martes, 19 de noviembre de 2024

VISIONS JAZZ ENSEMBLE CD: Across The Field (College Fight Songs Reimagined)

 


Pistas

1.Tiger Rag 2.Anchors Aweigh  3.Indiana, Our Indiana 4.Rocky Top  5.Across the Field 6.Glory, Glory 7.Hot Time in The Old Town Tonight  8.Fight On 9.Hail Purdue 10.The Victors 11.Ramblin' Wreck 12.Victory March 13.On Wisconsin.

 

Intérpretes

Sam Butler- trompeta

Garrett Fasig – saxo tenor

Nick Recktenwald – trompeta

Jeff Parker – trombón, trompeta bajo

Wycliffe Gordon – trombón (7)

Dan Ventura – piano

Jacob Smith - contrabajo

Francis Bassett-Dilley – batería

 

 

Sello discográfico: Patois Records

Grabado en Primary Sound Studios, Bloomington, IN, el 16 y 17 de marzo de 2024

Fecha de publicación: 4 de octubre de 2024

 

Sam Butler es un trompetista, compositor, arreglista y educador de jazz profesional que reside en Indianápolis, Indiana. Ha actuado con varios conjuntos, entre ellos la Buselli-Wallarab Jazz Orchestra, Sean Dobbins and the Modern Jazz Messengers, Sammy Miller and The Congregation y su propio Folklore Sextet.

Comenzó a trabajar como desarrollador de planes de estudio de educación de jazz, transcriptor, arreglista y compositor con Playbook Music en julio de 2023. También fue instructor asociado en el Departamento de Jazz de la Escuela de Música Jacobs de la Universidad de Indiana mientras completaba su maestría en Estudios de Jazz. Después del lanzamiento de “Folklore”, en mayo de 2023, realizó una gira con su Sexteto Folklore en el verano de 2023 en lugares de todo el Medio Oeste

Completó sus estudios universitarios en 2022 y aceptó un puesto de instructor asociado en el departamento de jazz para obtener su título de maestría.

Garrett Fasig es un compositor, arreglista, educador  y saxofonista emergente originario de Defiance, Ohio. En su corta carrera hasta el momento, Garrett ha escrito varias composiciones originales para conjuntos de jazz que han sido grabadas por el Brent Wallarab Jazz Ensemble, un programa completo de música para sexteto de jazz y cuarteto de cuerdas, y ha recibido encargos tanto para conjuntos de jazz como para obras orquestales de la New York Youth Symphony y Brianna Thomas, respectivamente. Ha  actuado junto a músicos como Walter Smith III, Oliver Nelson, Steve Houghton, Dayna Stephens y Greg Ward.

Los primeros once años de la trayectoria musical de Fasig se dedicaron a su desarrollo en el saxofón. Esto lo llevó a la Jacobs School of Music de la Universidad de Indiana, donde completaría su licenciatura y maestría en estudios de jazz, mientras pasaba la mayor parte de su tiempo estudiando saxofón.

Esto cambió a principios de 2020 cuando un trastorno neurológico, la distonía, le impidió pasar largas cantidades de tiempo tocando. Fasig centró su atención en la composición y al año siguiente recibió la beca de composición de jazz David N. Baker de BMI.

En el verano de 2023, el Timeless Music Project (que monta presentaciones de música en vivo en Indianápolis) se acercó a Butler y Fasig y les propuso arreglar canciones de lucha universitaria para un conjunto de jazz. Desde entonces hasta octubre de ese mismo año, una tormenta de ideas se generó buscando la forma de unir esta tradición estadounidense  de orgullo universitario con el jazz y la música improvisada. En octubre de 2023 en el SILO Club en Indianápolis, se estrenó, con gran éxito, el espectáculo y comenzó la planificación para grabar un disco con este material. En marzo de 2024, la música se grabó en Bloomington, Indiana. Butler y Fasig coescribieron un arreglo más para contar con la participación del trombonista Wycliffe Gordon.

Así nació “Across the field. College Fight Songs Reimagined”. Trece temas que se corresponden con canciones, reinventadas, de lucha universitarias de las mejores universidades estadounidenses. Seis de ellas arregladas por Butler, otras seis por Fasig y una por ambos.  

En 1954, Dave Brubeck junto a  Bob Bates, Paul Desmond y Joe Dodge llevó el jazz a la universidad y lo documentó en un álbum titulado “Jazz Goes to College”. Setenta años después, el septeto de Butler y Fasig (todos graduados de la Universidad de Indiana) junto al invitado Wycliffe Gordon, han llevado la universidad al jazz. La portada del álbum es un guiño a la del álbum de  Brubeck.

El primer corte del disco “Tiger Rag”, fue grabada originalmente en 1917 por la Original Dixieland Jazz Band. En 1926, los Tigres de la Universidad Estatal de Luisiana la adoptaron como su canción de lucha y, un siglo después, la banda todavía la toca antes de cada partido de fútbol en casa (una escena que se repite prácticamente en todas las escuelas secundarias y universidades que tienen un tigre como mascota). La versión que nos ofrecen es fresca y moderna.

Sigue "Anchors Aweigh" de la Academia Naval que convierten en una melodía de jazz moderna y cool.

"Indiana Our Indiana" de la Universidad de Indiana, fue cantada por el público en su primera actuación en vivo. A destacar la trompeta de Recktenwald.

"Rocky Top" fue elegida por la Universidad de Tennessee  Osborne Brothers para el espectáculo en el descanso de un partido de fútbol contra Alabama.

El tema que da nombre al álbum, "Across the Field", es una marcha animada de la Universidad Estatal de Ohio.

La enérgica con sonido góspel "Glory, Glory", clásica canción de lucha de la Universidad de Georgia, presenta solos de Parker en el trombón y Butler en la trompeta.

Ambos, Butler y Fasig, hicieron los arreglos de  "Hot Time in the Old Town Tonight", de Florida A&M, con el invitado  Wycliffe Gordon en el trombón.

"Fight On" de la Universidad del Sur de California utiliza múltiples inspiraciones musicales. Su apertura de "marcha de guerra" desemboca en un ritmo de bossa ligera y fusión.

“Hail Purdue” de la Universidad de Indiana, suele ser una canción agitadora de ritmo rápido, pero Fasig la transforma  en una encantadora melodía lenta.

"The Victors" de la Universidad de Michigan es reinventada como una melodía de jazz modal de ritmo rápido.

