martes, 24 de junio de 2025

SHEZ RAJA CD: Spellbound

 


Pistas

1.Quantum Spirits 2.Maharishi Mindtrip 3.Spellbound 4.Together We Fly 5.Lucid Path to the Golden Lotus 6.Vishnu 7.Through the Multiverse 8.Quantum Spirits (Live) 9. Rabbits (Live)

 

Intérpretes

Shez Raja – bajo eléctrico

Dennis Chambers – batería (3,6)

Guthrie Govan – guitarra eléctrica (8,9)

John Etheridge – guitarra eléctrica (1,6)

Roopa Panesar – sitar (4,7,8)

Tony Kofi – saxofón (3,7)

Ahsan Papu – bansuri (5)

Zohaib Hassan – sarangi (2)

Fiza Haider – voz (4)

Gurdain Rayatt – tabla (3,5)

Vasilis Xenopoulos – saxofón (1,6,9)

Sophie Alloway – batería (4,5,7,8,9)

Jamie Murray – batería (1,2)

Chris Jerome – teclados (8,9)

 

Sello discográfico: Gearbox Cut (Gearbox Records)

Grabado en Digital Fidelity Studios, Lahore, Pakistán

Piezas en vivo grabadas en el Pizza Express Live Soho, Londres

Fecha de publicación: 20 de junio de 2025

 

Shez Raja nació de padre indio y madre inglesa en el noroeste de Inglaterra. Estudió violín clásico desde los nueve años y a los doce lo cambió por el bajo eléctrico.

Formado en el Leeds College of Music, Raja realizó giras por el Reino Unido con diversos grupos antes de convertirse en un músico de sesión muy solicitado.

Ha actuado en el Festival de Glastonbury, el prestigioso Ronnie Scott’s Jazz Club, el Royal Festival Hall, el Southbank Centre, el Shepherd's Bush Empire, el Islington Assembly Hall y el London Forum, además de realizar una gira europea con el artista de hip-hop MC Lyte, disco de platino.

Durante sus años de formación, viajó a la región de Punjab, en el subcontinente indio, con su padre y se sumergió en la cultura musical de sus raíces sudasiáticas, aprendiendo a tocar la tabla.

Ha colaborado con músicos de la talla de Mike Stern, Randy Brecker, Dennis Chambers, Guthrie Govan, Trilok Gurtu y Wayne Krantz, Dennis Rollins, Denys Baptiste, Oren Marshall, Soweto Kinch, Shabaka Hutchings, Jay Phelps, Andy Sheppard, Monika Lidke y Claude Deppa y Arun Ghosh entre otros.

Sus influencias en el bajo incluyen a Marcus Miller, Jaco Pastorius,  Stanley Clarke, Ralphe Armstrong (quien tocó el bajo en otra de las influencias musicales de Raja, The Mahavishnu Orchestra) y el bajista Brian Bromberg.

Su más reciente trabajo es  “Spellbound”, su octavo disco como líder.

El tema que abre el álbum, “Quantum Spirits”, aparece dos veces, primero en un corte de estudio y después en directo desde la sala de jazz Pizza Express del Soho de Londres. En el estudio a la intensa guitarra eléctrica está en las manos de  John Etheridge, Vasilis Xenopoulos al saxofón blusero y Jamie Murray a la enérgica batería. Un tema donde  el jazz, el rock y el funk se funden.

La versión grabada en directo cuenta, por supuesto con Raja, con el guitarrista Guthrie Govan, el teclista Chris Jerome, el saxofonista Vasilis Xenopoulos y la baterista Sophie Alloway. La duración es muy similar y ambas versiones tienen una calidad fuera de toda  duda y son igualmente buenas. Raja, como es habitual en él, no realiza largos solos de bajo, todo lo  contrario, deja que otros músicos sean protagonistas de los temas que interpretan, adoptando un papel de “colaborador necesario”. 

“Maharishi Mindtrip” es la única interpretación en trío del álbum, con Raja acompañado por Zohaib Hassan, Intérprete de séptima generación del sarangi (un instrumento de cuerda de mástil corto con sonido cantado) y Jamie Murray a la batería. Tras un contundente solo de Murray, Hassan toma el mando de la canción, con Raja incansable  impulsándolo. Una pieza energizante de fuerte contenido oriental.

“Spellbound”, canción que da título al álbum, cuenta con la presencia del gran Dennis Chambers en la batería. Un tema de jazz- rock-indo. Tony Kofien el saxofón y Gurdain Rayatt con la tabla, junto a Raja, completan el elenco que interpreta esta potente y rítmica canción, donde Chambers muestra quien es.

"Together We Fly" es la única canción que cuenta con la preciosa voz de Fiza Haider, como si de un instrumento se tratara. Una bonita balada donde Alloway usa escobillas y el maestro Roopa Panesar nos brinda un solo de sitar.

"Lucid Path to the Golden Lotus" incluye al maestro  Rayatt en la tabla y al maestro Ahsan Papu en bansuri, una flauta de bambú. Una pieza llena de sensualidad con una extraordinaria interpretación de Papu secundada por el bajo de Raja, en uno de los mejores momentos del disco (y hay muchos).

“Vishnu” reúne a Chambers y Etheridge, junto a Xenopoulos. Es asombrosa la facilidad con la que Raja crea potentes riffs que lanzan al resto de componentes. Otro interesante tema rebosante de ritmo y sonido.

“Through The Multiverse”cuenta con la participación de Panesar, Raja y Alloway una combinación que funciona como un reloj, además del potente solo de Kofi.

El disco cierra con “Rabbits” grabado en vivo en la sala de jazz Pizza Express del Soho de Londres. La formación es la misma que en el otro corte allí grabado, “Quantum Spirits”. Otro tema pleno de fuerza centrado en el bajo de Raja y la guitarra de Govan.

