NAÏSSAM JALAL CD: Landscapes of Eternity

Pistas

1.Tears in Delhi’s Fog 2.Bath of Forgiveness in the Moonlight 3.Soft Rain in on a Silent River 4.In the Rice Fields at Down 5.Inner Landscape in Raag Kafi

Intérpretes

Naïssam Jalal – flauta, voz

Samrat Pandit – voz

Sougata Roy Chowdhury – sarod

Leonardo Montana – piano

Nabankur Bhattacharya – tablas

Zaza Desiderio  - batería

Flo Comment - tanpura

Sello discográfico: Les Couleurs du Son

Grabado en agosto de 2025 en Studio La Buissone, Francia

Publicado el 27 de marzo de 2026

Naïssam Jalal nació en París ,de padres sirios. A los 6 años, ingresó en el conservatorio para estudiar flauta clásica. A los 17, descubrió la improvisación y abandonó el conservatorio tras obtener su certificado. Ese mismo año, la banda de metales funky, Tarace Boulba la llevó de gira por Mali. A los 19, Jalal dejó Francia en busca de sus raíces. Tras varios meses de iniciación en el ney en el Gran Instituto de Música Árabe de Damasco, Siria, parte hacia El Cairo para estudiar con el gran maestro violinista Abdu Dagher. En Egipto conoce a Fathi Salama, con quien toca en los teatros más prestigiosos y participa en la creación de los grupos El Dor El Awal y Bakash. Jalal desarrolla un estilo único, a caballo entre Oriente y Occidente.

De regreso a Francia en 2006, comienza una gira con varios artistas por toda Europa y otros continentes.

Jalal ha recibido numerosos premios prestigiosos, entre ellos el Gran Premio de la Academia Charles Cros en 2017, la Victoria del Jazz (Grammy francés) en 2019 (con 4 nominaciones), el Premio de las Músicas de la ICI en 2020 y el Primer Premio de Jazz en el Concurso Internacional de Composición de Canciones en 2022.En 2023, fue nombrada Caballero de las Artes y las Letras y Mujer de Cultura. En 2024, fue nombrada una de las mejores flautistas del año por Jazz Magazine y Jazz News por tercera vez, tras sus nominaciones en 2021 y 2023.

Jalal continúa la tradición que iniciaron Yusef Lateef, Herbie Mann y Rahsaan Roland Kirk en las décadas de 1950 y 1960, introduciendo la flauta en el jazz.

También compone música para cine (seis largometrajes), danza y teatro. Fundó el trío Quest of the Invisible, una búsqueda espiritual centrada en el trance y el silencio.

Jalal domina tanto la flauta occidental como la ney árabe, y ha asimilado diversas tradiciones musicales: desde la música clásica árabe y europea, hasta el Jazz, el hip-hop, el funk, el tango y las músicas africanas.

En 2024, Jalal presentó “Landscapes of Eternity ”, su nueva creación para sexteto, basada en los paisajes de la música clásica del norte de la India, por donde viajó durante varios meses  recorriendo miles de kilómetros en tren cama, autobús rural, autorickshaw, a pie o en bicicleta, en busca del espíritu de la música clásica indostání. Esta música, encarnada por músicos como Ravi Shankar, es originaria del norte de la India (Pakistán, Bangladesh, Nepal) y se distingue de la otra gran tradición musical, la carnática  del sur de la India. Ambas se basan en ragas (estructuras melódicas) y talas (ciclos rítmicos), pero su enfoque y ejecución difieren.

Jalal recorrió paisajes y lugares sagrados, conoció a maestros y músicos, absorbió los sonidos, olores y sensaciones de este viaje único, invitándonos a una nueva forma de escuchar el mundo. De esta experiencia surgió un repertorio íntimo, contemplativo y profundo, donde la flauta se convierte en el vehículo de un viaje interior arraigado en el aliento de la vida.

El sexteto que Jalal reúne aquí es de primera. Por un lado, el pianista Leonardo Montana y el baterista Zara Desiderio, dos figuras de la escena jazzística francesa contemporánea, y por otro, el vocalista Samrat Pandit, el virtuoso del sarod Sougata Roy Chowdhury y el percusionista  de tabla Nabankur Bhattacharya, junto a Flo Commen  con la tanpura. Ambos mundos musicales, el jazz contemporáneo y la tradición clásica india, se fusionan a la perfección. La singular instrumentación refleja tanto una estética contemporánea como una profunda conexión con el lenguaje de la música  de la música clásica india.

