Libro: Historias de Arte y Música Autor: Fernando Sáez Aldana

 

Título: Historias de Arte y Música

Autor: Fernando Sáez Aldana

Editorial: Redbook Ediciones

Colección: Ma non troppo

Series; Música

ISBN: 9788410459205

Encuadernación: Rústica

Idioma: Español

Páginas: 224

Dimensiones: 17 × 24 cm

Peso: 0,53 kg

Fecha de lanzamiento: 12/03/2025

 

Redbook vuelve a sorprender con un nuevo lanzamiento sobre historia de la música, pero esta vez le añade un aliciente más, la relación con el arte. El libro lleva el título de “Historias de Arte y Música” y su autor es Fernando Sáez Aldana. Sáez nació en Haro, La Rioja (España). Desde que era niño mostró sus dotes para la escritura y también para la música.

Durante décadas compatibilizó su profesión de médico, especialidad de traumatología, con la de escritor. Ha publicado una veintena de libros entre colecciones de relatos breves (La ouija y otros relatos, Armonía y otros cuentos, El decatlón riojano, Sonata Patética), novelas (Hasta los huesos, Kundry, La casa, El expediente Adán, Muerte en la Escupidera), antologías de columnas periodísticas (El bisturí, Columnas jocosas), teatro (Mujeres. Teatro a la carta) y poesía (En el crepúsculo) y ha obtenido sendos premios literarios entre los que destacan el Juan de la Cuesta (1989), el Tiflos de Cuento (1992), el De buena fuente (1998) y el Premio de las Letras del Centro Riojano de Madrid (2009). Melómano consumado y pianista aficionado, ha participado en diversos talleres musicales y ha escrito, con notable éxito de crítica y público, grandes joyas de la divulgación musical. En Redbook Ediciones ha publicado “Otra historia de la Ópera”, “Músicas con historia”, “Guía práctica para escuchar música”, “Las perlas de la música clásica” e “Historias de Arte y Música”. Imparte ciclos de charlas audiovisuales de introducción a la música clásica y a la ópera y ha participado en las XX Temporadas de Ópera en DVD organizada por la Asociación Riojana de Amigos de la Ópera, de la que es cofundador.

En palabras del autor: “Junto con la Arquitectura, la Danza, la Escultura, la Pintura, la Literatura y el Teatro, la Música es una de las siete llamadas Bellas Artes clásicas. Por ello, un libro sobre «música y arte», puede parecer redundante. Sin embargo, resulta adecuado para resumir con pocas palabras su objetivo: ofrecer al lector una variada muestra de obras de artes plásticas y «aplicadas» (pintura, sobre todo, pero también escultura, arquitectura, dibujo, cerámica, orfebrería, artesanía, etc.) y también visuales (cine, fotografía, comic, videoarte, pop art, urbano, etc.) de todas las épocas y civilizaciones, desde el antiguo Egipto hasta la era digital”.

El libro consta de cien capítulos ordenados cronológicamente según el año en el que se realizaron las obras de arte. En la página par se muestra la ilustración de la obra, acompañada por su título, autor, año de ejecución, soporte, tamaño y lugar donde se exhibe o conserva. Además figura un código QR que permite la audición de una obra musical, especificando su título, intérpretes y la carátula de la grabación discográfica que la contiene. Por su parte, la página impar presenta un texto inspirado por la relación existente entre la obra de arte en cuestión y la música, partiendo de las imágenes alusivas al fenómeno musical. No se trata de una descripción académica, sino de una reflexión libre del autor sobre lo que ambas le sugieren.

Seis grandes apartados que a su vez se dividen en capítulo hasta completar un total de 100, que nos revelan historias sorprendentes de conexiones entre la música y el arte, desde el antiguo Egipto hasta la era digital.

 “Historias de arte y música” es una guía musical a través de obras maestras de las artes. Pintura, escultura y  arquitectura y su conexión a través de las melodías que han marcado épocas y culturas.

Un libro que va más allá del arte y la música, recomendado para amantes del arte, la historia y la música.

 

La Habitación del Jazz

 

ÍNDICE

Presentación

Antigüedad y Edad Media

Siglos XV y XVI

Siglo XVII

Siglo XVIII

Siglo XIX

Siglo XX

Lista de reproducción

 

CHRIS GALL CD: Impressionists Improvised

 

Pistas

1.Gymnopédie No. 1, Lent et douloureux 2.Rêverie, L. 68 3.Pavane pour une infante défunte, M. 19   4.Suite bergamasque, L. 75: III. Clair de lune 5.Satiesfaction 6.The Impressionist No. 1 7.The Impressionist No. 2 8.Gnossienne No. 2, Avec étonnement         9.Le tombeau de Couperin, Toccata 10.Gnossienne No. 3, Lent 11.The Impressionist No. 3 12.Préludes, Book 1, L. 117: IV. Les sons et les parfums tournent dans l'air du soir 13.The Impressionist No. 4         14.Clair de lune (Upright Piano Version)     

 

Intérpretes

Chris Gall - piano

 

Sello discográfico: GLM Music

Grabado en Kupferhaus Planegg (Gran Piano, pista 2 - 13) y Studio Mildenberger (Piano Vertical, pistas 1 y 14) el 21-23 de  noviembre de 2024.

Fecha de publicación: 28 de marzo de 2025

 

El pianista alemán nacido en Munich, Chris Gall, es uno de los pianistas alemanes más destacados de su generación, ampliando las experiencias sonoras del jazz. Graduado en Piano Jazz por el prestigioso Berklee College of Music de Boston (1998), se dio a conocer con sus álbumes en trío "Climbing Up" (2008) y "Hello Stranger" (2010) para el sello ACT. Desde entonces, Gall ha deleitado al público en importantes festivales, desde Montreux hasta JazzBaltica.

En 2015, Chris Gall viajó a Buenos Aires con Quadro Nuevo, multiganador del Premio ECHO, y recibió el Premio Platino de Jazz de la Industria Fonográfica Alemana por su álbum conjunto "Tango!". Desde entonces, ha acompañado a Quadro Nuevo en cientos de conciertos en directo.

