Australia, pero con ciudadanía canadiense, que interviene en "Scrape It Off" y Roman MC, que pone la voz en el tema "Pressure on Me".

El tema inicial, “The Elevator”, es toda una sorpresa. Un tema folk (?) con la original y sorprendentemente clara voz de Svoboda. Una pulsación se mantiene durante todo el desarrollo de la canción, a excepción de un interludio con sabor retro, que dura solo unos segundos, para retomar el hilo inicial. Elementos electrónicos unidos a el saxo de Saragossi, crean una atmósfera especial.

“The Kind That Cuts Deep” suena algo caótico; frases entrecortadas, mucha electrónica y la voz de Svoboda distorsionada. Jazz, pop electrónico, este tema no es definible ni catalogable. Un paisaje sonoro inconexo, futurista, no terrenal.

“Maximum Anything”, un tema absolutamente alocado y electrónico que apenas dura medio minuto y sirve de transición al siguiente corte titulado “Scrape It Off” construida sobre un ritmo potente generado por el baterista Dylan van der Schyff  y elementos electrónicos, que aportan ritmos  africanos, junto a voces surrealistas generadoras de gran tensión. 

Le sigue “High Speed ​​Jockey” en la misma línea, sonidos que semejan reproducciones al revés. Una verdadera locura musical. 

La etérea “Bliss”, protagonizada por las voces y sonidos del más allá, sirven de relax respecto a los dos temas anteriores. El saxo se entremezcla con las voces y las atmósferas electrónicas, acentuando el carácter espiritual de la canción.

El tema que da título al álbum, “The Elevator Child”, es una cautivadora canción en la que el saxo suena como si de una voz se tratara. Svoboda se marca uno acordes con el bajo eléctrico procesado electrónicamente, y el contrabajo al final del tema. 

El álbum cierra con "Pressure on Me". La voz de Svoboda doblada con elementos electrónicos es de gran belleza. Roman MC entra a mitad de tema como narrador, contrastando su voz grave y potente con la de Svoboda, que a continuación hace dúo con él. Me recuerdan al grupo nórdico Highasakite.

La duración del álbum es sorprendentemente corta (te deja con la miel en los labios).

Meatshell, desafían las limitaciones sonoras convencionales de sus instrumentos. Sus composiciones y su sonido son profundamente personales y vanguardistas.

Su falta de convencionalismo es total y su poder narrativo,  absoluto.

Junto a momentos caóticos y extravagantes, nos proponen otros llenos de ternura y sincero lirismo.

A pesar de su contenido complejo de este álbum,  sorprendente la facilidad con la que se escucha, incluso estando muy alejado del jazz. 

El resultado es rítmicamente vibrante, estructuralmente impredecible que te sumerge en un mundo surrealista y sombrío. 

Una obra desafiante.

La Habitación del Jazz 

ALESSANDRO FLORIO CD: Controra Avenue

 

Pistas

1. Reginella 2.Fratm´ Fa´ 3. Come Pioveva 4.Taneda 5.Will You Still Be Mine 6.Born to Be Blue 7.Punta Germano 8.Trouble #02

Intérpretes

Alessandro Florio – guitarra

Kyle Koehler – órgano Hammond

Carmen Intorre Jr. – batería

Troy Roberts – saxo tenor (4,5,8)

Lura Taglialatela – voz (6)