El disco comienza con “Tears in Delhi’s Fog”, una preciosa pieza que marca el estilo que impregna todo el álbum. Si importancia tiene la flauta de Jalal, no lo es menos su voz. Jalal proporciona un sonido a la flauta limpio y potente, en una mezcla muy potente de música indostaní y jazz. Espiritualidad al máximo exponente.

“Bath of Forgiveness in the Moonlight”, una meditación nocturna inspirada en los rituales a orillas del Ganges en Benarés, una ciudad muy antigua y sagrada. Pandit pone la voz a esta meditativa canción. Jalal se sumergió en el Ganges como hacen los peregrinos hindúes, llegados de cualquier parte del país, para bañarse y participar en rituales con la esperanza de encontrar el perdón. Otra extraordinaria pieza donde la interacción entre los músicos es total. A lo largo del álbum, el canto de Pandit recuerda al “cante jondo” (estilo más antiguo, serio y profundo del flamenco, originario de Andalucía (España) y caracterizado por expresar sentimientos dramáticos de dolor, angustia y amor intenso) y también a las saetas (canto popular que se ejecuta al paso de las procesiones de Semana Santa en España). 

Qué decir de “Soft Rain on a Silent River”. La dulzura de la flauta de Jalal nos transporta a un bello y frondoso paisaje. La sobriedad del piano de  Montana y la tanpura de Comment mantienen la tensión que cala en la piel. Modernidad y clasicismo hindú de la mano.

“In The Rice Fields at Dawn” mantiene la línea argumental de los temas precedentes. Jalal y Pandit pone las voces y la flauta se deja escuchar con un sonido más profundo. Este corte puede que sea el que más se aproxima al jazz convencional, con una interesante y original improvisación.

El tema que cierra el álbum, “Inner Landscape in Raag Kafi”, es una oportunidad para que el grupo interactúe con fluidez. Una composición introspectiva, un canto, un lloro, a lo inalcanzable,  a lo que no se tendrá nunca. Jalal expresa emociones y espiritualidad a raudales. Un cierre de lujo.

“Este álbum me llevó seis años concebirlo, imaginarlo, materializarlo, crearlo, grabarlo y producirlo. No fue fácil. A menudo pensé que nunca lo lograría. El camino fue caótico. Sin embargo, la profunda verdad que deposité en cada paisaje, junto con la confianza y la amistad de quienes me rodeaban, me permitieron compartir este álbum con ustedes. A pesar de todo” afirma Naissäm Jalal, y continua “Este álbum es especial. Compuse estos paisajes y reproduje su vibración, fruto de una contemplación orgánica, natural y espiritual. Rituales de sanación, una vez más, pero en una nueva geografía y con absoluta urgencia. Cada paisaje narra la historia de un intento desesperado por escapar del ahogamiento y alcanzar la luz. Porque esa es la única oportunidad de sobrevivir” afirma Jalal.

El álbum se acompaña de un libreto de 28 páginas, donde se cuenta la historia de cada paisaje.

Con “Landscapes of Eternity”, Jalal se afianza como una de las flautistas y compositoras más cautivadoras del jazz actual, explorando e integrando, gracias a su música, culturas tan distantes y distintas, con naturalidad, autenticidad, sinceridad e intensa emoción. 

La Habitación del Jazz

MAMMAL HANDS CD: Circadia

 

Pistas

1.Window to Your World 2.Helios 3.Alia’s Abandon 4.Paper Boats 5.Fallow Tide 6.
Forgotten Friend 7.A Thread in the Dark 8.Four Flowers 9.Submerge.

Interpretes

Nick Smart – piano

Jordan Smart – saxo

Rob Turner – batería

Sello discográfico: ACT Music.

Grabado el 20-24 de marzo de 2025 en Giant Wafer Studios, Gales.

Publicado el 27 de febrero de 2026.

Mammal Hands se formó en Norwich (Inglaterra) en 2012, influenciados por Alice Coltrane y Pharoah Sanders, ganándose rápidamente los elogios de Bonobo, Tom Ravenscroft, Jamie Cullum y Gilles Peterson por su enfoque innovador. La banda apareció en la escena musical casi al mismo tiempo que GoGo Penguin y Roller Trio, y a menudo se la comparaba con estas dos bandas del norte de Inglaterra.