En 2018, lanzó su tercer álbum en trío, "Cosmic Playground", que fue nombrado uno de los "10 álbumes de jazz más prometedores" por la revista estadounidense JAZZIZ. Gall también ha compuesto y realizado arreglos para orquestas de renombre, incluyendo el álbum "Volkslied reloaded" (Sony Classics), una colaboración entre Quadro Nuevo y la Orquesta de la Radio de Múnich. Gall debutó como solista en 2021 con su interpretación jazzística del Primer Concierto para piano de Beethoven con la Filarmónica de Salzburgo en el Grosses Festspielhaus de Salzburgo.

En 2022 obtuvo un Máster en Composición Cinematográfica en el Berklee College of Music.

Gall acaba de lanzar su nuevo álbum de piano solo titulado "Impressionists Improvised". Un homenaje al movimiento artístico denominado Impresionismo, que cumple 150 años, cuando algunos artistas se unieron en París para formar un colectivo que se denominó “Impresionistas”.

Gall fusiona con maestría la música clásica y el jazz, desde una nueva perspectiva, cuyo resultado es a la vez clásico y  moderno.

El álbum incluye obras atemporales de los impresionistas Satie, Debussy y  Ravel, así como composiciones originales inspiradas en ellos.

El álbum incluye tres obras de Erik Satie: “Gymnopédie No. 1, Lent et douloureux”. Gall toca un piano vertical que resalta la delicadeza de esta enorme obra, plena de hipnotismo.  “Gnossienne No. 2, Avec étonnement” la viste de una ligereza que recuerda al Brodway de los años 30 y 40, swing a raudales. La tercera obra de Satie es “Gnossienne No. 3 Lent”. Gall nos sumerge en la introspección de Satie hasta lo más profundo.

De Maurice Ravel ha elegido dos obras: “Pavane pour une infante défunte, M. 19” a la que dota de un ritmo roquero muy matizado. Jarrett y Mehldau presentes.

La segunda obra de Ravel es “Le tombeau de Couperin: Toccata”, considerada una obra maestra virtuosa, Gall incorpora ritmos sincopados inspirados en el ragtime y la  improvisación contemporánea. El resultado es una versión impactante.

Tres son las obras de Claude Debussy: “Rêverie L. 68” a la que Gall transforma con giros rítmicos inesperados en una aventura llena de tensión e inquietante.

La segunda es “Clair de lune” que presenta en dos versiones: “Suite bergamasque, L. 75: III. Clair de lune” y “Claire de lune”. La primera en piano de cola, donde lo clásico y el jazz se dan la mano. La segunda versión cierra el álbum, pero esta vez interpretada con piano vertical, lo que acentúa su carácter intimista y cálido. Una delicia. La tercera es “Préludes, Book 1, L. 117: IV. Les sons et les parfums tournent dans l'air du soir”, una pieza de gran profundidad a la que Gall añade improvisaciones que la pincelan de jazz, pero siempre dentro de la ortodoxia original.

Gall incluye en este trabajo cinco composiciones originales inspiradas en los impresionistas: La intensa  “Satiesfaction”, un homenaje a Satie, donde fusiona elementos clásicos con la energía del jazz-rock que contrasta con el relajado vals-jazz “The Impressionist No. 1” o el blusero “The Impressionist No. 2”. “The Impressionist Nº 3”  una composición al más puro Mehldau.  “The Impressionist Nº 4”, una improvisación inspirada en Bill Evans.

No estamos ante un  disco de jazz propiamente dicho, pero no importa, las obras elegidas por Gall son  recreadas, conservando toda su belleza original y añadiéndolas esa otra belleza que es la improvisación de calidad.

Gall no pretende superar las obras originales, sino dotarlas de una efímera nueva vida.

Las notas del álbum contienen una cita del compositor francés Gabriel Fauré: “Las melodías más bellas son aquellas que tarareas cuando dejas de pensar”.

 

La Habitación del Jazz

MATT CARMICHAEL CD: Dancing With Embers

 

Pistas

1.A Distant Glow 2.Flint 3.Stone Skimmer 4.Restful Sky 5.Road From The Sea 6.Dancing With Embers 7.Beckoning Night 8.Aglow 9.Blue Hour 10.Mangata 11.Kite 12.Woodsmoke

 

Intérpretes

Matt Carmichael – saxo tenor, piano (1,12)

Charlie Stewart - violín

Fergus McCreadie - piano

Ali Watson – contrabajo

Tom Potter – batería

Innes White – guitarra acústica (2,3,5,6,11)

Chris Amer – guitarra eléctrica-tenor (1,5,6,10,12)

Brìghde Chaimbeul – gaita escocesa (7,8)

Rachel Sermanni – voz (10)

 

Grabado en Gorbals Sound, Glasgow, en julio de 2023 y en Solas Sound en febrero de 2024

Fecha de publicación: 28 de marzo de 2025

 

El saxofonista y compositor, residente en Glasgow, Matt Carmichael, es un talentoso saxofonista tenor proveniente de la escena del jazz escocés, ganador del prestigioso premio Peter Whittingham Development en 2019 y finalista del concurso de jóvenes músicos de jazz de la BBC en 2020. También fuer preseleccionado para el premio al Álbum Escocés del Año en 2021.

Recientemente  tuvo el honor de actuar con la prestigiosa WDR Big Band alemana, dirigida por el director invitado Bob Mintzer, quien arregló la música de su primer y segundo álbum.

Ha colaborado como solista, arreglista y compositor con la Scottish National Jazz Orchestra,  la WDR Big Band,  Rob Luft, Bob Mintzer, Kathleen MacInnes, Kim Carnie, Kjetil Mulelid, Liv Andrea Hauge y Brian Kellock.

Su primer álbum se tituló “Where Will The River Flow”, fue aclamado por la crítica, acumulando más de 5 millones de reproducciones. Posteriormente lanzó su segundo álbum, “Marram”, en octubre de 2022.

