AL SWAINGER'S POINTLESS BEAUTY CD: Impure Imagination

 

Pistas

1.This Paper House 2.The Wheel 3.Seedling 4.Pacing the Web 5.We're Only Haunted 6.Out of Time 7.What the Fire Forgot 8.I Wish (Upon a Disused Star) 9.Who // Are // We 10.Fractured Grace 11.On Borrowed Dreams 

Intérpretes

Al Swainger - bajo (2-11), sintetizadores (2-4, 8, 9, 11), guitarra (9), piano (9)

Jon Clark - batería (2-9, 11)

George Cooper - piano (1, 2, 5-9, 11), Rhodes (2-4, 8, 11)

Mike Outram – guitarra eléctrica (2-5, 7-9, 11)

Gary Alesbrook - flugelhorn (2, 3, 5-9, 11), trompeta con sordina (4)

Sello discográfico: Other Compass Records 

Grabado en Other Compass Studios, junio/2021 - marzo/ 2026. Grabado en Yellow Shark Studios, Cheltenham, 14-16 de octubre de 2025.

Publicado el 18 de septiembre de 2026

El músico Al Swainger, basado en Bristol,  comenzó a tocar la corneta y el piano a los seis años; también probó con la trompeta y la trompa tenor antes de decantarse finalmente por la trompa francesa, a los once años. Durante su adolescencia tocó en una gran variedad de agrupaciones y estilos —clásico, jazz, pop y rock—, a menudo cuatro o cinco días a la semana mientras cursaba sus estudios. En esa época se centraba principalmente en la trompa francesa, aunque también tocaba el piano y aprendió de forma autodidacta a tocar el bajo y la guitarra eléctrica. Asimismo, desarrolló un gran interés por la informática aplicada a la música, componiendo y realizando numerosos arreglos mediante software de secuenciación y equipos de grabación caseros.

Durante sus estudios universitarios, ocupó el puesto de pianista en la big band de la universidad, al tiempo que continuaba tocando la trompa en orquestas.

Obtuvo la licenciatura en Música (BA Hons) en el Colchester Institute en 1993 y, posteriormente, el certificado de enseñanza (PGCE) en Música para Secundaria en Bretton Hall en 1994.

 Tras finalizar su formación académica, comenzó a trabajar a tiempo parcial como profesor de instrumentos para Devon Youth Music. Paralelamente, empezó a forjarse una reputación como bajista eléctrico, director musical y arreglista en bandas locales de soul y big bands; pasó varios años con la banda de improvisación de world music Rifiki y tuvo una breve etapa con el grupo de heavy rock Aesculus Hipp. En 2004 empezó a dedicarse a la música a tiempo completo como profesional independiente y ampliar sus habilidades aprendiendo a tocar el contrabajo.

Desde entonces, ha dirigido una jam session de jazz en el Globe de Exeter durante tres años, un taller de improvisación y composición llamado "The Other Compass", la jam session E.S.P. en Bristol y, desde 2011, el exitoso Blue Vanguard Jazz Club junto a Coach York y Craig Milverton. Realizó giras con sus propias bandas, The Art Trip entre 2012 y 2013, y Biophosmos entre 2018 y 2019. Como educador, ha impartido clases durante muchos años en Exeter College, la Academy of Music & Sound y la South West Music School.

La reputación de Swainger como músico de acompañamiento y bajista contratado es excelente. Es muy conocido por su capacidad para adaptarse con facilidad a cualquier contexto y sonar como si llevara toda la vida haciéndolo, incluso con muy poca antelación.

Lleva más de veinticinco años enseñando y he pasado muchos años componiendo y realizando arreglos de forma profesional para agrupaciones de diversos tamaños.

Sus especialidades instrumentales son el bajo eléctrico, el contrabajo, el piano y la trompa, aunque enseña formación musical a instrumentistas de cualquier especialidad.

Para la enseñanza específica de composición y arreglos, cuenta con amplia experiencia utilizando tanto métodos tradicionales (papel y lápiz) como software especializado: Sibelius, Cubase y Ableton.

Swainger ha colaborado con infinidad de músicos.

Pointless Beauty, es un proyecto activo desde 2013 bajo su propio sello Other Compass Records. “Impure Imagination” es su tercer disco con banda completa, tras After & Before (2017) y Hearts Full of Grace (2022).

Nueve de los once temas se grabaron en tres días en los estudios Yellow Shark de Cheltenham el pasado mes de octubre, llegando el quinteto sin ensayos previos; algunas de las las capas añadidas por el propio Swainger, grabadas en casa, se remontan a junio de 2021.

Muchas de estas composiciones comenzaron como piezas breves, como demostraciones electrónicas, bocetos que podrían haber permanecido como experimentos privados, pero que, sin embargo, se convirtieron en obras más extensas que en manos del quinteto adquirieron otra dimensión.

El primer corte del disco es una bonita pieza titulada “This Paper House” compuesta por Cooper e interpretada por él al piano. Una pieza que no es indicativa de lo que vendrá después. 

El siguiente corte, “The Wheel” muestra más al detalle lo que esconde este trabajo. Una atmósfera más misteriosa. Swainger ejecuta una interesante entrada con el bajo eléctrico, dando paso a un tema de jazz-funk.

”Seedling” la ha descrito Swainger como una conversación entre cuatro personas que deriva en discusión. Sonido funky con electrónica envolvente. 

Como el resto de temas, “Pacing the Web”, está compuesta por Swainger, pero en esta ocasión junto a  Jon Clark. Aquí se superpone una trompeta con sordina a capas de sintetizador y frases de bajo. El tema expone la realidad tecnológica en la que vivimos, redes sociales, Internet. En el fondo, un tema divertido.

En “We’re Only Haunted” el piano, la guitarra y el fliscorno se unen en estrecha armonía en este tema intimista.

“Out of Time”, compuesta tras escuchar las campanas de las iglesias de Valencia (España), dedica su primera mitad a un motivo pausado para gradualmente ir creciendo en ideas más coloristas en grupo.

En “What the Fire Forgot” es una pieza que muestra diversas caras durante su desarrollo, sin perder el carácter introspectivo. La guitarra eléctrica protagonista.

