jueves, 21 de julio de 2022

DAVID SANCHO 3 CD: Meditaciones

 

Pistas

1.Mikado 2.Moi’s Torpedo 3.Meditaciones 4.Base Shackleton 5.Amunsen vs Scott 6.PC=PG 7.Ed Song 8.Psalmo

 

Intérpretes

David Sancho – piano, teclados, guitarra eléctrica, programaciones

Jesús Caparrós – bajo eléctrico, efectos sonoros

Borja Barrueta – batería, percusión, lap steel

 

Sello discográfico: Errabal Jazz

Grabado en Camaleón Estudio el 15,15 y 17  de diciembre de 2021

 

David Sancho Mangas nace en Madrid. Se gradúa en Piano y Pedagogía del Piano en el Conservatorio Superior de Música de Madrid y posteriormente consigue el título en Piano Jazz por el Conservatorio Superior de Rotterdam (Codarts Hogeschool voor de Kunsten), siendo galardonado con la beca Nuffic Scholarship, la más prestigiosa de los Países Bajos.

En el ámbito clásico ha grabado las “15 invenciones a dos voces” de J.S.Bach; ha participado con el Moisés Sánchez Ensemble en la interpretación de "La Consagración de la Primavera" de Igor Stravinsky en los ciclos “Arte Sacro” de los Teatros del Canal en Madrid. Su producción jazzística propia combina bandas como MONODRAMA o el dúo SANCHEMA. Colaborador habitual de Jorge Pardo, Noa Lur, Antonio Lizana, Moisés P. Sánchez, Henry Cole, Cristina Mora, Ariel Brínguez, Reiner Elizaldre, Pablo Martín Caminero, Chema Vílchez,   Ernesto Aurignac, Michael Olivera, por citar unos pocos.

Sancho se mueve dentro de distintas estéticas, como el jazz, el flamenco, el hip hop, el pop o la música clásica.

David Sancho 3 es su nuevo proyecto que, tras la publicación y el éxito que la han dado sus anteriores trabajos en solitario (“Piano Solo”, “From Home”), nos presenta su nuevo trabajo discográfico “Meditaciones” en formato trío junto a los reconocidos músicos de la escena nacional Jesús Caparrós al  bajo eléctrico y Borja Barrueta en la batería.

Sancho sabe combinar con gran destreza el sonido clásico de un trío de jazz, piano bajo y batería, con elementos electrónicos, sintetizadores, guitarras, lap steel y baterías electrónicas. La sonoridad que adopta es muy original, nada recargada.   

“Meditaciones” lo integran ocho composiciones originales, de calidad, con diversas influencias donde Sancho deja espacio suficiente para que sus compañeros aporten ideas y enriquezcan el producto final.

Empieza el disco con “Mikado” donde Sancho establece un paralelismo con la puntuación del juego Mikado y los ritmos del tema. Además es un homenaje a sus suegros que fueron los que le enseñaron el juego. Es el corte de mayor duración del disco y no solo mantiene la intensidad inicial sino que la aumenta hasta su finalización. Buen inicio.

“Moi’s Torpedo” empieza en acústico y continua con las programaciones y efectos sonoros. El bajo, piano y batería se grabaron en directo. Los sintetizadores, salvo el del sólo, se añadieron   después. La composición es un homenaje a Moisés P Sánchez,  amigo de Sancho. Rock progresivo.

“Meditaciones” que da título al disco, se basa en un piano repetitivo, a modo de mantra o respiración. Sancho nos hace ver que el día a día no siempre funciona como quisiéramos. La mente divaga a su antojo, como la música en este tema. Muy bien reflejados esos estados de ánimo. Lo acústico y lo electrónico en perfecta armonía.

“Base Shackleton” es una introducción de sonido profundo y sideral, que da paso al siguiente tema,  “Amundsen vs Scott”. Estos héroes que tanto contribuyeron al conocimiento de la Antártida y que nos legaron inventos como las gafas de sol, los esquís o las barritas energéticas. Sancho sugiere esos momentos y experiencias con este tema intenso de principio a fin.

