martes, 23 de septiembre de 2025

YUMI ITO CD: Lonely Island

 


Pistas

I.What Seems to Be 2.Little Things 3.Is It You 4.Rebirth 5.Stardust Crystals 6.After The End 7.Old Redwood Tree 8.Seagull 9.Love Is Here To Stay 10.Tiki Taka

 

Intérpretes

Yumi Ito – voz, piano

 

Sello discográfico: Enja Yellowbird Records

Grabado el 25-26 de marzo y 5-6 de julio de 2024 en  Lemura Recording Studio, Montagnola, Suiza

Fecha de publicación: 19 de septiembre de 2025

 

Yumio Ito es una cantante, pianista y compositora suiza de origen polaco-japonés, que actualmente vive en Basilea, Suiza.

Creció en una familia de músicos: su madre cantante de ópera clásica y su padre, concertista de piano, quien le enseño a  tocar el piano por el Método Suzuki.

Desde muy pequeña  ya cantaba, pero a los 8 y 10 años, cuando descubrió la música pop, fue cuando se decidió por esa actividad artística.

Ha estudiado con grandes figuras como Bob Stoloff, Bobby McFerrin, Mark Turner y su profesor de piano Chris Wiesendanger.

En su niñez escuchaba a Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Stan Getz y Oscar Peterson, figuras que moldearon su forma de improvisar. De Gretchen Parlato, con quien  estudió en Nueva York, aprendió un  enfoque más basado en la letra, el ritmo y la historia a contar.

Ha compartido escenario con Al Jarreau, Becca Stevens y Mark Turner, entre otros.

Su valía ha sido reconocida en numerosas ocasiones,  como el Concurso de Jazz de Montreux, donde fue seleccionada para el Programa Focus Year con Wolfgang Muthspiel en el Jazzcampus Basel (2017-2018);  recibió la Beca de Jazz de Alta Prioridad de Pro Helvetia (2022-2024) y fue elegida por unanimidad por el jurado para la Muestra Europea en Jazzahead! En Bremen (2024).

Ito debutó hace casi una década con el álbum  "Intertwined" (2016), en cuarteto, grabado en Londres, que contenía exclusivamente estándares de jazz. En 2017 grabó "Ypsilon" a dúo con el pianista y percusionista suizo Yves Theiler (la mitad de los temas eran propios). Dos años después, regresó con una formación ampliada y presentó el álbum "Stardust Crystal". Luego publicó "Ekual" (2021) con el guitarrista polaco Szymon Mika. Hace dos años, Yumi lanzó el álbum "Ysla", en el que volvió a demostrar su talento compositivo y arreglista.

Este año, 2025 acaba de publicar su sexto álbum, titulado "Lonely Island", como una canción de su anterior álbum pero que no ha incluido en este.

El álbum se grabó en un estudio aislado en la región suiza de Ticino, rodeado de bellos parajes, y producido íntegramente por F(L)INTA creatives (acrónimo alemán que se refiere a mujeres, lesbianas, intersexuales, no binarias, trans y personas agénero).

El álbum incluye una selección de cuatro canciones de su anterior trabajo "Stardust Crystal" y cinco de "Ysla" a las que añade una nueva composición inédita titulada "Tiki Taka".

Por primera vez, Ito decidió grabar el material completamente en solitario, sin la ayuda de otros instrumentistas, únicamente acompañada de su piano.  

"Quería crear un álbum que sonara como un concierto en casa. Como si el oyente estuviera sentado a mi lado. Honesto, íntimo, sin filtros" afirma Ito.

El CD de “Lonely Island” viene en un digipack único, personalizado y de gran formato, inspirado en el clásico empaque de vinilo de 7 pulgadas, hecho completamente de cartón (excepto el disco). Una hermosa, elegante y sin plástico pieza de coleccionista. También incluye un póster plegable con todas las letras y una nota personal de Yumi Ito.

El álbum abre con "What Seems to Be", donde el saxofón original es reemplazado por su voz. Una bonita y original canción interpretada con fuerza, donde la voz se entrelaza con el piano formando un solo instrumento. La improvisación como seña de identidad de Ito.

En “Little Things” su similitud con Tori Amos es notable. El piano es protagonista y da paso a la voz de Ito, llena de emotividad y sentimiento. 

Le sigue "Is It You", un tema intenso, que en su segunda parte, se hace más sutil, pero igualmente lleno de belleza.

Este disco es para escucharlo sin prisas, sin interrupciones.

En "Rebirth", esa belleza se intensifica, gracias a la poesía  del precioso piano, a la que se añade la voz de Ito, penetrando ambos en el corazón.  

En "Stardust Crystal" se acentúa el carácter pop y, en ocasiones el estilo, tanto del piano como de la voz, es Tori Amos, pero en otros vuela libre y personal. Ito improvisa como si de un instrumento de viento se tratara. El tema repetitivo del piano añade intensidad.

"After the End" es una composición lírica y nostálgica de carácter intimista que va in crescendo según avanza su  desarrollo. Ito sabe llegar al corazón del oyente.

El álbum sigue fiel a su desarrollo inicial con "Old Redwood Tree", una encantadora y meditativa balada. Ito canta como los ángeles cuando tararea sin letra. Otro tema que te llega al corazón.

Las letras de todas las canciones pertenecen  a Ito. En "Seagull", pregunta: "¿Cree la gaviota que está sola?". El individuo y la sociedad, el mundo exterior y el interior. El sonido del piano y la voz nos proporcionan sonidos orientales seguidos de fuertes percusiones y la voz de Ito haciendo maravillosas diabluras. 

Sin solución de continuidad  desembocamos en "Love is Here to Stay". De nuevo Ito lleva al oyente donde ella quiere, o lo hace sin querer, porque es inevitable y es algo innato en ella. El tránsito entre lo poético y lo enérgico es algo que Ito realiza sin esfuerzo aparente.

El disco cierra con una canción inédita, "Tiki Taka". Una canción de estilo brasileño, con Ito acompañando al unísono al piano. La composición desprende una triste alegría o una alegría triste, qué más da.

Ito tiene una original y versátil  voz llena de matices y emociones, al igual que su forma de tocar el piano.

Nos transmite historias personales, intensas emociones, sin fuegos artificiales, con honestidad, desde el corazón, su corazón. 