En “I Wish (Upon a Disused Star)” Swainger, pone textos escritos por él, en boca de de una voz femenina generada por ElevenLabs. Un curioso, agradable e interesante resultado rítmico que suena pretérito, pero no tanto.

“Who // Are // We” transmite esa misma estética, que encaja un poco forzada con el resto del álbum. 

El breve “Fractured Grace” vuelve al estilo misterioso del segundo tema, donde se superponen capas adicionales procesadas, con el bajo como único instrumento.

“On Borrowed Dreams” cierra el álbum. De nuevo texto de Swainger en boca de una voz femenina artificial como en “I Wish (Upon a Disused Star)”. La fusión electrónica se muestra con estilo Miles Davis y otros referentes. 

El aparente caos que preside las vidas, el dolor, la pérdida la inestabilidad, pero también la alegría y la esperanza,  son principios que dominan nuestra existencia. La música de Pointless Beauty, con Al Swainger al frente, lo expresa sin distorsiones.

La Habitación del Jazz

VISIONS OF NAR CD: Awakening

 

Pistas

1.Cri de Coeur 2.The Little Things 3.Gorgeous Nothings 4.Sweet Sorrow 5.Let's Play in the Fields 6.Eat Chaos 7.Blessings 8.Don't Wait to be Introduced 9.In Times Like These 10.Awakening

Intérpretes

Zela Margossian - piano

Jeremy Rose – saxo tenor, saxo soprano, clarinete bajo, electrónicos

Bobby Singh - tabla

Hilary Geddes - guitarra

Sello discográfico: Earshift Music

Grabado en ACO Studios, Pier 2-3, Sydney (Australia), el 23-24 de agosato de 2025

Publicado el 18 de septiembre de 2026

Saxofonista, compositor, director de orquesta, educador y director de sello discográfico, Jeremy Rose es una de las voces más destacadas de la escena de la música improvisada y del jazz contemporáneo, en Australia. Nacido y residente en Sídney, en territorio Gadigal, Rose ha desarrollado una obra diversa que abarca conjuntos de jazz, colaboraciones interculturales, composiciones orquestales a gran escala, encargos de música clásica contemporánea e iniciativas culturales lideradas por artistas. Tanto a través de su música como de su labor como curador y director de sello discográfico, se ha convertido en una figura clave en la configuración del panorama musical experimental en Australia.

La familiaridad de Rose con la música comenzó a temprana edad gracias a la colección de discos de sus padres, de jazz, pop, blues y música del mundo y en particular tuvo acceso a la obra de Miles Davis, John Coltrane y Cannonball Adderley. Comenzó a estudiar piano a los seis años y clarinete a los ocho, antes de dedicarse al saxofón a los once. Ya de joven, Rose se sintió atraído por la composición y el liderazgo, formando su primera banda en la escuela primaria y escribiendo partes y solos para los demás integrantes.

En la escuela, pronto se dio cuenta de que quería no solo tocar, sino también liderar proyectos musicales. Insatisfecho con el repertorio de la banda de conciertos de su escuela, comenzó a improvisar libremente, lo que finalmente provocó su expulsión del grupo. Lejos de desanimarse, la experiencia lo impulsó a formar su propio grupo, donde interpretaba música de Miles Davis y componía solos para compañeros que se sentían menos cómodos improvisando.

Rose estudió interpretación de jazz en el Conservatorio de Música de Sídney, donde tuvo como mentores a Dale Barlow, Phil Slater, Judy Bailey y Mike Nock. En 2006, pasó seis meses de intercambio en Oslo, Noruega, estudiando composición con Geir Lysne y sumergiéndose en la escena del jazz escandinavo, una experiencia que amplió su perspectiva musical y lo impulsó a explorar nuevos enfoques formales y de colaboración.

En 2007, Rose se licenció con honores en Música (Interpretación de Jazz), y en 2017 obtuvo su doctorado en Composición en el Conservatorio de Música de Sídney.

A lo largo de su carrera, Rose ha recibido numerosos galardones. En 2008, recibió una beca BBM para estudiar en Londres con el saxofonista Tim Garland y asistir a la Escuela de Improvisación de Brooklyn, Nueva York, donde estudió con Tony Malaby y Tim Berne. Posteriormente, participó en el Taller Internacional de Jazz y Música Creativa de Banff en Canadá en 2009 y 2011, donde conoció a sus futuros mentores Dave Douglas y Ben Wendel. En 2012, recibió una beca del Ian Potter Cultural Trust para realizar una residencia en Agios Lavrentios, Grecia, dirigida por el saxofonista Hayden Chisholm, y continuó sus estudios y colaboraciones en La Habana, Bali y la República Dominicana. 

Éstas, y otras  experiencias internacionales han sido fundamentales para la formación de la visión musical de Rose, reforzando su compromiso con la colaboración intercultural y fomentando un enfoque de la composición que transita con fluidez entre la improvisación, la forma estructurada y el diálogo musical intercultural.

En 2009, Rose fundó Earshift Music, un sello discográfico independiente con sede en Sídney, dedicado al jazz experimental y la música improvisada. Lo que comenzó como una plataforma para lanzar sus propios proyectos se convirtió rápidamente en una de las más importantes del jazz contemporáneo en Australia. El sello surgió casi por casualidad. Mientras buscaba un sello para su álbum de cuarteto, Chiba, grabado en Oslo, Rose contactó al baterista Simon Barker para publicarlo en su sello Kimnara. Barker, en cambio, le sugirió a Rose que creara su propio sello. Al mismo tiempo, Rose tenía listos otros dos álbumes: los álbumes debut de The Strides y The Vampires, que juntos se convirtieron en el catalizador para el lanzamiento de Earshift Music.

Desde entonces, el sello ha crecido de forma constante, publicando alrededor de cien álbumes y desarrollando una amplia red de artistas vinculados a la escena del jazz contemporáneo australiano.

Los primeros lanzamientos presentaban los proyectos del propio Rose, pero a partir de 2018, el sello comenzó a publicar un número creciente de álbumes de otros artistas, como Phil Slater, Sam Anning, Helen Svoboda, Hilary Geddes, Chloe Kim, Johannes Luebbers, James Macaulay, Kristin Berardi, Niran Dasika, Cheryl Durongpisitkul, Tessie Overmyer, James Bowers y muchos más.