A lo largo de cinco álbumes aclamados por la crítica con Gondwana Records, incluyendo “Gift from the Trees” (2023), han forjado una fiel base de seguidores internacionales y una reputación por sus intensas e hipnóticas actuaciones en directo. El trío realiza giras por Europa, Asia y Norteamérica, actuando en lugares emblemáticos y festivales importantes, como el Barbican de Londres, la Elbphilharmonie de Hamburgo, Montreux y Montreal. Mammal Hands crea música cinematográfica, profundamente humana y conmovedora.

Mammal Hands se sitúa a la vanguardia de una nueva ola de artistas británicos, fusionando jazz, música clásica contemporánea, electrónica, folk y minimalismo en un sonido inconfundible.

En 2024, el saxofonista Jordan Smart y el pianista Nick Smart se separaron del baterista Jesse Barrett y se les unió en la batería Rob Turner, exmiembro de GoGo Penguin.

«Conocemos a Rob desde que empezamos hace más de una década», dice Nick Smart. «Todos formábamos parte de la escena del jazz británico y siempre conectamos gracias a nuestros instintos e intereses musicales compartidos. Teníamos que redescubrir la esencia de nuestra música y Rob la ha transformado en algo que continúa nuestro legado y, a la vez, lo impulsa hacia adelante».

Con esta incorporación la banda ha evolucionado hacia un sonido más rítmico y con más electrónica.

A finales de 2025, el trío cambió de sello discográfico uniéndose a ACT, donde grabaran Esbjörn Svensson Trio, una influencia particular para Turner, quien describe la experiencia como «volver a casa y, a la vez, comenzar algo nuevo».

Acaban de publicar su sexto álbum de estudio titulado “Circadia”. Todos los temas han sido compuestos conjuntamente por los tres músicos, quienes también figuran como coproductores junto a Ben Capp.

Turner se une a las cálidas notas de piano que abre este “Window To Your World". El tema sigue el camino iniciado sin derivar a terrenos frenéticos. Todo lo contrario, el saxo atempera esa posibilidad, que sin embargo, se ve rota en ocasiones por una intensidad palpable. Un comienzo más que interesante.

“Helios” comienza con un precioso e hipnótico solo de piano. La pieza se desarrolla en un plano melódico muy agradable y repetitivo que engancha de inmediato.

“Alia's Abandon” es una canción de corte cinematográfico, que mantiene un aire misterioso gracias a la secuencia repetitiva del piano, que él mismo rompe arrastrando al resto, para volver al final del tema a retomar la melodía más viva que inicialmente.

En “Paper Boats” se mantienen las frases repetitivas al teclado, creando tensión que el saxo y la batería acrecientan.

“Fallow Tide”, la canción más breve del álbum, rompe con todo lo escuchado hasta el momento, creando un ambiente introvertido y cíclico. Podría ser utilizada en una sesión de terapia relajante.

“Forgotten Friend” comienza con una línea de piano repetitiva, apoyada por la batería y el saxo de Jordan llenando el espacio de una melancólica melodía.

Le sigue “A Thread In The Dark” que comienza con un delicado y bello solo de piano, creando una atmósfera melancólica, que no rompe, todo lo contrario, se incrementa con la entrada del saxo. Turner mantiene un perfecto acompañamiento. Este corte es uno de los mejores del álbum.

“Four Flowers” va tomando fuerza a medida que se desarrolla, siempre dentro de una elegante y meditada fluidez. La linea argumental del piano es francamente bonita y lo mismo podemos decir del saxo. Otro importante corte del álbum.

El bajo sintetizado y la batería encajan a la perfección, creando una base rítmica que se deja notar en todo el disco.

El tema que cierra el disco es “Submerge”, una composición oscura e inquietante que comienza con el saxo distorsionado como si de una sirena de barco se tratara. Una vez más las frases repetitivas del piano son fundamentales en la creación de ese ambiente siniestro, lleno de tensión. Un excelente final.

Las diversas influencias de Mammal Hands les han granjeado seguidores internacionales, especialmente entre el público joven, para quienes este álbum puede ser una puerta de entrada al jazz moderno.