 “PC = PG” son las iniciales de Phil Collins y de Peter Gabriel respectivamente. Sancho homenajea a los dos cantantes de Genesis.  La línea de bajo es interesante y la composición en conjunto  también.

“Ed Song” es un tema dedicado al pianista venezolano  Edward Simon, por el que Sancho tiene gran admiración. Es un buen tema de jazz para trío donde los tres componentes brillan pero quizás destaque algo más el papel del bajo sobre todo en la última parte.

Sancho se define como no religioso, pero con los años se está acercando a cierta espiritualidad. El tema que cierra el disco, “Psalmo”, va en esa línea, si bien nace a raíz del entierro  de su abuela, persona bastante religiosa. “Es un homenaje a la gente que pierdes. Una pieza sencilla hecha desde el corazón” dice Sancho.  Una preciosa pieza llena de sentimiento, añadiría.

“Meditaciones” es un excelente trabajo.

La Habitación del Jazz

 

miércoles, 20 de julio de 2022

NEOBIONT CD: Neobiont

 


 

Pistas

1.Alien Species I 2.Troodon 3.Vale 4.Mar 5.Opuntia 6.Alien Species II 7.Xilef

 

Intérpretes

Benedikt Jäckle - saxos

Leandro Irarragorri - piano

Jakob Obleser - contrabajo

Jonas Esser - batería

Jonas Kaltenbach – batería

 

Grabado en julio de 2021 en Loft Cologne

Publicado el 24 de junio de 2022

 

Benedikt Jäckle es un saxofonista, compositor y líder del grupo alemán Neobiont. Comenzó a tomar lecciones de saxofón a la edad de 7 años. Cuando tenía 15 años, se convirtió en miembro de la Orquesta Juvenil de Jazz de Renania Palatinado y allí comenzó a pensar en convertirse en músico profesional. Fue a estudiar a la Universidad de Música y Artes Escénicas de Mannheim, y terminó su licenciatura en el otoño de 2020.

Jäckle actúa regularmente en Alemania y Europa y tuvo la oportunidad de tocar varias veces en América del Norte y del Sur.

Procedentes de Alemania y Suiza, los cinco miembros de la banda Neobiont comparten la pasión por la música jazz y el entusiasmo por explorar nuevas formas de interactuar musicalmente entre ellos. Además de  Benedikt Jäckle en los saxos, están Leandro Irarragorri en el piano, Jakob Obleser al contrabajo, y dos bateristas Jonas Esser y Jonas Kaltenbach.

El nombre de la banda “Neobiont” (del griego νέος (néos) "nuevo" y φυτόν (phutón) "planta") se refiere a una especie invasora que no es nativa de una región geográfica.

Acaban de lanza su disco debut, homónimo, fuertemente influenciado por el bebop, el pop afrobrasileño de vanguardia de los años 60, así como por las experiencias personales y musicales de los músicos durante su desarrollo en Alemania.

Después de trabajar en varias ideas musicales diferentes, la banda finalmente se decidió por siete composiciones que representan mejor su proceso adaptativo y que ha desembocado en un disco de sonido fuerte en el que queda patente su alegría de tocar música.

Jäckle firma tres de los cortes del disco “Alien Species I”, bonito tema introspectivo, con Jäckle a la cabeza y el resto del grupo acompañándole. Un buen comienzo que se hace corto. Tiene su continuidad en “Alien Species II” con una mayor presencia con free y progresivo. “Opuntia” sigue esa misma línea argumental con cierto sabor oriental.

Irarragorri firma otros tres temas:  ”Troodon” y  “Mar” ambos similares, intensos y con trazas coltrenianas  y “Xilef” con un bonito diálogo entre el saxo y contrabajo. Por último Kaltenbach firma “Vale”, con un bonito comienzo del piano al que se une el saxo.

Aun siendo tres los compositores de los temas del disco, podrían formar parte de una suite.

