BILL LAURANCE & MICHAEL LEAGUE CD: Keeping Company

 

Pistas

1.Katerina 2.You 3.Yours 4.Escher 5.How Does It Feel 6.Stonemaker 7.Africa 8.Clay 9.Where You Wanna Go 10.Trails 11.Ki Keklik Bir Kayada

 

Intérpretes

Bill Laurance - piano

Michael League - oud, bajo sin trastes, voz

 

Sello discográfico: ACT Music

Fecha de publicación: 1 de noviembre de 2024

 

El pianista, compositor  y miembro fundador de la banda Snarky Puppy,  Bill Laurance, acaba de publicar, junto a Michael League el álbum titulado “Keeping Company”.

Laurance asistió a la Universidad de Leeds, donde se especializó en composición clásica, explorando el jazz, el funk y el drum'n'bass. Ha grabado y actuado con artistas de renombre como David Crosby, Morcheeba, Salif Keita, Terence Blanchard, Lalah Hathaway, Laura Mvula, Jacob Collier, Chris Potter, Lionel Loueke, The Metropole Orchestra y la WDR Big Band entre muchos otros. También ha trabajado extensamente en el mundo de la danza con compañías como Alvin Ailey, Ballet Rambert, Matthew Bourne's Adventures in Motion Pictures, Phoenix Dance, Northern Ballet Theatre y el English National Ballet y ha compuesto música para varias empresas, entre ellas, Apple, Sky, Nokia y Hewlett Packard.

Como miembro del grupo Snarky Puppy, galardonado cinco veces con los premios Grammy, Laurance ha realizado giras por todo el mundo, tocando cientos de conciertos para decenas de miles de seguidores.

Es un apasionado de la docencia y continúa impartiendo clínicas en instituciones musicales de todo el mundo.

Laurance experimenta una amplia gama de sonidos y combinaciones de conjuntos. Una buena muestra de las vías creativas exploradas por  Laurance abarca son la grabación a piano solo, “Affinity” (2022);  “Where You Wish You Were” (2023, ACT Music) a dúo junto a Michael League;  la extensa colaboración con el álbum “WDR Big Band Live at the Philharmonie Cologne” (2019) y el álbum sinfónico “Bloom”, grabado con The Untold Orchestra (2024). Otro proyecto activo de Laurance es el trío junto al bajista Menelik Claffey y el baterista Oscar Ogden.

Por su parte Michael League, nacido en California, es el fundador, compositor, productor y bajista del grupo de jazz-fusión neoyorquino Snarky Puppy. También es fundador y propietario del sello discográfico GroundUP Music.

League,  hijo de una familia amante de la música, su madre, flautista clásica y el padre gran aficionado al rock clásico y el soul. De pequeño ya se interesó por la música, y tocaba la batería y el violín y a los 13 años se pasó a la guitarra. En el instituto formó su propio grupo de jazz-funk, y a los 17 empezó a tocar el bajo cuando le propusieron ocupar la plaza vacante en el grupo de jazz senior del instituto. Conocía poco el instrumento, pero se fue sintiendo cada vez más fascinado. Estudió jazz en la Universidad del norte de Texas. Se trasladó a Brooklyn (Nueva York) en el 2009. League formó el grupo Snarky Puppy en 2004,  durante su primer curso en la Universidad del Norte de Texas, junto a  nueve de sus compañeros. League es el compositor de la mayor parte de su repertorio original, así como el productor de todos los álbumes del grupo.

A principios de los años 2000, Laurance, intentaba ganarse la vida en la escena musical de Leeds, cuando se le presentó un trabajo informal con un joven Michael League en la banda del cantante Michael Solomon Williams. Los conciertos en el norte de Inglaterra le permitieron forjar una amistad con League, que estaba buscando un nuevo pianista, y League invitó a Laurance a los EE.UU. para grabar el primer álbum de Snarky Puppy, “The Only Constant”.

League  también ha trabajado con gente como Kirk Franklin, Walter Hawkins, Magda Giannikou cuando era todavía una artista desconocida.

Laurance y League se unieron en dúo en 2020. Su primer trabajo fue “Where You Wish You Were” (2023). Ahora lanzan su segundo álbum titulado “Keeping Company”.

El álbum muestra una asociación musical íntima, con Laurance centrándose en el piano acústico y League en el bajo sin trastes y el oud, creando un sonido que combina influencias occidentales y de Oriente Medio.

El álbum es justo lo contrario de lo que Snarky Puppy representa. La extroversión y el empuje son sustituidos por un enfoque más íntimo.

La preparación de este disco consistió en la escritura de  numerosos bocetos y composiciones por parte de ambos músicos. Esa abundancia de material tuvo que reducirse hasta quedarse con los 11 temas del disco.

En este trabajo el dúo profundiza y prueba nuevos sonidos. Toda la grabación es  prácticamente en directo, sin sobregrabaciones innecesarias.

Laurance huye de los malabarismos  grandilocuentes, centrándose en melodías sencillas, rítmicas que dejan espacios para su compañero. El sonido es escaso, pero suficiente, no hay estridencias y la música suena espontánea.

Las improvisaciones, con pocas notas, se enmarcan en una atmósfera de sonidos brillantes, las justas para contar historias.

Las composiciones se nutren de jazz, rock, blues, clasicismo inglés, sonidos medievales, renacentistas, árabes y orientales, incluso trazas de flamenco y sonidos contemporáneos, mezclas que dan como resultado paisajes musicales envolventes que te atrapan.

Ambos intérpretes dialogan constantemente. El uno con el otro, tomando la iniciativa alternativamente y demostrando que la colaboración se cimienta sobre   años de amistad y aprecio musical mutuo.

Como afirma el propio Laurance: "Creo que tanto a Michael como a mí nos mueve la idea de superar los límites, lo cual es importante. Pero este álbum es diferente. Cada idea compositiva tiene mucho peso, y todo tiene un propósito muy específico. No había ninguna sección rítmica tras la que esconderse, sólo se trataba de melodía y acordes. E instintivamente intentábamos crear un lugar al que la gente quisiera ir, que le resultara reconfortante. Creemos que ahora, quizá más que nunca, hacen falta lugares así".

Laurance y League nos proponen un viaje sonoro maravilloso, lleno de equilibrio y absolutamente contemplativo.

Uno de los mejores álbumes de este 2024.