Shez Raja es uno de los bajistas más destacados del Reino Unido. Fusiona, sin aparente esfuerzo, el mundo occidental y el oriental. Una emocionante mezcla de jazz, groove, funk y música oriental, con una chispa de misticismo.

Raja es un bajista muy ingenioso que utiliza la afinación, la técnica y la tecnología (en forma de pedales de efectos) para transformar el sonido de su bajo Fodera de cinco cuerdas, fabricado artesanalmente. Además, Raja es un compositor prolífico.

“Spellbound” es un viaje musical fascinante, lleno de energía y sensibilidad intercultural.

 

La Habitación del Jazz


lunes, 23 de junio de 2025

JIM SELF CD: My America 3: My Country

 


Pistas

1.Chompin' at the Bit 2.Wabashed 3.Jolene 4.Wichita 5.Rocky Top 6.Crazy 7.The Devil Went Down… 8.  Your Cheatin’ Heart 9.Folsom Prison Line 10.Sixteen Tons 11.I Can't Stop Loving You / Dog tags

 

Intérpretes

Jim Self - F Tuba, CC Tuba, Fluba (mezcla de tuba y fliscorno)

Kim Scharnberg - arreglos

Kye Palmer- trompeta, fliscorno

Bill Booth – trombón, Euphonium

Phil Feather – saxo alto, saxo tenor, flauta

Steve Marsh – saxo tenor, clarinete

Chris Woods – violín country

Doug Livingston - pedal steel guitar

John Chiodini – guitarras acústicas, guitarras eléctricas

Steve Fister – guitarras eléctricas, Dobro, guitarras slide  

Bill Cunliffe - piano

Mike Valerio – contrabajo, bajo eléctrico

Ken Wild – contrabajo, bajo eléctrico

Joe La Barbera – batería

Brian Kilgore – percusión

 

Sello discográfico: Basset Hound Music

Grabado en Tritone Studios, Glendale, California

Fecha de publicación: 13 de junio de 2025

 

Jim Self creció en Oil City, Pensilvania. Se graduó en 1961 en Oil City High School y luego obtuvo una licenciatura en educación musical en Indiana State College (actual Indiana University of Pennsylvania) en 1965. Posteriormente, realizó una maestría en interpretación de tuba en la Catholic University of America y un Doctorado en Artes Musicales en la University of Southern California (USC).

Self es una leyenda viva. Tiene su sede en Los Ángeles, California. Desde 1974 ha trabajado para los principales estudios de Hollywood colaborando en más de 1500 películas, cientos de programas de televisión y discos. Sus solos en películas importantes incluyen las partituras de John William para Jurassic Park, Solo en Casa, Solo en Casa 2, Hook, Wall-E, La Leyenda del Zorro, La Guerra de los Mundos, King Kong, Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, Avatar, Tintin, Toy Story 3, Star Wars 7, y fue la “voz” de la nave nodriza en Encuentros en la Tercera Fase, entre otras muchas.

Ha grabado y trabajado con artistas de la talla de Cassandra Wilson, Claus Ogerman, Mel Torme, Leon Redbone, Maynard Ferguson, Randy Newman, Bette Midler, Barbra Streisand, Frank Sinatra, Placido Domingo, Randy Newman, Weird Al Yankovic, Don Ellis y Jon  Hendricks por citar unos pocos.

Ha sido el tubista principal de compositores como John Williams, James Horner, James Newton Howard y John Debney.

Como compositor, Self ha publicado más de 90 obras para tuba, conjuntos de metales, banda, orquesta y música de cámara.

En 2003 Self publicó un álbum llamado “My America”. Incluía canciones de las diversas partes del país donde trabajó y vivió. En 2022 publicó “My America 2: Destinations”. Ahora, en 2025, publica la tercera entrega, titulada “My America 3: My Contry”, esta vez con temas de country-western. En las tres ocasiones junto al arreglista, productor y amigo Kim Scharnberg.  Esta es la vigésimo cuarta grabación en solitario.

La serie “My America” se caracteriza por arreglos ingeniosos de canciones populares estadounidenses, con la tuba como protagonista y la colaboración de destacados músicos de estudio de Los Ángeles. Los arreglos, a cargo de Kim Scharnberg, exploran una variedad de géneros y estilos, desde el jazz tradicional hasta el R&B, el boogie woogie, el hip-hop y ahora el country.

Self dedica el disco a su querido amigo el trombonista Terry Cravens un destacado músico que ha tocado con importantes orquestas como la Filarmónica de Los Ángeles bajo la dirección de directores tan destacados como Zubin Mehta, Carlos Maria Giulini y Erich Leinsdorf.

El álbum consta de 11 melodías, diez de las cuales son fácilmente reconocibles incluso para quienes no son aficionados a la música country.

El tema inicial, "Chomping at the Bit", fue compuesto por Self, quien siempre incluye una pieza original en todos sus álbumes. La melodía comienza con el relincho de un caballo. Un tema country lleno de humor que presagia el tono divertido del álbum. Self toca la fluba con solos de guitarra, pedal steel guitar y violín.

Le sigue “Wabashed” continua el espíritu country y lleno de humor. Solos de tuba, saxo y piano.

Scharnberg y Self rinden homenaje al éxito de Dolly Parton, “Jolene”, ralentizando algo la canción. Incluye solos de tuba y de guitarra slide.

La conocida “Wichita Lineman” de Jimmy Webb, fue versionada por Glen Campbell. Self captura la esencia conmovedora y melancólica de la canción con la fluba. Bonito solo de Palmer con el fliscorno.

Felice y Boudleaux Bryant escribieron “Rocky Top” en tan solo 10 minutos en 1967. Una canción alegre donde las haya, que ha sido interpretada por multitud de artistas.