Este “Lonely Island” es un retrato íntimo de la artista. Una terapia necesaria para seguir.

No es un álbum para consumir rápidamente. Trasládate a una isla imaginaria y escucha con atención. Un viaje sonoro emocional.

Uno de los más bellos disco de este 2025.

La Habitación del Jazz


viernes, 19 de septiembre de 2025

HANNAH GILL CD: Spooky Jazz Vol.3

 


Pistas

1.Intro: Music to be Murdered By 2.Spider in the Web 3.Old Devil Moon 4.The Richest Guy in the Graveyard 5.Moon Ray 6.I’m Gonna Haunt Ya 7.As Long as You Live (You'll Be Dead If You Die) 8.My Friend the Ghost 9.He’s a Demon, He’s a Devil, He’s a Doll 10.Boulevard of Broken Dreams 11.Wolves In the Tree Line

 

Interpretes

Hannah Gill – voz

Ricky Alexander - clarinete, saxo

Danny Jonokuchi – trompeta, Theremin

Justin Poindexter – guitarra

Gabe Terracciano – violín

Sasha Papernik – acordeón (10)

Gordon Webster - piano

Philip Ambuel - contrabajo

Ben Zweig – batería

 

Sello discográfico: Turtle Bay Records

Grabado en The Bunker Studios

Fecha de publicación: 22 de agosto de 2025

 

La vocalista y compositora Hannah Gill creció en la costa este de Maryland (EE.UU).  Ya desde la escuela secundaria participó en numerosas producciones teatrales y espectáculos. A los 16 años de edad, su padre la llevó a Nueva York para ver un espectáculo en Summerstage. Fue allí donde conocieron al guitarrista Brad Hammonds, cuyo padre era compañero de trabajo de Gill. Hammonds invitó a Gill a grabar voces en su próximo álbum y luego decidieron trabajar juntos.

A la edad de 18 años, después de haber decidido posponer un título universitario y dedicarse a su pasión por la música, se mudó a Nueva York y se asoció con Hammonds para formar "Hannah Gill & The Hours". En 2020, durante la pandemia, Hannah decidió seguir su propia carrera en solitario y lanzó otro EP de su música original, llamado “Songs From Quarantine”. Gill es miembro permanente de Post Modern Jukebox de Scott Bradlee, una banda que adapta  éxitos del pop al jazz.  Actualmente reside en  Brooklyn, Nueva York.

Sus principales referentes son Blossom Dearie, Anita O'Day y especialmente Ella Fitzgerald, de la que tiene un tatuaje en el tobillo. Su álbum debut fue “Everybody Loves a Lover” (2023).

Durante la pandemia, Gill buscó en Google "Spooky Jazz". La búsqueda no dio ningún resultado, y Gill decidió usar parte de su dinero para grabar un EP digital, al que llamó “Spooky Jazz”.  En noviembre de 2024 publicó “Spooky Jazz Vol. 2”, acompañada por músicos del álbum anterior y miembros de la lista de artistas de Turtle Bay.

Ahora, en septiembre de 2025, continúa la saga con “Spooky Jazz Vol. 3”.  Como sucedía en “Spooky Jazz Vol. 2” no ha resultado fácil encontrar canciones de Halloween, pero Gill ha conseguido reunir varias canciones que en mayor o menor medida encajan con la temática del título.

El sello sigue siendo Turtle Bay Records y los músicos que acompañan a Gill son los mismos que en álbum anterior a excepción del trompetista  Mike Davis que es sustituido por Danny Jonokuchi, que escribió la mayoría de los arreglos de las canciones del álbum. Además se incorpora la acordeonista Sasha Papernik.

La versión en vinilo (transparente y rojo) no incluye el tema titulado “Moon Ray”.

Una breve introducción hablada de Gill, al más puro estilo Hitcock, con un fondo musical que genera tensión e intriga, da paso al primer tema titulado "Spider in the Web". Se trata de un tema doo-woppy de los años 50 de The Dooley Sisters. Gill le aporta un fuerte y pícaro swing donde se suceden los solos de saxo, violín, guitarra de acero y trompeta. Un tema travieso donde todos los miembros de la banda, incluida Gill, enganchan irremediablemente al oyente.

La canción  “Old Devil Moon” es quizás el tema más conocido del álbum. Grabado por Frank Sinatra, Miles Davis, Chet Baker y muchos otros, Gill se inspira en una versión de 1957 de Anita O'Day y el Cuarteto Oscar Peterson.  Gill interpreta esta pieza con un swing de vodevil creando una base sensual y provocadora.

Sigue "The Richest Guy in the Graveyard", un tema blusero, que nos transporta a los años 30, con toques de  Nueva Orleans. Gill vuelve a demostrar su calidad como vocalista.

"Moon Ray" relaja el ambiente y la sensual Gill nos sorprende con este clásico de Artie Shaw que ha arreglado como una balada oscura y evocadora, casi onírica, con el violín de Terracciano y la guitarra de Poindexter deslizándose entre una sección rítmica más que interesante. Uno de los puntos álgidos del álbum.

En la desenfadada "I'm Gonna Haunt Ya" Gill superpone su voz como las Andrew Sisters, y nos pone las pilas con su rápido y enérgico ritmo.

Sigue "As Long As You Live (You'll Be Dead If You Die)"  grabada a finales de los años 30 por Tommy Dorsey y Louis Armstrong. Un alegre y humorístico tema donde sobresalen todos los instrumentos, especialmente los metales.

El disco continua con la composición de los hermanos Dorsey, "My Friend the Ghost", una melodía swing de medio tiempo, con efectos de sonido que producen una  sensación fantasmagórica, pero a la vez divertida.

"He's a Demon, He's a Devil, He's a Doll" fue cantada en 1950 por la actriz Betty Hutton en 1950. Gill aplica un ritmo relajado y narrativo, pleno de picardía.

Ya casi al final del álbum encontramos "Boulevard of Broken Dreams" con el acordeón Sasha Papernik y el violín de Terracciano, una preciosa canción. Gill dota de cierta ligereza emotiva a la canción si la comparamos con la versión de Diana Krall en su álbum  de 1996  “All for You (A Dedication to the Nat King Cole Trio)”.

El disco cierra con "Wolves in the Tree Line" un blues duro con tintes roqueros. Terracciano y  Poindexter intercambian solos apasionados. Gill, una vez más, muestra su talento interpretativo y narrativo. Otro momento a destacar en el álbum.