Libertad creativa, profundidad, impulso y energía, sonido envolvente y atmosférico, minimalismo y elegancia, precisión rítmica, texturas electrónicas, todo esto y más es lo que nos ofrecen Mammal Hands en este “Circadia”

La Habitación del Jazz

RAMIRO ZAYAS feat. Basel Jazz Orchestra CD: Familia

 

Pistas

1.Familia 2.La Cosecha 3.Mares 4.Feed the Cat 5.An Open Question 6.Autopsicografia 7.Argento 8.The Early Hours

Intérpretes:

Basel Jazz Orchestra

Directora: Francesca Gaza

Josh Schofield – saxo alto y soprano

Sara El Hachimi – saxo alto, flauta

Baptiste Stanek – saxo tenor , flauta, clarinete bajo

Charlie Rose – saxo tenor, clarinete

Charlotte Lang – saxo barítono, clarinete bajo, flauta

Bastien Rieser - trompeta

Alvaro Ocon - trompeta

Tobias Schneider - trompeta

Sebastian Greschuk - trompeta

Lukas Reinert - trombón

Yossi Itskovich - trombón

Lucas Wirz – trombón bajo

Fernando Brox - flauta

Michal Skwierczynski – guitarra

Ramiro Zayas - piano

Gianni Narduzzi – contrabajo

Marton Juhasz - batería

Invitados

Katie Webster – saxo alto (3)

Joyce bastos - voz (6)

Sello discográfico: Club del Disco

Grabado en Basilea (Suiza) en junio de 2024

Publicado el 15 de diciembre de 2025

Ramiro Zayas es un músico argentino residente en Berlín desde el año 2019. Ha actuado en escenarios y festivales de toda Europa, Argentina y Uruguay. Además, ha participado en numerosos proyectos y grabaciones con diversos grupos de la escena del jazz argentino, como Big Nant, Anónimous Big Band, Mingunos, Tundra. Ha recibido premios de la Musicboard Berlin, el Consejo Alemán de la Música y el Cantón de Basilea, entre otros. Desde 2018, como líder del Ramiro Zayas Ensemble, se presenta activamente en Berlín. También forma parte de Narat, un trío argentino-finlandés cuyo primer álbum se publicó en 2024, y colabora con el baterista y compositor uruguayo Juan Ibarra.

Su álbum debut como líder fue “Río Interior” (2019) al que siguieron “Parte del viaje” (2024) y “Collector” (2025), tres álbumes que reflejan su evolución artística y su interés por diversos formatos, desde pequeños conjuntos hasta orquestas contemporáneas.

Ahora publica su último trabajo titulado “Familia”. Grabado junto a la Basel Jazz Orchestra. Zayas se adentra en el terreno de las grandes orquestas, tras el enfoque más íntimo y de cámara de “Collector” (2025).

Desde 2018 lidera el Ramiro Zayas Ensemble en Buenos Aires y Berlín, así como el sexteto de cámara Collector. Su obra ha recibido el apoyo de Musicboard Berlin, Deutscher Musikrat y Kanton Basel, y se caracteriza por tender puentes entre tradición, improvisación y modernidad.

Zayas ha colaborado estrechamente con la BJO durante varios años, y eso se traduce en un sonido natural y fluido.

Sus colaboraciones más recientes incluyen Narat, un trío argentino-finlandés que lanzó “Tai-Tui”(2024), y un quinteto co-liderado con el baterista y compositor uruguayo Juan Ibarra, cuyo álbum “Surin” fue lanzado en 2025.

La Basel Jazz Orchestra (BJO), fundada en 2023, está formada por 18 músicos profesionales, todos activamente involucrados en la vibrante escena musical de Basilea. Como un centro dinámico para compositores tanto dentro como fuera de sus filas,el ensamble fomenta una amplia diversidad de expresiones musicales. Sus miembros, provenientes de distintos contextos internacionales y con intereses musicales eclécticos, contribuyen al ricio entramado del repertorio de la orquesta.La dirección artística corre a cargo de Francesca Gaza, destacada compositora y vocalista con experiencia en jazz contemporáneo, barroco y música improvisada.Más allá de sus esfuerzos artísticos, la BJO desempeña un papel clave en el desarrollo de una comunidad de jazz floreciente en Basilea.