Grabado en octubre de 2025 en Tedesco Studios, Paramus , New Jersey

Publicado el 17 de abril de 2026

El guitarrista y compositor Alessandro Florio, se graduó en la Civica Scuola di Jazz de Milán, donde estudió con Franco Cerri y Enrico Intra, entre otros. Comenzó a actuar en Italia, primero con el Guitar Ensemble de Franco Cerri y durante cuatro años con el Urban Jazz Trio.
En 2008 se trasladó a los Países Bajos para estudiar en el Conservatorio Prince Claus (un prestigioso conservatorio de jazz con profesorado estadounidense), donde obtuvo una licenciatura en guitarra, arreglos y composición. Posteriormente, cursó un máster en interpretación de jazz, estudiando en los Países Bajos y Nueva York bajo la tutela de Freddie Bryant, Mark Whitfield, Peter Bernstein, Paul Bollenback, Ed Cherry y Frank Wingold.
Asistió a diversos seminarios y talleres donde perfeccionó sus habilidades con: Paul Bollenback, Joey De Francesco, Jerry Weldon, George Cables, Benny Golson, Jimmy Cobb, Mike Stern, Pat Martino, Ralph Alessi, Harold Mabern, Eric Alexander, Peter Bernstein, Ali Jackson, David Liebman, Barry Harris, James Moody, Garrison Fewell, John Clayton, Vincent Herring, entre otros.
Ha colaborado y actuado con músicos como Alex Sipiagin, Mark Gross, David Berkman, Freddie Bryant, Gene Jackson, Don Braden, Pat Bianchi, Greg Cohen, Bruce Williams, Fabrizio Bosso, Flavio Boltro, Gege' Telesforo, Max Ionata, Daniele Scannapieco, Tullio De Piscopo, James Senese, Tony Esposito, Franco Cerri, Silvia Mezzanotte, Peppe Vessicchio, Marco Zurzolo, Ernesto Vitolo, Giovanni Amato, el Cuarteto Ernesto Aurignac y muchos otros.
Además de sus tres álbumes como líder: "Back to the Blue Coast" (2020), "Taneda" (2014) y "Roots Interchange" (2015), ha grabado como músico de acompañamiento con diversos grupos de jazz italianos e internacionales.
Desde 2020, forma parte de "Tullio de Piscopo and Friends", el "Tony Esposito Sextet" y el "Flavio Boltro Double Drums Sextet".
Es el fundador de "Jazz and Collaborative Leadership", un curso especial del máster del prestigioso programa MIP del Politécnico de Milán. Desde 2017, ha impartido clases de guitarra jazz en los Conservatorios de Udine, Catanzaro, Matera, Cesena y en el Conservatorio "G.F. Ghedini" de Cuneo, donde actualmente enseña.
También impartió en el Conservatorio de Pavía el curso que él mismo creó y fundó, "Teoría en la Práctica", basado en las técnicas de improvisación específicas de Barry Harris.

Diez años se ha hecho esperar el nuevo trabajo del guitarrista y compositor italiano, Alessandro Florio y su trío. Florio se presenta acompañado por Kyle Koehler (Don Braden, Ed Cherry...) al órgano Hammond, Carmen Intorre Jr. (George Benson, Wynton Marsalis, Pat Martino...) a la batería y los invitados Troy Roberts (Joey DeFrancesco, Kurt Elling...) al saxofón tenor y la vocalista Laura Taglialatela.

El nombre del disco “Controra Avenue” hace referencia a las horas más calurosas de la tarde en el sur de Italia y a una avenida ficticia de Nueva York.

Ocho canciones de las que tres son composiciones de Florio, dos canciones de autores italianos y tres son estándares norteamericanos.

Los temas “Reginella” (L.Bovio,G.Lama) y “Fratm´ Fa´” (A. Florio), dos temas con mucho swing, saben a mediterráneo, con acento norteamericano, mientras que “Come Piovera” (A. Gill) y “Punta Germano” (A.Florio) son dos baladas románticas, las cuatro interpretadas a trío.

“Taneda” es una excelente composición de Florio, al más puro estilo funky, donde interviene Troy Roberts al tenor, al igual que en “Will You Still Be Mine” (M. Dennis) y en “Trouble #02” (S. Turrentine), lo que dota a los tres temas de un carácter jazzístico inequívocamente norteamericano. Este último corte no estaba previsto, pero Troy Roberts lo empezó a tocar en el estudio, el trío lo siguió y el resultado se puede escuchar. En estos tres temas el trío se transforma en un cuarteto con una energía desbordante. Por último una bonita versión del clásico “Born to Be Blue” (M. Torme, R, Wells), otro estándar en trío, acompañados de la vocalista Laura Taglialatela, que aporta un toque de sensual frescura al álbum.

Las ocho piezas se grabaron en una o dos tomas cada una, y el resultado es pura música de trío de órgano por un lado y de cuarteto con saxo por otro, dos atmósferas que se integran y complementan a la perfección.

La Habitación del Jazz

IRATI BILBAO CD: Bloom

 

Pistas

1.The Tree 2.Bloom 3.I Fall In Love Easily 4.¿Hacia Dónde? 5.Intimate 6.Devil May Care 7.Places 8.Mendian Gora

Intérpretes

Irati Bilbao -  voz 

Mikel Nuñez -  piano 

Fran Serrano -  contrabajo

Aitor Bravo-  batería 

Sección de vientos: 

Álvaro Zarzuela - trombón

Xabier Arriola -  fliscorno, trompeta

Haizea Martiartu - saxofón 

Sello discográfico: Errabal Jazz

Grabado en Mecca Recording Studio en Oiartzun, Guipúzcoa (España).