Este “Spooky Jazz Vol. 3” es, a pesar de su temática, un disco divertido, donde la voz de Hannah Gill muestra su versatilidad,  potencia y sutileza, acompañada de unos músicos de primera que dan vida a los vibrantes arreglos de Danny Jonokuchi.

Un muy buen trabajo.

La Habitación del Jazz


lunes, 15 de septiembre de 2025

JIM WITZEL Quartet CD: Very Early, Remembering Bill Evans

 


Pistas

1.Beautiful Love 2.How My Heart Sings 3.Falling Grace 4.Solar 5.Very Early 6.Israel 7.Some Other Time 8.Nardis 9.Peri’s Scope

Interpretes

Jim Witzel – guitarra

Phil Aaron – piano

Dan Feiszli – contrabajo

Jason Lewis – batería

 

Grabado  el 27 y 28 de febrero de 2025 en el Opus Studios, Berkeley, California

Fecha de publicación: 15 de agosto de 2025.

 

El guitarrista, compositor y educador Jim Witzel creció en la ciudad de San Rafael, en el norte de la Bahía de San Francisco. Comenzó el aprendizaje de  la guitarra a los doce años. Exploró varios estilos (folk, pop, rock y blues) y comenzó a estudiar guitarra de jazz en la escuela secundaria con el conocido maestro e intérprete de la Bahía de San Francisco, Dave Smith.

 

Después de graduarse en la escuela secundaria, asistió a la Universidad Estatal de San Francisco, donde completó una Licenciatura en Artes Interdisciplinaria de Artes Creativas (Énfasis en Música). Allí se centró en la composición de bandas sonoras para películas y grupos de jazz. En esta Universidad tuvo la oportunidad de estudiar con el legendario saxofonista alto, John Handy.

Después de graduarse, trabajó como freelance en clubes y conciertos de la Bahía de San Francisco, como líder y acompañante de músicos como Mark Isham, Art Lande, Mike Clark, Delbert Bump, Michael Barsimanto, Glenn Cronkite, Mike Formanek, Chris Amberger y Todd Dickow.  Poco después recibió una beca de estudio de National Endowment for the Arts, donde estudió con los guitarristas Jack Wilkins (Nueva York) y Howard Roberts (Los Ángeles).

Cuando se mudó a Los Ángeles, Witzel se asoció con la cantautora Joyce Yarrow para explorar el lado “jazz-pop” de la escena musical de Los Ángeles. Trabajó como freelance con músicos tan destacados como Bob Sheppard, Scott Colley, Henry Butler, Richie Cole, Casey Schuerell y Clay Jenkins. Grabó un álbum en trío (“Up Until Now”) con el bajista John Patitucci y el baterista Ralph Penland. Estudió con  los guitarristas Joe DiOrio y John Abercrombie.

Antes de regresar al Área de la Bahía, grabó su primer disco de música completamente original (“Give and Take”) con Ernie Watts, Russ Ferrante, Marc Johnson, Ralph Penland y John Abercrombie. Actualmente es miembro de la facultad (profesor de estudios de guitarra de jazz) en la Universidad de Santa Clara. Ejerce una amplía actividad como docente en la escuela pública y en su estudio de enseñanza privado.

Para Witzel, los tres álbumes de guitarra de jazz más influyentes han sido: “Boss Guitar” de Wes Montgomery, “Alone Together (Live at the Playboy Club)” de Jim Hall/ Ron Carter y “Bright Size Life” de Pat Metheny.

Tras sus tres primeros lanzamientos, “Give and Take” (1993),  “Feelin' It” (2022) y  “Breaking  Through Gently” (2024)  lanza “Very Early, Remembering Bill Evans” (2025).

Le acompañan viejos amigos: Phil Aaron, que cofundó junto a Witzel el grupo Hyperion, donde también estaban Eric VonEssen y Tony Jones, tocando  una mezcla de estándares de jazz y temas originales compuestos por miembros de la banda. Además de liderar su propio trío, sigue trabajando como músico acompañante de innumerables cantantes y otros instrumentistas como Lee Konitz, Eric Alexander, Delfeayo Marsalis. También compone  para cine, televisión y publicidad. Sus influencias incluyen a Bill Evans, Herbie Hancock y Keith Jarrett; Dan Feiszli, bajista e ingeniero que ha tocado y/o ha sido ingeniero de sonido en docenas de álbumes, incluido “Feelin' It” de Witzel; y el baterista Jason Lewis,  músico muy ocupado que ha actuado con muchos artistas musicales conocidos de todos los géneros, incluidos Gary Burton, James Moody, Mark Murphy, Norma Winstone, Larry Coryell y Boz Scaggs, entre muchos otros. 

Witzel conoció la música de Bill Evans en una grabación de 1961 llamada “Sunday at the Village Vanguard”, en la que participaron Scott LaFaro y Paul Motian.

Le impresionó la forma en que el grupo abordaba la improvisación colectiva y cómo creaban una mezcla de lirismo, introspección y swing intenso.

Él y Aaron escucharon juntos los álbumes de Evans y debatieron sobre las canciones en profundidad. Quedaron impresionados por el sonido fresco de las grabaciones clásicas del trío de Evans entre 1959 y 1962.

Son muchos los álbumes dedicados a Bill Evans desde su muerte en 1980, con diferentes formaciones y enfoques estilísticos, desde el piano solo, pasando por grupos pequeños hasta grupos orquestales. Y en casi todas estas grabaciones, el piano fue el instrumento principal. Pero Jim Witzel va un paso más allá. Ha creado algo que funciona tanto como homenaje a Evans y como un excelente álbum de jazz por sí solo. Además, el pianista Phil Aaron no intenta replicar el estilo característico de Evans, y es Witzel quien toma ese papel. Para ello elige una guitarra Gibson ES-165/Herb Ellis (una Gibson ES-175 de una sola pastilla), modelo conocido por su "sonido oscuro y de madera" que contribuye al sonido cálido y contemplativo del álbum. El álbum está producido por el bajista Feiszli, que también es el ingeniero de sonido del álbum, y suena con una claridad digna de mención.