El disco continúa con la conocida balada “Crazy” de Willie Nelson. Protagonismo de Self  con la tuba y Chiodini con la guitarra acústica. Ambos han sido compañeros musicales durante muchos años, compartiendo  protagonismo en varios álbumes, cuatro de ellos a dúo.

Otra famosa canción, en esta ocasión de Charlie Daniels titulada "The Devil Went Down to Georgia". Woods al violín country, Self con la tuba, Marsh con el saxo tenor y Palmer con la trompeta protagonizan los solos.

El ritmo decrece con la balada "Your Cheatin' Heart" de Hank Williams, escrita sobre su exesposa. Los arreglos  de Scharnberg la dotan de un marcado carácter melancólico con sabor a bossa nova.

"Folsom Prison Blues" de Johnny Cash combina dos temas repetitivos en las canciones country, como son el tren y la  prisión. La canción se convirtió en un gran éxito para Cash cuando la interpretó y grabó en vivo en la prisión de Folsom. La tuba de Self sustituye a la perfección la voz profunda de Cash.

Qué decir de "Sixteen Tons" de Merle Travis, un éxito para Tennessee Ernie Ford en 1955 (y para el cantante español José Guardiola). Escrita sobre las dificultades de trabajar en una mina de carbón que, en esta ocasión, no está exenta de cierto humor.  

El disco cierra con la famosa y versionada "I Can't Stop Loving You" de Don Gibson. Un final un poco triste pero encantador. En realidad el disco cierra con los ladridos de Stanley, el basset  hound de Self. 

El jazz y el country se dan la mano en este curioso y divertido disco.

La Habitación del Jazz

 


viernes, 20 de junio de 2025

STEINBERT / COBOS QUARTET CD: Steinbert/Cobos Quartet

 


Pistas

1.Simple Things 2.Pictures 3.Overthinking 4.Relaxin´ at Casa Pueblo 5.Blue Serenade 6.Nothing New 7.Winter´s Lullaby 8.Last Chance  9.Bossa by the Breeze  10.Full House

 

Intérpretes

Alein Steinbert – guitarra

Alex Cobos – guitarra

Ander Garc ía – contrabajo

Nacho Megina – Batería

 

Sello discográfico: Errabal Jazz

Grabado en  Trafalgar Estudios, El Palmar (Cádiz, España)

Fecha de publicación: 9 de mayo de 2025

 

Alein Steinbert realizó Estudios Superiores de Interpretación de Guitarra de Jazz en el Conservatorio Superior de Música Manuel Castillo (Sevilla, España) y de Guitarra de Jazz,  Armonía Moderna, Orquestación Arreglos, Piano y Dinámica de la Creatividad en Fran Mazuelos (Sevilla, España).

Masterclasses con John Scofield, John McLaughlin, Robben Ford, Joe Bonamassa, Mark Turner, Guillermo Klein, Eric Alexander, Mike Stern, Lee Ritenour, Michael Landau, Jesse Van Ruller, George Cables, Leo Genovese,  Julian Lage, Peter Bernstein, Aaron Goldberg, Joe Chambers y Francisco Mela. Steinbert también es profesor de música.

Hasta la fecha había publicado “Tiempo Presente” (2019) junto al bajista Joan Masana y el baterista Manu Pinzón.

Tutelado por maestros como Peter Bernstein, Jesse Van Ruller o Vicente Archer, el guitarrista madrileño  Alex Cobos se ha consolidado como una de las figuras más relevantes de la escena jazz, coliderando y participando en diferentes proyectos a lo largo del tiempo y compaginando su faceta de compositor y guitarrista con una incesante actividad en el ámbito de la docencia.

En 2018 Steinbert y Cobos pusieron en marcha su proyecto conjunto en formato de dúo, realizando numerosas actuaciones a lo largo de dos años y ampliando finalmente la formación a cuarteto. Ambos son dos experimentados guitarristas de reconocido prestigio cuya afinidad e influencias comunes se encuentran ubicados en los terrenos del jazz contemporáneo y la música improvisada.

Para la consecución de este su primer trabajo homónimo, han contado con la colaboración de los también españoles, el contrabajista Ander García, licenciado en Musikene, músico con un amplísimo bagaje cuyos aclamados discos como líder, “Ttun Kurrun” y “Hiru” le han consolidado como una figura esencial dentro del panorama y el baterista Nacho Megina, también licenciado por Musikene, miembro fundador de la Andalucía Big band y colaborador habitual de nombres Antonio Serrano, Carlos Martin, Carlos Barreto, o Jorge Pardo, conformándose como uno de los músicos más solicitados y referente obligado dentro de la escena estatal de jazz contemporáneo.

El álbum lo integran diez temas. Cinco de Steinbert, cuatro de Cobos y un clásico de John Leslie «Wes» Montgomery.

Los originales de Steinbert comienzan con  la dinámica y alegre “Simple Things”;  el tema con sonido años 70 y de sabor brasileño “Overthinking”; la enérgica y trepidante (y poco relajante) “Relaxin’at Casa Pueblo”; la no menos rápida y dialogante “Nothing new” y  “Last Chance” que toma nuevos e interesantes giros.

Por su parte Cobos nos ofrece  “Pictures” una relajada y elegante composición que contrasta con la vigorosa “Blue Serenade”, que no tiene nada de blue ni de serenade. Otro tema de Cobos es el relajado “Winter's Lullaby” con una importante participación de García. El cuarto original de Cobos es “Bossa by the Breeze”, donde aflora de nuevo un colorido ritmo brasileño.

El único tema no original es “Full House”, firmado por el maestro Wes Montgomery con arreglos de Steinbert y Cobos. Creo que en este corte Steinbert, Cobos, García y Megina, como se suele decir, echan el resto.