La Habitación del Jazz

KRISTIN KORB CD: Sweet Dreams

 

Pistas

1.Sweet Dreams 2.There Must Be An Angel 3.Here Comes The Rain Again 4.We Two Are One 5.When Tomorrow Comes 6.Sisters Are Doin' It For Themselves 7.I Saved The World Today 8.I've Got A Life 9.Don't Let It Bring You Down 10.Would I Lie To You 11.Put A Little Love In Your Heart 12.Lifted

 

Intérpretes

Kristin Korb – voz, contrabajo

Magnus Hjorth – piano (1-9)

Snorre Kirk – batería (1-4, 6-9)

Mathias Heise - armónica cromática (2,8,10,12)

Karl-Martin Almqvist – saxo tenor (1,3,6,8,12)

Steen Nikolaj Hansen – trombón (4,7,8,12)

Yohan Ramon – percusión  (1,2,4,7,8,12)

 

Sello discográfico:  Giant Sheep Music

Grabado en 2024 en  The Village Recording, Copenhagen, Dinamarca

 

Fecha de publicación: 25 de octubre de 2024

 

Son pocos los bajistas que además cantan y que lo hagan bien menos aún. La estadounidense es una de ellas. Korb obtuvo su título de Educación Musical en Eastern Montana College y su maestría en Interpretación de Bajo Clásico en la Universidad de California, San Diego. Allí fue cuando su profesor, Bertram Turetzky, la inspiró a cantar y tocar el bajo al mismo tiempo.

Con una impresionante trayectoria docente que abarca instituciones prestigiosas como la Universidad del Sur de California, donde fue coordinadora de estudios de jazz vocal, en la Universidad Azuza Pacific, en el Grossmont Community College y fue directora de estudios de jazz en la Universidad Central de Washington.

También estudió con la leyenda del jazz Ray Brown, con quien hizo su debut discográfico, “Introducing Kristin Korb”, en 1996. Desde entonces, ha lanzado diez álbumes.

En 2011, el amor llevó a Korb a Dinamarca, donde ahora reside con su esposo danés, continuando su carrera musical e inspirando a músicos en ciernes a través de programas de extensión educativa en Europa y los EE. UU.

 

Su último álbum titulado “Sweet Dreams” está recién salido del horno. Es más que un álbum de versiones,  Korb reinventa los clásicos de Eurythmics y Annie Lennox a través de arreglos jazzísticos.

El proyecto comenzó con un sensacional debut en vivo en el legendario Jazzhus Montmartre en Copenhague, Dinamarca, en septiembre de 2023. La multitud se volvió loca y la respuesta entusiasta animó a Kristin y su banda a capturar esta magia en el estudio,

 

Korb se rodea con alguno de los músicos con los que ha colaborado durante años, como es el caso del pianista  Magnus Hjorth y el baterista Snorre Kirk. También cuenta con la participación del joven y premiado virtuoso de la armónica danés Mathias Heise, el saxofonista sueco Karl-Martin Almqvist, al maestro del trombonista danés Steen Nikolaj Hansen y al percusionista cubano Yohan Ramon.

La potente voz de Annie Lennox y sus impactantes imágenes acompañaron la adolescencia de Korb, y le dejaron un impacto duradero y profundo. Sus actuaciones en los años 80 se convirtieron en himnos para las chicas que buscaban tener su propio poder en el mundo.

Korb dice: “Cuando comenzó 2023, Eurythmics ni siquiera estaba en mi radar. De repente, recibí un correo electrónico del promotor Amikam Kimmelman sobre un festival de jazz que estaba organizando para octubre de 2023, trayendo a músicos de todo el mundo para tocar juntos. Mi tarea era organizar un espectáculo para celebrar a un dúo mundialmente famoso. Mis opciones eran The Carpenters o Eurythmics. El desafío de explorar la música de Eurythmics me intrigaba. ¿Cómo podía encontrar mi propia voz dentro del legado de una de las mayores potencias vocales? ¿Cuántas capas podía quitar preservando la integridad del material original?

Las ideas comenzaron a surgir y me sentí fortalecido por la abrumadora tarea que tenía por delante. Quería que la música encajara perfectamente con mi banda danesa”.

El disco abre con la icónica “Sweet Dreams” del álbum “Sweet Dreams (Are Made of This)” (1983), que no podía faltar en esta recopilación. Canción versionada hasta la saciedad  (incluso Marilyn Manson hizo una versión), ¿cómo hacer una versión original y de calidad? Pues escucha esta de Korb y lo sabrás.

Otro superéxito de Annie Lennox, “There Must Be An Angel” del álbum “Be Yourself Tonight” (1985) con Steve Wonder en la armónica que en esta ocasión interpreta  Mathias Heise. En palabras de Korb: “Es un músico extraordinario con un sonido único que trasciende cualquier estilo o mentalidad. Mathias siempre está ampliando los límites de la música y su forma de tocar es verdaderamente única. Fue un placer escucharlo aportar su propia interpretación distintiva al estilo Stevie Wonder. ¡Brilla absolutamente en esta canción!”

“Here Comes The Rain Again” del álbum “Touch” (1984). Annie y Dave escribieron esta canción cuando se hospedaban en el Hotel Mayflower de Nueva York. Dave Stewart compartió: “Era un día nublado. Annie estaba sentada en mi habitación y yo estaba tocando un pequeño riff en el teclado sentado en el alféizar de la ventana, y estaba tocando estos pequeños acordes melancólicos en la menor con la nota si en él. Seguí tocando este riff y Annie estaba mirando por la ventana el cielo gris pizarra sobre la línea del horizonte de Nueva York y simplemente cantó espontáneamente, “Here Comes The Rain Again”. Y eso era todo lo que necesitábamos. Verás, como con muchas de nuestras canciones, solo necesitas comenzar con esa línea, esa atmósfera, esa nota o esa melodía de introducción. Y el resto era como un rompecabezas en el que necesitábamos simplemente completar las piezas que faltaban”.

Korb dice: “Habiendo vivido en Dinamarca durante 13 años, sé lo que se siente estar sentado en un lugar cerrado, viendo caer la lluvia... Una vez más”. Otra versión digna de ser disfrutada.

“We Two Are One” del álbum “We Too Are One” (1989) es una canción destacada de ese álbum. Canción originalmente muy cercana al jazz. La canción se adentra en temas de amor, unidad y resiliencia, explorando el poderoso vínculo entre dos personas que se apoyan y se completan. A destacar  el trombón de Steen Nikolaj.

 

En 1986, mientras estudiaba en la escuela secundaria, Korb trabajaba en McDonald  los sábados y los domingos, en la hora punta del almuerzo. Allí escuchaba a menudo en la radio “When Tomorrow Comes” (del álbum “Revenge” (1986)), una canción sensible e íntima que Korb arregla acentuando este carácter y canta en dúo junto al pianista Hjorth.