Rose describe su rol como el de curador y facilitador. Trabaja con los artistas para dar forma a las campañas de lanzamiento, desarrollar la narrativa y la identidad visual, coordinar el diseño gráfico y el material promocional, y conectar los proyectos con redes de distribución internacionales. Earshift también organiza presentaciones y conciertos. El sello ha contribuido a crear oportunidades para que los artistas australianos presenten y publiquen su música a nivel mundial.

Además de su carrera como intérprete, Rose es profesor de Industria Musical en el Conservatorio de Música de Sídney, Universidad de Sídney, donde imparte cursos sobre desarrollo artístico, emprendimiento creativo y práctica colaborativa.

El proyecto Visions of Nar, es un conjunto intercultural codirigido por la pianista armenio-libanesa Zela Margossian y Rose, que fusiona las tradiciones folclóricas armenias con la improvisación jazzística y la composición contemporánea. El grupo crea música de gran riqueza textural que transita entre la intimidad lírica, la intrincada interacción rítmica y la improvisación expansiva. Inspirándose en la mitología armenia, en particular en la diosa Nar, asociada con el agua, el mar y la renovación, el proyecto entrelaza melodías folclóricas, improvisación modal y el lenguaje del jazz contemporáneo en una narrativa musical vívida y de gran resonancia emocional. Visions of Nar se consolidó rápidamente como una voz distintiva en el panorama musical intercultural australiano.  Lanzó su álbum debut “Daughter of the Seas” con ABC Jazz/Earshift Music.

Visions of Nar regresa con “Awakening” , una obra de mayor alcance y profundidad, que prioriza la atmósfera y las emociones por encima del virtuosismo.

Visions of Nar reúne algunas de las voces más singulares del jazz australiano. Zela Margossian, pianista y compositora armenio-libanesa, es reconocida por su emotiva narrativa y su virtuosa fusión de música folclórica armenia y jazz contemporáneo

Bobby Singh, uno de los maestros de tabla más distinguidos del mundo, aporta una vitalidad rítmica perfeccionada bajo la tutela de Aneesh Pradhan,

Hilary Geddes, conocida por su trabajo con la banda punk australiana The Buoys, añade crudeza y sonoridades etéreas a través de sus sutiles texturas de guitarra.

El disco fue grabado en directo, con una excelente calidad.”Grabar en los estudios ACO fue una experiencia trascendental”, recuerda Margossian, y añade: “El espacio en sí inspiró nuestras interpretaciones; cada nota parecía vibrar en el aire”.

“Queríamos crear algo atemporal”, añade Rose, “música que reconozca nuestra herencia pero que hable el lenguaje del presente”. El resultado es una fascinante fusión de folclore armenio, jazz, sonidos contemporáneos y mucho más, que lo sitúa completamente fuera de los esquemas convencionales.

El piano Steinway & Sons modelo D, se convierte, junto a los saxos y clarinete bajo,  en el centro emocional del álbum que abre con la etérea ”Cri de Coeur”. Composición de Rose, desarrolla una reflexión sobre los recientes conflictos en Oriente Medio. Una preciosa pieza con Rose y Margossian dialogando, sin interferirse lo más mínimo. Geddes proporcionando la base rítmica y Singh como hilo conductor. Puro sentimiento. 

”The Little Things” de Margossian, nos habla de las pequeñas cosas que nos rodean en la vida, esenciales para nuestra felicidad y que en demasiadas ocasiones nos pasan desapercibidas. El piano percusivo de fondo, y el sonido suave de Rose marcan las líneas maestras de este tema.

Rose firma ”Gorgeous Nothings”. El título proviene de «The Gorgeous Nothings», una colección facsímil de los últimos escritos fragmentarios de Emily Dickinson: poemas garabateados en sobres y trozos de papel. La pieza se inspira en la filosofía de los escritos, gestos fugaces, pensamientos parciales, silenciosas explosiones de sentimiento. La música es sencilla y repetitiva, dando espacio para que la improvisación se desarrolle. Otra canción extraordinaria.

Cuando leí el título del cuarto corte, ”Sweet Sorrow” pensé que se trataba de la maravillosa composición de Joshua Redman del mismo título incluida en su álbum “Moodswing” (1994). Nada que ver. Esta es una composición de Margossian, que trata sobre la tristeza persistente que se vuelve dulce con el paso del tiempo. Una pieza emotiva en la que los cuatro músicos se fusionan en una sola alma. Otra canción para meditar sobre tantas y tantas cosas...

“Let’s Play in the Fields” es una bonita canción folclórica escrita por Margossian, que describe la curiosidad de un niño explorando la naturaleza en el campo. Pieza llena de vida y en constante movimiento.

Le sigue “Eat Chaos”, compuesta por Rose, que hace una fantástica interpretación con el siempre enigmático y sombrío clarinete bajo. El título se inspira en «Let Them Eat Chaos» de Kae Tempest, una reflexión sobre la silenciosa turbulencia de la vida contemporánea. Y eso es precisamente lo que refleja este tema, una inestabilidad y tensión constante. Una inquietante atmósfera se apodera del estudio. Otro acierto instrumental.

Margossian firma la canción titulada “Blessings”, una pieza breve, que sirve como de puente reflexivo antes de presentarnos “Don’t Wait to be Introduced”, otra composición de Rose. El título se inspira en Ornette Coleman: una invitación a reclamar espacio sin permiso. La tabla de Singh impulsa la canción, mientras el piano y el saxo vuelan sin ataduras, entrelazándose, cruzándose por las alturas. Una pieza hipnótica, con reminiscencias coltrenianas. 

Margossian hace referencia a los conflictos que durante estos últimos años azotan nuestro planeta en la canción “In Times Like These”, reflexiones sobre la fragilidad de la vida y cómo la existencia puede ser destrozada por la fuerza de las bombas provocadas por la codicia humana. Una canción lenta, parsimoniosa, donde el clarinete bajo vuelve a ser protagonista, fiel reflejo de  de la gravedad de la situación. El pesimismo es evidente.

El disco cierra con la composición de Rose,  que da titulo al disco, “Awaking”, una canción minimalista que invita a la reflexión y a no dejarse llevar por lo que se nos impone.

“Awakening” es un álbum hipnótico, un viaje musical cautivador. Escúchelo varias veces y descubrirá nuevos detalles con cada escucha. 