El  álbum abre con "Beautiful Love",  compuesta en 1931 por Victor Young. Evans la grabó en su álbum de 1961, “Explorations”. Witzel comienza en solitario con la  guitarra. Se le une el resto del grupo donde se suceden los solos de Witzel y Aaron, seguidos de Lewis y Feiszli. Buen comienzo.

"How My Heart Sings", compuesta por Earl Zindars, amigo de Evans, fue la canción que dio título al álbum del trío en 1962. La canción incluye un solo de Feiszli seguido de Witzel y Aaron. El grupo funciona bien engrasado.

 Steve Swallow compuso "Falling Grace" para “The Time Machine” (1966) del vibrafonista Gary Burton. Evans la grabó posteriormente a dúo con Eddie Gomez. La composición ha sido una de las favoritas de muchos guitarristas de jazz, como Pat Metheny, Jim Hall o John Scofield. Una pieza vibrante donde Feiszli y Lewis muestran el instinto musical que les caracteriza.

"Solar", originalmente atribuida a Miles Davis, fue  grabada por Evans en el Village Vanguard, la interpretó en directo con frecuencia y la grabó más de una vez. La versión del grupo es más alegre que las grabadas por Evans, quien, mientras aún estaba en la universidad, compuso "Very Early", la canción que da título al disco. Este tema, con  letra de Carol Hall, es popular entre los vocalistas y  Witzel la aborda de forma brillante, con ese enfoque conversacional  característico.

"Israel" de John Carisi, apareció por primera vez en “Birth of the Cool” de Miles Davis en 1949 y está estrechamente asociada con Evans, quien la grabó varias veces. La versión es alegre y fluida y cabe destacar los solos de Witzel y Aaron y las siempre fundamentales aportaciones de Feiszli y Lewis

La química del grupo también está presente en las baladas como  “Some Other Time” de Leonard Bernstein, que comienza con el melancólico piano de Aaron creando una atmósfera delicada de inmediato. Una preciosa balada.

"Nardis" es una canción estrechamente asociada a Evans, si bien se trata de  una composición de Miles Davis para Cannonball Adderly. Un comienzo misterioso del contrabajo de Feiszli, da paso al grupo que aborda el tema de forma menos introspectiva que Evans, dotándola de un groove más optimista.  

El último corte del álbum es  "Peri's Scope" que compuso Evans  para su novia Peri. En la década de 1950, la pareja tenía dificultades para reservar habitaciones de hotel porque Peri era negra y la mayoría de los hoteles no permitían parejas interraciales. La melodía tiene un tempo medio alegre y vibrante que transcurre entre lo latino y el swing. Un excelente cierre.  

Witzel y sus colegas evitan la imitación, ni tan siquiera superficialmente, de Evans, y optan por presentar estas composiciones con su propio estilo.

Witzel huye de los malabarismos y narra historias con un enfoque sensible y lírico, cualidades que comparte con Aaron, que junto a las aportaciones de buen gusto de Feiszli y Lewis, reinventan este conjunto de canciones, de las más queridas por Evans.

El resultado final es un hermoso homenaje a uno de os pianistas de jazz más influyentes de todos los tiempos. Un álbum que los seguidores de Evans disfrutarán escuchando su música desde una nueva perspectiva y también disfrutaran los seguidores de Witzel y de la guitarra en general.

 

La Habitación del Jazz

 


viernes, 12 de septiembre de 2025

Libro: Oscar Peterson - Mi Vida en el Jazz - Memorias Autor: Oscar Peterson

 



Título: Oscar Peterson: Mi vida en el jazz (Memorias)

Autor: Oscar Peterson

Traductor: Antonio Padilla

Editorial: Libros del Kultrum

ISBN: 978-84-18404-69-6

Encuadernación: Rústica con solapas

Idioma: Español

Formato: 15x23

Páginas: 317

Fecha de edición: agosto de 2025

 

Coincidiendo con el centenario del nacimiento de Oscar Peterson, Libros del Kultrum recupera A Jazz Odyssey: The Life of Oscar Peterson, la autobiografía oficial del pianista canadiense Oscar Peterson, publicada originalmente en inglés en 2002 y escrita en colaboración con el periodista Richard Palmer. Y como es habitual en Libros del Kultrum, lo hacen con el mayor rigor y calidad, bajo el título “Oscar Peterson: mi vida en el jazz”.

Qué decir de Oscar Peterson, uno de los pianistas de jazz más prolíficos de todos los tiempos;  su nombre figura en  más de 500 grabaciones, 200 de ellas como líder,  y ganador de 8 premios GRAMMY (incluyendo el de Trayectoria). Poseedor de diversas distinciones internacionales, entre ellas: el Premio Imperial de Arte Mundial, el Premio de Música de la UNESCO, la Orden de las Artes y las Letras (Francia) y dieciséis doctorados honoris causa. Entre sus reconocimientos más preciados se encuentran ser nombrado Compañero de la Orden de Canadá, Caballero de la Orden de Quebec y recibir la Orden de Ontario.  Peterson fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores Canadienses y en el Salón de la Fama de la Música Canadiense, y hoy forma parte permanente de la historia de Canadá con una estatua en la capital del país (creada por Ruth Abernethy), una estampilla de Canada Post, murales, parques y calles que llevan su nombre y, en 2022, la Real Casa de la Moneda de Canadá emitió una Moneda Conmemorativa de Circulación en homenaje a Peterson.

El Dr. Oscar Emmanuel Peterson, de ascendencia antillana, nació en Montreal, Canadá. Compartió escenarios y grabaciones con los más grandes del género, como Ella Fitzgerald, Dizzy Gillespie, Billie Holiday, Count Basie, Nat King Cole, Ray Brown, Lester Young, Roy Eldridge, Ben Webster, Joe Pass,  Niels-Henning Ørsted Pedersen, Louis Armstrong o Duke Ellington, quien le otorgó el título de “Maharajá del teclado”.

Peterson representa la historia del piano jazzístico, junto a una encomiable erudición y un profundo conocimiento de la música clásica occidental. Un referente como solista o como acompañante de otros músicos y vocalistas en cientos de grabaciones excepcionales, demostrando su generosa empatía y sutileza (por ejemplo en sus grabaciones con Ella Fitzgerald para Verve)  y en trío, al frente del Oscar Peterson Trio, cuyas interpretaciones que han quedado como modelo del arte del trío moderno, con un estilo personal, una técnica depuradísima y un profundo sentido del swing tomando como referencia el formato del trío de Nat King Cole, modelo que replicaría y perfeccionaría a lo largo de su carrera. El impacto musical de Oscar Peterson en la cultura canadiense es inconmensurable.