En este nuevo trabajo titulado “Dancing With Embers”, el más ambicioso hasta la fecha, Carmichael se rodea de sus colaboradores habituales, cuatro amigos cercanos y colaboradores de toda la vida: Charlie Stewart en el violín, Fergus McCreadie al piano, Ali Watson al contrabajo y Tom Potter en la batería. Además invita a Rachel Sermanni (voz), Brìghde Chaimbeul (gaitas), Chris Amer e Innes White (guitarras) lo que amplía su rango sonoro.

Carmichael explica: «Durante la época en que compuse Dancing with Embers, escuchaba más a cantautores que a cualquier otra cosa y quería crear un álbum centrado en la canción y no tanto en los típicos solos de jazz... En los conciertos, la banda tiene rienda suelta y la improvisación es fundamental, pero abordé la grabación de este álbum de forma un poco diferente».

Los doce cortes del disco son originales de Charmichael y muchos de ellos surgieron de la improvisación al piano.

Carmichael afirma: “Nunca me había grabado tocando el piano antes de este álbum y carezco de la destreza técnica que tengo con el saxofón, pero me resultó natural tocar en algunos temas. Mi forma de procesar emociones y, de alguna manera, meditar es improvisando al piano a diario. Me gusta mucho la vulnerabilidad íntima de esos temas y ofrecen al oyente una perspectiva más directa de la creación de mi música”.

En dos temas toca el piano. Uno de ellos es el que abre el disco  “A Distante Glow”, con el que comienza suavemente, al que se añade el violín de Stewart y la guitarra de Amer. Una canción llena de nostalgia y calidez. Carmichael establece figuras a lo Keith Jarrett, antes de terminar esta bonita composición.

“Flint” es una canción folk, que nos hace viajar por tierras escocesas. El saxo tenor de Carmichael lleva el peso de la melodía danzante. El violín y la guitarra colaboran en ese ambiente festivo.

“Stone Skimmer” sigue la línea folclórica, más lenta, pero igualmente evocadora.

El relajante “Restful Sky” hace honor a su título. Una breve canción ideal para escuchar un atardecer/amanecer frente al mar o la montaña. 

La fresca “Road From The Sea” sabe a viajes por tierras húmedas y verdes con el mar de compañero. 

El tema que da nombre al álbum, “Dancing With Embers”, es una composición que repite el tema principal que, de forma intencionada, no acaba de despegar. El sonido de la India te mece.

La gaita escocesa de Brighde Chaimbeul suena en "Beckoning Night", una encantadora melodía escocesa  y en “Aglow”, absoluto folclore escocés.

 “Blue Hour” es una canción lenta con sabor inquietante, que mantiene la tónica inicial hasta su finalización.

En "Mangata", podemos oír la preciosa voz de Rachel Sermanni como si de un saxo se tratara, fundiéndose como un instrumento más con el resto.

 “Kite” es otra plácida canción que encaja a la perfección con el espíritu de este álbum. 

El disco cierra con la bella “Woodsmoke”, el segundo tema en el que Carmichael toca el piano. La introspección hecha música.

Carmichael es un narrador nato.  Tiene un sonido propio (a veces me recuerda a Jan Garbarek). Sonido lírico cargado de emotividad y emoción.

El quinteto posee una química basada en el tiempo que llevan tocando juntos.

Pero no nos engañemos, los temas podrían resultar impregnados de cierta simplicidad, pero es solo aparente, esta música es sólida, meditada y rebosa delicadeza y sensibilidad.

“Dancing With Embers” es una deliciosa mezcla de folclore escocés y jazz integrados con naturalidad. 

La Habitación del Jazz

BROODMEN CD: Liminality

 

Pistas

1.Homeland 2.State of things 3.Amsterdam 4.Lament 5.Can’t stand the heat 6.Badalamenti Gore 7.Through the Woods 8.Still standing 9.Rumenka blues 10.Everything’s going to be alright

 

Intérpretes

Dragan Alimpijević Pik – guitarra

Zoltán Simon - batería

Lazar Novkov – acordeón

Vasa Vučković – saxo (3)

 

Grabado en Studio Road, Serbia

Fecha de publicación: 21 de marzo de 2025

 

El primer álbum de Broodmen se publicó en 2017 y llevaba por título “Secondary Emotions”. Marcó el inicio de una trayectoria única, y a pesar de estar separados geográficamente (Simon ahora reside en Alkmaar, Países Bajos), la banda continúa escribiendo y grabando música juntos, superando la distancia física con creatividad y pasión. El grupo acaba de publicar su segundo álbum, titulado “Liminality”.

El guitarrista Dragan Alimpijević Pik y el baterista Zoltán Simon llevan años tocando juntos, con la incorporación del aclamado acordeonista Lazar Novkov, conocido por su trabajo con Frame Orchestra, lleva al trío serbio a un territorio sonoro poco común en el jazz moderno, aportando una dimensión inesperada y profunda al sonido de Broodmen.

El disco se grabó en directo, en una sola toma, en el verano de 2021, en los estudios de Pik,  Studio Road en Serbia.

Los diez temas del disco han sido compuestos por Pik y Simon. La inusual combinación de guitarra, batería y acordeón crea un sonido diferente y con fuerte personalidad.

Desde el tema que abre el disco “Homeland”. Broodmen deja claro lo que nos va a ofrecer en este nuevo trabajo.

El acordeón es el protagonista en primera instancia, hasta que, tras una pausa,  la guitarra toma el relevo con sonido roquero. La batería precisa y constante, mantiene el ritmo y la intensidad.

“State of Things” comienza con una guitarra ondulante y el acordeón, dando una sensación de flotación, apoyado por un sonido balcánico. Tema con momentos reflexivos alternando con otros más intensos.

En “Amsterdam” aparece el invitado Vasa Vučković al  saxo, con aullidos estridentes e inquietantes. Canción roquera que nos transporta a los años 60-70 del rock progresivo, terminando con un  solo de batería que se desvanece gradualmente.

“Lament” es una melancólica canción, transmisora de serenidad, con el acordeón llenando el espacio por detrás de la guitarra. Una tristeza reflexiva flota y te envuelve en sus brazos. El acordeón va ampliando su sonido progresivamente así como la guitarra. Derivando por senderos más roqueros, para volver a los inicios.