Una lanzamiento a tener en cuanta.

La Habitación del Jazz

KIRSTEN SYM UNDECTET CD: Somehow It Will Be

Pistas

1.Jakoś to będzie 2.One For Jim 3.Leaving 4.Giant Black Butterflies 5.Memoir 6.Nothing Twice 7.Broken Hill

Intérpretes

Kirsten Symczycz – acordeón 

Holly Forster – saxo alto, saxo soprano

Finn Owen – saxo tenor

Naoko Uemoto – saxo barítono 

Jessica Carlton – trompeta

Tahlia Denn - trompa

Steven Bickley – trombón 

Rob Coleman – trombón bajo

Xavier Douglas-Smith - piano

Aiden Moroney - guitarra

Cass Evans-Ocharern – bajo 

Ben Stacy – batería 

Sarah Ramsey – voz (2)

Matthew Barker – tuba (4)

  

Grabado en Loop Studios, West Perth (Australia) el 21, 22 y 23 de noviembre de 2024.

Publicado el 28 de agosto de 2026

La acordeonista y compositora australiana, Kirsten Symczycz, afincada en Perth (Australia), acaba de presentar su debut discográfico titulado “Somehow It Will Be”.

Symczycz ha actuado con conjuntos como Artemis Orchestra y Salama, y ​​ha participado activamente en la escena de música de improvisación libre de Perth desde 2015.

El interés de Symczycz por componer para un conjunto de once músicos surgió durante sus estudios en la Academia de Artes Escénicas de Australia Occidental (WAAPA), donde conoció los arreglos de Marty Paich en “Art Pepper + Eleven”. Lo que comenzó como un proyecto universitario evolucionó gradualmente hasta convertirse en el Kirsten Sym Undectet, cuya música se ha forjado a partir de los paisajes, las comunidades y las experiencias de vida en Perth, Australia Occidental.

La narración de historias es fundamental en la obra de Symczycz. El álbum refleja su conexión con el lugar, inspirándose en los paisajes de las colinas de Darlington, en Australia Occidental. Muchas de sus composiciones nacieron de un momento, un sentimiento, un recuerdo o experiencia personal.

Los músicos que le acompañan residen en Perth, y muchas partes fueron escritas pensando específicamente en ellos, lo que permite al proyecto equilibrar los arreglos para orquesta con improvisaciones individuales. 

“Jakoś to będzie” abre el disco. Una composición optimista donde los vientos aportan texturas aterciopeladas, ricas en matices, mientras que la sección rítmica mantiene la fluidez. Moroney aporta un sutil solo de guitarra.

“One For Jim” destaca por la cálida voz de Sarah Ramsey que añade nuevos colores a la paleta sonora del álbum. 

El corte titulado “Leaving” mantiene el tono sosegado y elegante de sus predecesores aportando, si cabe, un punto más de emoción gracias a los solos de Carlton y Forster. 

“Giant Black Butterflies” es la pieza de mayor duración, más de trece minutos, donde los contrastes definen su esencia. Cuenta con la participación de Matthew Barker a la tuba.  

“Memoir” pone tranquilidad y melancólica elegancia al álbum. Carlton y el resto de metales elevan la interpretación con sutiles intercambios melódicos. 

La inquietante “Nothing Twice” comienza con un bonito dúo de piano y  acordeón que marca la estructura del tema hasta el final del mismo.

El disco cierra con “Broken Hill”, una pieza introspectiva, meditativa, donde el jazz está muy presente.

Symczycz se inspira en un jazz contemporáneo para orquesta pero, al mismo tiempo, dando espacio a las individualidades.

La narración es fundamental en sus composiciones. Muchas piezas se originan a partir de un momento específico, un lugar o una experiencia personal.

Un interesante trabajo.

La Habitación del Jazz

TERENCE COLLIE CD: DNA

 

Pistas

1.Montrose to Mahé 2.Good Genes 3.Silhouette 4.Tall Palm Trees 5.Beau Vallon 6.Harbour View 7.La Digue 8.Bird Island

Intérpretes

Terence Collie - piano

Nick Lenner-Webster – contrabajo 

Ted Carrasco – batería 

Cosimo Keita Cadore - percusión

Ruth Elder – violín 

Clare Kennington - viola

Jocasta Mudge – chelo 

Sello discográfico: Adhyâropa Records   

Grabado en Real World Studios, Reino Unido 

Publicado el 21 de agosto de 2026

Nacido en Croydon (Londres) y criado en Cambridgeshire (Cambridge) el galardonado pianista y compositor Terence Collie ha forjado una voz propia en la escena del jazz contemporáneo británico. A Collie,  con tan solo 12 años, sus padres le regalaron un teclado, lo que despertó su pasión y perfeccionando sus habilidades como teclista autodidacta antes de adentrarse en el jazz durante sus años de formación en la isla de Jersey.

Collie se unió a su primera banda profesional en Jersey con tan solo 17 años. Entre 1988 y 1995, actuó extensamente en hoteles, pubs y clubes nocturnos de la isla, desarrollando una profunda pasión por el jazz en el Blue Note Jazz Bar de Jersey. Durante este periodo formativo, estudió piano jazz junto con clases particulares de música clásica y tuvo la oportunidad de hacer de telonero de Teddy Edwards, Average White Band, Georgie Fame, Andy Sheppard, Jason Rebello y Digby Fairweather.

A finales de la década de 1990, de regreso a Cambridge, obtuvo una residencia de seis noches semanales en PizzaExpress en Cambridge, donde actuaba en solitario y en dúo. Su intensa agenda le permitió construir un vasto repertorio de jazz y perfeccionar la fluidez en la improvisación y el toque lírico que se convertirían en sellos distintivos de su interpretación.

A principios de la década de los 2000, se graduó en música en la Open University. 

En 2011, Collie formó el grupo de jazz-fusión Prison Break, grabando dos álbumes de música original y adquiriendo una valiosa experiencia en grabación y producción propias. Dos años después, cofundó Mood Indigo Events, organizando aclamados conciertos de jazz y cinco ediciones del Festival de Jazz TW12, además de actuar regularmente junto a destacados músicos de jazz del Reino Unido.