Korb presentó en vivo “Sisters Are Doin’ It For Themselves” del álbum “Be Yourself Tonight” (1985), en septiembre y octubre de 2023. Esta canción fue muy importante para Korb cuando era adolescente. Unos años 80 llenos de tópicos en la forma de vestir, junto a la música, que servían a Korb para empoderarse y sentirse fuerte. Excelente intervención de Almqvist.

Korb, desde que escuchó  “I Saved The World Today” del  álbum “Peace” (1999), supo que esta canción debería contar con la participación del trombonista Steen Nikolaj Hansen. “Peace” fue el primer proyecto original que Eurythmics publicó después de que se "separaron" en 1989. “El álbum completo refleja su creciente preocupación por el conflicto global y la paz mundial. Como las otras pistas del álbum, transmite un mensaje profundo sobre el estado del mundo y la esperanza de un futuro mejor” dice Korb.

Korb no había escuchado “I’ve Got A Life”, antes de empezar a buscar canciones para este disco. La descubrió en el álbum recopilatorio titulado “Ultimate Collection” (2005).

Korb dice: “La letra de “I’ve Got A Life” es increíblemente oportuna y resuena profundamente con lo que está sucediendo ahora mismo en nuestro planeta: están sucediendo muchas cosas malas y hay pocas soluciones que lleven a la humanidad hacia un espacio más compasivo y amable. A pesar de la pésima situación que hay por ahí, ¡no he terminado de luchar por un mundo mejor! De hecho, esta canción alimenta mi determinación de seguir luchando por un cambio positivo”.

“Don’t Let It Bring You Down” es una composición de Neil Young incluida en su álbum  “After the Gold Rush” de 1970. Annie Lenox la incorporó a su álbum “Medusa” de 1995. Korb nos brinda una emotiva y extraordinaria  versión en la que destaca el piano de Hjorth y el propio contrabajo de Korb. Uno de los mejores momentos del disco.

“Would I Lie To You” del álbum “Be Yourself Tonight” (1985). Korb nos dice: “¡Esta canción es épica! En la escuela secundaria, era una de esas canciones que cantábamos a todo pulmón en el baile, junto con los éxitos de Prince. En ese entonces, nunca presté mucha atención a las letras; ¡simplemente sabía que no me gustaba mentir!”. Korb con su voz y el contrabajo junto a   Heise con la armónica, sublimes.

“Put A Little Love In Your Heart” fue grabada por Annie Lennox y Al Green que se lanzó como tema final de la película de comedia negra “Scrooged” de 1988. La canción fue interpretada originalmente en 1969 por Jackie DeShannon, quien la compuso con su hermano Randy Myers y Jimmy Holiday.

El disco cierra con la bonita y  emotiva “Lifted” del álbum “Peace” (1999). “La primera vez que la escuché, la pausa vocal a capela de Annie Lennox a mitad de la canción me provocó escalofríos. Si bien estaba ansioso por profundizar en la letra, dudaba de mi capacidad para rendir homenaje a una canción tan épica. Para enfrentar este desafío, me apoyé fuertemente en los instrumentos de viento, expandiendo la canción de una voz solista a una improvisación colectiva que apuntaba al cielo”, afirma Korb y añade: “Sin que yo lo supiera, Lifted dejaría una impresión más profunda y duradera en mi corazón. Esta fue la última canción que interpreté en el Festival de Jazz de Jaffa el 6 de octubre de 2023, en Tel Aviv, Israel. En ese momento, tenía la intención de que fuera el “beso de buenas noches” para el público. Esa noche, terminamos el concierto con la multitud cantando mientras mis compañeros de banda abandonaban el escenario uno por uno. Las últimas palabras que cantamos juntos fueron “Keep on Lifted”. A las 6:30 de la mañana siguiente, nos despertamos con el lejano murmullo de las sirenas antiaéreas y dos fuertes explosiones. Todos sabemos lo que pasó después de eso. Mi esposo Morten y yo cantamos “Lifted” repetidamente durante los siguientes dos días para mantener nuestros ánimos a flote mientras descubríamos cómo volver a casa en Dinamarca. Al entrar al estudio unos seis meses después, sabía que la grabación de esta canción sería emotiva. Grabamos la canción en una sola toma con la sección rítmica y Mathias en la armónica. Morten tenía lágrimas en los ojos cuando entré a escuchar la reproducción. Apenas podía respirar. Cuando Steen llegó para grabar sus partes de trombón más tarde ese día, respondió hermosamente al solo de Mathias. Karl-Martin se sumó a esa conversación al día siguiente con su saxofón. Escuchar Lifted todavía se siente inmensamente intenso, resuena profundamente dentro de mí cada vez que lo escucho. Es hermoso y cautivador, captura un paisaje emocional crudo que es difícil de describir. Esta canción sirve como mi oración sincera para todos los que están luchando por encontrar la paz”.

En el libreto que acompaña el disco es muy interesante. Entre otras cosas, podemos leer el largo y escrupuloso  proceso que siguió Korb para elegir el material que finalmente formaría parte de este interesante trabajo.

La Habitación del Jazz

Iseul Kim's Liberosis CD: Re-mind

 

Pistas

1.Boundaries (Title) 2.Re-mind (Title) 3.A Bag +of Rice 4.Improvisation with Jaewon 5.New Iseul 6.Change 7.Lost in Time 8.No Escape Ver 2023

Intérpretes

Iseul Kim - piano

Hoo Kim - contrabajo

Jaewon Lee – batería, percusión

Jongsu Yoon - violín

 Ok Joung Kim - chelo

 

Fecha de publicación: 11 de octubre de 2024

 

La pianista y compositora lseul Kim vive en Nueva York y Seúl. Viajera incansable,  sus experiencias culturales acumuladas las plasma en su música.

Ha formado y liderado varios grupos musicales, entre ellos Liberosis, lseul Kim Trio (“True me”, 2021)  y el conjunto de nueve integrantes 'Two Voices', con influencias de la música tradicional coreana, donde también incorpora instrumentos occidentales. Su álbum 'Evolving' obtuvo una nominación en los Korean Music Awards 2024.

Kim ha actuado por toda Corea del Sur en prestigiosos festivales así como en Japón, Sudamérica y Europa.

Ha recibido subvenciones de la Fundación de Seúl para las Artes y las Culturas de 2019 a 2023. También ha participado en el programa de tutoría de Sandbox Percussion Ensemble, nominado al Grammy.