Steinbert y Cobos dan muestras de una gran complicidad entre ambos como también ocurre con la sección rítmica de García y Megina.

Un trabajo que no dejará indiferente a los amantes de la guitarra de jazz.

La Habitación del Jazz


jueves, 19 de junio de 2025

SIMON LINNERT - RICHARD ANDERSSON - ALLAN MEDNARD CD: Sayeh

 


Pistas

1.Ida Lupino 2.Once Around The Park 3.Sayeh I 4.Erato 5.Nefertiti 6.Thelious 7.Sayeh II 8.Boo Boo’s Birthday 9.Sayeh III 10.Nūr-e chashm

 

Intérpretes

Simon Linnert | Piano

Richard Andersson | Bass

Allan Mednard | Drums

 

Sello discográfico: Hobby Horse Records

Grabado el 5 de diciembre  de 2024 en Millfactory Studio, Copenhague, Dinamarca

Fecha de publicación: 13 de junio de 2025

 

El pianista escandinavo Simon Linnert presenta “Sayeh”, su primer lanzamiento en trío, junto al bajista Richard Andersson y el baterista Allan Mednard.

La trayectoria de Linnert ha sido poco convencional. Estrella emergente de la escena de Copenhague en su adolescencia, dejó el conservatorio en busca de algo más personal, estudiando en Nueva York con Sophia Rosoff, Jason Moran y David Binney. Tras una década alejado de la música, se estableció en Portland, Oregón, antes de mudarse a Brooklyn en 2017, donde las sesiones nocturnas en el Village Vanguard reavivaron su amor por la improvisación y dieron lugar al lanzamiento de su álbum de 2020, “Of Visions”. Con una amplia gama de influencias, desde la improvisación libre posterior a Andrew Hill hasta las raíces escandinavas, Simon Linnert destaca como uno de los pianistas más versátiles de su generación. Ha tocado  con artistas como Kenny Wollesen, Caleb Curtis, Chris Higgins y Tony Scherr, entre otros. También se ha adentrado en el mundo del cine, componiendo la banda sonora para documentales del director nominado al Oscar, Simon Lereng Wilmont, entre otros proyectos.

El reconocido bajista y compositor Richard Andersson es considerado una de las voces más fascinantes del jazz escandinavo. Su singular y minuciosa atención al sonido y al tiempo lo ha llevado a colaborar con figuras internacionales como Jeff “Tain” Watts, Sullivan Fortner, Tony Malaby y Bill McHenry entre otros. Ha publicado varios álbumes bajo su propio nombre y sigue siendo uno de los músicos más solicitados de Europa.

Por su parte, el baterista Allan Mednard, residente en Brooklyn, es uno de los músicos más solicitados de la escena jazzística neoyorquina. Nacido y criado en Queens, Nueva York, su singular talento ha despertado gran interés últimamente y actúa regularmente con conjuntos destacados liderados por figuras destacadas como Ravi Coltrane, Jeremy Pelt y Kurt Rosenwinkel.

Mednard y Linnert se conocieron en Brooklyn en 2019.

"Sayeh" (el título del álbum proviene de un antiguo nombre persa que significa "sombra") se grabó en Copenhague al día siguiente de un concierto improvisado en el legendario Jazzclub Christiania. Incluye diez composiciones. Cinco son  adaptaciones de estándares estadounidenses de hace años (la más reciente es de 1997), dos son obras propias de Linnert y las tres restantes son improvisaciones grupales.

“Sayeh” abre con "Ida Lupino" de Carla Bley, de su álbum "Dinner Music" de 1977. Una pieza minimalista, aparentemente sencilla, pero que encierra sorpresas a medida  que se escucha una y otra vez. Un bonito comienzo.

Le sigue  "Once Around the Park", del baterista Paul Motian, publicada originalmente en el álbum “Sound of Love" de 1997. Pieza también sin estridencias que va ganando en intensidad a medida que avanza. Gran trabajo de Andersson. 

El tercer corte es "Sayeh I",  la primera de las tres improvisaciones originales del trío. De carácter más experimental, es un tema con un planteamiento interesante. 

“Erato” es una composición del pianista Andrew Hill,  grabada en 1965, sin embargo, Blue Note no la publicó hasta 1975 en  el recopilatorio “One for One”. Fue publicada de nuevo en 2006 en el álbum de Andrew Hill  titulado “Pax”. Una hermosa canción cargada de nostalgia y recuerdos contenidos.

A continuación "Nefertiti" de Wayne Shorter quien la compuso para Miles Davis y el álbum homónimo de 1968. Una pieza interpretada por el trío de forma genial.

"Thelious" es la primera de las dos composiciones de Linnert incluidas en el disco. Una hermosa pieza delicada, interpretada con sumo cuidado por los tres músicos, creando una atmósfera de tristeza y añoranza.

La segunda improvisación colectiva, "Sayeh II" de carácter misterioso y minimalista.

La alegre "Boo-Boo's Birthday" que compuso en 1967  Thelonious Monk para su hija que celebraba su decimocuarto cumpleaños, se publicó en el álbum "Underground" un año después. La alegría de la celebración es evidente y nos sitúa en un estado menos oscuro (pero excelente) de los temas anteriores.

La tercera improvisación colectiva es "Sayeh III".  De nuevo el trío se sumerge en una narrativa minimalista, utilizando instrumentos de percusión manual, Andersson tocando el contrabajo con arco y Linnert a lo suyo (que es mucho).

El disco cierra con "Nūr-e chashm", una frase persa que significa "luz de mis ojos" o "la visión de mis ojos" para expresar un profundo afecto y aprecio por alguien, especialmente por un niño o un ser querido. Linnert compone esta pieza que sirve para despedir el álbum con  delicadeza y encanto.