Zayas afirma: “Lo que más me gusta de las orquestas es esa sensación poderosa de estar envuelto en sonido: tantas personas tocando juntas y creando algo irrepetible. Con la Basel Jazz Orchestra, esa experiencia se vuelve aún más fuerte gracias a una relación profunda construida sobre la confianza y la libertad creativa que hemos compartido estos últimos años. Hace tiempo, alguien habló de una ‘familia extendida’ —más allá de los lazos de sangre— para referirse a la familia musical: colegas, amigos y todas esas personas con quienes compartimos música y momentos y que, con el paso del tiempo, se vuelven parte de nuestra propia historia. La BJO se ha convertido sin duda en eso para mí, y por eso escribí ‘Familia’ para ellos. Son una comunidad abierta, comprometida y de gran sensibilidad. Esta música nació de ese vínculo, haciendo que la colaboración fuera casi inevitable. De esa conexión surgió una pieza que escribí para ellos llamada ‘Familia’, que también dio nombre al álbum”.

Y así nació este álbum, que abre con “Familia” un guiño a la música de Guillermo Klein, quien ha sido una gran influencia para Zayas. Una canción ligera, con giros rítmicos, que invita a bailar. A destacar el solo de saxofón alto de Joshua Schofield. La unión y empatía entre los miembros de la orquesta es evidente.

Le sigue “La Cosecha”, una canción más introspectiva y oscura, que ya grabó en el álbum “Parte del Viaje” (2024), adaptándola para grupo,pequeño aunque originalmente fue escrita para una big band. Inspirada en “Nefertiti” de Wayne Shorter, cuenta con la intervención del trompetista argentino Sebastián Greschuk.

“Mares” es una pieza melancólica que ya había grabado antes, e inspirada en parte en “The Barbara Song” de Gil Evans, del álbum “The Individualism of Gil Evans” (Verve, 1964), en la que Shorter tocaba el saxofón. En esta ocasión es la invitada Katie Webster quien con su saxo ahonda en el ambiente tenebroso y misterioso de la composición.

“Feed the Cat” s una pieza de big band, enérgica, potente e inquietante. Con la intervención primero de Zayas y posteriormente Charlotte Lang al barítono.

“An Open Question” es una composición más abstracta, de tensión contenida, que va in crescendo. Con la intervención del saxo tenor del francés Charley Rose. Gran aportación de Gianni Narduzzi al contrabajo y sobre todo de Marton Juhasz en la batería.

“Autopsicografia” es una composición del saxofonista español, nacido en Barcelona, Gianni Gagliardi. Está basada en un poema de Fernando Pessoa. Gagliardi pidió a Zayas que la arreglara, y le gustó tanto que decidió grabarla. Cuenta con la vocalista brasileña Joyce Bastos, que aporta calidez y dulzura a esta canción. Bonito solo del trompetista español, Álvaro Ocón

Argento es una forma coloquial de decir ‘argentino’, pero también apunta a una actitud, una energía, una manera de vivir que es difícil de poner en palabras: hay que estar allí para entenderlo” afirma Zayas. La composición titulada “Argento” alude esa identidad argentina. Y añade ”La melodía me llevó de vuelta a canciones de mi infancia, tal vez Atahualpa Yupanqui o alguna milonga, pero filtradas a través de Billy Strayhorn y Duke Ellington”. Solos del flautista español nacido en Málaga, Fernando Brox,y del guitarrista polaco Michał Skwierczyński.

El disco finaliza con el reflexivo “The Early Hours”, inspirada en “Opening” de Kenny Wheeler, del álbum “Large Ensemble”. Se trata de la primera pieza para big band compuesta por Zayas. Solos del guitarrista Skwierczyński y del saxofonista tenor francés, Baptiste Stanek.

Con “Familia”, Zayas da un paso muy importante en su carrera como compositor para big band al aunar la contundencia orquestal con los detalles de los solistas permitiendo que ambos convivan en total armonía.

Su obra combina lirismo, ritmo, energía e introspección, junto a una constante búsqueda de nuevas formas.

La Habitación del Jazz

BETTY BRYANT CD: Nothin' Better To Do

 

Pistas

1.You Are Not My First Love 2.I Can't See for Lookin' 3.He May Be Your Man 4.Haven't Got Anything Better to Do 5.Time Was 6.Mama Sue 7.Thanks for You 8.Awrite Then 9. Winter Warm

Intérpretes

Betty Bryant – piano, voz

Robert Kyle – saxo soprano y tenor, flauta

Tony Guerrero – trompeta (8)

Kleber Jorge – guitarra (4)

Hussain Jiffry – contrabajo (4,5)

Richard Simon – contrabajo (1-3,6-9)

Kevin Winard – batería (1-4,6,8,9)

Aaron Serfaty – batería (5,7)

Luanne Homzy – violín y viola (4,9)

Niall Taro – chelo (4,9)

Sello discográfico: Bry Mar Music.