El ritmo de marcha de “Ramblin’ Wreck”, del campus de Georgia Tech, utiliza la flauta para resaltar las raíces escocesas de la melodía. Solos de Smith al contrabajo y Recktenwald a la trompeta.

Llegando al final del disco, encontramos la famosa “Victory March” de la Universidad de Notre Dame, transformada en un vals  con solos de Fasig en el saxo tenor y Ventura en el piano.

Cierra el disco la conocida “On Wisconsin” con un solo de Parker al trombón.

Algunas de estas canciones fueron compuestas hace más de cien años. La mayoría se basan en marchas que influyeron en la música callejera de Nueva Orleans, lo que las acerca mucho a los orígenes del jazz primitivo pero que en las manos de este septeto, en concreto de los arreglos de Butler y Fasig, adoptan una nueva perspectiva y entran a formar parte de un  jazz moderno.

La Habitación del Jazz


viernes, 15 de noviembre de 2024

CHROMA CD: Chroma

 



Pistas

1.Prelude in d-minor 2.Glare 3.Fontaines 4.Breathe 5.Lumi 6.La Chana 7.Toru 8.Transition 9.Cara 10.Die Gretchenfrage 11.Lullaby

Intérpretes

Sebastian Voltz- piano

Gilles Grethen – guitarra

 

Fecha de publicación: 8 de noviembre de 2024

 

El guitarrista y compositor luxemburgués Gilles Grethen forma parte de la nueva generación de músicos de jazz de ese País. Tiene una licenciatura en guitarra de jazz de la Hochschule für Musik Saar y un máster en guitarra de jazz y composición y arreglos de jazz de la Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Mannheim.

Antes de descubrir su pasión por la guitarra y el jazz, recibió una formación clásica de violín y clarinete.

Lidera el Gilles Grethen Quartet, con el que ha publicado tres álbumes. También forma parte de la banda de jazz Nu Linq y el dúo CHROMA, junto al pianista Sebastian Voltz.

Para Grethen, la composición y los arreglos tienen una gran importancia y gran parte de su enfoque artístico se centran en esas actividades. Recientemente, creó un repertorio de big band para la Gilles Grethen Big Band y compuso obras para cuarteto de jazz y orquesta de cuerdas en su álbum “State of Mind”. También compone   para películas, como la banda sonora del cortometraje “Coffee & Water” de Catherine Dauphin, así como obras para la Orquesta Nacional de Jazz de Luxemburgo y la Orquesta Opus78, ambas encargadas por el Ministerio de Cultura luxemburgués.

Sebastian Voltz, nació en Neunkirchen (Alemania). Inicialmente tuvo una formación clásica. Desde 2001 estudió en la clase de piano de los renombrados pianistas Thomas Duis y Fedele Antonicelli. Durante este tiempo recibió importantes impulsos en el ámbito de la música de cámara y el acompañamiento de canciones de Eduard Brunner, Irvin Gage, Yaron Windmüller y Theo Brandmüller. Completó sus estudios en 2009 con el examen de acceso a conciertos con distinción.

Durante este tiempo, Voltz fundó junto con Max Riefer el nuevo conjunto de música “les éclats du son”. En 2022, el dúo celebró su regreso tras una larga pausa con un concierto en Saarländischer Rundfunk. A esto le siguió una gira de conciertos por el sudeste asiático en 2024.

Entre 2011 y 2016, Sebastian Voltz fue miembro del grupo “Percussion under Construction” del Teatro Estatal de Sarre. Desde 2008 se acompaña con el  clarinetista klezmer Helmut Eisel, con quien ha viajado varias veces a Israel como pianista y conferenciante.

Con el tiempo, Sebastian Voltz se dedicó cada vez más a la música improvisada y al jazz moderno europeo. En 2015 fue invitado por la conocida guitarrista Susan Weinert a unirse a su Rainbow Trio. Esta colaboración produjo dos álbumes.  Con su álbum en solitario “Voyages”, lanzado en 2021, Sebastian Voltz explora los límites entre la tradición clásica y la improvisación del jazz.

Ambos forman este dúo de nombre CHROMA que acaba de lanzar su álbum debut homónimo, compuesto de diez piezas  originales, 4 de Grethen y 6 de Voltz,  y una pieza improvisada.

Desde su primer encuentro, Voltz y Grethen sintieron una fuerte atracción musical. Pero a nadie se le escapa que el piano y la guitarra es una pareja poco común,  Grethen y Voltz lo saben y se aprovechan de ello, sacando lo mejor se ambos instrumentos, que se complementan y fusionan sus timbres sin el menor esfuerzo llegando a yuxtaponerse y confundir al oyente.

La formación clásica de ambos intérpretes y su profundo amor a la música clásica, hacen que estas composiciones tengan una enorme riqueza de sonidos y colores, de modo que, en ocasiones, se las dota de un sonido casi orquestal.

Entre las composiciones podemos disfrutar de temas  sutiles y delicados como “Prelude In d-minor”, “Fontaines” o “Lullaby”; relajantes y elegantes como “Cara”; otras con sonidos más espaciales, “Glare” y “Transitions”.  A destacar “Breathe”, un tema intimista y completamente improvisado. El jazz moderno está presente en el disco y en todos y cada uno de los cortes, los dos instrumentos se complementan a la perfección, brindándonos momentos más tranquilos y prolongados y momentos más intensos y densos.

Voltz y Grethen se intercambian los papeles constantemente y crean música que transmite emociones y belleza.

La Habitación del Jazz


martes, 12 de noviembre de 2024

HANNAH GILL CD: Spooky Jazz Vol. 2

 



Pistas

1.I'd Rather Be Burned as a Witch 2.My Man's an Undertaker 3.Love Is a Necessary Evil 4.Hummin' to Myself 5.Love, Your Spell Is Everywhere (Transylvanian Lullaby) 6.Oogie Boogie's Song 7.You Hurt Me 8.Hard Hearted Hannah 9.That Old Black Magic 10.Haunted House Blues 11.Shine On Harvest Moon

Intérpretes

Hannah Gill – voz

Gabe Terracciano – violín

Ricky Alexander – clarinete, saxo tenor

Mike Davis – trompeta, trombón

Justin Poindexter – guitarra

Gordon Webster – piano

Phil Ambuel – contrabajo

Ben Zweig – batería

 

Sello discográfico: Turtle Bay Records

Grabado en Big Orange Sheep

Fecha de publicación: 4 de octubre de 2024

 

La vocalista y compositora Hannah Gill creció en la costa este de Maryland (EE.UU).  Ya desde la escuela secundaria participó en numerosas producciones teatrales y espectáculos. A los 16 años de edad, su padre la llevó a Nueva York para ver un espectáculo en Summerstage. Fue allí donde conocieron al guitarrista Brad Hammonds, cuyo padre era compañero de trabajo de Gill. Hammonds invitó a Gill a grabar voces en su próximo álbum y luego decidieron trabajar juntos.