Su carrera fue lanzada a nivel internacional por Norman Granz, quien le invitó a participar, como invitado sorpresa en una actuación de la  Jazz at the Philharmonic (JATP) en el Carnegie Hall. Peterson contaba con tan solo veinticuatro años. Su alianza con Granz, resultó decisiva y le abrió las puertas a giras internacionales y posicionándole como una de las figuras más destacadas del catálogo de Verve Records.

Peterson, falleció en 2007 a los 82 años, apenas un lustro después de publicar estas memorias, dejando un legado incomparable, tan atemporal como la música a cuyo servicio y celebración se consagró en cuerpo y alma. Legado que se mantiene vigente.

En este libro se ofrece un recorrido íntimo y detallado por la vida y la carrera de uno de los pianistas más influyentes de la historia del jazz. Con una cronología suigéneris, como si de una improvisación se tratara, desgrana toda su trayectoria musical y personal, trazando sentidas semblanzas de otros grandes del jazz y compañeros, además de reflexionar sobre la política o el racismo. Peterson intercala en su autobiografía,  hechos, acontecimientos y  curiosidades, que permiten que   podamos encontrar material muy interesante y un rico anecdotario de parte de sus coetáneos, así como de su época. Peterson nos habla de más de cinco décadas de su carrera musical, grabaciones, injusticias, triunfos, y todo con una gran lucidez.

El libro incluye un código QR con acceso a la recopilación musical “A Jazz Odyssey”, seleccionada por el propio autor, para escuchar mientras se lee.

Esta es la primera  biografía de Oscar Peterson traducida al español, por lo que estas memorias son un documento único para entender la obra de este pianista de culto.

Su música se enseña en escuelas de todo el mundo y, gracias al esfuerzo de Kelly Peterson, su esposa, (The Estate of Oscar Peterson), se han publicado varios proyectos discográficos, entre ellos tres conciertos de archivo inéditos; el dinámico proyecto para piano solo "Oscar, With Love" (con 16 pianistas de renombre internacional que interpretan composiciones de Peterson en su casa, en su querido piano Bösendorfer Imperial); la finalización y el estreno mundial de la Suite África (con arreglos originales de John Clayton); y varios conciertos tanto en Canadá como en el extranjero. The Estate of Oscar Peterson honra con orgullo su obra y su compromiso con la excelencia artística, y en 2025 se celebra su centenario con una serie de conciertos en vivo y emocionantes proyectos. Estas iniciativas se enriquecen gracias a las invaluables contribuciones de los músicos inspirados por Peterson.

Leer el índice ya es de por sí un placer y nos deja verlo interesante del contenido de este libro, que debe figurar en la biblioteca de todo aficionado al jazz.

 

La Habitación del Jazz

 

ÍNDICE

Nota preliminar

Dramatis Personae

 

PRIMERA PARTE:

MARCANDO LA PAUTA. CANADÁ

1.Los comienzos

2.Los primeros profesores

3.Mi padre: Daniel Peterson

4.Años formativos

5.Subculturas y prejuicios

6.Melismas, acordes y chicas

7.Decisiones, decisiones

8.De los dieciséis a los tres

9.Collie Ramsey: un pianista misterioso

10.Salida y llegada, primera parte

11.Salida y llegada, segunda parte

 

ESTADOS UNIDOS: AÑOS CINCUENTA

12.Primera etapa en el vecino del sur

13.De dúo a trío

14.La historia de Herbie

15.Control y crecimiento del trío

16.Oscilaciones en el personal del trío (1): los años cincuenta

17.En los primeros días del trío. La vida en la carretera

18.Batallas a la hora de la cena

19.Cinta por un tubo

20.En el autobús (primera parte)

21.En el autobús (segunda parte)

22.Me pongo besucón

23.Ray Brown vuelve a hacer de las suyas

24.A navajazo limpio

25.Un gallito vuelve a Dallas

26.Cinco viñetas

27.Periodistas especializados

28.Mentalidades del sur

 

NORMAN GRANZ

29.Norman Granz: un genio a su pesar

30.Norman el gourmet

31.El Grammy

 

GENTE DEL JAZZ

32.Coleman Hawkins: el enigma

33.Aquí llega “Press”: Lester Young

34.Una leyenda de carne y hueso: Lady Ella Fitzgerald

35.Billie Holiday: la misteriosa Lady Day

36.Las sesiones con Lady Day

37.Buddy Rich

38.Roy (Speddy Gonzales) Eldridge

39.Harry Edison

40.Bill Harris

41.Stuff Smith

42.Stan Getz y Zoot Zims

43.Carmen McRae: muy especial

44.La otra Lady Day: Anita O’Day

45.Un repaso a mis colegas pianísticos

46.Wynton Kelly: Brimsha Man

47.El estudio, campo de pruebas

48.La jam session con Charlie Parker para Verve Records

49.El papel del acompañante

 

SEGUNDA PARTE:

MÁS CLAVES: DE LOS AÑOS SESENTA EN ADELANTE

50. EL grupo con percusión: Ray Brown y Ed Thigpen

51.El álbum Night Train

52.Flujo de personal en el trío (2): los años sesenta y setenta

53.El alto y el bajo

54.Los años con mps

55-Contrabajistas que te agarran y no te sueltan

56.Percusiones  persuasivas

57.Joe Pass: la guitarra eterna

58.Porgy and Bess con Joe Pass

59.Visitando Japón

60.Duke Ellington: rey de reyes

61:Reyes de la trompeta

62.Clark Terry: un héroe por descubrir

63.Ronnie Scott, el reverendo

64.Alan Claire: bonito de veras

65.Cuatro viñetas

66.Paul de Marsky, Chopin y unos huevos

67.Benny Green: un crítico sin igual

68.Las fiestas con Oscar al piano

69.Juegos de manos

70.Praparación para tocar el piano sin acompañamiento

71.Los pianos: amigos de por vida

72.La revolución electrónica

73.Los promotores y sus cosas

74.El álbum de la boda real

75.El nuevo cuarteto

76.La orden de Canadá

77.El premio Glenn Gould

78.El Praemium Imperiale

 

TERCERA PARTE:

CUESTIONES POLÍTICAS

79.El prejuicio surge de forma temprana

80.¡Negrata!