Neobiont crean un sonido particular, personal, con profundo impacto espiritual y emocional.

 

La Habitación del Jazz

martes, 19 de julio de 2022

DANA FITZSIMONS with BILL GRAHAM and BRANDON BOONE CD: Fault Lines

 


Pistas

1.Slant Anagrams 2.Agitation Lullaby 3.Crystals 4.Ice Bridges Before Road 5.Borders 6.Number Six 7.Where or When 8.It Should’ve Happened a Long Time Ago 9.Weeble Wobbles 10.Intersections 11.Amelia

 

Intérpretes

Bill Graham – piano

Brandon Boone – contrabajo

Dana Fitzsimons - batería

 

Grabado en Studio 1093, Athens, Georgia, USA el 3 y 4 de enero de 2022


El estadounidense Dana Fitzsimons es un baterista que forma parte de un proyecto de jazz libre con el pianista, autor y educador Bill Graham y el bajista Brandon Boone, además dirige el conjunto de jazz tradicional The Hot Club of Atlanta.

Se graduó de la Facultad de Derecho William and Mary con un título de Juris Doctor en 2001. Fitzsimons pasó años estudiando la trompeta, pero cambió su enfoque a la batería mientras estaba en la facultad de derecho. Es miembro del trío de vanguardia The Cheap Ensemble, con el saxofonista Chris Otts y el guitarrista Patrick Arthur

El trío se había reunido varias veces antes del confinamiento por la pandemia de COVID pero la situación impedía cualquier posibilidad de presentaciones en vivo o desarrollo colectivo.

Después del asilamiento durante dos años, entraron en un estudio, cuando descubrieron que su estímulo original no disminuía sino que era más agudo e insistente. “Fault Lines” es el resultado de esa grabación.

Bill Graham contribuye al álbum con seis composiciones. La primera es "Slant Anagrams", una pieza rápida y enérgica  con una destacada participación de Fitzsimons, tanto en sus solos como en el acompañamiento.

La segunda es “Ice Bridges Before Road”, una balada impresionista con Graham moviéndose entre lo sutil y el drama enigmático. Bien podríamos estar ante una pieza clásica.

La tercera,  “Borders”, es un grito musical contra las barreras físicas y sociales que mantienen la distancia entre las personas. Pieza con fuerte carga de improvisación, Boone y Fitzsimons complementan  magistralmente al piano de Graham y los tres caminan por senderos que varían el tempo. Pieza enigmática y que recuerda pasajes de Jarrett.

Siguiendo con las composiciones de Graham, encontramos “Number Six” que vuelve a impresionarnos y nos hace disfrutar de jazz en trío. La melodía va y viene,  la percusión es potente sin avasallar y el contrabajo es el pegamento.

Dos temas más llevan la firma de Graham, el divertido “Weeble Wobbles”, llamado así por un juguete que no puede caerse y esa es la sensación que transmite y “Intersections”, otra pieza clásica con el contrabajo y la batería colaborando en la improvisando junto a las notas del piano.

“Crystals” es una pieza compuesta por los tres miembros y es un buen ejemplo de improvisación basada en imágenes que Fitzsimons le dio a la banda antes de tocar sin elementos compuestos de antemano.

“Agitation Lullaby” está firmada por Fitzsimons y el saxofonista Chris Otts. Fundamentalmente participan la batería y el piano con una pequeña intervención del contrabajo. La canción refleja el recuerdo de Fitzsimons de que su madre, que tiene una voz hermosa, cantaba a sus hijos pequeños para que se durmieran, durante un momento en que estaba experimentando una gran cantidad de estrés en su vida. Bella la interpretación del piano y fundamental en el desarrollo del tema, la batería incrementa la emotividad del mismo.

“Where or When” es el único estándar en el álbum. El trío toca esta composición de Rogers & Hart con el respeto que se merece.

“It Should Have Happened A Long Time Ago” es de Paul Motian. Comienza con un excelente solo de Boone al que se incorpora la batería. Excelente e inquietante versión llena de intriga y sutilizas. De lo mejorcito del disco, y eso que hay muchos temas de calidad en él.