La calidad del sonido del álbum es excelente  y permite apreciar  todos los detalles de los instrumentos.

Los tres músicos poseen una fuerte personalidad que canalizan perfectamente dando como resultado unas interpretaciones equilibradas.

“Sayeh” es un bonito disco, fundamentalmente íntimo, expresivo, sensible, reflexivo lírico y preciso.   

 

La Habitación del Jazz

 


miércoles, 18 de junio de 2025

JENNIFER LEE CD: Glimpse

 


Pistas

1.I Caught a Glimpse of Your Soul 2.Farewell to Comfort 3.Dave Don’t Mind the Rain 4.Vivid Technicolor Love 5.If I Only Had a Brain 6.Serendipity 7.Warrior, Drop Your Sword 8.Hold On 9.Superhero 10.Here You Are 11.Strange and Beautiful

 

Intérpretes

Jennifer Lee – voz, piano (5), guitarra(7,9,10)

Tripp Sprague - saxo tenor (4)

Anton Schwartz – saxo tenor (11)

Derek Cannon – trompeta (4)

Randy Brecker – flugelhorn (7,10)

Peter Sprague – guitarra (1-4,6)

Rich Kuhns – acordeón (5)

Adam Shulman – piano/Rhodes (1-4,6-8,10)

Gunnar Biggs – contrabajo (1-4,6,7,10)

Doug Pohorski – contrabajo (9)

John Wiitala – contrabajo (11)

Justin Grinnell – bajo eléctrico  (8)

Duncan Moore – batería (1-4,6,7,10)

Vince Lateano – batería (11)

Tommy Aros – percusión (2,6,8)

 

 

Sello discográfico: SBE Records

Grabado en Spragueland Studio, Encinitas, California. Knob and Tube Studio, San Francisco, California. Bird and Egg Studio, Richmond, California.

Fecha de publicación: 6 de junio de 2025

 

La vocalista, compositora y guitarrista Jennifer Lee (Jennifer Lee Sevison) nació Redwood City, California. Asistió a la preparatoria Woodside, pero en su último año se trasladó a la preparatoria Menlo-Atherton como pianista para aprovechar el prestigioso programa de jazz de la escuela. Continuó sus estudios de piano jazz en Foothill College, a menudo acompañando a vocalistas, mientras alimentaba su secreto deseo de cantar. No se lanzó hasta que un  temprano e indeseado enfrentamiento con muerte cambió radicalmente sus prioridades a finales de la década de 1980, cuando abandonó la Universidad de Massachusetts, Amherst, para atender a su padre enfermo que falleció un año después. Regresó al departamento de música de Foothill College, pero en lugar de acompañar a otros cantantes, tomó el micrófono ella misma. Posteriormente, estudiando con la estimada cantante de jazz del Área de la Bahía, Kitty Margolis, Lee poco a poco se armó de valor para empezar a actuar en público.

Lee cambió su nombre artístico (el nombre con el que publica oficialmente sus grabaciones) a "Jennifer Lee and the Ever-Expanding Universe" en 2018, cuando se dio cuenta de que, en las plataformas de streaming, su perfil se había entrelazado con el de otra vocalista llamada Jennifer Lee. Si bien sigue actuando como Jennifer Lee o como Jennifer Lee and the Ever-Expanding Universe, según el concierto, el nombre completo de la artista es Jennifer Lee Sevison, que es como publica y registra los derechos de autor de sus canciones.

Sus anteriores álbumes fueron: “Quintessential” (2001), “Jaywalkin” (2003), “Quiet Joy” (2009) y “My Shining Hour” (2018).

“Glimpse” es la cuarta colaboración de Jennifer Lee con el guitarrista Peter Sprague (Chick Corea, Charles McPherson, Hubert Laws…) director del sello SBE Records, con quien Lleva colaborando 24 años y del que Lee dice: "Peter es un músico extraordinario y un intérprete profundamente conmovedor. Trabajando con él a lo largo de los años, observando cómo rearmonizaba o fraseaba una línea, he aprendido muchísimo. Sin duda, ha influido en mi composición y mis arreglos".

También es el segundo álbum donde la mayoría de las canciones son composiciones originales suyas. El álbum contiene nueve temas originales, un estándar y una canción escrita por sus amigos cercanos.

Lee se acompaña de dos grandes grupos de talentos de San Diego y el Área de la Bahía, con la incorporación de un miembro de la Costa Este, el trompetista Randy Brecker.

Lee dedica cinco de los nueve temas originales a su marido George Visger. Cuatro de ellas son canciones de amor, la quinta, “Warrior, Drop Your Sword”, ofrece una visión metafísica de la extraordinaria trayectoria vital de George: una historia desgarradora e inspiradora de tenacidad y supervivencia.

Lee abre el álbum con "I Caught a Glimpse of Your Soul", una canción de amor, donde  nos cuenta la experiencia que tuvo cuando George Visger llegó a su vida. Explica: "Cuando nos conocimos, sentimos una conexión inusualmente fuerte. Sentíamos que nos conocíamos desde siempre. Ninguno había experimentado nada parecido antes. Fue realmente extraordinario". Tras un comienzo reflexivo, evoluciona hasta convertirse en una canción alegre con swing.

"Farewell To Comfort" es una samba que Lee escribió en 2017, y presagio de los cambios en su vida, incluyendo conocer y casarse con su esposo; mudarse de su querido hogar de Oakland, donde vivió 21 años, a un pequeño pueblo rural en el suroeste de Idaho; y escribir e ilustrar su primer libro infantil, “Relativity”.

"Dave Don't Mind the Rain" fue compuesta por su amiga Shanna Carlson con letra de la fallecida Cathi Walkup. La inspiración para la letra surgió de un concierto en un día lluvioso para uno de sus amigos en común, el pianista David Udolf, con quien Lee ha tocado y grabado en numerosas ocasiones. Una evocadora y nostálgica canción.