 81.Mi político preferido

82.Gajes  del oficio

83.Un conflicto cultural: el jazz traicionado

 

CUARTA PARTE:

CUESTIONES PERSONALES

84.Momentos de grandeza al aire libre

85.Grandes hoteles del mundo

86.En perpetua búsqueda de amigos de verdad

87.El hijo de la noche

88.Matrimonio y paternidad

89.Cirugía, recuperación, ¡embolia!

90.Las perfectas vacaciones

91.El elusivo control de las emociones

92.Afán de perfección

 

Recopilatorio, vía enlace QR, A Jazz Odyssey


martes, 9 de septiembre de 2025

DOMINIK SCHÜRMANN QUARTET CD: Happy People

 


Pistas

1.One For Doris 2.Happy People 3.Wishes 4.It‘s Me 5.The Seagull‘s Serenade 6.November 7.Holding Line 8.Slippery Jack 9.Sambâle

 

Intérpretes

Max Ionata – saxo tenor

Frits Landesbergen – vibráfono

Dominik Schürmann – contrabajo

Elmar Frey – batería

 

Grabado en Rossini Studios, Stuttgart, Alemania el 29 y 30 de septiembre de 2024

Fecha de publicación: 29 de agosto de 2025

 

Bajista, compositor y productor suizo, Dominik Schürmann es hijo del pianista de jazz Niggi Schürmann. Gracias a él, desde muy joven, se familiarizó con la música, especialmente con el jazz. Schürmann comenzó a tomar clases de piano a los seis años. Posteriormente, se pasó al contrabajo. Ha colaborado en proyectos, giras y conciertos con músicos de renombre como Hendrik Meurkens, Max Ionata, Luis Diego Bonilla, Jorge Rossy, Karl Ratzer, George Gruntz, Isla Eckinger, Oscar Klein, Vince Benedetti, Domenic Landolf, David Klein, Adrian Mears, Adam Taubitz, Titi Winterstein, Kurt Weil, Jim Galloway, Bonnie Jeanne Taylor, Andreas Herrmann, Markus Hauser, Mario Schneeberger, Sam Burckhardt y muchos más.

Desde 1998, forma parte del grupo "Centrio" de Thomas Moeckel. También ha participado en producciones teatrales y musicales. Ha grabado más de 50 discos, siendo muy solicitado como acompañante y líder de banda.

Alguna de sus referencias musicales son Ray Brown, Sam Jones, Wynton Kelly y Bill Evans.

Su último lanzamiento se llama  “Happy People”. El cuarteto, junto a  Schürmann, está formado por el saxofonista  italiano  Max Ionata, del que Schürmann dice: "es el saxofonista tenor ideal. Su forma de tocar  sensible y su sonido suave y pleno otorgan a las composiciones el timbre perfecto. Posee un profundo sentido de la tradición y ha desarrollado un sonido propio y personal”; el vibrafonista neerlandés Frits Landesbergen del que dice: "Frits Landesbergen es una fantástica incorporación a este grupo. Su interpretación se caracteriza por un virtuosismo, una musicalidad y una experiencia impresionantes" y el baterista suizo Elmar Frey: "un baterista increíblemente dinámico y con un ritmo seguro, que sabe escuchar a sus compañeros músicos y responder con destreza y sensibilidad a su interpretación".

Todas las canciones están compuestas por Schürmann, excepto "It's Me", compuesta por Max Ionata y "Slippery Jack" compuesta por Elmar Frey.

El álbum  abre con la pieza de swing medio "One For Doris", dedicada a su madre. Un tema ligero, lleno de dulzura, sin florituras innecesarias, que nos devuelve a la época del jazz tradicional.

Sigue el tema principal, "Happy People", dedicado a aquellos que han logrado hacer en la vida lo que realmente les gusta y motiva. Schürmann es uno de esos afortunados al encontrar la felicidad en el jazz. Una pieza reflexiva llena de lirismo.

"Wishes" está dedicada a nuestros deseos personales. En la línea del anterior tema, es una canción poética donde Ionata, Landesbergen y el propio Schürmann desarrollan bonitos solos.

La atmosfera cambia radicalmente con "It's Me", un tema de Ionata, basado en las armonías de “It‘s You Or No One” de Jule Stone de 1948. Canción de ritmo rápido, excelente swing con Frey mostrando su lado creador en los solos que ejecuta.

Vuelve el relax con la balada titulada “The Seagull‘s Serenade”, escrita por Schürmann en 2022, en la época del inicio de la guerra en Ucrania. La canción refleja el vuelo tranquilo de una gaviota sobre el mar. Un himno  personal de Schürmann a la paz.

La pieza "November" fue escrita en un día brumoso de noviembre donde el estado de ánimo es fiel reflejo del día. Una bonita canción cargada de nostalgia.

"Holding Line" es una melodiosa y cálida canción con un suave swing. 

Sigue “Slippery Jack”, una composición de Frey basada en “Doxy” de firmada por Sonny Rollins en 1954. Una pieza de jazz clásica, sin apariencia anticuada.

El disco cierra con "Sambâle". La ciudad natal de Schürmann es Basilea, Suiza. La ciudad se encuentra justo en la frontera con Francia y se llama "Bâle" en francés. El título es una combinación de las palabras "samba" y "Bâle".  Una canción de corte sudamericano, en particular sonido samba.

“Happy People” irradia “buen rollo” y alegría entre los músicos y lo transmite a los oyentes. Acogedoras composiciones, interpretadas con honestidad, sin complejidades, con un sonido cálido.   