El disco termina con la canción de Joni Mitchell titulada “Amelia”. Siento debilidad por Mitchell, por esta canción, y como ya he dicho en las más de una ocasión, por las adaptaciones al jazz de temas pop (grandes temas pop). Qué mejor forma de terminar este excelente disco.

 

La Habitación del Jazz

 

lunes, 18 de julio de 2022

SPIRAL TRIO CD: Broken Blue

 


Pistas

1.Rubicon 2.Hig 3.Broken Blue 4.Once Upon a Summertime 5.Bipolar 6.Ding Dong 7.Blue Flower 8.Portrait in Yellow

 

Intérpretes

Spyros Manesis - piano

Arionas Gyftakis – contrabajo

Anastasis Gouliaris – batería

 

Sello discográfico: Odradek Records

Grabado en Artracks Recording Studios, Atenas, Grecia el 17 y 18 de abril de 2021

Publicado en 2022

 

Spyros Manesis creció en Zakynthos. Le encantaba Beethoven y los Beatles. Más tarde encontró su camino hacia Dr. John, y el camino hacia Brad Mehldau, Keith Jarrett y Paul Bley.

Arionas Gyftakis creció en Kalamata. Aprendió los secretos de la música a una edad temprana y cuando escuchó tocar el contrabajo por primera vez en un grupo de jazz, supo que sus estudios musicales irían en esa dirección.

Anastasis Gouliaris creció en Atenas, en Peristeri, y entre las calles de la vida urbana la música de Tom Waits le introdujo por primera vez en el jazz.

Tres componentes se encontraron con el mismo profesor aprendiendo improvisación de jazz y así comenzó esta colaboración.

En 2017 lanzaron su primer álbum "Spiral Trio", con estándares. Giraron por Grecia, España y Portugal, y esta experiencia musical fortaleció la confianza y la comunicación entre ellos.

El disco abre con “Rubicon”, una balada muy lírica, que recuerda a tiempos pasados, con Manesis, su compositor, lleno de expresividad y sutiliza. Gyftakis tiene su momento de lucimiento. Evans, Jarrett, hay mucho de muchos pianistas en este tema.

“Hig”, compuesta por Gouliaris, comienza intimista pero va cogiendo velocidad convirtiéndose en un tema enérgico, extrovertido lleno de matices rítmicos. Gyftakis realiza un largo solo.

“Broken Blue”de  Manesis es una composición bop con muchos recovecos a explorar. Los tres músicos funcionan como una máquina bien engrasada. Buen tema.

“Once Upon a Summertime” de Michel Legrand es la única canción no compuesta por el trío. Sin duda el momento más calmado del disco. Spiral Trio nos brinda una elegante y nostálgica versión. 

“Bipolar” de Manesis basada en la armonía del estándar de jazz “Solar” de Miles Davis se nos muestra alegre y atrevido. Otra muestra de la calidad de este grupo.

“Ding Dong” de Gyftakis es un tema complejo, que exige atención y que sirve para que su autor nos muestre sus posibilidades en un largo diálogo con Gouliaris. El piano de Manesis aporta su punto de intriga incluso terror. 

“Blue Flower” también de Gyftakis, nos devuelve a modelos más convencionales no exentos de expresionismo y complejidad contenida.

El disco termina con “Portrait in Yellow de Gouliaris, una pieza impresionista con reminiscencias de clasicismo.

Este segundo trabajo es un paso adelante en la definición de su identidad como grupo.

En su música hay mucho del trío de Jarrett, de Motian, de Paul Bley y un largo etcétera. Lo han absorbido poco a poco pero está dando sus frutos.

Este trío tiene una proyección extraordinaria.