A la edad de 18 años, después de haber decidido posponer un título universitario y dedicarse a su pasión por la música, se mudó a Nueva York y se asoció con Hammonds para formar "Hannah Gill & The Hours". En 2020, durante la pandemia, Hannah decidió seguir su propia carrera en solitario y lanzó otro EP de su música original, llamado “Songs From Quarantine”. Gill es miembro permanente de Post Modern Jukebox de Scott Bradlee, una banda que adapta  éxitos del pop al jazz.  Actualmente reside en  Brooklyn, Nueva York.

Sus principales referentes son Blossom Dearie, Anita O'Day y especialmente Ella Fitzgerald, de la que tiene un tatuaje en el tobillo. Su álbum debut fue "Everybody Loves a Lover" (2023).

Durante la pandemia, Gill buscó en Google "Spooky Jazz". La búsqueda no dio ningún resultado, y Gill decidió usar parte de su dinero para grabar un EP digital, al que llamó “Spooky Jazz”.

Cuatro años después, Gill ha grabado la segunda parte, “Spooky Jazz Vol. 2”, acompañada por músicos del álbum anterior y miembros de la lista de artistas de Turtle Bay.

No es fácil crear una lista de canciones de Halloween, pero Gill ha encontrado varias canciones olvidadas que encajan en el proyecto, si bien hay temas que no encajan al cien por cien en esta temática.

El disco empieza con una versión llena de picardía de “I Would Rather Be Burned as a Witch” que interpretara  Eartha Kitt. Gill transmite el espíritu de Kitt con su sensual toque personal. Un tema alegre lleno de swing. Gill interpreta la roquera y explosiva "My Man is an Undertaker" con voz  poderosa. El tercer tema es  “Love is a Necessary Evil”,grabada por  Blossom Dearie en su álbum “May I Come In”. Ambuel aprovecha el protagonismo que se le brinda. Otros solos a destacar, el de Terracciano y Davis. “Hummin’ to Myself” no es precisamente una canción de Halloween, pero Gill le aplica un estado de ánimo sombrío a la interpretación que hace que encaje a la perfección. Solos de Poindexter, Webster, Davis, Alexander y Ambuel. Gill sensual.

Gill no toma “Love, Your Spell is Everywhere” del álbum de Curtis Fuller, “Bluesette”, como  referente, sí lo hace de un disco de 1929 de Ben Selvin. La canción suena a las melodías europeas de los años 30 y 40. Terracciano y Davis tienen su momento de gloria. La canción va aumentando su fuerza y ritmo a medida que avanza. Le sigue "Oogie Boogie's Song" de la banda sonora de la película de Tim Burton "The Nightmare Before Christmas". El arreglo hace un guiño a “Minnie the Moocher”. Gill es una cantante que además de cantar, interpreta el personaje y esta canción es una buena muestra de ello. El blues "You Hurt Me" que Gill interpreta con sentimiento y profundidad y nos recuerda a la gran Beth Hart. Solos de Poindexter y Alexander. De Ella Fitzgerald  Gill elige “Hard Hearted Hannah”, una canción que nos habla de la frialdad de una mujer,  interpretada magníficamente por Gill . Solos de Terracciano, Davis y Webster. "That Old Black Magic" de Arlen y Mercer es quizás la pieza del álbum más estándar que permite el lucimiento de la banda en su conjunto. Vuelve el blues con “Haunted House Blues” interpretada en su día por Bessie Smith, al que los arreglos le dan un aire country a ritmo lento. Gill canta a la perfección este tipo de temas. Solos de Poindexter y Terracciano. El disco finaliza con “Shine On, Harvest Moon” un bonito tributo a The Boswell Sisters. Gill triplica su voz para asimilar el sonido a las tres hermanas. Sonido agradablemente retro.

Gill tiene muchas virtudes como intérprete, entre ellas su atractiva voz, su forma de adaptarse a diferentes estilos y  la facilidad con la que transmite los diferentes estados de ánimo que requieren las canciones.

Un bonito e interesante disco.

La Habitación del Jazz

 


viernes, 8 de noviembre de 2024

JIM FUNNELL's Word Out CD: New Dream

 



Pistas

1.Crop Circle Crackle  2.Tree of Light 3.Pioneers 4.Greenpoint Graffiti 5.Nicaea 6.Echoes of Cyan 7.Asteroid B612 8.House of Granate 9.Ikigai 10.Full Circle

 

Intérpretes

Jim Funnell – piano, teclados (2,7), melódica (9)

Chris Jennings –contrabajo (1-4,6,7,9,10)

Jeff Boudreaux – batería (1,3,4,6,8)

Akiko Horii – percusión (2,4,7,9)

Invitados

Tomoko Omura – violín (7)

Nino Wenger – saxo alto (10)

 

Grabado en Bopcity (Le Pré-Saint-Gervais, Francia) excepto el violín, grabado en  Brooklyn, NY.

Fecha de publicación: 8 de noviembre de 2024

 

El pianista y compositor anglo-francés Jim Funnell  comenzó a liderar su propia banda en su adolescencia temprana, actuando en clubes de jazz cuando estaba en la escuela secundaria. Dedicándose al estudio del piano clásico y jazz, recibió una beca completa de matrícula del Berklee College of Music, donde estuvo expuesto a una diversidad de estilos y culturas. En Berklee, estudió con Danilo Pérez, Joanne Brackeen, Laszlo Gardony, David Fiuczynski, Joe Lovano y George Garzone. Allí tuvo la oportunidad de actuar con Tiger Okoshi, Dave Douglas, Marcus Miller, Meshell Ndgeocello y los miembros de Yellowjackets Russell Ferrante y Marcus Baylor. Después de graduarse, viajó a México, Argentina, Uruguay y Brasil, empapándose del folclore de América Latina y los ritmos afrolatinos.