 

La Habitación del Jazz


jueves, 4 de septiembre de 2025

GABRIEL ALEGRIA AFRO-PERUVIAN SEXTET CD: El Muki

 


Pistas

1.El Muki 2.Luciérnagas / Fireflies 3.Mala Señal / Bad Sign 4.Panabe 5.Vista Panorámica / Bird’s Eye View 6.Ausencia / Absence 7.La Zafra / The Harvest 8.Despertar / Awakening 9.Walking On The Moon

 

Intérpretes

Gabriel Alegría - trompeta

Laura Andrea Leguía – saxo tenor

Hugo Alcázar – batería

Mario Cuba – contrabajo

Freddy “Huevito” Lobatón – percusión

Jocho Velásquez – guitarra

JF Maza – saxo

 

Sello discográfico: Saponegro Records

Grabado en Paradero Studios, Lima, Perú

Fecha de publicación: 15 de  agosto de 2025

 

Gabriel Alegría es una de las figuras más influyentes de la escena jazzística peruana actual. Nació en el seno de una familia de artistas en Lima. Su abuelo, Ciro, fue el novelista más famoso del Perú y su padre, Alonso, el dramaturgo más aclamado del país.

Doctorado por la Universidad del Sur de California, lidera el Sexteto Afroperuano, con el que ha participado en más de 400 conciertos y clases magistrales en Norteamérica.

A lo largo de su carrera internacional, Alegría ha participado en conciertos y grabaciones con Arturo O’Farrill, Maria Schneider, Plácido Domingo, Kenny Werner, Ingrid Jensen, Tierney Sutton, la Orquesta Sinfónica Nacional del Perú, Bill Watrous, Russ Ferrante y Alex Acuña entre otros.

Ha realizado conciertos para las Naciones Unidas y diversas misiones diplomáticas de todo el mundo.

Formado en 2005 y con base en Nueva York durante gran parte de su trayectoria, el Sexteto se instala ahora en Lima para proyectarse al mundo desde sus raíces. “Desde que regresé a vivir al Perú, he sentido con más fuerza una sabiduría distinta: la que se transmite por el cuerpo, por el ritmo, por el mito. La que no está en los algoritmos, pero sí en los zapateos, en la percusión; en las formas de mirar el mundo que nuestra cultura ha sabido preservar”, afirma Alegría.

 

Durante más de dos décadas, el Sexteto Afroperuano Gabriel Alegría ha explorado e incorporado las raíces africanas comunes presentes en el jazz americano y en la  música peruana, desarrollando un concepto único de jazz afroperuano.

Ahora, el conjunto limeño-neoyorquino regresa con un álbum emblemático que celebra su vigésimo aniversario, titulado”El Muki”. El título del álbum hace referencia a una figura mitológica andina que, según se dice, protegía a los mineros de la sierra peruana.

El tema que abre el disco, y da título al mismo, “El Muki” es una reivindicación del papel de los músicos como garantes de la autenticidad cultural en un mundo cada vez más saturado de sonido mecanizado. Es una composición de Alegría que dice: “Lo que comienza como el sonido de una alarma en la trompeta y un saxofón distorsionado se transforma en un himno para ser cantado a seis voces al final de la canción”. Una canción de ritmo fuerte, gran trabajo de la sección rítmica,  con la guitarra de Velásquez y los vientos protagonistas y entre ellos el saxo de  Laura Andrea Leguía.

Le sigue otra composición de Alegría, “Luciérnagas”, donde el ritmo llamado “lando” se extiende a 7 tiempos para representar los patrones de comunicación utilizados por las luciérnagas.

"Mala Señal" de Leguía es una pieza festiva con fuerza, o como la describe su compositora “agresiva”.

“Panabe” de Alegría, es una canción más relajada,  inspirada en el delfín rosado que habita en las aguas en del río Amazonas.

"Vista Panorámica" de Leguía, nos lleva a un viaje imaginario por un paisaje urbano. A resaltar los saxos y el trabajo de Cuba al contrabajo. Velásquez nos ofrece un interesante solo roquero.

La pensativa “Ausencia”, compuesta por Leguía, refleja perfectamente el dolor de la ausencia de cualquier naturaleza. Una bonita canción de sabor limeño.

 “La Zafra” es una composición de Leguía junto a Thomas Marsch.  Alude a la temporada de cosecha de la caña de azúcar. Tiempo alegre y festivo donde los cambios de ritmo se suceden.

Le sigue una pieza de Alegría titulada "Despertar". El nombre de la canción proviene de un fan anónimo que dejó la sugerencia escrita en una servilleta durante una actuación del Sexteto en un club. Una serena canción que nos traslada a un amanecer.

El disco cierra con "Walking on the Moon" de Sting, arreglada por Alegría. Una poderosa y original versión con fuerte presencia de la percusión. 

Alegría, a través de “El Muki”, nos demuestra como la música es un fantástico puente entre culturas y personas, dejando las ideologías al margen.

Ambos países, Perú y Estados Unidos, se hermanan musicalmente hablando, fusionando sus estilos y ritmos.

El álbum, en general,  tiene un carácter festivo e invita a bailar.

El disco tiene un mensaje que se repite últimamente entre los músicos: luchar contra el mal uso de la inteligencia artificial. En el caso concreto de la música, abogando por la composición hecha por seres humanos.

 

La Habitación del Jazz

 


lunes, 1 de septiembre de 2025

EMMA HEDRICK CD: Newcomer

 



Pistas

1.The Idea of Love 2.Dreamscapes 3.Newcomer 4.In the Warmth 5.Tone Poem in Greenwich Village 6.Spring Haiku Collection 7.Inside Your Mind 8.In the Garden 9.Come on Home 10.Waste No More Days

Intérpretes

Emma Hedrick – voz

Shane McCandless - saxo

David Sneider – trompeta

Zach McRary – trombón

Alexandria DeWalt – flauta, voz

Andrew Tinch – guitarra

Peter Eldridge – piano, voz

Connor Rohrer –piano

Thor Eide Johansen - contrabajo

Anton Kot – batería

Ryan Barskiaux – percusión

Amy Azzara – voz

Faith Quashie – voz

Davis Brooks – violín

Kara Day – violín

Derek Reeves – viola

Anna Thompson-Danilova -  chelo

 

Grabado en The Bunker Studio en noviembre de 2024 Cuerdas grabadas en Aire Born Studio

Fecha de publicación: 1 de agosto de 2025

 

Emma Hedrick es una galardonada vocalista, compositora y directora de orquesta de jazz originaria de Indianápolis, Indiana (EE.UU). Conocida tanto por su voz como por su composición, sus canciones han sido semifinalistas en el Concurso Internacional de Composición Musical y recibieron una Mención Honorífica en la Muestra de Jóvenes Compositores de la Red de Educación de Jazz. En 2019, obtuvo el tercer puesto en el concurso vocal Ella Fitzgerald. Recibió siete premios Downbeat Student Music Awards en la categoría de Voz Jazz durante sus estudios de secundaria, licenciatura y posgrado. En 2017 y 2018, fue ganadora del premio nacional YoungArts en la categoría de Voz Jazz.