Liberosis es una palabra que significa el deseo de que las cosas y situaciones nos importen menos. Es decir, la capacidad de liberarse de las cargas emocionales y mentales, permitiéndonos dejar de lado la preocupación y disfrutar de la vida. Con este sugestivo lanzó su proyecto en el año en 2018, y combina música clásica, jazz y latina con un fuerte énfasis en la música del mundo. También destaca en la improvisación y crea un sonido único y dinámico que va más allá de cualquier género tradicional. Bajo este nombre ha publicado “Iseul Kim's First Project Liberosis”  (2019), compuesto  después del viaje de Iseul Kim a Argentina; las dos piezas 'Rutini' y 'Luigi Bosca' recibieron el nombre de sus vinos argentinos favoritos;  “Luna” (2019), se creó después de viajar a África y Europa. Una de sus composiciones, “The Sahara”, se inspiró en el famoso desierto del Sahara en África y por último “Change” (2022).

Ahora ha publicado “Re-mind”, donde Iseul Kim es productora, autora y arregladora de todos los temas. En “Re-mind” se vuelven a entrecruzar la música tradicional coreana, el clasicismo, latino y el jazz, sin olvidar el espíritu aventurero que la caracteriza y la improvisación.

Si sus trabajos anteriores reflejaban culturas conocidas en sus viajes, Sudamérica y África, en este “Re-mind” agrega Nueva York a esa mezcla de influencias.

El primer rema del disco se titula “Boundaries (Title)” y es una simbiosis perfecta entre jazz y clásico. Una sección rítmica perfectamente engrasada acompaña al piano atrevido de Kim, junto a las cuerdas del violín y violonchelo

El corte que da nombre al álbum,“Re-mind (Title)” no hace sino ahondar en el concepto ya iniciado con el corte anterior.

En “A Bag Of Rice” la percusión latina y las cuerdas, nos proporcionan sonidos de la Argentina de Astor Piazzolla. Otro interesante enfoque en un interesante tema.

“Improvisación con Jaewon” sirve para que el baterista Jaewon Lee, se luzca con la batería y percusión, acompañado de Kim al piano que percute las teclas en perfecta armonía con Jaewon.

En “New Iseul”, Kim interpreta a piano solo este enigmático e improvisado tema lleno de interesantes matices.

Un cambio radical con  “Change”, donde nos brinda la oportunidad de escuchar un acordeón y un saxofón (sin acreditar) que potencian el sonido de tango.

Otro cambio, “Lost In Time”, un tema con cuerdas y vientos, sin acreditar de nuevo, lleno de melancolía.

El álbum finaliza “No Escape Ver 2023”, otra composición  llena de originalidad donde los sonidos de tango, coreano y clásico se hermanan de forma natural y hermosa.

“Re-mind” es un trabajo lleno de frescura e inventiva, donde la fusión de estilos es su principal característica, junto a unas composiciones,  arreglos e interpretación de gran calidad.    

 

La Habitación del Jazz

 

PETER SOMUAH CD: Highlife

 

Pistas

1.The Rhythm feat 2.We Give Thanks 3.Bruce Road 4.Drumbeat 5.Chop Chop 6. Conqueror 7.Mental Slavery 8.Re-imagined 9.African Continent 10.Jamestown

Intérpretes

Peter Somuah - trompeta, voz, cencerro

Jesse Schilderink – saxo tenor

Anton de Bruin - teclados, Rhodes, sintetizadores

Jens Meijer – batería

Danny Rombout – congas, shekere

Marijn van de Ven – contrabajo, bajo eléctrico

Lamisi Akuka - voz

Thomas Botchway – batería (9), shekere (9)

Pat Thomas - voz

Gyedu-Blay Ambolley – voz

Koo Nimo – narración (1)

Bright Osei Baffour – guitarra (2,5,9)

 

Sello discográfico: ACT Music

Grabado en Butterama Recording Center, Berlín, Alemania, el 4-6 marzo de 2024

Fecha de publicación: 1 de noviembre de 2024

 

Peter Somuah es un trompetista nacido en Accra (Ghana) y afincado en Rotterdam. Aprendió a tocar la trompeta a base de  escuchar a sus trompetistas favoritos, Miles Davis, Freddie Hubbard y Roy Hargrove.  

En 2021, ganó el premio Erasmus Jazz para jóvenes talentos del jazz, y en 2022 ganó el prestigioso premio Edison Jazz con su álbum debut “Outer Space”. En junio de 2024, Somuah trabajó en un proyecto con la WDR Big Band tocando sus propias composiciones, arregladas y dirigidas por el cosmopolita musical Michael Mossman.

Somuah ha publicado un nuevo trabajo titulado “Highlife”. El título hace referencia a un tipo de música y baile popular de África occidental que se originó en Ghana a fines del siglo XIX, se extendió más tarde al oeste de Nigeria, floreciendo en ambos países en la década de 1950. La forma más temprana de highlife fue interpretada principalmente por bandas de metales a lo largo de la costa de Ghana. A principios del siglo XX, estas bandas habían incorporado una gama más amplia de instrumentos (principalmente de origen europeo), un componente vocal y elementos estilísticos tanto de las tradiciones musicales locales como del jazz.

El highlife surgió así como una síntesis única de estéticas musicales africanas, afroamericanas y europeas.

El disco lo integran 10 temas todos compuestos por Somuah, quien  basándose en sus primeros años tocando música highlife en Accra y mezclándola con influencias de leyendas como Miles Davis, crea un sonido único y personal que une generaciones. Un diálogo entre el highlife y el jazz moderno.

En las canciones del disco intervienen instrumentos que van desde las guitarras rítmicas y la percusión características del highlife, pasando por el saxo tenor, bajo y contrabajo, sintetizadores,  hasta el personal sonido de la trompeta de Somuah.

El álbum fue grabado en un pequeño estudio de Berlín-Neukölln con un antiguo equipo analógico, que recuerdan al sonido terroso de las grabaciones históricas de highlife de los años 50 y 60.  "Quería devolverle la vida a este sonido tan especial. Su calidez, su coraje, su alegría exuberante” dice Somuah.

Somuah  luego voló a Ghana con las pistas instrumentales y visitó a algunos de los héroes del antiguo género highlife como Pat Thomas y Gyedu Blay-Ambolley. “Durante mi infancia, solía escuchar sus canciones en la radio todo el tiempo. En ese entonces, nunca hubiera soñado que un día estaría sentado en sus salas de estar para grabarlas para mi álbum”.