Ha colaborado con músicos como David Fiuczynski, Nino Wenger,  Franck Vaillant, Hiroshi Fukutomi, Takashi Sugawa, Asaf Sirkis, Ravy Magnifique, Ryo Noritake, Nate Wong, Gaspard Gabriel, Dominique Muzeau, Ryoichi Zakota y muchos otros.

Ha producido varios sencillos, EP y álbumes, y ha realizado extensas giras por Asia, Europa y las Américas.

“Word Out” toma su nombre de la observación del poeta y novelista austríaco (considerado uno de los poetas más importantes en alemán y de la literatura universal)  Rainer Maria Rilke de que “la mayoría de las experiencias son indecibles”.

Su último trabajo hasta la fecha, “New Dream” es su tercer álbum de estudio que ha grabado junto a su esposa  Akiko Horii en la percusión, el baterista Jeff Boudreaux, y el bajista Chris Jennings. Tambíen le acompañan dos invitados, el violinista Tomoko Omura y el saxofonista Nino Wenger.

Funnell describe el disco como una aventura musical que se desarrolla desde dentro, donde las experiencias son indecibles y las palabras a menudo son inadecuadas para describir emociones sutiles. Sin embargo, los sonidos y los ritmos cumplen ese propósito a la perfección. Funnell explora sus ideales inspirándose en fuentes literarias (Hazrat Inayat Khan, Antoine de Saint-Exupéry, Jacques Ellul, Milan Kundera, René Guénon…).

Funnell  mete en una batidora el post-bop, la música clásica y la música del mundo y nos brinda un álbum peculiar e interesante. Desde el tema que abre el disco “Crop Circle Crackle”, un tema puro jazz, con cierto (o mucho) sabor  a Mingus o  “Tree of Light”, más contemporáneo y con ritmo latino hasta “Pioneers” un tema intimista que relaja el ambiente, pasando por el blues de “Greenpoint Graffiti” cargado de funky  de Nueva Orleans. Funnell rememora sus paseos por Queens y Brooklyn que una vez al mes realizaba para visitar el negocio de taxis de su casero y pagarle el alquiler.

“Nicaea” de John Bacchus Dykes es el único tema no compuesto por Funnell y que aborda en solitario. El clasicismo es evidente. En “Echoes of Cyan” mantiene ese sonido clásico, matizado con jazz contemporáneo.  En  “Asteroid B612”, Tomoko Omura hace su única aparición en el disco. El sonido oriental se entremezcla con el latino. Un tema muy interesante. El jazz vuelve a ser (si alguna vez lo había dejado de ser) el protagonista absoluto en “House of Granate”. Otro tema a escuchar con atención. Llegando al final del álbum, “Ikigai” en la línea de “Tree of Light”, y “Full Circle”, donde interviene Nino Wenger con el saxo alto.

Jim Funnell tiene una voz propia interpretativa y una originales composiciones.

Un álbum a tener en cuenta, rico en matices y estilos.

La Habitación del Jazz

 


lunes, 4 de noviembre de 2024

BILL LAURANCE & MICHAEL LEAGUE CD: Keeping Company

 


Pistas

1.Katerina 2.You 3.Yours 4.Escher 5.How Does It Feel 6.Stonemaker 7.Africa 8.Clay 9.Where You Wanna Go 10.Trails 11.Ki Keklik Bir Kayada

 

Intérpretes

Bill Laurance - piano

Michael League - oud, bajo sin trastes, voz

 

Sello discográfico: ACT Music

Fecha de publicación: 1 de noviembre de 2024

 

El pianista, compositor  y miembro fundador de la banda Snarky Puppy,  Bill Laurance, acaba de publicar, junto a Michael League el álbum titulado “Keeping Company”.

Laurance asistió a la Universidad de Leeds, donde se especializó en composición clásica, explorando el jazz, el funk y el drum'n'bass. Ha grabado y actuado con artistas de renombre como David Crosby, Morcheeba, Salif Keita, Terence Blanchard, Lalah Hathaway, Laura Mvula, Jacob Collier, Chris Potter, Lionel Loueke, The Metropole Orchestra y la WDR Big Band entre muchos otros. También ha trabajado extensamente en el mundo de la danza con compañías como Alvin Ailey, Ballet Rambert, Matthew Bourne's Adventures in Motion Pictures, Phoenix Dance, Northern Ballet Theatre y el English National Ballet y ha compuesto música para varias empresas, entre ellas, Apple, Sky, Nokia y Hewlett Packard.

Como miembro del grupo Snarky Puppy, galardonado cinco veces con los premios Grammy, Laurance ha realizado giras por todo el mundo, tocando cientos de conciertos para decenas de miles de seguidores.

Es un apasionado de la docencia y continúa impartiendo clínicas en instituciones musicales de todo el mundo.

Laurance experimenta una amplia gama de sonidos y combinaciones de conjuntos. Una buena muestra de las vías creativas exploradas por  Laurance abarca son la grabación a piano solo, “Affinity” (2022);  “Where You Wish You Were” (2023, ACT Music) a dúo junto a Michael League;  la extensa colaboración con el álbum “WDR Big Band Live at the Philharmonie Cologne” (2019) y el álbum sinfónico “Bloom”, grabado con The Untold Orchestra (2024). Otro proyecto activo de Laurance es el trío junto al bajista Menelik Claffey y el baterista Oscar Ogden.

Por su parte Michael League, nacido en California, es el fundador, compositor, productor y bajista del grupo de jazz-fusión neoyorquino Snarky Puppy. También es fundador y propietario del sello discográfico GroundUP Music.

League,  hijo de una familia amante de la música, su madre, flautista clásica y el padre gran aficionado al rock clásico y el soul. De pequeño ya se interesó por la música, y tocaba la batería y el violín y a los 13 años se pasó a la guitarra. En el instituto formó su propio grupo de jazz-funk, y a los 17 empezó a tocar el bajo cuando le propusieron ocupar la plaza vacante en el grupo de jazz senior del instituto. Conocía poco el instrumento, pero se fue sintiendo cada vez más fascinado. Estudió jazz en la Universidad del norte de Texas. Se trasladó a Brooklyn (Nueva York) en el 2009. League formó el grupo Snarky Puppy en 2004,  durante su primer curso en la Universidad del Norte de Texas, junto a  nueve de sus compañeros. League es el compositor de la mayor parte de su repertorio original, así como el productor de todos los álbumes del grupo.