Desde entonces, Collie se ha presentado en muchos de los principales locales y festivales de jazz del Reino Unido. Además de su producción discográfica, Collie se ha ganado un creciente reconocimiento por combinar su música con ambiciosas narrativas visuales y proyectos creativos de producción independiente. Su creciente canal de YouTube presenta videos cinematográficos y narrativas visuales que amplían los temas y la narrativa presentes en su música. 

Como músico acompañante, ha compartido escenarios con figuras como  Zoë Gilby, Greg Abate, Tony Woods, Kyle Eastwood y Jo Harrop, cautivando al público de los principales clubes y festivales de jazz del Reino Unido.

En 2025, recibió el premio MOBO Amplified, un reconocimiento que contribuyó a dar forma y desarrollar su último proyecto, “DNA”, el octavo álbum como líder de Collie y el primero en un  sello discográfico (Adhyâropa Records), los anteriores fueron autoproducidos, grabado en los legendarios Real World Studios fundados por Peter Gabriel.

La historia familiar de Collie se remonta a las Seychelles. Sin embargo, su investigación reveló una genealogía mucho más compleja, con linajes migratorios que abarcan 26 regiones de diferentes continentes. 

“DNA” está inspirado en su propia herencia familiar, explorando temas como la ascendencia, la migración, la identidad y la pertenencia. Cuenta con la participación de un conjunto internacional que incluye a Nick Lenner-Webster y Ted Carrasco (el núcleo de su trío durante los últimos tres álbumes) y Cosimo Keita Cadore, junto con el London String Group Trio, formado por tres excelentes intérpretes y amigas (Ruth Elder, Clare Kennington, Jocasta Mudge).

El primer tema, “Montrose to Mahé” está inspirada en su tatarabuelo James Moses Collie (1807-1872), quien viajó de Escocia a las Seychelles para enseñar, casarse y establecerse. La canción empieza evocando las tradiciones folclóricas escocesas. Posteriormente un ritmo africano es el protagonista, alternándose los diálogos entre piano y las cuerdas. Un interesante tema donde el swing está muy presente.

El segundo tema, “Good Genes”, es una melodía alegre y optimista que fusiona jazz con ritmos latinos ricamente orquestados con las cuerdas. Cosimo Keita Cadore impulsa con su percusión la música siendo pues una pieza findamental en el grupo. La música como reflejo de la diversidad cultural.

“Silhouette” toma su nombre de la misteriosa isla de Silhouette, parte del archipiélago de las Seychelles y visible desde la playa de Beau Vallon en Mahé. La canción captura su encanto como su oscura leyenda: la historia de un nadador que llegó a la isla, celebró su hazaña y desapareció trágicamente a su regreso. Una pieza melancólica e introspectiva, donde Lenner-Webster se marca un bonito solo al contrabajo. 

“Tall Palm Trees” está inspirada en Coco de Mer, una palmera prehistórica que solo se encuentra en las Seychelles, en la isla de Praslin, en el Valle de Mai, Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO. Produce la nuez más grande del mundo. El árbol es una especie protegida y en peligro de extinción. Un tema pegadizo, contagioso que invita a bailar. Blues, jazz, ritmos latinos  se ensamblan bajo la atenta mirada de Lenner-Webster, Collie y Keita Cadore.  

El vals lento “Beau Vallon” está inspirada en la idílica zona costera de Mahé, donde su abuelo materno construyó su casa. Collie se sirve de las cuerdas, y de su piano, para describirnos, con nostalgia,  las vacaciones de la infancia rodeado de la familia, mar, sol y comidas peculiares. La orquestación de cuerdas de Collie brilla con mayor intensidad en esta canción. “Estoy muy agradecido a Ruth, Clare y Jocasta; la forma en que dan vida a la música es impresionante. Quería que las cuerdas acompañaran la melodía junto al piano, y estoy increíblemente orgulloso del resultado” afirma Collie.

“Harbour View” toma el nombre de la casa de huéspedes de sus abuelos paternos, donde se sucedían las reuniones sociales, muestra de la hospitalidad criolla. Una combinación de ritmo tradicional de Sega (una danza criolla) con una estructura de blues, dan como resultado una vibrante fusión de blues, jazz y ritmo criollo. De nuevo un punto de encuentro musical y cultural.

“La Digue” nombrada en honor a la cuarta isla más grande de las Seychelles, es otro vals donde el chelo y violín dialogan evocadores de la serena belleza de la isla. El contrabajo nos brinda un inspirado solo, dando paso a una no menos inspirada improvisación de Collie.

El tema de cierre es “Bird Island” (pista extra, solo en formato digital y CD). Una enérgica pieza que cambia constantemente de tonalidad, reflejando el espíritu salvaje, caótico y exuberante  de esa remota isla de las Seychelles habitada únicamente por aves marinas que anidan allí. Un excelente cierre a cargo del trío de jazz.

La calidad interpretativa al piano de Collie es indiscutible, pero su talento como compositor también brilla con luz propia. Como el mismo dice: “Buscar mis raíces me dio un giro inesperado. He tenido una explosión de creatividad, componiendo mejor música que nunca. Esto es solo el principio; siento que he encontrado mi vocación”.

Un álbum a tener en cuenta.

La Habitación del Jazz

Michael Arbenz feat: Atom String Quartet & Florian Arbenz CD: J.S.Bach Suite III A Living Organism

 

Pistas

1.Sonic Prelude (Ouverture) 2.Upbeat Bounce (Gavotte) 3.Inner Engine (Bourrée) 4.Respire (Air) 5.Final Spin (Gigue)

Intérpretes

Michael Arbenz – piano, sintetizador Moog

Florian Arbenz - batería

Atom String Quartet

Dawid Lubowicz – violín 

Mateusz Smoczynski – violín 

Michal Zaborski - viola

Krysztof Lenczowski – chelo 

Grabado el 27 de marzo de 2026 en Hammerstudios, Basilea (Suiza)

Publicado el 3 de julio de 2026 

Michael Arbenz es un compositor, arreglista, educador, pianista de formación clásica e intérprete de jazz autodidacta. Tras estudiar piano clásico en Basilea, su trayectoria internacional en el mundo de la música clásica ha incluido colaboraciones con Pierre Boulez, Heinz Holliger, Jürg Wyttenbach y el conjunto suizo de nueva música, Contrechamps. Descubrió su pasión por el jazz desde niño. Su enfoque de la improvisación es multifacético, no lineal, utilizando el piano como orquesta. Sus influencias jazzísticas son muy eclécticas e incluyen a los pianistas más importantes de la historia de la música, así como la música clásica. Ha actuado extensamente con el aclamado trío VEIN y ha colaborado con estrellas como Greg Osby, Glenn Ferris, Dave Liebman, Marc Johnson, Doug Hammond, Wolfgang Puschnig, Andy Sheppard, Florian Arbenz y Ron Carter, entre otros muchos.