“Can’t Stand The Heat” es un tema con garra que combina con espacios melódicos, todo ello revestido de un cierto sonido afrancesado.

“Badalamenti Gore” rinde homenaje al fallecido compositor Angelo Badalamenti. Sonido atmosférico, enigmático y en ocasiones eclesiástico.

"Through the Woods" es una onda expansiva, libre y por supuesto, roquera. La labor de Simon es digna de mención. El sonido a rock sinfónico es identificable una vez más.  

“Still Standing” es una canción pop-rock sin mayores pretensiones, que suena a banda sonora de los setenta.

Sigue “Rumenka blues”, que lleva el nombre de un pueblo cerca de Novi Sad, un tema que a modo de bolero va aumentando la intensidad para terminar como empezó.

El disco cierra con "Everything's Going to Be Alright", una conclusión suave, pero segura, que cierra el círculo. El grupo ofrece una tranquilidad contenida al oyente.

Los tres músicos muestran sus habilidades y sincronía.

La guitarra de Pik se desliza por el rock, simultaneando con asombrosa facilidad los momentos melódicos con otros mucho más duros. El acordeón de Novkov lleva la profundidad emocional de la música folclórica serbia al mundo del jazz, funcionando en ocasiones como instrumento de percusión u órgano de rock progresivo. El toque ligero y enérgico al mismo tiempo de la batería de Simon impulsa al trío tejiendo texturas coloridas.

“Este es un camino hacia lo desconocido”, explican, “un camino en el que exploramos las emociones que se esconden bajo la superficie racional. Es un intento de dejar atrás el conocimiento y la experiencia y adentrarnos en un nuevo territorio inexplorado”.

“Estos somos nosotros, Broodmen, y si nos preguntas, esto es lo más honesto que podemos ser”.

 

La Habitación del Jazz

JOEP VAN RHIJN CD: Between Fact & Fiction

 

Pistas

1.Vergane Glorie 2.         Zweefmolen 3.Morgenrood 4.Vertier 5.Trust 6.   0p Pad 7.       A Lady 8.Wowuwowuwow

 

Intérpretes

Joep Van Rhijn – fliscorno     

Yoon Seung Cho - piano

 

Grabado en Brickwall Studio, Seúl, Corea del Sur

Fecha de publicación: 19 de marzo de 2025

 

 

El trompetista y compositor Joep van Rhijn nació en los Países Bajos, donde comenzó a tocar la trompeta, a temprana edad, en la banda de viento local. Durante un año de intercambio en el instituto en Estados Unidos, Van Rhijn se familiarizó con el jazz, lo que lo inspiró a continuar sus estudios en el Conservatorio Príncipe Claus de los Países Bajos. Tras sus estudios, participó activamente en la escena musical de su país, realizando giras con grupos como The Jig, Rotterdam Ska Jazz Foundation, Jamal Thomas Band y Flower To The People. En 2012, Van Rhijn se mudó a Corea del Sur, donde ha estado activo con su trío y su banda Blow Out. Lanzó tres álbumes como líder y tocó en los principales festivales y salas de Corea. Ha compuesto, arreglado y grabado música para artistas de música tradicional coreana, grupos de danza moderna y artistas de K-pop.

El pianista de jazz Cho Yoon Seung nació en Seul. Creció bajo la influencia de su padre, Cho Sangkook, baterista de jazz de primera generación. Tras emigrar a Argentina en 1986, se sumergió en la música sudamericana, actuando en su adolescencia en el Teatro San Martín y el Teatro Cervantes, llegando a aparecer en el programa de Radio Tango. En 1989 comenzó sus estudios de música clásica en el Conservatorio Nacional de Buenos Aires con Inés Gómez Carrillo, discípula de Arthur Rubinstein. Posteriormente, estudió jazz y música clásica en el Berklee College of Music y el Conservatorio de Nueva Inglaterra gracias a una beca. Cho Yoon Seung también fue el primer asiático seleccionado para el prestigioso Instituto de Jazz Herbie Hancock, entre solo siete estudiantes a nivel mundial. Fue profesor en el Instituto de Músicos de Hollywood hasta 2010, mientras tocaba con la Ron King Big Band. Colaboró con artistas de renombre como New York Voices, Gary Novak, Laura Fygi y Eric Benet entre otros.

Van Rhijn ha publicado “Between Fact & Fiction”, un disco con composiciones de Van Rhijn, a dúo con Cho Yoon Seung,  que nos sumerge en un mundo de ensoñación y calidez.

Según el propio Van Rhijn “Este álbum es una búsqueda del equilibrio entre la transparencia y la claridad musical”.  

Un álbum personal e íntimo, donde Van Rhijn y Cho Yoon Seung muestran una empatía total, entre ellos y con el oyente.

Ocho temas llenos de lirismo como  “Vergane Glorie” y “Morgenrood”. O como en la minimalista  “A Lady” donde además está presente el romanticismo, También hay momentos para el juego y cierta diversión como en “Zweefmolen”. Van Rhijn dota al fliscorno de un sonido sensual y clásico colmo podemos apreciar en “Vertier”, en “0p Pad” o en “Trust” donde comienza el piano, como si de una obra del romanticismo clásico se tratara.

El disco cierra con “Wowuwowuwow”, el corte de mayor sabor a jazz, lleno de swing.

Van Rhijn se centra en el detalle, en el lirismo y lo mismo podemos decir de Cho Yoon Seung.

Este álbum hay que escucharlo en absoluto silencio, con poca o ninguna luz, para poder saborear toda su belleza.

Piano y trompeta se complementan y brillan con luz propia sin imposiciones de uno al otro. La música de este álbum es relajante, serena y profunda.