"Vivid Technicolor Love" comenzó con dos frases musicales que Lee grabó en la aplicación de notas de voz de su teléfono y redescubrió diez años después mientras hacía limpieza. En referencia al amor por su marido, Lee afirma: "Nunca había sentido esto antes, un amor tan vívido en technicolor". El arreglo para trompa es el primero que escribió. Una alegre y esperanzadora canción.

Lee se inspiró para cantar como balada "If I Only Had a Brain" de Harold Arlen, después de escuchar la versión de Harry Connick Jr. Ella relata: "Me pareció muy conmovedora. Creo que fue la primera vez que realmente comprendí la profundidad de la letra, cómo habla de algo tan fundamental en la condición humana: el miedo a no ser suficiente". El íntimo arreglo cuenta con Lee al piano y la voz, y Rich Kuhns al acordeón.

Sigue la alegre y vital "Serendipity" donde Lee deja claro que cree en un poder superior y en el poder de la gratitud. "Aprendí hace mucho tiempo que creer en mi victimismo no me ayudó, mientras que elegir una perspectiva positiva siempre me ayudó tanto a mí como a quienes me rodean. Así que intento hacer precisamente eso cada día" afirma Lee.

Otro original de Lee es la conmovedora "Warrior, Drop Your Sword",  canción dedicada a su marido, una visión metafísica del dramático viaje de su esposo: nueve cirugías cerebrales y una batalla legal de 38 años tras su carrera en la NFL. Randy Brecker nos deleita con el fliscorno.

En “Hold On" Lee apela a sus propias experiencias de superación de traumas infantiles.

"Superhero" está dedicado a su esposo. Un  sincero tributo musical, sin duda un superhéroe. Una original canción cercana al pop.

Otra composición de Lee que nos recuerda a las baladas pop de los 70, "Here You Are" expresa la admiración y el asombro de Lee ante el amor trascendental que comparten.

Lee cierra el álbum con "Strange and Beautiful". La esencia de la canción surgió de un riff improvisado que tocó mientras enseñaba a un alumno de piano a improvisar sobre los cambios de acordes de "Hit the Road, Jack".

Lee ha evolucionado desde su faceta de intérprete y arreglista a otra de intérprete, compositora y letrista. En este sentido afirma: “Siempre escribí un poco, pero desde luego nunca me consideré compositora", afirma. Luego, alrededor de 2007, se produjo un cambio y toda esta música empezó a canalizarse. Es como si una musa loca e implacable se hubiera unido a mí.

Lee transmite seguridad y calidez. Su voz sensual, sin empalagar, es fresca y sensible, pero también puede ser desgarradora y juguetona.

Un álbum con sonido de la Costa Oeste Norteamericana.

La Habitación del Jazz

 


martes, 17 de junio de 2025

MIKE THOMPSON CD: 6th Avenue

 


Pistas

1.All the Things You Are 2.Let’s Do It 3.Durango Drive 4.There Will Never Be Another You 5.Parisian Deception 6.Anything Goes 7.6th Avenue 8.Chega de Saudade 9.Someday My Prince Will Come 10.May.

 

Intérpretes

Mike Thompson - director

Charltze Vermaak – voz

 

Sarpay Özçağatay - flauta

Ian Buss – saxo

Kyle Leonard - saxo

Mike Caudill – saxo

Mark Earley – saxo

Melanie Howell-Brooks – saxo

Bijon Watson – trompeta

Jeff Claassen – trompeta

Sean Lee – trompeta

Dan Rosenthal – trompeta  

Randy Pingrey – trombón

Bob Pilkington – trombón

Brian Martin – trombón

Leslie Havens - trombón

Sal DiFusco - guitarra

Mark Shilansky – piano

Greg Loughman – contrabajo

Mark Walker – batería

 

Sello discográfico: Outside in Music

Grabado en Q Division Studios, Cambridge,  Massachusetts

Fecha de publicación: 30 de mayo de 2025

 

Mike Thompson siempre se ha sentido atraído por la música como motor fundamental en su vida. Ya sea escribiendo o produciendo. Durante su trayectoria como compositor de jazz contemporáneo, se sumergió en el proceso de producción musical. En particular, le fascinaba la creación y producción de música pop; en concreto, la obra de Quincy Jones en los años 70 y 80, y Max Martin en los 90 y 2000. La trayectoria de Jones como compositor de jazz y la de Martin como músico clásico le proporcionaron perspectivas únicas de las que inspirarse.

Mientras aún estudiaba en el Berklee College of Music, Mike y su socio creativo, Sam Nickson, fundaron Hexproof Productions, una productora musical integral dedicada a satisfacer las necesidades de los artistas en sus múltiples facetas, ayudando a los artistas a alcanzar su máximo potencial. También es director de operaciones y director de ventas de la emergente CommonTime Pathways, una plataforma de reclutamiento única que ayuda a las escuelas de música a encontrar estudiantes adecuados para programas que se ajusten a sus necesidades y objetivos. Además de sus servicios en la industria musical, Thompson también es muy solicitado por su talento en composición y arreglos para conjuntos y diseño de espectáculos.

Como fuentes de inspiración destacan Bob Brookmeyer y Maria Schneider, junto con influencias clásicas como Igor Stravinsky.

Tras asistir una semana a una clase de armonía impartida por el reconocido compositor de jazz y música clásica Nicholas Urie, Thompson decidió que su futuro pasaba por ser compositor para grandes conjuntos. Thompson afirma: "Casi desde el primer minuto que la clase se sentó, Nicholas nos contó que se gana la vida escribiendo para la Orquesta Metropole, la Boston Pops y muchas otras bandas. Ya hacía arreglos y componía música para bandas de música de instituto, pero no para big bands. Le pregunté a Nicholas por dónde debería empezar si quería escribir para orquestas. Me dijo que todo empieza con grandes conjuntos y big bands".