Algunas de las mejores agrupaciones europeas han interpretado sus composiciones, como la Sinfonietta de Basilea (Suiza), la Orquesta de la Radio Letona de Riga, la Filarmónica de Jena (Alemania), la NDR Big Band (Alemania), la Norrbotten Big Band (Suecia) y la Aarhus Big Band (Dinamarca). Dirige el Instituto de Jazz y Música Folklórica de la Universidad de Ciencias Aplicadas de Lucerna (Suiza), donde también imparte docencia.

Florian Arbenz es baterista y  compositor, una de las voces más singulares del jazz contemporáneo europeo. Ha colaborado con artistas como Ron Carter, Tineke Postma, Ivo Neame, João Barradas, Jorge y Maikel Vistel, Percy Pursglove, Nelson Veras, Jim Hart, Kirk Lightsey, Glenn Ferris, Wolfgang Puschnig, Bennie Maupin, Matthieu Michel, Hermon Mehari, Nelson Veras, Claudio Pontiggia y otros.

Además, posee una sólida formación en percusión clásica, desarrollada en Basilea (Suiza) y profundizada mediante colaboraciones con compositores y directores como György Kurtág y Christoph von Dohnányi, formación que aporta a su música claridad, equilibrio y control dinámico. En este contexto, ha trabajado como percusionista en numerosos conciertos y festivales

Sus estudios internacionales han ampliado aún más su perspectiva. Largas estancias en La Habana le permitieron sumergirse en las tradiciones afrocubanas, mientras que las influencias de los sistemas rítmicos indios y la percusión persa siguen marcando su fraseo.

Desde 2020 lidera el proyecto multiálbum “Conversation”  reuniendo a músicos internacionales cuidadosamente seleccionados en formaciones en constante evolución. Cada grabación se centra en un diálogo musical distintivo, explorando el ritmo, la textura y la improvisación colectiva con claridad y precisión.

Cofundador en 2005 junto a su hermano, Michael Arbenz y el bajista Thomas Lähns, del trío VEIN, considerado uno de los tríos de piano más destacados de Europa. El conjunto es conocido por su sensibilidad hacia la música de cámara, su apertura estilística y sus colaboraciones con importantes solistas internacionales. Han ofrecido más de 1000 conciertos entre 2006 y 2025. También es fundador de los proyectos Amp y New Jazz Trio.

El Cuarteto de Cuerdas Atom, de Polonia, está formado por tres violines (Dawid Lubowicz, Mateusz Smoczynski y Michal Zaborski) y un violonchelo (Krysztof Lenszowski), y fue fundado en Varsovia en 2010. Es uno de los conjuntos de cámara más originales del mundo, que combina la técnica de un cuarteto de cuerdas clásico con el jazz y la improvisación. Los cuatro músicos son graduados de la Universidad Chopin de Música de Varsovia y componen y dirigen sus propios proyectos en solitario, además de colaborar entre sí y con otros músicos.

Ver en La Habitación del Jazz las reseñas: 

ARBENZ feat. FRISELL / OSBY CD: Quiet Lights

ARBENZ VS ARBENZ Meets RON CARTER CD: The Alpine Session

MICHAEL ARBENZ Meets ANDY SHEPPARD CD: From Bach to Ellington Live

Pocos compositores invitan tanto a la reinvención como Johann Sebastian Bach. Su música ha sido durante mucho tiempo fuente de inspiración para músicos de jazz: Jacques Loussier, Brad Mehldau y Keith Jarrett entre otros. Michel Arbenz ya lo ha experimentado en otros trabajos anteriores, ahora con “J.S. Bach Suite III – A Living Organism” vuelve ha demostrar cómo la música atemporal y maravillosa de Bach  puede seguir respirando. Michael Arbenz no reinterpreta a Bach, si no que lo utiliza  como punto de partida compositivo.

Michael Arbenz transita con fluidez entre la precisión clásica y el instinto jazzístico, y en “J.S. Bach Suite III – A Living Organism”, este equilibrio alcanza su máxima expresión. Junto a su hermano Florian en la batería y el extraordinario Cuarteto de Cuerdas Atom, Arbenz interpreta la Suite Orquestal n.º 3 de Bach desde una perspectiva personal tomando direcciones que Bach jamás imaginó.

Con “J.S. Bach Suite III – A Living Organism” Michael Arbenz crea música que tiende puentes entre siglos de lenguaje musical, sin dejar de estar arraigada en la curiosidad, la comunicación y las posibilidades transformadoras de la improvisación.

El primer corte del disco es “Sonic Prelude (Ouverture)” que comienza con el cuarteto de cuerdas al más puro estilo Bach, hasta que el piano irrumpe con un ritmo más jazzístico. Ambos sonidos, el barroco y el jazz, se funden de manera inseparable, en continua lucha, dando la sensación de estar grabados en momentos diferentes y con objetivos también diferentes. Un corte algo intencionadamente caótico, intenso. Al final las cuerdas recuperan el protagonismo clásico inicial.

“Upbeat Bounce (Gavotte)” rompe con lo oído hasta ahora. Un tema de gypsy jazz y contry, muy rítmico, donde las cuerdas muestran su lado más lúdico. El solo de Arbenz al piano abre un espacio jazzístico, con pinceladas clásicas, mientras la batería se adentra en terrenos funky. Las cuerdas vuelven a tomar el protagonismo al final de la pieza. Un corte interesante.

"Inner Engine (Bourrée)" comienza con un ritmo propio de los desfiles callejeros de Nueva Orleans. El piano y el chelo se enzarzan en una conversación mientras el Moog aporta texturas especialmente cautivadoras. Ritmos cambiantes y atrevidos dominan la escena sonora. El trabajo de Lenczowski al chelo es fenomenal. Lo mismo podemos decir de Florian Arbenz a la batería. Otro tema muy interesante.