La banda que le acompaña está formada por músicos holandeses junto con un percusionista holandés-surinamés. "Mis compañeros de banda no crecieron en Ghana", dice Somuah. "Pero eso no importa en absoluto. Su profunda pasión por el highlife y el afrobeat y el sentimiento que han desarrollado por esta música son las cosas más importantes".

Qué mejor que empezar con una lección de historia. En  “The Rhythm”, Somuah visitó a la leyenda del highlife Koo-Nimo en Kumasi y le animó a hablar sobre los orígenes de la música. De la época en la que gobernantes coloniales británicos empleaban bandas de músicos ghaneses y les pedían que interpretaran vals, samba y música popular occidental, que se tocaba exclusivamente en clubes y casinos británicos para el placer de las clases altas, de ahí el nombre de “highlife”.

El golpe militar de los años 80  acabó con la vibrante escena musical de Accra. El toque de queda nocturno, que duró meses, provocó el cierre de todos los clubes.

La mayoría de los músicos se exilió. “A partir de ahí, la música adquirió influencias completamente nuevas”, explica Somuah. “Se incorporaron influencias de rock, funk y, sobre todo, disco, las pistas producidas en estudio y los teclados sustituyeron a las grandes orquestas”.

Entre la comunidad ghanesa exiliada en Hamburgo surgió un nuevo estilo, conocido como “burger highlife”.

El propio Somuah se involucró con este popular estilo highlife formando parte de varios grupos, antes de seguir su pasión por el jazz.

A partir de esa introducción, el disco nos transporta a un mundo lleno de ritmo. Ese mundo en el que Somuah, en su juventud, actuaba regularmente cuatro noches a la semana en las bandas de highlife. El público bailaba mientras él tocaba y perfeccionaba su estilo. “El highlife ha influido fundamentalmente en la forma en que toco la trompeta, la forma en que escucho música y compongo", dice Somuah.  La experiencia de esos años la traslada a este álbum. Su sonido cálido y su sentido del ritmo y de  transmitir emociones  hacen que la escucha de este disco te levante del asiento y bailes quieras o no.

Somuah conecta dos mundos aparentemente distanciados: el jazz moderno y  el highlife tradicional.

Sus líneas de trompeta transmiten la esencia del jazz. El  resto de instrumentación es una magnífica música africana.

El propio líder de la banda también canta en "Mental Slavery". Somuah dice: “Me refiero al legado perdurable de la era colonial: muchos ghaneses siguen siendo mentalmente esclavizados, se consideran inferiores. No se atreven a presentarse con orgullo y a aportar sus habilidades”.

Como suele ocurrir con la música, y la que contiene este disco no es una excepción, no sólo transmite emociones sino que también transmite tradiciones narrativas, cuestiones cotidianas referidas a la familia, el amor,  la amistad incluso la supervivencia.

“Highlife” es un álbum experimental, que entrelaza los hilos musicales de culturas lejanas pero a la vez, tan cercanas, como la occidental y la africana.

En definitiva, un fantástico viaje a través de la música y la cultura Africana en general y de Ghana en particular,  salpicado con sonido del jazz.

La Habitación del Jazz

 

REBOLADA CD: Tales Of The Uprooted

 

Pistas

1.Rebolada Inicial 2.Canción Para Aliviar Dolores 3.Retablo de la Cigüeña 4.Landú 5.Gente Que 6.Are You Sure, Suite: Part 1 7.Are You Sure, Suite: Part 2 8.Are You Sure, Suite: Part 3 9.Entradilla 10.Night Counterpoint 11.Ronda de la Rosca 12.Kaleidoscopic Dance

 

Intérpretes

Irene Sorozábal Moreno - voz

Adrián Moncada Espinosa - piano, coros (12)

Sello discográfico: Habitable Records

Grabado en Wisseloord Studios, Hilversum, Países Bajos el 13 y 14 de octubre de 2023

Fecha de publicación: 13 de septiembre de 2024

 

Rebolada es el nombre artístico de un proyecto liderado por Irene Sorozábal Moreno y Adrián Moncada Espinosa.  

Irene Sorozábal  es una flautista y cantante española afincada en Ámsterdam. Estudió en el Conservatorium van Amsterdam. Obtuvo su licenciatura con Erik Bosgraaf en 2018. Actualmente cursa un máster en canto histórico con Xenia Meijer en la misma institución.

Como intérprete, cantante y compositora, colabora con artistas visuales, creadores teatrales y coreógrafos. Ha compuesto música para obras como “Cow is a cow is a cow” de Abhishek Thapar (SpringUtrecht 2021), “Ordeal of Justice- The Epopee” de Lucretia de Sonia Kazovsky en colaboración con Maya Felixbrodt y Moving Strings (Mondriaan Fonds 2022) y Kerogen Voices de Jimmy Grimma (Debatable Land(s) 2020).

Canta en conjuntos como Capella Amsterdam, Bachkoor Holland, Omroepkoor y Música Temprana. También toca la flauta dulce en el consorcio renacentista The Royal Wind Music.

Entre los proyectos en los que participa, lidera el denominado KURKUMA, que fusiona lenguajes musicales que van desde el jazz contemporáneo hasta el contrapunto renacentista, atrayendo a un público ecléctico, interesado en el jazz contemporáneo, la música clásica, la música antigua y los géneros alternativos. En 2022, lanzó el álbum del mismo nombre, “Kurkuma”, en el sello TRPTK, que contenía sus primeras composiciones para quinteto de jazz.

Otro proyecto es GIESTA, un dúo, basado en los Países Bajos, junto a la vocalista y flautista portuguesa,  Joana Guiné.  Ambas se conocieron durante sus estudios de flauta de pico en el Conservatorio de Ámsterdam. El  dúo  explora la confluencia entre la música medieval y las tradiciones orales del Mediterráneo.

También forma parte del Moving Strings, un colectivo femenino de músicos no jerárquico con sede en Ámsterdam que explora la relación y los límites entre el movimiento, el cuerpo, el sonido y el espacio.

Adrián Moncada (Madrid, España) es un pianista y compositor residente en Ámsterdam. Tomó sus primeras lecciones de violín clásico a los 4 años. Más tarde, a los 8 años, se pasó al piano. Gracias a la influencia de su padre, siempre mantuvo los oídos abiertos a una gran variedad de estilos musicales. A los 14 años comenzó a interesarse por la música jazz por su aspecto improvisado, escuchando grabaciones de Keith Jarrett y Ahmad Jamal.

A los 16 años recibió una educación formal de jazz en la “Escuela de Música Creativa”. Recibió lecciones de los maestros Germán Kucich y Andrés Alén, quienes también lo introdujeron en la música clásica contemporánea.