A principios de los años 2000, Laurance, intentaba ganarse la vida en la escena musical de Leeds, cuando se le presentó un trabajo informal con un joven Michael League en la banda del cantante Michael Solomon Williams. Los conciertos en el norte de Inglaterra le permitieron forjar una amistad con League, que estaba buscando un nuevo pianista, y League invitó a Laurance a los EE.UU. para grabar el primer álbum de Snarky Puppy, “The Only Constant”.

League  también ha trabajado con gente como Kirk Franklin, Walter Hawkins, Magda Giannikou cuando era todavía una artista desconocida.

Laurance y League se unieron en dúo en 2020. Su primer trabajo fue “Where You Wish You Were” (2023). Ahora lanzan su segundo álbum titulado “Keeping Company”.

El álbum muestra una asociación musical íntima, con Laurance centrándose en el piano acústico y League en el bajo sin trastes y el oud, creando un sonido que combina influencias occidentales y de Oriente Medio.

El álbum es justo lo contrario de lo que Snarky Puppy representa. La extroversión y el empuje son sustituidos por un enfoque más íntimo.

La preparación de este disco consistió en la escritura de  numerosos bocetos y composiciones por parte de ambos músicos. Esa abundancia de material tuvo que reducirse hasta quedarse con los 11 temas del disco.

En este trabajo el dúo profundiza y prueba nuevos sonidos. Toda la grabación es  prácticamente en directo, sin sobregrabaciones innecesarias.

Laurance huye de los malabarismos  grandilocuentes, centrándose en melodías sencillas, rítmicas que dejan espacios para su compañero. El sonido es escaso, pero suficiente, no hay estridencias y la música suena espontánea.

Las improvisaciones, con pocas notas, se enmarcan en una atmósfera de sonidos brillantes, las justas para contar historias.

Las composiciones se nutren de jazz, rock, blues, clasicismo inglés, sonidos medievales, renacentistas, árabes y orientales, incluso trazas de flamenco y sonidos contemporáneos, mezclas que dan como resultado paisajes musicales envolventes que te atrapan.

Ambos intérpretes dialogan constantemente. El uno con el otro, tomando la iniciativa alternativamente y demostrando que la colaboración se cimienta sobre   años de amistad y aprecio musical mutuo.

Como afirma el propio Laurance: "Creo que tanto a Michael como a mí nos mueve la idea de superar los límites, lo cual es importante. Pero este álbum es diferente. Cada idea compositiva tiene mucho peso, y todo tiene un propósito muy específico. No había ninguna sección rítmica tras la que esconderse, sólo se trataba de melodía y acordes. E instintivamente intentábamos crear un lugar al que la gente quisiera ir, que le resultara reconfortante. Creemos que ahora, quizá más que nunca, hacen falta lugares así".

Laurance y League nos proponen un viaje sonoro maravilloso, lleno de equilibrio y absolutamente contemplativo.

Uno de los mejores álbumes de este 2024.

La Habitación del Jazz


jueves, 31 de octubre de 2024

KRISTIN KORB CD: Sweet Dreams

 


Pistas

1.Sweet Dreams 2.There Must Be An Angel 3.Here Comes The Rain Again 4.We Two Are One 5.When Tomorrow Comes 6.Sisters Are Doin' It For Themselves 7.I Saved The World Today 8.I've Got A Life 9.Don't Let It Bring You Down 10.Would I Lie To You 11.Put A Little Love In Your Heart 12.Lifted

 

Intérpretes

Kristin Korb – voz, contrabajo

Magnus Hjorth – piano (1-9)

Snorre Kirk – batería (1-4, 6-9)

Mathias Heise - armónica cromática (2,8,10,12)

Karl-Martin Almqvist – saxo tenor (1,3,6,8,12)

Steen Nikolaj Hansen – trombón (4,7,8,12)

Yohan Ramon – percusión  (1,2,4,7,8,12)

 

Sello discográfico:  Giant Sheep Music

Grabado en 2024 en  The Village Recording, Copenhagen, Dinamarca

 

Fecha de publicación: 25 de octubre de 2024

 

Son pocos los bajistas que además cantan y que lo hagan bien menos aún. La estadounidense es una de ellas. Korb obtuvo su título de Educación Musical en Eastern Montana College y su maestría en Interpretación de Bajo Clásico en la Universidad de California, San Diego. Allí fue cuando su profesor, Bertram Turetzky, la inspiró a cantar y tocar el bajo al mismo tiempo.

Con una impresionante trayectoria docente que abarca instituciones prestigiosas como la Universidad del Sur de California, donde fue coordinadora de estudios de jazz vocal, en la Universidad Azuza Pacific, en el Grossmont Community College y fue directora de estudios de jazz en la Universidad Central de Washington.

También estudió con la leyenda del jazz Ray Brown, con quien hizo su debut discográfico, “Introducing Kristin Korb”, en 1996. Desde entonces, ha lanzado diez álbumes.

En 2011, el amor llevó a Korb a Dinamarca, donde ahora reside con su esposo danés, continuando su carrera musical e inspirando a músicos en ciernes a través de programas de extensión educativa en Europa y los EE. UU.

 

Su último álbum titulado “Sweet Dreams” está recién salido del horno. Es más que un álbum de versiones,  Korb reinventa los clásicos de Eurythmics y Annie Lennox a través de arreglos jazzísticos.

El proyecto comenzó con un sensacional debut en vivo en el legendario Jazzhus Montmartre en Copenhague, Dinamarca, en septiembre de 2023. La multitud se volvió loca y la respuesta entusiasta animó a Kristin y su banda a capturar esta magia en el estudio,

 

Korb se rodea con alguno de los músicos con los que ha colaborado durante años, como es el caso del pianista  Magnus Hjorth y el baterista Snorre Kirk. También cuenta con la participación del joven y premiado virtuoso de la armónica danés Mathias Heise, el saxofonista sueco Karl-Martin Almqvist, al maestro del trombonista danés Steen Nikolaj Hansen y al percusionista cubano Yohan Ramon.

La potente voz de Annie Lennox y sus impactantes imágenes acompañaron la adolescencia de Korb, y le dejaron un impacto duradero y profundo. Sus actuaciones en los años 80 se convirtieron en himnos para las chicas que buscaban tener su propio poder en el mundo.

Korb dice: “Cuando comenzó 2023, Eurythmics ni siquiera estaba en mi radar. De repente, recibí un correo electrónico del promotor Amikam Kimmelman sobre un festival de jazz que estaba organizando para octubre de 2023, trayendo a músicos de todo el mundo para tocar juntos. Mi tarea era organizar un espectáculo para celebrar a un dúo mundialmente famoso. Mis opciones eran The Carpenters o Eurythmics. El desafío de explorar la música de Eurythmics me intrigaba. ¿Cómo podía encontrar mi propia voz dentro del legado de una de las mayores potencias vocales? ¿Cuántas capas podía quitar preservando la integridad del material original?