 

La Habitación del Jazz

domingo, 17 de julio de 2022

MARIAN PETRESCU, JOEL LOCHER, ALEX RIEL CD: Live Jazzhus Montmartre Copenhagen

 


 

Pistas

1.Introduction 2.Moanin 3.My Romance 4.Tricotism 5.Always and forever 6.Cakewalk 7.Sally's Tomato 8.Noreens Nocturne 9.The man I love

Intérpretes

Marian Petrescu – piano

Joel Locher – contrabajo

Alex Riel – batería

 

Sello discográfico: GLM Music

Publicado el 24 de junio de 2022

Grabado en vivo el 22 y 23 de septiembre de 2021 en el

Jazzhus Montmartre de Copenague

 

 

Marian Petrescu proviene de una gran familia de músicos. Comenzó a tocar el piano a la edad de cuatro años, estudió en un conservatorio de música clásica y jazz en Suecia y luego en la Academia Sibelius en Helsinki.

Con su formación clásica, técnica impresionante e interpretaciones dinámicas, Petrescu se volcó al mundo del jazz y la improvisación.

Martial Solal,su mentor en Paris,  lo llama el “Horowitz del jazz”.

Joel Locher (Martin Taylor, Ludovic Beier, André Ceccarelli, Pee Wee Ellis, Scott Hamilton, Philip Catherine…) es un contrabajista muy reclamado y  apreciado, especialmente en la escena Gypsy Jazz.

El baterista Alex Riel, que ha ganado varios premios, y es un maestro en su oficio. Repetidamente referido como una "leyenda viviente", es considerado uno de los bateristas de jazz más importantes e influyentes de Europa. Riel ha tocado con prácticamente todas las grandes leyendas del jazz: Chet Baker, Dexter Gordon, Oscar Peterson, Ben Webster, Bill Evans, por nombrar solo algunos.

Curiosamente se da la circunstancia de que Riel comenzó su carrera como miembro de la banda del Montmartre Jazz Club de Copenhague, junto al bajista Niels-Henning Orsted Pedersen y Tete Montoliu o Kenny Drew al piano.

El trío se conoció en 2017 durante una breve gira por Alemania y Suiza. Riel invitó a Petrescu y a Locher a Jazzhus Montmartre en Copenhague para tocar juntos en dos conciertos dobles. A Locher que siempre había deseado tocar en ese espacio,  le quedó claro que deberían grabar un disco con esas actuaciones.

Los ocho temas elegidos para formar parte de este trabajo, llevan la firma de grandes autores e intérpretes.

Cuatro de ellos son de Oscar Peterson: el conocido  “Cakewalk”, que le dio la oportunidad a Peterson de mostrar sus habilidades al piano; “Sally’s Tomato” de la que hacen una versión de más del doble de la duración habitual y “Noreens Nocturne”. El último tema de Peterson es “Tricotism”, excelente ejemplo de una melodía de be-bop a una velocidad de vértigo. Las cuatro se ajustan bastante a los originales en lo que a su interpretación se refiere. También encontramos la inmortal “Moanin’” de Bobby Timmons, donde Petrescu introduce una notas juguetonas y Locher nos brinda un gran solo.

La popular “My Romance” de Richard Rodgers, escrita en 1935 para el musical “Jumbo” de Billy Rose. El trío transmite esa atracción romántica entre dos personas, a menudo enumerando elementos que no son necesarios para que esta atracción funcione. Grandes solos de Locher y Riel.

De Pat Metheny podemos escuchar la intimista  “Always and Forever” a la que Petrescu aporta un fuerte componente clásico.

El disco cierra con la maravillosa canción “The Man I Love” de Gershwin. El trío la aborda de forma algo ampulosa (recargada) también con un fuerte componente clásico, para continuar con un ritmo vivo que le hace perder ese carácter trágico que hace tan irresistible a esta composición, sobre todo en las versiones cantadas. 

Petrescu, Locher y Riel no pretenden reinventar el concepto de trío, más bien asientan el sonido típico del trío de piano, contrabajo y batería. La técnica de los tres músicos es pasmosa, y las interpretaciones gozan de gran brillantez a lo que habría que añadir la espontaneidad del directo.

 

La Habitación del Jazz