En este punto, decidió convertirse en músico y seguir su carrera en la música en el extranjero, mudándose a los Países Bajos en 2014, y se graduó Cum Laude del programa de interpretación de jazz en CvA en 2020. Durante su estancia en Países Bajos recibió lecciones y clases magistrales de músicos como Brad Mehldau, Gerald Clayton, Harmen Fraanje, Rob van Bavel, Karel Boehlee y Franz von Chossy.

Es el líder del Adrián Moncada 6tet, con el que lanzó su álbum debut en marzo de 2021 titulado "Inhabitable Imagination" y  Garden Crack, con el que publicó su segundo disco "Lapis Lazuli" con Michael Moore.

Además de sus propios proyectos, es un pianista muy solicitado como acompañante de algunas de las bandas jóvenes emergentes de los Países Bajos, como: Liquid Identities, Noneto Desconcertante, Garden Crack con Michael Moore, Marta Arpini Pocket Orchestra, Chai Masters, K U R K U M A y REBOLADA.

Sorozábal y Moncada se conocieron en los Países Bajos  durante sus estudios en el Conservatorio de Ámsterdam y ambos forman REBOLADA y han publicado su primer álbum juntos, titulado “Tales of the uprooted”.

Se denominaba Rebolada al acto inicial de las fiestas castellanas y consistía en dar la vuelta al pueblo durante las primeras horas de la madrugada, para poner en movimiento al vecindario con la ruidosa alegría lugareña.

Durante la pandemia, empezaron a experimentar con el cancionero segoviano. En seguida sintieron una conexión con esta música, quizá porque ambos son originarios de la Sierra de Madrid.

La idea inicial de este proyecto surge de la colección de música popular, El Cancionero de Castilla la Vieja,  recopilada por Agapito Marazuela (Marazuela (Valverde del Majano, 1891-Segovia, 1983) fue un músico y folclorista español, concertista de guitarra y dulzaina que dedicó gran parte de su vida a la recuperación del folclore musical castellano (canciones populares, tonadas y romances, melodías para tamboril y dulzaina, y bailes populares)). Sorozábal y Moncada parten de esa selección de las más de 300 piezas vocales e instrumentales provenientes de Segovia, complementada con canciones de otras colecciones como El Cancionero Español de Pedrell y el archivo multimedia Literatura y Folklore de los Judíos Sefardíes.

De los doce cortes del disco, seis los firma Moncada y el resto Sorozábal.

De alguna manera, este proyecto pretende despertar el  folclore olvidado al que los intérpretes no han tenido acceso directo. Una reflexión musical sobre sus raíces culturales. Una visión de las influencias culturales tradicionales españolas a través de un prisma contemporáneo. Sonidos y ecos de bailes folclóricos se entrelazan con armonías de jazz y la improvisación libre.

Una apuesta arriesgada que no deja indiferente al oyente.

La Habitación del Jazz

VIVIAN BUCZEK CD: Le Grand Michel

Pistas

1.The Windmills of Your Mind 2.I Will Wait for You 3.The Summer Knows 4.The Way He Makes Me Feel 5.His Eyes, Her Eyes 6.Love Makes the Changes 7.Summer Me, Winter Me 8.What Are You Doing the Rest of Your Life? 9.Where’s the Love? 10.Le Grand Michel 11.You Must Believe in Spring

Intérpretes

Vivian Buczek -voz

Mathias Heise- armónica

Martin Sjöstedt – piano, Rhodes 

Peter Asplund – trompeta, flugelhorn, voz

Jesper Bodilsen- contrabajo

Zoltan Csörsz – batería  

 

Sello discográfico: Prophone Records

Grabado el 10-11 de mayo de 2024 en The Village Recording, Copenague, Dinamarca 

Fecha de publicación: 25 de octubre de 2024

 

 

La vocalista Vivian Buczek nació en Malmoe, Suecia. Sus padres eran músicos de jazz de Polonia y Francia. Estudió en la Academia de Música de Malmoe, donde se graduó en 2003. Comenzó a actuar y grabar durante sus estudios y se ha convertido en una de las cantantes de jazz más importantes de Suecia en la actualidad. Tiene un alcance y un sentido del jazz notables y ha realizado numerosas apariciones con celebridades tanto internacionales como suecas.

Vivian también aparece como uno de los miembros del famoso cuarteto vocal Jazz Vocal Unit, que consta de cuatro de los mejores artistas de jazz suecos: Svante Thuresson, Viktoria Tolstoy, Vivian Buczek y Peter Asplund.

Buczek ha publicado hasta la fecha ocho álbumes en solitario: “ROOTS” (2022) , “A Woman's Voice” (2019), “Ella Lives” (2017), “Songs Of Our Lives” (2016), “Curiosity” (2014), “Live At The Palladium” (2012), “Dedication To My Giants” (2009), “Straight From My Heart” (2006).

“Le Grand Michel” es su noveno álbum como solista y con él rinde homenaje a uno de sus compositores favoritos, el gran compositor, pianista y director de orquesta francés Michel Legrand.

“Michel Legrand siempre ha sido una gran inspiración para mí y siempre he soñado con hacer un proyecto en el que pueda interpretar su música. La música de Legrand en combinación con las hermosas letras escritas por Alan y Marilyn Bergman representan lo que principalmente quiero transmitir a mi público: romance, dinamismo, melancolía, pero también blues y swing” afirma Buczek.

Le acompañan el bajista danés  Jesper Bodilsen y el baterista sueco Zoltan Csörsz que tuvo el honor de tocar con Legrand. El álbum cuenta con invitados especiales como el campeón mundial de armónica cromática danés (2013) Mathias Heise y el trompetista sueco ganador de múltiples premios Peter Asplund. Y por supuesto, el pianista sueco Martin Sjöstedt, su colaborador desde hace más de diez años.

Las versiones de los temas de Legrand que integran este disco son diferentes a los originales, llenas de arreglos originales, firmados por  Sjöstedt.

El enorme repertorio de Legrand está perfectamente representado en este trabajo. Desde el famosísimo “The Windmills Of Your Mind”, pasando por “I Will Wait For You” de la película Los Paraguas de Cherburgo  (The Umbrellas of Cherbourgh), el muy versionado “The Summer Knows” o el inmortal “ What Are You Doing the Rest of Your Life?”, uno de los mejores cortes del álbum.

Asplund aporta un tema propio, “Le Grand Michel” que da título al disco y que posee el espíritu de las composiciones de Legrand.

Buczek aporta su voz y estilo transmisor de emociones junto a unos músicos que aportan ideas originales a unas canciones que en ocasiones suenan algo manidas y sin fuerza, pero que en manos de estos intérpretes cobran nueva fuerza y vida.