Ha actuado a nivel nacional y europeo, incluyendo numerosos festivales  de jazz, como parte de la Academia Aspen JAS Academy dirigida por Christian McBride, y en la gira Jong Metropole por los Países Bajos y Alemania dirigida por Chris Walden, por nombrar algunos

Emma se familiarizó con el jazz a través del Coro Infantil de Indianápolis en la escuela primaria. Agradece especialmente a Gary Walters, Erin Benedict y Rob Dixon, quienes guiaron sus inicios profesionales.

Completó su Licenciatura en Música en la prestigiosa Escuela de Música Frost con Magna Cum Laude y Beca Presser, y su Maestría en Música en el Conservatorio Real de La Haya con Cum Laude y una Beca Holland, ambas en Interpretación de Jazz Vocal. En Frost, cantó en el prestigioso programa Frost Extensions, dirigido por la Dra. Kate Reid, y en el Conservatorio Real, fue la primera profesora asistente del Coro de Jazz Vocal.

Su investigación artística, "Collected Creativities", una investigación sobre el inicio del proceso creativo a través de la coreografía, la escritura y las artes visuales, se publicará próximamente como una exposición interactiva en línea. La investigación fue financiada en parte por la Fundación Stichting De Zaaier. En 2024, fue invitada a presentar esta investigación en la Conferencia Internacional sobre Cambios de Ritmo en Graz, Austria.

Su álbum debut se titula “Newcomer”. Incluye diez temas originales compuestos por Hedrick. Aunque sus primeras influencias fueron Duke Ellington y Ella Fitzgerald, su propia escritura y canto tienen un toque contemporáneo.

Ella llama al álbum su "álbum de recortes musical" y sus composiciones surgieron de diversas fuentes de inspiración, incluyendo poesía preexistente, haiku, métodos creativos de diversas disciplinas artísticas y la vida cotidiana.

Hedrick reunió a una banda de artistas de jazz emergentes, muchos de los cuales conoció en la universidad.

Cada canción cuenta con una instrumentación y orquestación únicas que resaltan su gran inspiración al componer así  como las diferentes estéticas que abarca el álbum. Producido por Peter Eldridge, vocalista, compositor, artista discográfico y miembro fundador de la internacionalmente aclamada banda New York Voices,  también toca el piano y aporta su voz a dos temas. Aunque se conocieron en el campamento de jazz de New York Voices cuando Emma tenía 16 años, éste es su primer proyecto juntos.

Animada por un profesor a ampliar su musicalidad, comenzó a escribir canciones en la universidad. Hedrick comenta: «He estado trabajando en estas canciones durante algunos años y comencé la mayoría de ellas mientras aún estaba en la escuela, pero sentí que necesitaba perfeccionar mi voz como compositora antes de grabar un álbum. Ahora que he terminado mis estudios y me he desarrollado como artista, era hora de grabar mi música».

 

Hedrick abre el álbum con "The Idea of Love". Dice: "Esta es una de las primeras canciones que escribí. La llevé a una clase magistral con Peter en mi primer año de universidad. Trabajamos un poco en ella, y recuerdo que dijo que le encantaba el vals de jazz. Es una locura pensar que siete años después la estaría grabando para mi primer álbum, con Peter como productor". Interesante canción relajada de corte jazz-pop, que ofrece algunas sorpresas rítmicas.

"Dreamscapes" es otra de las primeras canciones de Hedrick. De nuevo el jazz-pop está presente. A destacar la voz de Hedrick junto a los vientos y el solo de trompeta de Sneider.

Hedrick escribió “Newcomer”, canción que da título al disco, después de mudarse a los Países Bajos para cursar un posgrado. Trata sobre la sensación de ser un extranjero en un lugar nuevo. La canción gana en emotividad cuando se incorporan las cuerdas

Un profesor de composición encargó  a Hedrick escribir una canción basada en el color amarillo. El resultado es  "In the Warmth", una canción divertida a modo de  samba, con la participación de  Ryan Barskiaux en la  percusión.

Hedrick se sintió atraída por las imágenes de un poema de Langston Hughes, “Young Singer”, y lo utilizó en su canción "Tone Poem in Greenwich Village". El poema tiene solo ocho versos, pero Hedrick añade la letra al principio para darle forma a su propia interpretación. Un tema cargado de swing jazzístico.

Hedrick compuso  "Spring Haiku Collection" para su investigación de maestría. Escribió la letra utilizando la estructura de un haiku y, al igual que los haikus tradicionales, sus letras se centran en momentos de la naturaleza. Eldridge canta y toca el piano en esta canción. Hedrick dice: “Peter ha sido una influencia para mí desde que empecé en la música, y quería destacar su musicalidad como intérprete y productor en este álbum”. Una melancólica y bonita canción que nos traslada al lejano oriente.  

Hedrick escribió "Inside Your Mind" a un amigo que estaba pasando por momentos difíciles, animándole a compartir su corazón, que había pasado demasiado tiempo  escondido y encerrado. Un tema donde la anarquía sonora en su parte central, nos muestra los pensamientos que pueden surgir en la mente, cuando no se tiene las ideas claras. Tema original  e interesante.

En "In the Garden" Hedrick nos habla sobre el jardín de su madre, donde encuentra descanso y consuelo. Toda la banda se une a Hedrick haciendo le los coros al final de la canción.

Volvemos al aire pop en "Come on Home", inspirada en el estilo de John Mayer de quien es una fan.  Cuenta con la participación de Andrew Tinch en la guitarra y Eldridge en la voz.

El tema que cierra el disco, “Waste No More Days”, lo escribió mientras estudiaba en los Países Bajos, poco antes de regresar a Estados Unidos. Una canción de sabor africano que cuenta con los coros de sus buenas amigas Amy Azzara y Faith Quashie y un buen solo de Thor Eide Johansen al contrabajo.

Hedrick es, ante todo, una narradora, con una entonación impecable, evita trucos vocales para dar protagonismo a la letra.

“Newcomer” es un excelente proyecto debut como vocalista y como compositora,

 

La Habitación del Jazz