“Respire (Air)” está basado en “Air” el movimiento más conocido de la Suite. Michael Arbenz la transforma en la bella y reflexiva “Respire”, donde pianos y cuerdas se apoyan mutuamente de forma conmovedora y emotiva con gran elegancia.

Tras la relajante “Respire” el disco cierra con "Final Spin (Guige)". Todo el grupo participa de este viaje ecléctico, con sintetizador incluido,  que nos muestra diversos estados de ánimo, momentos tranquilos y apacibles junto a  otros enérgicos y potentes. La integración de todos los instrumentos es total. Un excelente cierre.

La música  guarda una conexión directa con la composición de Bach y contiene elementos familiares, reconocibles de la Suite original, pero desde una perspectiva jazzística y roquera, donde la improvisación y nuevos sonidos se apoderan del original. Por supuesto, no es, ni lo pretende, una reinterpretación literal de la obra de Bach. El resultado es una emocionante experiencia musical. 

Un excelente trabajo.

La Habitación del Jazz

JOHN DONALDSON CD: We Were Together, I Forget The Rest

 

Pistas

1.Prayer For Tomorrow 2.Agatha’s Song 3.Chanterelle 4.They Danced 5.Evening Song 6.Into The Night 7.New Dawn 

Intérpretes

John Donaldson – piano

Norma Winstone – voz

Rebecka Edlund – voz

Rob Luft – guitarra

Tom Mason – bajo

Jeff Ballard – batería

Ian Ballamy – saxofones

Graeme Flowers – trompeta 

Sello discográfico: Hexagonal Records   

Grabado en Real World Studios, UK, 3-4 septiembre 2025

Publicado el 28 de agosto de 2026

Tras una formación clásica inicial, John Donaldson comenzó su carrera profesional a principios de la década de 1970 con bandas como Big Grunt, Armada y el cantante Lenny Zakatek. También trabajó como músico de sesión para sellos discográficos como DJM, MAM y Transatlantic. En 1975 estudió en el City Literary Institute de Londres con Stan Tracey y asistió a la Barry Summer School en el sur de Gales, donde recibió clases de John Taylor, Gordon Beck y Johnny Burch. En 1978, mientras estudiaba en el Cambridge Art College, se involucró en la escena del jazz, actuando con el trío residente del Cambridge Jazz Club junto a Chucho Merchán y Nic France, acompañando a solistas invitados. A partir de 1982 residió en California, donde actuó con destacados músicos locales como Larry Grenadier, Jeff Ballard, Donny McCaslin, Eddie Marshall, Kenny Wollesen, Ray Drummond y Ben Goldberg. También actuó con Joe Henderson, Eddie Henderson, Red Holloway, Steve Turre, Eddie Daniels, John Handy, Richie Cole, Paul Jackson, David Baker y Laurindo Almeida.

De regreso en el Reino Unido, ha actuado con grupos liderados por Don Weller, Iain Ballamy, Art Themen, Peter King, Clark Tracey, Alan Barnes, John Etheridge, Dick Pearce y Norma Winstone. Entre sus colaboraciones destacan sus apariciones con Art Farmer, Gentle Giant, Pete Brown, Kenny Wheeler, Conte Candoli, Freddie Hubbard, Buddy DeFranco y Terry Gibbs, Steve Grossman, Ingrid Jensen, Jon Gordon y Eric Alexander, así como con artistas tan diversos como DJ Tim Deluxe, Larry Adler y Arthur Brown.

En la década de 2000 realizó una gira por el Reino Unido junto a Bheki Mseleku, y posteriormente una gira internacional interpretando la música de Gentle Giant junto a los miembros originales Kerry Minnear y Gary Green. También fue director musical y coautor de Pete Brown durante la última década de su vida, contribuyendo a grabaciones como “The Shadow Club” (con Eric Clapton) y “Heavenly Cream” (con Ginger Baker).

Ha producido cientos de temas para televisión y cine, incluyendo Gone Girl, Stranger Things, The Marvelous Mrs. Maisel y Grey's Anatomy, y ha aparecido en pantalla junto a actores como Gillian Anderson en “The Fall” y Helen Mirren en “Painted Lady”.

Ha participado en numerosas grabaciones, incluyendo seis álbumes como líder: “Parousia” (Progressive, 1985), “Meeting in Brooklyn” (Babel/Koch Jazz, 1993), “Sing the Line” (Red Dot, 1996), “Live at Appleby Festival” (Trio Records, 2005), “Music Box” (Woodville, 2007) y “We Were Together, I Forget the Rest” (Hexagonal Records, 2026). En 2006 ganó el premio de piano en los British Jazz Awards.

John Donaldson se ha convertido en uno de los pianistas más interesantes del Reino Unido.

Desde su álbum “Meeting in Brooklyn” de 1994, con Victor Lewis, Ray Drummond e Iain Ballamy, las grabaciones del pianista británico John Donaldson siempre han demostrado ser auténticas joyas, repletas de canciones intrigantes y ricas en matices, a menudo acompañado por destacados músicos estadounidenses y británicos.

En definitiva, con una trayectoria de más de cincuenta años, el pianista y compositor John Donaldson publica su nuevo álbum, “We Were Together, I Forget the Rest”, escrito y dedicado a la memoria de su difunta esposa, Agatha Coffey. Reúne a un elenco excepcional de colaboradores vinculados a diferentes etapas de la vida de Donaldson, como Norma Winstone, Jeff Ballard, Iain Ballamy, Rob Luft, Graeme Flowers, Tom Mason y Rebecka Edlund. Esta formación refleja más de cinco décadas de relaciones musicales: trabajó por primera vez con Ballamy a finales de los 70, con Ballard durante su etapa en California en los 80 y con Winstone a lo largo de los 90.

Grabado en dos días de septiembre de 2025, en los estudios Real World Studios,  estudio fundado por Peter Gabriel.

Varios músicos llegaron con poca o ninguna preparación, pero no es problema, y en lugar de depender de extensos ensayos, la grabación se basó en la confianza, la espontaneidad y la comprensión musical compartida.

Todas las canciones han sido compuestas por Donaldson, excepto la letra de “Into The Night”, escrita por  Norma Winstone.