Las ideas comenzaron a surgir y me sentí fortalecido por la abrumadora tarea que tenía por delante. Quería que la música encajara perfectamente con mi banda danesa”.

El disco abre con la icónica “Sweet Dreams” del álbum “Sweet Dreams (Are Made of This)” (1983), que no podía faltar en esta recopilación. Canción versionada hasta la saciedad  (incluso Marilyn Manson hizo una versión), ¿cómo hacer una versión original y de calidad? Pues escucha esta de Korb y lo sabrás.

Otro superéxito de Annie Lennox, “There Must Be An Angel” del álbum “Be Yourself Tonight” (1985) con Steve Wonder en la armónica que en esta ocasión interpreta  Mathias Heise. En palabras de Korb: “Es un músico extraordinario con un sonido único que trasciende cualquier estilo o mentalidad. Mathias siempre está ampliando los límites de la música y su forma de tocar es verdaderamente única. Fue un placer escucharlo aportar su propia interpretación distintiva al estilo Stevie Wonder. ¡Brilla absolutamente en esta canción!”

“Here Comes The Rain Again” del álbum “Touch” (1984). Annie y Dave escribieron esta canción cuando se hospedaban en el Hotel Mayflower de Nueva York. Dave Stewart compartió: “Era un día nublado. Annie estaba sentada en mi habitación y yo estaba tocando un pequeño riff en el teclado sentado en el alféizar de la ventana, y estaba tocando estos pequeños acordes melancólicos en la menor con la nota si en él. Seguí tocando este riff y Annie estaba mirando por la ventana el cielo gris pizarra sobre la línea del horizonte de Nueva York y simplemente cantó espontáneamente, “Here Comes The Rain Again”. Y eso era todo lo que necesitábamos. Verás, como con muchas de nuestras canciones, solo necesitas comenzar con esa línea, esa atmósfera, esa nota o esa melodía de introducción. Y el resto era como un rompecabezas en el que necesitábamos simplemente completar las piezas que faltaban”.

Korb dice: “Habiendo vivido en Dinamarca durante 13 años, sé lo que se siente estar sentado en un lugar cerrado, viendo caer la lluvia... Una vez más”. Otra versión digna de ser disfrutada.

“We Two Are One” del álbum “We Too Are One” (1989) es una canción destacada de ese álbum. Canción originalmente muy cercana al jazz. La canción se adentra en temas de amor, unidad y resiliencia, explorando el poderoso vínculo entre dos personas que se apoyan y se completan. A destacar  el trombón de Steen Nikolaj.

 

En 1986, mientras estudiaba en la escuela secundaria, Korb trabajaba en McDonald  los sábados y los domingos, en la hora punta del almuerzo. Allí escuchaba a menudo en la radio “When Tomorrow Comes” (del álbum “Revenge” (1986)), una canción sensible e íntima que Korb arregla acentuando este carácter y canta en dúo junto al pianista Hjorth.

Korb presentó en vivo “Sisters Are Doin’ It For Themselves” del álbum “Be Yourself Tonight” (1985), en septiembre y octubre de 2023. Esta canción fue muy importante para Korb cuando era adolescente. Unos años 80 llenos de tópicos en la forma de vestir, junto a la música, que servían a Korb para empoderarse y sentirse fuerte. Excelente intervención de Almqvist.

Korb, desde que escuchó  “I Saved The World Today” del  álbum “Peace” (1999), supo que esta canción debería contar con la participación del trombonista Steen Nikolaj Hansen. “Peace” fue el primer proyecto original que Eurythmics publicó después de que se "separaron" en 1989. “El álbum completo refleja su creciente preocupación por el conflicto global y la paz mundial. Como las otras pistas del álbum, transmite un mensaje profundo sobre el estado del mundo y la esperanza de un futuro mejor” dice Korb.

Korb no había escuchado “I’ve Got A Life”, antes de empezar a buscar canciones para este disco. La descubrió en el álbum recopilatorio titulado “Ultimate Collection” (2005).

Korb dice: “La letra de “I’ve Got A Life” es increíblemente oportuna y resuena profundamente con lo que está sucediendo ahora mismo en nuestro planeta: están sucediendo muchas cosas malas y hay pocas soluciones que lleven a la humanidad hacia un espacio más compasivo y amable. A pesar de la pésima situación que hay por ahí, ¡no he terminado de luchar por un mundo mejor! De hecho, esta canción alimenta mi determinación de seguir luchando por un cambio positivo”.

“Don’t Let It Bring You Down” es una composición de Neil Young incluida en su álbum  “After the Gold Rush” de 1970. Annie Lenox la incorporó a su álbum “Medusa” de 1995. Korb nos brinda una emotiva y extraordinaria  versión en la que destaca el piano de Hjorth y el propio contrabajo de Korb. Uno de los mejores momentos del disco.

“Would I Lie To You” del álbum “Be Yourself Tonight” (1985). Korb nos dice: “¡Esta canción es épica! En la escuela secundaria, era una de esas canciones que cantábamos a todo pulmón en el baile, junto con los éxitos de Prince. En ese entonces, nunca presté mucha atención a las letras; ¡simplemente sabía que no me gustaba mentir!”. Korb con su voz y el contrabajo junto a   Heise con la armónica, sublimes.

“Put A Little Love In Your Heart” fue grabada por Annie Lennox y Al Green que se lanzó como tema final de la película de comedia negra “Scrooged” de 1988. La canción fue interpretada originalmente en 1969 por Jackie DeShannon, quien la compuso con su hermano Randy Myers y Jimmy Holiday.