 

La Habitación del Jazz

JUAN DE DIEGO - GREBALARIAK CD: Azken Uda

 

Pistas

1.Marinela 2.Aterpe 3.Ali Kinsasan 4.Azken Uda 5.Zirimiri 6.Tifliseko Gizona 7.La Montagne Infidèle 8.La Lava Va 9.Txefhino 10.Bagoaz

 

Intérpretes

Juan de Diego – trompeta, fliscorno

Toni Saigi – piano

Ramon Prats - contrabajo

Pere Loewe - batería

 

Sello discográfico: Errabal Jazz

Grabado el 11 y 12 de octubre de 2024 en los estudios Sol de Sants de Barcelona

Fecha de publicación:

 

El trompetista Juan de Diego, nacido en Bilbao (España)  compaginó su carrera de Ingeniero Técnico Industrial con sus estudios musicales, matriculándose en solfeo, trompeta y armonía en el Conservatorio Superior de Bilbao. Posteriormente se trasladó a Barcelona donde fija su residencia, obteniendo el título superior de trompeta y cursando estudios en el Taller de Músics de la Ciudad Condal.

Forma parte de diferentes formaciones, además de liderar proyectos personales como Juan de Diego trio, Freaky Trio, Trakas. Desde 1993 lidera, junto a su hermano Víctor de Diego, el quinteto De Diego Brothers,  con tres discos en su haber.

Ha asistido a diversos seminarios, recibiendo clases de músicos tan relevantes como Brad Meldhau, John McNeil, Kurt Rosenwinkel, John Swanna, Joe Magnarelli, Mike Mossman, Jorge Pardo y Jorge Rossy

Participa en el proyecto Lucio, una reflexión escénica, con The New Jazz Collective, grabando el disco “Lucio” (Errabal, 2021).

Ha formado parte de grupos como Asociación Libre Orkesta, Brassass Company, Barcelona Big Latin Band, Barcelona Acoustic Band (BAb) de Alfons Carrascosa, 666, Bandaéria de Xavi Maristany, Barcelona Jazz Orquesta, Lucrecia, Groove Station, además de colaborar con numerosos grupos como Eladio Reinón Supercombo, Big Band de Bellaterra, Big Band Taller de Músics, Segundo Cónclave…

Ha publicado más de cuarenta discos e innumerables colaboraciones con numerosos artistas, entre otros muchos, ha trabajado con Benny Golson, Nicholas Payton, Jesse Davis, Frank Wess, Dick Oatts, Carl Allen, Wendell Bronious, Eric Reed, Dennis Rowland, Sean Leavitt, General Alcazar, Perico Sambeat, Ben Wolfe, Melva Houston, Jeff Ballard, Armando Manzanero, Olga Guillot, Tony Hadly (Spandau Ballet), Ruper Ordorika, o Guillermo Klein entre otros.

Además ha colaborado con la compañía de danza contemporánea L’anònima Imperial, con la cual ha realizado diversas giras por Europa.

Actualmente es profesor de trompeta jazz en el Conservatorio Superior Pablo Sarasate de Navarra.

Grebalariak es el nombre del proyecto más personal de Juan de Diego, y el título de su primer álbum (Errabal, 2021). Grebalariak (Los huelguistas) es un homenaje a los movimientos sindicales de principio del siglo XX en Barcelona (España).

Con ese mismo proyecto, acaba de publicar "Azken Uda" (El último verano). Inicialmente el disco  iba a titularse  “ATERPE” (refugio), pero al fallecer su madre este verano, decidió cambiarlo.

El disco contiene diez composiciones de De Diego, donde conviven la elegancia, el ritmo brasileño, el swing y el jazz más ortodoxo.

El elegante swing del tema que abre el disco, titulado “Marinela”, de evolución cambiante, al que sigue el más íntimo y enigmático “Aterpe”, de corte fílmico. Todos los componentes del cuarteto tiene la oportunidad de expresar su estilo musical y maestría, sin necesidad de exhibiciones personales.

“La pelea en la selva” (The Rumble in the Jungle) es un histórico combate de boxeo que tuvo lugar el 30 de octubre de 1974 en Kinsasa, Zaire (actual República Democrática del Congo), que enfrentó al por entonces campeón del mundo de los pesos pesados, George Foreman contra el anterior campeón, Muhammad Ali.

“Ali Kinshasan” rinde homenaje al mítico combate, un alegato contra la guerra de Vietnam y toda una reivindicación de derechos civiles.

De Diego dedica “Azken Uda” a su madre. Un precioso y emotivo tema. El recuerdo y el dolor a flor de piel.

“Zirimiri” descarga el ambiente de tensión emocional, pero no de tensión musical.

“Tifliseko gizona” es un tema de puro jazz, con Saigi de protagonista y la rítmica secundándole y De Diego interviniendo cuando así lo requiere el tema.      

De Diego compuso música para la película muda de Jean Epstein “La montagne infidèle” (1923) y se estrenó en la Filmoteca de Catalunya en el año 2022. Una pieza documental perdida de la obra del cineasta y teórico francés, donde se recreaba la erupción del volcán Etna en 1923. La tensión y desconcierto del momento están servidos.

Inspirada en el mismo suceso, De Diego desarrolla el delicado “La lava vo”. Los ríos de lava, imparables, mortales  y sedosos, fluyen. 

El brasileño “Txefinho”, es un colorista tema que relaja el ambiente para terminar con “Bagoaz”, otra composición que recorre caminos zigzagueantes. 

En palabras de De Diego, "Los jazzeros, al igual que los montañeros necesitamos refugios (clubes de jazz, asociaciones...) para aguantar el camino escarpado. Lugares donde descansar, coger fuerzas y encontrar sentido a lo que hacemos". Este disco es un buen refugio para los aficionados al jazz.

La interpretación del cuarteto es brillante, transmitiendo calma y cercanía hasta en los momentos de tensión.

 Por su parte, De Diego muestra su lado de compositor elegante y reconfortante.

Un bello trabajo dedicado a la memoria de su madre.

La Habitación del Jazz 

RAFA ACEVES TRIO CD: Emeki

 

Pistas

1.Whisper Not 2.Blue In Green 3.In Love In Vain 4.Over The Rainbow 5.Marian 6.Dolphin Dance 7.Never Let Me Go 8.La Tarara

 

Intérpretes

Rafa Aceves – piano

Marcelo Escrich – contrabajo

Hilario Rodeiro - batería

 

Sello discográfico: Errabal Jazz

Grabado en los estudios Pottoko de Beasáin (Guipuzcoa,España).