Voces sin letra, a modo de himno,  introducen el tema inicial, “Prayer for Tomorrow”, y se desarrolla a través de voces rítmicas sin letra antes de que el bajo y la batería intensifiquen el pulso, emergiendo un ritmo potente, complejo, donde los solos se suceden de forma natural.

A través de las luminosas ráfagas de guitarra de Luft y preciosas intervenciones de Ballamy, una melodía llena de swing cautiva al oyente. Un fantástico solo de Donaldson da paso a la voz de Edlund con sus estallidos vocales percusivos. Ballard, como es habitual en él, con su enorme sensibilidad y energía, aporta matices insospechados, apoyando los del resto de intérpretes.

En completo contraste, le sigue la conmovedora "Song For Agatha", dedicada a su fallecida esposa. Una melodía interpretada por la joven Edlund y la octogenaria Winstone, fusionando sus voces mientras el soprano de Ballamy fluye con gracia. Esa apertura etérea, se transforma, inesperadamente  en una   emotiva y gloriosa improvisación rítmica, con la trompeta de Flowers y el soprano de Ballamy dialogando con una fuerza que conmueve, mientras Luft destaca con potentes líneas melódicas y efectos. Con un  emotivo cierre a capella, termina esta hermosa canción, uno de los momentos destacados del álbum.

En “Chanterelle” , la poética voz de Edlund se  acompaña por el piano de Donaldson, alejado de melodías pegadizas, que te va cautivando poco a poco. Mason elabora fluidas líneas de bajo, junto a Ballard. Una preciosa balada.

Voces sin palabras de Winstone y Edlund son el epicentro de “They Danced”, con el piano de Donaldson y la guitarra de Luft, creando solos mágicos y enérgicos. Ballard a tope, abriendo espacios infinitos junto a Mason. Otra pieza fantástica.

“Evening Song” comienza con sencillez, nada espectacular, pero se percibe una tensión contenida que da paso a Luft y Ballamy para emocionarnos con sus solos. Mason y Ballard, impecables,  impulsando y coloreando todo lo que les rodea.

Winstone escribió la letra de “Into the Night”, cuya melodía habla de pasiones indefinidas. Donaldson nos brinda un precioso solo, relevado por Luft que introduce un enfoque diferente, con sus habituales ráfagas y emocionantes frases repetidas.

El disco termina con la conmovedora “New Dawn”, una canción contemplativa, con Mason protagonizando un emotivo solo que cede el testigo a la guitarra de Luft, siempre evocadora. Una suave voz sin letra pone fin al álbum con introspectiva serenidad.

“We Were Together, I Forget the Rest” es un álbum profundamente personal y conmovedor. Una forma de sobrellevar la pérdida de su esposa, pero también de celebrar la vida que compartieron.

Uno de los mejores álbumes de 2026.

La Habitación del Jazz

EVENING SKY CD: Meeting of the Four

 

Pistas

1.For Ernest 2.Bad Choices 3.Mysterious Wisteria 4.Coffee Monster 5.Ballz Out 6.Excellent Question 7.Wanskuckin' 8.Blue Leisure Suit 9.Sunday Afternoon

Intérpretes

Eric Hastings – batería,percusión,órgano Hammond, Moog

Chris Brooks – pedal steel guitar

Joe Potenza - bajos

Gino Rosati – guitarra eléctrica

Publicado el 26  de junio de 2026

Evening Sky es un cuarteto de Rhode Island (EEUU) que posee un sonido que fusiona la pedal steel guitar, soul, jazz, ritmos reggae y narrativa cinematográfica. Han colaborado con diversos músicos y vocalistas invitados. Está formado por Chris Brooks en la pedal steel guitar, el bajista Joe Potenza, el guitarrista Gino Rosati  y el baterista Eric Hastings, quien también toca el órgano Hammond y el sintetizador Moog. Todos ellos dominan sus instrumentos y tocan sin egocentrismo, al servicio del colectivo y de la música, dándose espacio de forma natural y relajada, reflejando que, además, hay amistad entre ellos.

El cuarteto es poco conocido fuera de los EEUU y en concreto en Europa.

Presentan su nuevo álbum instrumental, “Meeting the Four”, donde todas las piezas son originales y fluyen con naturalidad y de forma coherente.

El título del álbum hace referencia a un fenómeno astronómico que periódicamente hace visibles en el cielo nocturno cuatro de los planetas más brillantes de nuestro sistema solar (Júpiter, Venus, Marte y Saturno).

El álbum bebe de la profunda tradición de la música de raíces estadounidense con toques de improvisación jazzística.

El tema de apertura, "For Ernest", compuesto por Chris Brooks, rinde homenaje a la leyenda de la guitarra jamaicana Ernest Ranglin, fusionando ritmos reggae y dancehall. Canción ligera, jovial y bailable.

Le sigue “Bad Choices”, firmada por Gino Rosati, otra pieza desenfadada, que homenajea en cierta medida a Booker T. & The MG’s.

“Mysterious Wisteria” de Gino Rosati, es una pieza interesante, atmosférica, que captura la faceta cinematográfica de la banda. Un tema instrumental lento, con matices bluseros y funky.

"Coffee Monster" compuesto por  Erid Hastings y Gino Rosati, con sabor a los años setenta, incrementa la tensión en comparación a lo escuchado del álbum hasta ahora.

Erid Hastings y Gino Rosati firman tambien “Ballz Out”, un tema vibrante donde el bajo y la batería son parte fundamental impulsando este tema a terrenos roqueros.

Lo mismo podríamos decir de “Excellent Question”, de Gino Rosati, pero de forma más tamizada.

“Wanskuckin’” compuesta por Eric Hastings, nos adentra en sonidos sureños. Dedicada a un famoso parque para perros en Rhode Island, un tema juguetón interpretado con elegancia. 

Los dos cortes que cierran el álbum son composiciones de Gino Rosati. "Blue Leisure Suit" es posiblemente el tema más jazzísitico de los nueve y de los que más me han gustado.

Por su parte  “Sunday Afternoon”, es una nueva versión de una canción que apareció originalmente en el EP  que publicaron en 2022, titulado “The Long Weekend”. Una relajante pieza de pop-country.

“Meeting the Four” es un álbum que no requiere une escucha atenta, que invita al oyente a dejarse llevar por una experiencia agradable, sin más expectativas.

La Habitación del Jazz