El disco cierra con la bonita y  emotiva “Lifted” del álbum “Peace” (1999). “La primera vez que la escuché, la pausa vocal a capela de Annie Lennox a mitad de la canción me provocó escalofríos. Si bien estaba ansioso por profundizar en la letra, dudaba de mi capacidad para rendir homenaje a una canción tan épica. Para enfrentar este desafío, me apoyé fuertemente en los instrumentos de viento, expandiendo la canción de una voz solista a una improvisación colectiva que apuntaba al cielo”, afirma Korb y añade: “Sin que yo lo supiera, Lifted dejaría una impresión más profunda y duradera en mi corazón. Esta fue la última canción que interpreté en el Festival de Jazz de Jaffa el 6 de octubre de 2023, en Tel Aviv, Israel. En ese momento, tenía la intención de que fuera el “beso de buenas noches” para el público. Esa noche, terminamos el concierto con la multitud cantando mientras mis compañeros de banda abandonaban el escenario uno por uno. Las últimas palabras que cantamos juntos fueron “Keep on Lifted”. A las 6:30 de la mañana siguiente, nos despertamos con el lejano murmullo de las sirenas antiaéreas y dos fuertes explosiones. Todos sabemos lo que pasó después de eso. Mi esposo Morten y yo cantamos “Lifted” repetidamente durante los siguientes dos días para mantener nuestros ánimos a flote mientras descubríamos cómo volver a casa en Dinamarca. Al entrar al estudio unos seis meses después, sabía que la grabación de esta canción sería emotiva. Grabamos la canción en una sola toma con la sección rítmica y Mathias en la armónica. Morten tenía lágrimas en los ojos cuando entré a escuchar la reproducción. Apenas podía respirar. Cuando Steen llegó para grabar sus partes de trombón más tarde ese día, respondió hermosamente al solo de Mathias. Karl-Martin se sumó a esa conversación al día siguiente con su saxofón. Escuchar Lifted todavía se siente inmensamente intenso, resuena profundamente dentro de mí cada vez que lo escucho. Es hermoso y cautivador, captura un paisaje emocional crudo que es difícil de describir. Esta canción sirve como mi oración sincera para todos los que están luchando por encontrar la paz”.

En el libreto que acompaña el disco es muy interesante. Entre otras cosas, podemos leer el largo y escrupuloso  proceso que siguió Korb para elegir el material que finalmente formaría parte de este interesante trabajo.

La Habitación del Jazz


lunes, 28 de octubre de 2024

Iseul Kim's Liberosis CD: Re-mind

 



Pistas

1.Boundaries (Title) 2.Re-mind (Title) 3.A Bag +of Rice 4.Improvisation with Jaewon 5.New Iseul 6.Change 7.Lost in Time 8.No Escape Ver 2023

Intérpretes

Iseul Kim - piano

Hoo Kim - contrabajo

Jaewon Lee – batería, percusión

Jongsu Yoon - violín

 Ok Joung Kim - chelo

 

Fecha de publicación: 11 de octubre de 2024

 

La pianista y compositora lseul Kim vive en Nueva York y Seúl. Viajera incansable,  sus experiencias culturales acumuladas las plasma en su música.

Ha formado y liderado varios grupos musicales, entre ellos Liberosis, lseul Kim Trio (“True me”, 2021)  y el conjunto de nueve integrantes 'Two Voices', con influencias de la música tradicional coreana, donde también incorpora instrumentos occidentales. Su álbum 'Evolving' obtuvo una nominación en los Korean Music Awards 2024.

Kim ha actuado por toda Corea del Sur en prestigiosos festivales así como en Japón, Sudamérica y Europa.

Ha recibido subvenciones de la Fundación de Seúl para las Artes y las Culturas de 2019 a 2023. También ha participado en el programa de tutoría de Sandbox Percussion Ensemble, nominado al Grammy.

Liberosis es una palabra que significa el deseo de que las cosas y situaciones nos importen menos. Es decir, la capacidad de liberarse de las cargas emocionales y mentales, permitiéndonos dejar de lado la preocupación y disfrutar de la vida. Con este sugestivo lanzó su proyecto en el año en 2018, y combina música clásica, jazz y latina con un fuerte énfasis en la música del mundo. También destaca en la improvisación y crea un sonido único y dinámico que va más allá de cualquier género tradicional. Bajo este nombre ha publicado “Iseul Kim's First Project Liberosis”  (2019), compuesto  después del viaje de Iseul Kim a Argentina; las dos piezas 'Rutini' y 'Luigi Bosca' recibieron el nombre de sus vinos argentinos favoritos;  “Luna” (2019), se creó después de viajar a África y Europa. Una de sus composiciones, “The Sahara”, se inspiró en el famoso desierto del Sahara en África y por último “Change” (2022).

Ahora ha publicado “Re-mind”, donde Iseul Kim es productora, autora y arregladora de todos los temas. En “Re-mind” se vuelven a entrecruzar la música tradicional coreana, el clasicismo, latino y el jazz, sin olvidar el espíritu aventurero que la caracteriza y la improvisación.

Si sus trabajos anteriores reflejaban culturas conocidas en sus viajes, Sudamérica y África, en este “Re-mind” agrega Nueva York a esa mezcla de influencias.

El primer rema del disco se titula “Boundaries (Title)” y es una simbiosis perfecta entre jazz y clásico. Una sección rítmica perfectamente engrasada acompaña al piano atrevido de Kim, junto a las cuerdas del violín y violonchelo

El corte que da nombre al álbum,“Re-mind (Title)” no hace sino ahondar en el concepto ya iniciado con el corte anterior.

En “A Bag Of Rice” la percusión latina y las cuerdas, nos proporcionan sonidos de la Argentina de Astor Piazzolla. Otro interesante enfoque en un interesante tema.

“Improvisación con Jaewon” sirve para que el baterista Jaewon Lee, se luzca con la batería y percusión, acompañado de Kim al piano que percute las teclas en perfecta armonía con Jaewon.

En “New Iseul”, Kim interpreta a piano solo este enigmático e improvisado tema lleno de interesantes matices.

Un cambio radical con  “Change”, donde nos brinda la oportunidad de escuchar un acordeón y un saxofón (sin acreditar) que potencian el sonido de tango.

Otro cambio, “Lost In Time”, un tema con cuerdas y vientos, sin acreditar de nuevo, lleno de melancolía.

El álbum finaliza “No Escape Ver 2023”, otra composición  llena de originalidad donde los sonidos de tango, coreano y clásico se hermanan de forma natural y hermosa.

“Re-mind” es un trabajo lleno de frescura e inventiva, donde la fusión de estilos es su principal característica, junto a unas composiciones,  arreglos e interpretación de gran calidad.    