Su álbum debut titulado “6th Avenue”, marca el inicio de la fundación de la Mike Thompson Big Band, un conjunto de 17 músicos, en su mayoría veteranos de la escena de big bands locales de Boston. También figuran dos invitados, la vocalista Charltze Vermaak y el afamado flautista nominado al Grammy Sarpay Özçağatay, profesor asistente de flauta en Berklee.

El disco, compuesto por seis estándares del Great American Songbook y cuatro  composiciones originales, se grabó en vivo en los estudios Q Division de Cambridge, Massachusetts, tras una única sesión de dos horas de ensayo celebrada una semana antes en la sala de la banda de un instituto local. 

El disco comienza con el alegre tema de Jerome Kern y Oscar Hammerstein, "All the Things You Are" que Thompson describe como "una de las canciones más perfectas de la historia", que cuenta con un solo del trompetista ganador del Grammy, Bijon Watson. Thompson deja claro desde el primer momento que este trabajo es un homenaje a la época dorada de las big bands, una época en la que el swing era toda una revolución.

Le sigue "Let's Do It" de Cole Porter con la participación de la vocalista Charlize Vermaak y Jeff Claassen a la trompeta.

La primera de las canciones originales de Thompson es la balada de medio tiempo, "Durango Drive", que grabó por primera vez con la big band de otro de sus grandes mentores, Steven Feifke.  Una canción romántica donde destaca el saxo de Mike Caudill.

"There Will Never Be Another You" de Harry Warren y Mack Gordon incluye solos del saxofonista soprano Ian Buss y el pianista Mark Shilansky. Otra fiel versión del original. 

Otra composición de Thompson es "Parisian Deception", que refleja un desafortunado viaje a París. Una pieza que se aparta algo de la fidelidad a la época de las big bands, a lo que contribuye en gran medida el enérgico solo de saxo de Mike Caudill.

A continuación escuchamos "Anything Goes", de Cole Porter, otro clásico que ha bailado medio planeta. Los arreglos de Thompson provienen del primer álbum de estudio de big band que Thompson escribió en Berklee.

La canción que nombre al álbum, "6th Avenue", es otro original de Thompson. Una relajante balada que nos habla de los tres años que pasó viviendo y trabajando en Nueva York, mientras estudiaba en Berklee. Bonito solo de trompeta a cargo de Watson.

"Chega de Saudade" de Antonio Carlos Jobim, es una alegre y vibrante canción donde destacan los solos del pianista Shilansky y el trombonista Pingrey. La labor del baterista Mark Walker en este tema y en todos los del álbum, es especialmente relevante, animando al resto de secciones de forma contundente.

Paso a otro clásico, "Someday My Prince Will Come" de Frank Churchill y Larry Morley. Thompson le aplica unos arreglos rápidos que realzan la fantasía de la canción. Solo de flauta de Özçağatay.

El disco cierra con su cuarta pieza original titulada,  "May", con mucho la pieza de mayor duración del disco. Una melancólica balada con solos explosivos de Caudill, Shilansky y Rosenthal.

En conjunto, este álbum contiene once canciones orquestalmente perfectas, absolutamente conservadoras y de una previsibilidad total, lo que le convierten en sus peores características.

Thompson ha plasmado en este trabajo su profundo respeto por las big bands y lo ha conseguido plenamente. Los temas clásicos son fieles a sus orígenes y las  impecables composiciones originales, siguen una similar línea argumental.

Pero se echa de menos algo de espontaneidad, de chispa, de atrevimiento o si se prefiere, de riesgo y vanguardia.

Sin duda, Thompson ha cumplido el sueño que le guiaba y pretendía, pero en futuros trabajos debería, y talento tiene de sobra, arriesgar.

 

La Habitación del Jazz


lunes, 16 de junio de 2025

MELTEM EGE CD: Solitude

 


Pistas

1.Anlayana 2.We Must Not Say Yes 3.Solitude 4.Aklında Kalmasın 5.Dawn 6.Seninle Dans 7.Eyes of Innocence 8.Brush Strokes

 

Intérpretes

Meltem Ege - voz 

Banda en Los Angeles

Theo Bleckmann – voz (2)

Sarpay Özçağatay – flauta (2)

Dereck Bomback – guitarra

Miller Wrenn – contrabajo

Matthew Elton Smith – batería

Rachel Iba – violín I

Alejandra Moreno – violín II

Carson Rick – viola

Betsy Rettig - chelo

Banda en Estambul

Sarpay Özçağatay  – flauta (7)

Şenova Ülker – trompeta

Bulut Gülen – trombón

Önder Focan – guitarra

Ozan  Musluoğlu  –contrabajo

Serkan Alagök - batería

 

Las sesiones de Los Angeles grabadas en junio de 2022 en  Carbonite Studios, Ohai, California

Las sesiones de Estambul grabadas en julio de 2022 en Hayyam Studios, Estambul, Turquía. Las pistas vocales grabadas en Studio B, Los Angeles, California.

Fecha de publicación: 23 de mayo de 2025

 

La Dra. Meltem Ege es una vocalista, compositora y académica de jazz turca. Tras graduarse en piano clásico por la Universidad de Bilkent de Ankara (Turquía), participó en el Concurso de Voz de Jazz Nardis de 2006 en Estambul, Turquía, donde obtuvo el primer lugar y fue elegida para representar a Turquía en el Concurso de Jazz Lady Summertime de 2007 en Finlandia. Continuó su racha ganadora en el Concurso Lady Summertime, compitiendo contra otros 17 países con el voto unánime de todos los jueces, y fue invitada a competir en el Concurso de Voces de Jazz de 2008 en Lituania, donde volvió a obtener el primer lugar.