Heise y Asplund nos brindan improvisaciones melódicas que realzan el producto final. Lo mismo se puede decir de la extraordinaria sección rítmica.

Un sorprendente y gran disco.

La Habitación del Jazz

 

BRENDA EARLE STOKES CD: Motherhood

 

Pistas

1.The Endless Wait 2.This is Your Childhood 3.Who Am I Now? 4.Where Are the Mothers? 5.Kathleen 6.Loose Tooth Blues 7.Saying Goodbye 8.Sharp Edges 9.The Strength of a Woman 10.Happy Mother's Day

 

Intérpretes

Brenda Earle Stokes – voz, piano

Ingrid Jensen - trompeta

Evan Gregor- contrabajo

Ross Pederson - batería

Melissa Stylianou – coros

Nicole Zuraitis - coros

  

Grabado el  8 y 9 de  octubre de 2023 en Samurai Studios,  Queens, NY.

Coros grabados el 30 de octubre de 2023 en35th Street Studio, Nueva York.

Fecha de publicación: 10 de mayo de 2024

 

Brenda Earle Stokes es una cantante, pianista y educadora originaria de Sarnia, Ontario, Canadá. Comenzó a estudiar piano clásico a la edad de cuatro años. Se interesó por el jazz a los 15 años, después de escuchar a Oscar Peterson por primera vez. Recibió la beca Oscar Peterson para estudiar piano de jazz en la Universidad de York, en Toronto y se benefició de la tutoría de su ídolo. Después de graduarse, pasó unos años tocando en Toronto. Comenzó a desarrollar seriamente sus habilidades de interpretación cuando trabajó en un bar de piano en cruceros por el Caribe.

Ella comenta sobre la experiencia: “Aceptar pedidos seis noches a la semana durante varios años fue una gran experiencia educativa para mí. No solo tuve que aprender cientos de canciones, sino que también tuve que aprender a mantener la atención del público y a conectar con la gente”. Después de ganar suficiente dinero, decidió ir a Nueva York, donde planeaba estudiar y sumergirse en la escena del jazz. Terminó en la Manhattan School of Music, donde obtuvo una maestría en piano y voz de jazz.

Desde entonces ha acompañado a figuras como John Riley, Dick Oatts, Joel Frahm, Roxy Coss, Wycliffe Gordon, Maurice Hines y la DIVA Jazz Orchestra entre otros. Ha realizado residencias en el Kennedy Center y el Banff Center for Fine Arts y fue finalista del Mary Lou Williams Jazz Piano Competition. También ganó el concurso Sister’s in Jazz de la IAJE (Asociación Internacional de Educadores de Jazz) y fue reconocida como una de las mejores artistas de jazz emergentes de su generación.

Stokes también es una reconocida educadora musical y empresaria. Dirige un estudio privado en la ciudad de Nueva York que atiende en persona a estudiantes locales y, como una de las primeras en adoptar la formación en línea, ha enseñado a estudiantes de todo el mundo con su sitio web, The Virtual Musician. También posee un canal  de YouTube, Piano and Voice with Brenda.

La curiosidad musical de Stokes la ha llevado a trabajar profesionalmente como directora coral, vocalista clásica, organista de iglesia, directora musical off-Broadway, profesora de música para niños pequeños y animadora de piano en un bar de cruceros. Estas experiencias musicales aparentemente no relacionadas la han ayudado a desarrollar su versatilidad y fluidez como pianista y vocalista.

Su último álbum publicado hasta la fecha, el sexto de su carrera, se titula “Motherhood”. Es su primer álbum de larga duración de canciones originales. Una colección de 10 canciones sobre la experiencia de la "vida real" de ser madre en el siglo XXI. En él nos habla sobre el miedo, las expectativas, la alegría, la frustración, el trabajo invisible, la amistad, sobre los desafíos que enfrentan las madres modernas, el estrés, la inseguridad financiera, la cultura de las armas y la presión social de la imagen personal.

Stokes comenzó a componer esta música durante los primeros días de la vida de su hijo, anotando palabras en un cuaderno mientras empujaba el cochecito de su hijo por su vecindario de la ciudad de Nueva York.

Ocho años después, Stokes fue invitada a una residencia musical en el Banff Centre for Arts and Creativity en Alberta, Canadá, donde completó la mayor parte de las canciones para este proyecto. Docenas de notas de voz guardadas en su teléfono móvil, diarios llenos de ideas y observaciones sobre letras, le sirvieron de base para componer 8 canciones en solo 9 días.

Actualmente Stokes vive y trabaja en la ciudad de Nueva York y para este álbum contó con algunos de los músicos más destacados de la ciudad, entre ellos el bajista Evan  Gregor (Gary Burton, Dave Liebman, Phil Woods, Bob Dorough, John Fedchock), el baterista Ross Pederson  (Snarky Puppy, Patti Austin, The Manhattan Transfer) y la trompetista Ingrid Jensen. También las vocalistas Melissa Stylianou y la ganadora del Grammy Nicole Zuratis en los coros.

El disco abre con “The Endless Wait”, que reflexiona sobre la identidad del niño que lleva dentro, su conexión  con sus antepasados ​​conocidos y desconocidos.

Stokes descubrió que su hijo no podía recordar la mayor parte de su primera infancia y en “This is Your Childhood”, canta sobre que tal vez su infancia realmente les pertenece a ambos.

En “Who Am I Now?”, Stokes examina cómo cambia la identidad de una persona cuando un niño llega a su vida y se pregunta si está preparada para el desafío de la maternidad.

Stokes plantea el teórico cambio de imagen al ser madre en  “Where Are the Mothers?”. En general se guardan cientos de fotos de los hijos, pero casi ninguna de las madres. ¿Es la vergüenza que rodea el cuerpo cambiante de una madre la que lleva a esconder su cuerpo de las fotografías?

En la bonita canción “Kathleen”,  Stokes habla con una madre joven ficticia sobre todos los desafíos y responsabilidades de un nuevo papel como mujer.

Una madre ve el mundo a través de los ojos de su hijo en “Loose Tooth Blues”, con un fantástico sonido stride. 

“Saying Goodbye” trata sobre la sensación agridulce de ver a tu hijo crecer ante tus ojos demasiado rápido y saber que un día, inevitablemente, se irá.

Stokes en “Sharp Edges” habla, con algo de conversación-canto,  sobre los peligros y la toxicidad de las redes sociales  y enfermedades que los niños se pueden encontrar en el mundo moderno. Detrás, el grupo le acompaña de forma impecable, resultando este uno de los cortes más jazzísticos del álbum.