 

El pianista Rafa Aceves, nacido en Bilbao (España), es un experimentado músico cuya trayectoria comenzó de manera profesional en 1992. De formación autodidacta, se licenció en Musikene en la rama de interpretación de piano-jazz. Compositor, arreglista y músico de sesión, ha realizado numerosos trabajos para bandas sonoras, documentales y televisión.

Ha colaborado a lo largo del tiempo con artistas como Txuma Murugarren, Petti,  Doctor Deseo, Atom Rhumba, Mamba beat y acompañando en los últimos tiempos, a la cantante y compositora chilena Cristina Narea en su proyecto Viento Sur.

El contrabajista argentino Marcelo Escrich, cuenta con una incesante y prolífica carrera plagada de colaboraciones en diferentes proyectos, siendo hoy en día uno de los músicos más solicitados. Trabajos como los aclamados “Pagoda”, “Aporía” junto a Javier López Jaso o “Diez años después” junto a Miguel Salvador, dan buena muestra de su trayectoria.

El compositor, productor y baterista gallego Hilario Rodeiro, además de formar parte de proyectos como Pamplona Jazz Orquesta, R.S. Faktor, o CiTriC cuenta con el aval de haber realizado discos como “Transoceánica”, “Respira, “Cosmic Latte” o “Lila no Ceo”. Una reconocida carrera coronada con premios como Premios BBK al mejor disco (R.S. Faktor), V Concurs de Jazz de Barcelona (Citric) o Academia de la Música (Mama Cabra).

Los tres, en trío, acaban de publicar su primer trabajo titulado “Emeki”.

El disco abre con “Whisper Not” de Benny Golson, de la que hacen una elegante versión donde los tres músicos pasean delicadamente por la melodía. Sendos solos de  Escrich y Rodeiro.

Sigue “Blue In Green” de Bill Evans y Miles Davis. Aceves transmite el espíritu de Evans, dando paso al contrabajo  y batería, retomando posteriormente la melodía con la misma sensibilidad.

Jerome Kern escribió “In Love In Vain”, una de sus más de setecientas canciones. Versión con un buen swing y dinámicas improvisaciones. Como en los anteriores cortes, la batería y el contrabajo tienen su momento para los solos.

Una preciosa adaptación del clásico de Harold Arlen, “Over The Rainbow” es introducida por Aceves. Rodeiro con escobillas y Escrich acariciando las cuerdas del contrabajo, consiguen enamorarnos con esta balada.

Aceves escribe “Marian” como homenaje a su hermana. Una romántica canción interpretada con enorme sensibilidad por el trío, que pone de manifiesto la calidad  como compositor de Aceves. 

Herbie Hancock está presente con “Dolphin Dance”. Los tres músicos se dejan el espacio suficiente y necesario para redondear esta versión. 

El disco continúa con “Never Let Me Go”, del compositor Jay Livingston, otra preciosa canción que el trío trata con la delicadeza y el respeto merecidos. Un nuevo momento para soñar.

El disco termina con la canción “La Tarara”, compuesta por el poeta español Federico García Lorca, a partir de varias canciones infantiles castellanas. La letra nos habla de una mujer loca que se pasea por los campos, bailando; de hecho la misma palabra “tarara” significa “de poco juicio”. Una vez nos introducen en la canción tal cual, vuelan imaginativas improvisaciones. Últimamente se ha puesto de moda versionar esta canción en discos de jazz. Mientras la versión sea de calidad como en esta ocasión, bienvenida sea.

La producción es muy buena y el disco rebosa elegancia,  frescura y buen hacer. Este trabajo merece ser conocido y promovido más allá de su zona de influencia.

 

La Habitación del Jazz

ARBENZ VS ARBENZ Meets RON CARTER CD: The Alpine Session

 

Pistas

1.It Don't Mean A Thing 2.Alive 3.Evolution 4.Lullaby 5.All The Things You Are 6.Old Shaman

 

Intérpretes

Michael Arbenz - piano

Florian Arbenz - batería

Ron Carter – contrabajo

 

Grabado el 16 de marzo de 2024 en Gabriel Recording, en los Alpes Suizos.

Fecha de publicación: 21 de febrero de 2025

 

Florian Arbenz y Michael Arbenz  son gemelos nacidos en Basilea (Suiza) en el seno de una familia de músicos;  su madre es violonchelista y su padre pianista y director de la Escuela de Música de Basilea (Suiza).  

Michael Arbenz es pianista, compositor y arreglista  de formación clásica y músico de jazz. Estudió en el Conservatorio de Basilea (Suiza).

Ha liderado varias bandas durante los últimos años. Con  su trío VEIN ha viajado por toda Europa, América del Norte y del Sur y Asia. Ha grabado y/o tocado con Greg Osby, Dave Liebman, Wolfgang Puschnig, Glenn Ferris, Muneer B. Fennell, Kent Carter, Matthieu Michel, Marc Johnson y Andy Sheppard entre otros muchos. Ha ofrecido conciertos de música clásica con Pierre Boulez, Paul Sacher, Jürg Wyttenbach, el Ensemble Contrechamps y Hans Zehnder, entre otros.

El baterista y compositor Florian Arbenz  ha realizado giras, conciertos y producciones de CD como solista con Kirk Lightsey, Greg Osby, Glenn Ferris, Wolfgang Puschnig, Bennie Maupin, Matthieu Michel, Hermon Mehari, Nelson Veras, Claudio Pontiggia y otros. En el ámbito de la música clásica, ha trabajado como percusionista en numerosos conciertos y festivales (Luzerner Festspiele, Basler Musik Forum, Schleswig-Holstein Musik Festival), entre otros, con Heinz Holliger, Kent Nagano y Paul Sacher.

Ha trabajado como líder, colaborador y miembro de los grupos VEIN, Amp y New Jazz Trio.

Entre 1995 y principios de la década de 2000, trabajó con su hermano en el New Jazz Trio, que lanzó dos álbumes.

Desde 2007 realiza giras regulares con el trío VEIN (con el bajista Thomas Lähns y Michael Arbenz al piano) y ha publicado 13 CD con esta banda  hasta 2019. También es miembro del trío de Tibor Elekes.