Grabado en Jiffry Studios. Cuerdas grabadas en Las

Ventanas Studios

Publicado el 16 de enero de 2026

Originaria de Kansas City, Missouri, Betty Bryant es una venerada pianista y cantante que aporta a su música una sólida técnica pianística, un toque ligero y rítmico, y una voz magistral.

Apodada "Cool Miss B" desde que Robert Kyle le puso ese sobrenombre en una canción de 1997.Comenzó en su ciudad natal, Kansas City, donde fue apadrinada por el gran Jay McShann. En 1955 se mudó a la costa oeste, donde inmediatamente consiguió un contrato en el famoso "Ye Little Club" de Beverly Hills. Este fue el comienzo de sus presentaciones, principalmente en solitario, en Los Ángeles. Su reputación creció y pronto se convirtió en una atracción popular en los numerosos locales nocturnos que salpicaban las ciudades costeras desde Santa Mónica hasta Laguna.

En 1987 se declaró el "Día de Betty Bryant" en Kansas City y se le entregaron las llaves d ella ciudad

Bryant ha actuado internacionalmente en Oriente Medio y Brasil, y durante muchos años fue una atracción habitual y popular en el exclusivo Tableaux Lounge de Tokio, Japón.

Judy Jordan en un artículo de la revista Venice Magazine:

expresó acertadamente lo que se siente cuando se escucha mejor un CD de Bryant en casa o viéndola en directo: "Acomódese en un cómodo sillón y deje que Betty Bryant le robe el corazón... sus oídos se deleitarán, su corazón bailará y sus pies tal vez encuentren voluntad propia, porque Betty Bryant es una hechicera".

Con Bryant y Kyle al frente, la música tiene un atractivo ritmo blues. Los arreglos son principalmente de Bryant y Kyle, con arreglos de cuerda en dos temas a cargo de Jim McMillen.

Bryant, desde su anterior grabación “Lotta Livin’” (Bry-Mar Music, 2024), no había publicado ningún nuevo disco-

“Nothin’ Better to Do” es el decimoquinto disco de la vocalista y pianista e incluye nueve cortes de los que tres son originales (uno de Bryant, otro de Kyle y otro de ambos) y el resto canciones, en general, no muy conocidas.

Los arreglos son principalmente de Bryant y Kyle. Los arreglos de cuerda en dos temas a cargo de Jim McMillen.

Bryant abre el disco con una divertida y pícara versión de “You Are Not My First Love”. Su voz y su forma de tocar el piano van de la mano. Si hay algo que tiene, para dar y tomar, es experiencia y desparpajo.

En “I Can't See For Looking” es un hermoso blues con una deliciosa intervención de Kyle con el soprano, que recuerda a Sidney Bechet. Simon y Winard marcando el pulso constantemente.

Seguimos en clave de blues con la composición de Bryant "He May Be Your Man" que interpreta al más puro estilo de las grandes divas del género. Solos de Kyle y Bryant, para adornar una pieza extraordinaria.

La preciosa “I Haven’t Got Anything Better to Do” en clave de bossa nova acentuado por la guitarra de Jorge es una deliciosa canción interpretada de forma deliciosa por todos y cada uno de sus intérpretes, incluidas las cuerdas camerísticas de Homzy y Taro

En “Time Was” Kyle toca la flauta. Ritmo caribeño que transmite alegría.

Le sigue "Mama Sue", compuesta por Bryant y Kyle, es tema con personalidad propia, estilo Nueva Orleans que invita a bailar. El desenfado de Bryant es fantástico. Uno de los mejores momentos del álbum (y tiene muchos)

“Thanks For You”es una balada a tiempo medio que encaja perfectamente con el espíritu del álbum.

La composición original de Kyle "Awrite Then", un blues instrumental relajado que permite que los integrantes del grupo se luzcan. Con sendos solos de Bryant, Kyle, el trompetista Tony Guerrero, Simon y Winard, perfectos en su papel.

El disco cierra con “Winter Warm” de Burt Bacharach y Hal David .Por segunda vez intervienen las cuerdas de Homzy y Taro que realzan el sonido orquestal de esta tranquila y romántica pieza. Kyle de nuevo toca la flauta. Un tierno final.

Es extraordinariamente reconfortante escuchar a esta mujer de 96 años, con esa vitalidad y calidad forjada durante décadas en todo tipo de escenarios. Rebosante de experiencia y con ese talento innato que solo poseen las grandes intérpretes.