En 2010 se graduó en el Berklee College of Music, Boston,  con una licenciatura en Interpretación Vocal con honores (summa cum laude). En 2010, regresó a Turquía y completó su Maestría en Interpretación en la Universidad de Başkent.

Ha actuado como solista destacada con varias big bands y orquestas sinfónicas, encabezando festivales de jazz y salas de conciertos de todo el mundo.

Actualmente radicada en Los Ángeles, combina su formación en piano clásico y su experiencia vocal en jazz con la libertad artística que encontró durante sus años de estudio de música experimental y teatro en el Instituto de las Artes de California (CalArts)  donde actualmente es profesora. ​

Tras graduarse de dos licenciaturas, sintió que la música clásica no era para ella y decidió dedicarse a su otra pasión: cantar rock y metal con bandas locales. Finalmente, Ege se sintió atraída por la espontaneidad y la libertad creativa del jazz y pronto se convirtió en una devota y practicante de este género.

“Solitude”, la última propuesta de la vocalista y compositora turca afincada en Los Ángeles,  consta de 8 canciones. Cuatro se grabaron en Los Angeles con una banda estadounidense y cuatro en Turquía con músicos turcos con quienes Ege colabora frecuentemente.

Las pistas vocales se grabaron en su totalidad en Los Angeles, cantando la mitad del álbum en inglés y la otra mitad en turco.

Su banda californiana está compuesta principalmente por músicos jóvenes que Ege conoció a través de CalArts y Berklee: Derek Bomback (guitarra), Miller Wrenn (contrabajo), Matt Smith (batería), Rachel Iba (violín), Alejandra Moreno (violín), Carson Rick (viola) y Betsy Rettig (violonchelo). Hay también dos músicos  invitados: el vocalista y compositor nominado a varios premios Grammy, Theo Bleckmann, y el flautista turco nominado a varios premios Grammy y profesor de Berklee College, Sarpay OzçaĞatay.

Por su parte la banda de Turquía se compone de Şenova Ülker (trompeta), Bulut Gülen (trombón), Önder Focan (guitarra), Ozan  Musluoğlu (contrabajo) y Serkan Alagök (batería). Como músico invitado está de nuevo Özçağatay (flauta).

Ege escribió la letra de siete de los ocho cortes y compuso dos.

Las sesiones en California incluyen  "We Must Not Say Yes", escrita por Lucas Longaresi, guitarrista y compositor brasileño, graduado de CalArts. La letra es de Ege y la escribió pensando en Theo Bleckmann. El resultado es una bonita canción, donde el dúo Bleckmann/Ege conversa arropados por unos excelentes arreglos orquestales y la flauta de Özçağatay.

De las mismas sesiones es “Solitude”  escrita por Derek Bomback y letra de Ege, para quien vivir entre países significa muchas despedidas en aeropuertos. Su letra habla del dolor que supone despedirse constantemente de sus seres queridos. Canción de sabor brasileño.

La música y letra de “Dawn" es de Will Kjeer, amigo de Ege. La canción se grabó originalmente como parte del proyecto “CalArts Jazz CD” en el legendario sello Capitol Records. Kjeer le pidió a Ege que fuera la vocalista de esta poderosa pieza. Ege dice: "Desde el principio, me sentí profundamente conectada con la canción. Me pareció tan personal que decidí incluirla en mi propio álbum". La canción nos habla de cómo recuperarse y seguir adelante tras una pérdida. Una delicada y sentida canción que termina con fuerza (no olvidemos la etapa roquera de Ege).

El cuarto y último tema de los grabados en Los Angeles es "Brush Strokes". Derek Bomback le envió esta canción a Ege durante el confinamiento por la COVID-19. Ege canta y narra con un tono bajo y nos habla de las expectativas que se nos imponen, especialmente en cuanto al género.

“Anlayana” abre el disco y es uno de los cuatro cortes   grabados en las sesiones de Estambul. La música y letras son de Ege, que afirma: “Elegí abrir el álbum con ‘Anlayana’ porque define el tono de todo lo que quería que Solitude representara. Las letras se entrelazan entre el inglés y el turco, reflejando cómo suenan mis pensamientos cuando estoy ansiosa: capas de idioma y cultura que se superponen y se entrelazan. Como cuidadoras, a menudo se desalienta a las mujeres a cuidar de sí mismas emocionalmente. Esta canción nos recuerda que podemos dejar atrás esas expectativas y confiar en que quienes realmente nos comprenden seguirán ahí”. Ege canta en frases cortas y emplea el scat. Un tema de corte bop.

Ege compuso "Aklında Kalmasın" tras una larga relación. Canta en turco lo que no deja de sorprender cómo encaja perfectamente con el componente jazzístico de este tema, cargado de swing.

La juguetona “Seninle Dans” de Lucas Longaresi  con letra de Ege, muestra una vez más la fusión de culturas, la brasileña (samba) y la turca (letra).

El cuarto tema de las sesiones de Estambul es "Eyes of Innocence" con música de Utar Artun, profesor de Berklee College y del Conservatorio de Nueva Inglaterra, y letra de Ege, que comenta: "La melodía inicial me recordó inmediatamente a un niño, y a partir de ahí, la letra se convirtió en una conversación con mi niño interior. Sigo volviendo a la idea de proteger y sanar una versión más joven de nosotros mismos". Özçağatay interviene con la flauta.

Ege posee esa característica, tan importante para una vocalista, que es narrar historias, hacer las canciones creíbles. Y lo hace sin esfuerzo, de forma natural, sin el menor atisbo de virtuosismo innecesario.

Su voz es singular, cautivadora, técnicamente precisa y expresiva, sensual y llena de intimidad.

 

La Habitación del Jazz