En 2020 se lanzó el álbum dúo Reflections of the Eternal Line con el saxofonista Greg Osby.

En el año 2000, ambos hermanos recibieron el Premio Europeo de Cultura (en reconocimiento a su compromiso con el jazz y la música clásica).

De Ron Carter qué decir. Podríamos llenar páginas y páginas recorriendo su carrera profesional. Su padre era conductor de autobús en Detroit. Contrabajista y violonchelista de jazz estadounidense, ha aparecido en más de 2220 sesiones de grabación (es el contrabajista de jazz más grabado de la historia). Ha ganado tres premios Grammy. Su carrera se extiende por más de 60 años. Ha participado en numerosos álbumes icónicos de Blue Note en la década de 1960, además de ser el pilar del  “Segundo Gran Quinteto " del trompetista Miles Davis entre 1963 y 1968.

Se puede decir que no hay músico que no haya tocado con Carter (Chico Hamilton, Jaki Byard , Cannonball Adderley , Randy Weston , Bobby Timmons y Thelonious Monk, Eric Dolphy , George Duvivier, Roy Haynes, Don Ellis , Mal Waldron, Miles Davis, Herbie Hancock , Wayne Shorter, Tony Williams, Sam Rivers , Freddie Hubbard , Duke Pearson , Lee Morgan , McCoy Tyner , Andrew Hill , Horace Silver, Joe Henderson , Houston Person , Hank Jones , Gabor Szabo,  Lena Horne, Bill Evans, B.B. King, Dexter Gordon, Wes Montgomery, Cedar Walton, Billy Joel, Christian McBride…)

A principios de la década de 1990, Carter se convirtió en profesor emérito distinguido del departamento de música del City College de Nueva York, donde enseñó durante 20 años, y recibió un doctorado honorario del Berklee College of Music en la primavera de 2005. En 2008 se unió a la facultad de la Juilliard School en la ciudad de Nueva York, enseñando bajo en el programa de Estudios de Jazz de la escuela.

Los tres músicos se reunieron en los Alpes Suizos para grabar este álbum titulado “Alpine Session”.

El álbum abre con "It Don't Mean A Thing" de Duke Ellington. Pero en este caso, la versión se desvía tanto del original, que Michael Arbenz comparte la autoría en los créditos del disco. Una canción elegante, sobria, donde los tres músicos brillan con luz propia. El solo de Carter es perfecto como es habitual en él y domina el espacio. El piano es intenso y rítmico y la batería con continuos redobles mantiene el pulso y el swing sin excesos. Un excelente comienzo.

Le sigue “Alive” de Florian Arbenz, un contraste con respecto al anterior tema. Una elegante canción a tempo lento. Piano, bajo y batería conviven en perfecta armonía explorando sutiles sonidos. 

Continúa con otra composición de Florian Arbenz titulada “Evolution”, un tema donde las individualidades se integran, dando lugar a un extraordinario ejercicio de pasión, ritmo e intensidad a raudales. Impresionante la habilidad de Carter que lleva al trío a un estadio catártico. Los hermanos Arbenz participan de ese estado. Las improvisaciones, brutales. Fantástico tema.

Michael Arbenz aporta “Lullaby", una balada basada en la "Canción de cuna" ("Guten Abend, gut' Nacht") de Brahms. Una preciosa reinvención de este clásico con delicados fraseos del piano, batería y contrabajo. La química entre los tres es más que notable.

"All The Things You Are" de Jerome Kern de la que hacen una alegre versión, brillante y vibrante. Las improvisaciones de Michael Arbenz son secundadas por Carter y Florian Arbenz. Unos a otros se lanzan e impulsan sin descanso.

Y prácticamente sin solución de continuidad desembocan en "Old Shaman", otra composición de Frorian Arbenz, el tema de mayor duración del  álbum. Un tratado de improvisación en el que todos participan aportando lo mejor de cada uno (que es muchísimo). Un cierre de lujo para un álbum de lujo.

Los hermanos Florian y Michael Arbenz muestran su indiscutible calidad y  respecto a Ron Carter, sin palabras, mejor escúchale.

Hacía mucho tiempo que no escuchaba algo tan bueno, tan lleno de energía y de vitalidad. Un disco fascinante lleno de jazz clásico fusionado con jazz actual, tradición e innovación se dan la mano.

La Habitación del Jazz

ALISON RAYNER QUINTET CD: SEMA4

 

Pistas

1.Espíritu Libre 2.Looking For A Quiet Place 3.Semaphore 4.Hamble Horror 5.Signals From Space 6.Trip Dance 7.Riding The Waves 8.The Handkerchief Tree 9.All will Be Well

 

Intérpretes

Alison Rayner – contrabajo

Buster Birch – batería, percusión

Deirdre Cartwright – guitarra

Diane McLoughlin – saxofones

Steve Lodder – piano

 

Sello discográfico: Blow  The Fuse Records en asociación con ECN Music

Grabado en vivo en el Vortes Jazz Club. Londres, el 21 y 22 de mayo de 2024

Fecha de publicación: 7 de marzo de 2025

 

 

La contrabajista y compositora Alison Rayner ha estado tocando jazz y otros estilos contemporáneos desde mediados de los años 70. Pasó cinco años en los 80 con el grupo de jazz latino The Guest Stars, recorriendo los principales escenarios y festivales internacionales de jazz en diecisiete países y grabando tres álbumes. Actualmente lidera el quinteto ARQ, que  durante los últimos seis años ha realizado extensas giras por el Reino Unido y Europa.

Rayner también toca y graba con, entre otros, Deirdre Cartwright, Chris Hodgkins, Carol Grimes, el cuarteto de jazz latino Chico Chica y Zoe Lewis y ha actuado con artistas como Tal Farlow, Jayne Cortez, Denardo Coleman, Peter King y John Etheridge.

Es codirectora de Blow the Fuse, una asociación liderada por artistas en Londres desde 1989, que organiza noches de club de jazz, promueve giras, eventos a gran escala y produce discos en Blow the Fuse Records. Ha tocado en alrededor de 30 álbumes.