Y qué decir de la inigualable labor como productor e intérprete de Robert Kyle, que junto a un grupo de músicos de primera talla, arropan a Bryant sin eclipsarla.

La Habitación del Jazz

PAUL MARINARO CD: Mood Ellington

 

Pistas

Disco Uno

Set uno

1. I'm Beginning to See the Light 2. A Flower Is a Lovesome Thing 3. I'm Just a Lucky So and So 4. Love You Madly 5. Sophisticated Lady 6. Like the Sunrise 7. Just Squeeze Me 8. It Shouldn't Happen to a Dream 9. In a Mellow Tone

Set dos

10. Mood Indigo 11. Azure 12. Don't You Know I Care (or Don't You Care to Know) 13. Got It Bad (and That Ain't Good) 14. (In My) Solitude 15. All Too Soon 16. Lush Life 17. (I Want) Something to Live For

Disco Dos

Set tres

1. Don't Get Around Much Anymore 2. Take Love Easy 3. Day Dream 4. I Ain't Got Nothin' but the Blues 5. Caravan 6. I Didn't Know About You 7. In a Sentimental Mood 8. Do Nothing Till You Hear from Me

Intérpretes

Paul Marinaro - voz

Tom Vaitsas - piano

Mike Allemana - guitarra

John Tate - contrabajo

Neil Hemphill - batería

Rich Moore - saxo alto, clarinete, flauta

John Woiciechowski - saxo tenor y soprano, flauta

Ted Hogarth - saxo baritono, clarinete bajo

Eric Jacobson – trompeta, flugelhorn

Raphael Crawford - trombón

Violines

Lisa Fako (concertino), Eleanor Bartsch, Stephen Boe, Chuck Bontrager, Christina Buciu, Kathleen Carter, Karl Davies, Wendy Evans, Elizabeth Huffman, Carmen Kassinger, Kathryn Siegel, Jeff Yang

Sello discográfico: Origin Records

Grabado en Chicago Recording Company, Chicago, IL, en agosto y noviembvre de 2022

Publicado el 21 de noviembre de 2025

Del vocalista Paul Marinaro, Howard Reich del Chicago Tribune dijo :"Posee uno de los instrumentos vocales más bellos de la industria musical actual". Marinaro tiene su base en Chicago y es uno de los vocalistas masculinos más solicitados. En 2013 publicó su álbum debut “Without a Song”, inspirado en el sueño incumplido de su padre de haber sido cantante profesional. A la edad de cinco años Marinaro encontró los discos de acetato de 78 rpm caseros de su padre en el ático, lo escuchó cantar "That Old Black Magic" y quedó hipnotizado. Esta grabación fue su primera inspiración y fue restaurada y utilizada para abrir su álbum debut. Muchas de sus actuaciones en Chicago han figurado en diversas listas de "Lo Mejor del Año", incluyendo su inolvidable dueto con la legendaria vocalista Sheila Jordan, colaboradora habitual, durante el Festival de Jazz de Chicago de 2017 en el imponente Pritzker Pavilion.

Su lanzamiento de 2022, “Not Quite Yet”, (ver reseña en este blog) fue un viaje profundamente personal. La crítica lo elogió como "una obra personal" y una clase magistral de narrativa emocional a través de la música. En 2023 se unió al Metropolitan Jazz Octet para The Bowie Project, una audaz reinvención de la música de David Bowie, elogiada por sus ingeniosos arreglos y la camaleónica habilidad interpretativa de Marinaro, consolidando aún más su lugar entre los vocalistas actuales.

A lo largo de 2025, Marinaro fue el vocalista destacado de los conciertos homenaje al centenario de Oscar Peterson, que recorrieron Canadá y Europa, incluyendo memorables paradas en Berna, Suiza, y en el Festival Internacional de Jazz de Montreal.

A finales de 2025, Marinaro lanzó “Mood Ellington”, una ambiciosa y lujosa celebración del arte atemporal de Duke Ellington y Billy Strayhorn. Una selección de veinticinco de las mejores composiciones vocales de ambos autores, reimaginadas por trece arreglistas consagrados y respetados

Además de su cuarteto principal, compuesto por Tom Vaitsas (piano), Mike Allemana (guitarra), John Tate (bajo) y Neil Hemphill (batería), Marinaro incorpora cinco instrumentos de viento/madera y una sección de doce violines.