Irati Bilbao es una cantante y compositora española nacida en Durango (Vizcaya). Licenciada en Historia del Arte y graduada superior en Interpretación de Canto Jazz por el conservatorio superior Musikene, bajo la tutela de Deborah J. Carter. Ha participado en diversos proyectos como Irati Bilbao Quintet, Ekuru, Bilbao Lindy Band, Reunion Big Band, Sweet Margot, Swingtronix, Ahots Argiak, The Gospel Six. Josu Bergara & Akorde Txikiak, Reunión Big Band, Manixa Jazz Choir, Jazzbana Ensemble  o Sarrabete.

Bilbao cita a tres mujeres como fuentes de inspiración: Nancy Wilson, por su forma de narrar las letras y su técnica; Ella Fitzgerald “porque hizo que yo quisiera cantar jazz cuando escuché sus solos de scat”, y  Esperanza Spalding, “por su creatividad sin límites y por ser capaz de conseguir que algo muy complejo suene fácil y precioso”. Además cita a Chet Baker “por tocar la trompeta como un cantante y cantar como un trompetista” a Gregory Porter por su voz profunda y bella voz y Freddie Mercury por su voz carismática.

Es docente en la Escuela de Música de Lekeitio y da un curso en la Universidad para Adultos sobre Historia de la Música.

Su primer disco como líder lo publicó en 2020 con el título de “Begin”. Su segundo trabajo se llama “Bloom”. 

La pandemia le obligó a replantearse su proyecto musical. Empezando por los músicos que le acompañaron, de Madrid, Huesca y Alicante, lo que dificultaba el trabajo en equipo por lo que buscó músicos más cercanos.

De ahí surgió la formación actual: Mikel Núñez al piano, Fran Serrano al contrabajo, Aitor Bravo a la batería (que ya formaba parte del grupo y pudo continuar por su cercanía geográfica). Además le acompaña una sección de vientos compuesta por Álvaro Zarzuela al trombón, Xabier Arriola al fliscorno y a la trompeta y Haizea Martiartu al saxofón.

Bilbao firma cuatro  de los ocho temas del álbum. “The Tree” es el primero de ellos. Le siguen la balada “Bloom” que da nombre al disco; la delicada y sutil, “Intimate” y por último “Places”, en la misma línea que las tres anteriores. 

Dos son los estándares que Bilbao ha seleccionado para este trabajo: “I Fall In Love Too Easily” del que Bilbao dice: “Lo he oído mil veces, sobre todo en la versión de Chet Baker, al que escucho mucho. En general se canta como una balada lánguida, pero me parecía que la letra tiene potencial para ser un poco más canalla y lo he reinterpretado de esa manera”. El grupo se transforma y su interpretación sube muchos enteros. Lo mismo podemos decir de Bilbao. El otro estándar es “Devil May Care” del que dice: “Lo he tocado de modo más tradicional y me gusta mucho por su punto de humor y actualidad. Aunque es de los años 30, parece compuesto ahora mismo”. Aquí pasa lo mismo. Bilbao, como en el otro estándar, se suelta con unos scat realmente buenos. Dos canciones que representan lo mejor del álbum.

En otra línea podemos escuchar el bolero “¿Hacia Dónde?” de Marta Valdés, canción que conoció estudiando en Musikene y que tocaban en clase. Jorge Fernández, el pianista de su anterior disco, le animó a cantar un bolero y éste fue el elegido. La introducción a capela la escribió Bilbao.

El disco cierra con “Mendian Gora” una composición escrita por el cantante y compositor Imanol Larzabal y por el escritor y poeta, Xabier Amuriza. Los padres de Bilbao conocían a Larzabal desde los años 80, cuando organizaban conciertos con una asociación vecinal. Bilbao empezó a cantar esta canción como bis de sus conciertos, con gran acogida por parte del público.

“Bloom”  es un trabajo más maduro que su antecesor. Sin estridencias ni alardes, Bilbao y sus acompañantes cumplen con el objetivo marcado, un álbum coherente y técnicamente correcto.

La Habitación del Jazz