Rayner enseña en escuelas de verano de jazz en el Reino Unido y en el extranjero. Fue nominada en la categoría de "Mejor contrabajo" en los premios British Jazz Awards de 2018 y 2019.

Junto a Rayner, el quinteto lo forman la saxofonista,  compositora y arreglista Diane McLoughlin. Titulada de  posgrado en composición de jazz de la Guildhall School of Music, posee un máster en composición cinematográfica del London College of Music. Lidera la orquesta Giant Steppes, y dirige el grupo de jazz de cámara The Casimir Connection. El pianista y compositor Steve Lodder ( Naná Vasconcelos, orquesta Living Time de George Russell, Sarah Jane Morris, John Harle, Carla Bley, Andy Sheppard…). Ha sido socio musical de Paul McCartney en los proyectos “Standing Stone” y “Ecce Cor Meum” y arreglista musical de los Zappatistas. Estudioso del órgano en Cambridge,  ha escrito varios libros, uno sobre Stevie Wonder, otro sobre el órgano Hammond y The Keyboard Bible. El baterista Buster Birch, licenciado en música de la Universidad de Londres y diplomado de posgrado en jazz de la Guildhall School of Music. Ha actuado en prácticamente todas las salas de conciertos y clubes de jazz más importantes de Londres, realizado giras por más de 30 países y ha grabado más de 30 CD. Es un galardonado profesor de jazz y ha publicado una serie de libros interactivos sobre improvisación en todo el mundo. Tiene su propio espectáculo Buster plays Buster, en el que su cuarteto de jazz toca en directo durante proyecciones de películas clásicas de Buster Keaton. La guitarrista y compositora Deirdre Cartwright (Tal Farlow, Marjorie Whylie…), ha grabado cinco álbumes con su propio grupo. Fundadora de Blow the Fuse con Rayner, presentadora en BBC Radio 3 y de la BBC TV (serie Rockschool). Ha escrito siete libros sobre cómo tocar la guitarra.

La relación entre estos músicos viene de muy atrás. Por ejemplo Rayner y Deirdre Cartwright colaboran desde la  década de 1970. Con Steve Lodder y Diane McLoughlin, Rayner lleva trabajando más de 30 años. Buster Birch se unió al grupo en 1998.

El quinteto ARQ ,  había publicado tres álbumes con el sello Blow The Fuse Records: “August” (2014), “A Magic Life” (2016) y “Short Stories” (2019).  Su nuevo lanzamiento lleva por título “SEMA4” grabado en vivo en el Vortex Jazz Club en Dalston, al este de Londres. En principio no estaba previsto el lanzamiento de esta actuación, pero después de escuchar la grabación, Rayner supo que habían creado algo que tal vez no hubieran hecho en un estudio y afirma: “A veces hay que hacer concesiones en ciertas cosas con una grabación en vivo, pero sentí que habíamos logrado una gran onda y energía, algo realmente especial”.

ARQ “ha construido algo más grande que la suma de sus partes”, dice Rayner. “Quería la sensibilidad de un grupo en el que ensayamos y trabajamos juntos. Para mí, eso era muy importante, establecer una conexión, escribir para la gente de la banda. Cuando trabajas con gente durante años, realmente escuchas su forma de tocar”.

El disco abre con el tema de Rayner, “Espíritu Libre”  inspirado en un viaje al País Vasco (España). En esta composición se deja entrever la mezcla de influencias en las composiciones de Rayner, jazz, música latina, rock y folk. Es una forma brillante y alegre de comenzar el disco.

“Looking For A Quiet Place” de McLoughlin da un giro de 180 grados. Tema suave y meditativo que invita a la calma en este mundo un tanto acelerado. Interesante canción en donde podemos apreciar la expresiva y conmovedora guitarra de Cartwright, a la vez que roquera. Precioso sonido del saxo de McLoughlin.

 “Semaphore” de Rayner,  abre con el bajo de Rayner y, junto con Birch, crea un ritmo muy bailable que se transforma en reggae con Mcloughlin y Cartwright intercambiando solos. El título se debe a un divertido error, Rayner dijo que trabajarían en esta pieza en 7/4, pero Buster escuchó semáforo.

“Hamble Horror” de Lodder, empieza con atmósfera clásica que desemboca en un jazz trepidante, y rock progresivo, que evoca heroicidades cinematográficas. El listón sigue alto.

“Signals From Space” de Cartwright, está inspirado en las vibraciones de una estrella de neutrones que se captan en la Tierra, con los armónicos elegidos inteligentemente por la guitarrista que se suman a la atmósfera tensa y misteriosa. Los solos de saxo, contrabajo y piano brillan en el firmamento.

Rayner también es la autora de  “Trip Dance”, una pieza animada con sonido balcánico, donde sin duda se divierten los cinco músicos, echando fuera la adrenalina acumulada.

McLoughlin aporta "Riding The Waves" basada en la imagen de un surfista en las olas, arriba y abajo.

Lodder aporta "The Handkerchief Tree", inspirada en una planta llamada “Davidia involucrata” que semeja a pañuelos colgantes y que Lodder pudo ver en un parque del norte de Londres.

Rayner cierra el álbum con "All Will Be Well". Emotiva pieza compuesta durante los dos años en los que la hermana menor de Rayner enfermó gravemente. La esperanza de una mejoría, truncada  finalmente. Todos y cada uno de los músicos muestran su fuerza interpretativa, potencia y lirismo mezclados con sabiduría. Rayner dedica este disco a su hermana fallecida en 2023.

Rayner, con su contrabajo de sonido potente, melódico y cálido, junto a Birch, y su potente pero comedida pulsación en la batería, impulsan al  grupo, unido a la sensibilidad y energía del piano de Lodder, el lirismo de McLoughlin a los saxos y la sensibilidad y energía de Cartwright en la guitarra, conforman un quinteto cohesionado que brilla en los solos pero dejando espacio al resto cuando se necesita.

La grabación en directo es un acierto, permitiendo captar la energía de las interpretaciones tal cual.

La Habitación del Jazz