El primer set comienza con "I'm Beginning to See the Light" (arr. de John Kornegay). Los instrumentos de viento arropan a Marinaro que aborda la canción con animo optimista.

La sensual "A Flower Is A Lovesome Thing" (arr. de Alan Broadbent) compuesta por Billy Strayhorn, es interpretada por Marinaro con un tono elegantemente aterciopelado.

"I'm a Lucky So and So" (arr. de John Clayton) es un clásico en los conciertos de Marinaro, que se siente como pez en el agua interpretándola.

Carey Deadman firma los arreglos de "Love You Madly", y como trompetista que es, da un protagonismo especial a los vientos.

El arreglista Chuck Israels, conocido por su trabajo con Bill Evans, aporta un toque elegante a "Sophisticated Lady", siempre preciosa canción.

"I Like the Sunrise" (arr. de Mike Downes) es una romántica canción que Marinaro interpreta con enorme sentimiento y sinceridad.

Ryan Cohan arregla "Just Squeeze Me" con resultado de una canción multirítmica.

Carey Deadman arregla "It Shouldn't Happen to a Dream" que Ellington compuso junto a Johnny Hodges, una hermosa balada.

"In a Mellow Tone" (arr. de Mike Downes), otra elegante versión orquestal.

El segundo set, también en el Disco Uno, comienza con “Mood Indigo” compuesta por Ellington junto a Barney Bigard, arreglada por el saxofonista Jim Gailloreto. La canción conserva su raíces originales. A destacar la guitarra de Mike Allemana. Uno de los mejores momentos del disco.

Le sigue “Azure” (arr. de John Clayton), con Marinaro acentuando el lado melancólico del tema, susurrando la letra.

Las cuerdas cobran protagonismo en el bonito y melancólico "Don't You Know I Care (Or Don't You Care to Know)", con arreglos de Ryan Cohan.

"I Got It Bad and That Ain't Good", un arreglo relajado de Bill Cunliffe, donde Marinaro brilla con una emotiva y sentida interpretación.

El director de big band, Chuck Owen, arregla "(In My) Solitude", compuesta por Ellington junto a Eddie de Lange. Owen toma una deriva musical que transforma la pieza original en algo distinto, de calidad, pero distinta.

Tom Garling arregló "All Too Soon", una de las canciones del álbum menos reconocibles de Ellington. Marinaro, en esta canción, como ocurre en otras, recuerda el estilo elegante de Nat King Cole

"Lush Life" de Strayhorn, es arreglado por Tom Matta, resultando una versión más ligera que la original, a pesar de que Marinaro la dota de un elegante fraseo.

"(I Want) Something to Live For", de Strayhorn, cierra el set dos y el primer disco. Broadbent es el arreglista del tema.

El tercer set, Disco dos, contiene ocho canciones, entre las que se encuentran algunas de las más queridas de Ellington. Abre con "Don't Get Around Much Anymore", arreglos de Ryan Cohan. Marinaro y la orquesta se sienten cómodos en este tema lleno de swing.

La relajada "Take Love Easy" (arr. de Tom Matta), es interpretada por Marinaro de forma natural y convincente.

Tom Matta vuelve a ser el arreglista de “Day Dream”, logrando una preciosa versión, sensual y con un clarinete precioso de Moore.

Mike Allemana hace los arreglos de "Ain't Got Nothin' But the Blues" un blues donde Marinaro muestra su lado canalla. Buen solo de Woiciechowsk. Otro excelente momento de este álbum.

“Caravan” de Ellington y Juan Tizol, es arreglada por Jim Gailloreto. Destaca Tate al contrabajo. Marinaro canta con cierta urgencia (lo pide el arreglo de Gailloretto).

Le sigue una elegante y sofisticada "I Didn't Know About You", arreglada por Mike Allemana.

"In a Sentimental Mood", una de mis debilidades musicales, es arreglada por John Kornegay. Buen solo de Moore. Aprobada, sin más.

El tercer set, y con él, el álbum, cierra con "Do Nothing Till You Hear From Me", arreglada por Tom Garling, es bastante fiel al original. Brillan los vientos.

Marinaro es un cantante, elegante, versátil, con un extraordinario fraseo, sensible, que transmite las emociones con facilidad y, además, dotado de un gran swing.

Un excelente homenaje a la música de Ellington/Strayhorn, mostrada con nuevos sabores.

La Habitación del Jazz