El góspel está presente en el emotivo  “The Strength of a Woman”, en el que Stokes pone en valor el coraje y la perseverancia de las mujeres comunes y corrientes y les desea un feliz Día de la Madre en “Happy Mother’s Day”, tema animado con el que cierra el disco.

“Motherhood” tiene jazz, góspel y pop-elegante. Stokes nos envuelve con su voz expresiva que va como anillo al dedo en estas canciones que cuentan historias conmovedoras y esperanzadoras;  alegres, agridulces y, a veces, desalentadoras. Los músicos que le acompañan son profesionales de calidad y así lo demuestran en cada corte del álbum. 

Un álbum recomendado a las madres y padres, presentes y futuros, y a los amantes de la música relajada y bien construida.

 

La Habitación del Jazz

JOEL LYSSARIDES & GEORGIOS PROKOPIOU CD: Arcs & Rivers

 

Pistas

1.Arcs 2.Anamnesis 3.A Night in Piraeus 4.Echoes 5.Rivers 6.Lyssarides Lament 7.Kamilieriko Road 8.Orange Moon 9.From East to West 10.Zafeirious Solo

 

Intérpretes

Joel Lyssarides – piano

Georgios Prokopiou – bouzouki

 

Sello discográfico: ACT Records

Grabado en la ACT Gallery en Berlín, Alemania el 29 y 30 de abril de 2024.

Fecha de publicación: 27 de septiembre de 2024

 

El pianista sueco Joel Lyssarides se graduó en el Royal College of Music de Estocolmo. Ha trabajado con una amplia gama de artistas, entre ellos Anne Sofie von Otter, Benny Andersson, Nils Landgren y Viktoria Tolstoy. Recientemente, participó en el homenaje a E.S.T. 30, que celebra la música de Esbjörn Svensson. Desde su lanzamiento en 2022, el álbum debut de Lyssarides “Stay Now”, ha tenido en Spotify 25 millones de reproducciones. Actúa en clubes de jazz, festivales y giras con artistas de jazz, música clásica, blues y pop. Pero a  pesar de su versatilidad, el jazz sigue siendo el núcleo del trabajo de Joel Lyssarides. En su infancia, se escuchaban discos de Miles Davis, Charlie Parker, Thelonious Monk y muchos otros, que desempeñaron un papel fundamental y sirvieron como inspiración inicial. Entre sus influencias posteriores se encuentran artistas como Chick Corea, Keith Jarrett y Gonzalo Rubalcaba. Ha recibido numerosos premios y reconocimientos nacionales e internacionales de jazz.

Georgios Prokopiou, originario de Atenas y ahora afincado en Estocolmo, empezó a tocar el bouzouki con tan solo seis años y medio. Hizo su debut en concierto a los ocho años y a los diez ya actuaba en los bares de Atenas. Trabaja tanto en contextos clásicos como en música folclórica y experimental. Además del bouzouki, también toca el saz o bağlama, además de otros instrumentos de cuerda.

Ambos han publicado "Arcs & Rivers". Lo grabaron tras un concierto de ensayo en la ACT Art Collection en Berlín, en  el mismo lugar. Todo el álbum se grabó en una sesión, en cuatro horas, principalmente con primeras tomas. También se incluyó una canción grabada en vivo en el concierto ensayo, titulada "Zafeirious Solo".

La combinación de piano y bouzouki no es precisamente algo usual en un disco de jazz.

El bouzouki es un laúd de mástil largo, cuerpo redondeado, tapa plana y diapasón con trastes. Sus cuerdas de acero, tocadas con púa, producen un sonido metálico y agudo similar al de una mandolina, pero con un tono más bajo. No se ha determinado el momento exacto en que el bouzouki llegó a Grecia. Sus orígenes se remontan al siglo IV antes de Cristo.

Al principio se utilizaba en bares, fiestas y festivales, y su uso ha contribuido al resurgimiento a partir de los años 60, del rebético, al que a menudo se denomina “el blues griego”. El instrumento se ha convertido en un símbolo de la música folclórica griega, especialmente a través de las obras del compositor Mikis Theodorakis.

Hasta ahora, el bouzouki nunca había sido protagonista  como instrumento de jazz. Sin embargo, esto ha cambiado con este trabajo.

La gestación de esta colaboración viene de lejos. Lyssarides tiene cierta vinculación con la música griega. "Los vínculos y las conexiones no son evidentes", dice  Lyssarides, "pero provienen de mi abuelo, un grecochipriota que llegó a Suecia en los años 40. Siempre me gustó la música griega, pero no la conocía muy bien. En cualquier caso, siempre me ha fascinado el buzuki. Durante la pandemia me compré un instrumento y empecé a aprenderlo un poco. Navegando por Internet descubrí a Georgios en un concierto en la televisión en homenaje a Theodorakis”.

Lyssarides fue a escuchar a Prokopiou tocar en directo, habló con él después y quedaron en una sesión. Tocaron juntos, rápidamente se dieron cuenta de que se llevaban bien y en verano de 2023 consiguieron una cita para dar su primer concierto juntos.

El disco comienza con la elegante y romántica "Arcs", donde Lyssarides y Prokopiou intercambian el protagonismo sin estridencias. Le sigue otro tema romántico de Prokopiou titulado “Anamnesis”. "A Night In Piraeus" es más intensa, y es una referencia a “A Night In Tunisia” de Dizzy Gillespie. Lyssarides vive en una casa en el bosque, a media hora de Estocolmo. Prefiere componer de noche, en silencio, sin distracciones. Esto se refleja en muchas de sus composiciones como esta introspectiva canción titulada “Echoes” o en la titulada “Lyssarides Lament”, un tema corto, donde hay matices flamencos. El bonito “Rivers” suena más clásico.

“Kamilieriko Road” suena a tradición, a danza y divertimento que, no obstante, encierra algo trágico.

De nuevo la delicadeza más absoluta de apropia de ambos músicos en “Orange Moon”. “From East to West” también suena a folclore tradicional, a sirtaki. El disco cierra con “Zafeirious Solo” de Stelios Zafeiriou. Es la única pista en vivo del álbum, grabada durante un concierto de ensayo en la ACT Art Collection en Berlín. Se puede decir que es la pieza con más connotaciones del folclore griego del álbum.

El dúo es cautivador y su integración se produce de forma natural, nada forzada, es como si estos dos instrumentos hubieran estado tocando juntos hace décadas.

Un más que interesante disco.

La Habitación del Jazz