 

La Habitación del Jazz

 


jueves, 24 de octubre de 2024

PETER SOMUAH CD: Highlife

 


Pistas

1.The Rhythm feat 2.We Give Thanks 3.Bruce Road 4.Drumbeat 5.Chop Chop 6. Conqueror 7.Mental Slavery 8.Re-imagined 9.African Continent 10.Jamestown

Intérpretes

Peter Somuah - trompeta, voz, cencerro

Jesse Schilderink – saxo tenor

Anton de Bruin - teclados, Rhodes, sintetizadores

Jens Meijer – batería

Danny Rombout – congas, shekere

Marijn van de Ven – contrabajo, bajo eléctrico

Lamisi Akuka - voz

Thomas Botchway – batería (9), shekere (9)

Pat Thomas - voz

Gyedu-Blay Ambolley – voz

Koo Nimo – narración (1)

Bright Osei Baffour – guitarra (2,5,9)

 

Sello discográfico: ACT Music

Grabado en Butterama Recording Center, Berlín, Alemania, el 4-6 marzo de 2024

Fecha de publicación: 1 de noviembre de 2024

 

Peter Somuah es un trompetista nacido en Accra (Ghana) y afincado en Rotterdam. Aprendió a tocar la trompeta a base de  escuchar a sus trompetistas favoritos, Miles Davis, Freddie Hubbard y Roy Hargrove.  

En 2021, ganó el premio Erasmus Jazz para jóvenes talentos del jazz, y en 2022 ganó el prestigioso premio Edison Jazz con su álbum debut “Outer Space”. En junio de 2024, Somuah trabajó en un proyecto con la WDR Big Band tocando sus propias composiciones, arregladas y dirigidas por el cosmopolita musical Michael Mossman.

Somuah ha publicado un nuevo trabajo titulado “Highlife”. El título hace referencia a un tipo de música y baile popular de África occidental que se originó en Ghana a fines del siglo XIX, se extendió más tarde al oeste de Nigeria, floreciendo en ambos países en la década de 1950. La forma más temprana de highlife fue interpretada principalmente por bandas de metales a lo largo de la costa de Ghana. A principios del siglo XX, estas bandas habían incorporado una gama más amplia de instrumentos (principalmente de origen europeo), un componente vocal y elementos estilísticos tanto de las tradiciones musicales locales como del jazz.

El highlife surgió así como una síntesis única de estéticas musicales africanas, afroamericanas y europeas.

El disco lo integran 10 temas todos compuestos por Somuah, quien  basándose en sus primeros años tocando música highlife en Accra y mezclándola con influencias de leyendas como Miles Davis, crea un sonido único y personal que une generaciones. Un diálogo entre el highlife y el jazz moderno.

En las canciones del disco intervienen instrumentos que van desde las guitarras rítmicas y la percusión características del highlife, pasando por el saxo tenor, bajo y contrabajo, sintetizadores,  hasta el personal sonido de la trompeta de Somuah.

El álbum fue grabado en un pequeño estudio de Berlín-Neukölln con un antiguo equipo analógico, que recuerdan al sonido terroso de las grabaciones históricas de highlife de los años 50 y 60.  "Quería devolverle la vida a este sonido tan especial. Su calidez, su coraje, su alegría exuberante” dice Somuah.

Somuah  luego voló a Ghana con las pistas instrumentales y visitó a algunos de los héroes del antiguo género highlife como Pat Thomas y Gyedu Blay-Ambolley. “Durante mi infancia, solía escuchar sus canciones en la radio todo el tiempo. En ese entonces, nunca hubiera soñado que un día estaría sentado en sus salas de estar para grabarlas para mi álbum”.

La banda que le acompaña está formada por músicos holandeses junto con un percusionista holandés-surinamés. "Mis compañeros de banda no crecieron en Ghana", dice Somuah. "Pero eso no importa en absoluto. Su profunda pasión por el highlife y el afrobeat y el sentimiento que han desarrollado por esta música son las cosas más importantes".

Qué mejor que empezar con una lección de historia. En  “The Rhythm”, Somuah visitó a la leyenda del highlife Koo-Nimo en Kumasi y le animó a hablar sobre los orígenes de la música. De la época en la que gobernantes coloniales británicos empleaban bandas de músicos ghaneses y les pedían que interpretaran vals, samba y música popular occidental, que se tocaba exclusivamente en clubes y casinos británicos para el placer de las clases altas, de ahí el nombre de “highlife”.

El golpe militar de los años 80  acabó con la vibrante escena musical de Accra. El toque de queda nocturno, que duró meses, provocó el cierre de todos los clubes.

La mayoría de los músicos se exilió. “A partir de ahí, la música adquirió influencias completamente nuevas”, explica Somuah. “Se incorporaron influencias de rock, funk y, sobre todo, disco, las pistas producidas en estudio y los teclados sustituyeron a las grandes orquestas”.

Entre la comunidad ghanesa exiliada en Hamburgo surgió un nuevo estilo, conocido como “burger highlife”.

El propio Somuah se involucró con este popular estilo highlife formando parte de varios grupos, antes de seguir su pasión por el jazz.

A partir de esa introducción, el disco nos transporta a un mundo lleno de ritmo. Ese mundo en el que Somuah, en su juventud, actuaba regularmente cuatro noches a la semana en las bandas de highlife. El público bailaba mientras él tocaba y perfeccionaba su estilo. “El highlife ha influido fundamentalmente en la forma en que toco la trompeta, la forma en que escucho música y compongo", dice Somuah.  La experiencia de esos años la traslada a este álbum. Su sonido cálido y su sentido del ritmo y de  transmitir emociones  hacen que la escucha de este disco te levante del asiento y bailes quieras o no.

Somuah conecta dos mundos aparentemente distanciados: el jazz moderno y  el highlife tradicional.

Sus líneas de trompeta transmiten la esencia del jazz. El  resto de instrumentación es una magnífica música africana.

El propio líder de la banda también canta en "Mental Slavery". Somuah dice: “Me refiero al legado perdurable de la era colonial: muchos ghaneses siguen siendo mentalmente esclavizados, se consideran inferiores. No se atreven a presentarse con orgullo y a aportar sus habilidades”.

Como suele ocurrir con la música, y la que contiene este disco no es una excepción, no sólo transmite emociones sino que también transmite tradiciones narrativas, cuestiones cotidianas referidas a la familia, el amor,  la amistad incluso la supervivencia.

“Highlife” es un álbum experimental, que entrelaza los hilos musicales de culturas lejanas pero a la vez, tan cercanas, como la occidental y la africana.

En definitiva, un fantástico viaje a través de la música y la cultura Africana en general y de Ghana en particular,  salpicado con sonido del jazz.

La Habitación del Jazz