JANINAH BURNETT CD: Love The Color of Your Butterfly

 

Títulos

1.Creole Girl 2.What Is This Thing Called Love?/ Habañera    3.E Lucevan Le Stelle 4.Keep Your Eyes On The Prize  5.My Love 6.In A Sentimental Mood 7.T.G.T.T. 8.Someday We’ll All Be Free 9.Kiss Of Life 10.Lament/Strange Fruit 11.I Loves You Porgy 12.Honeysuckle Rose Retro Intro 13.Honeysuckle Rose

Intérpretes

Janinah Burnett – voz   

Christian Sands – piano (1,3,6,9-13)

Sullivan Fortner – piano (2,5,8)

Keith Brown – piano (7,12,13)

Ben Williams – bajo eléctrico (4,9,12,13)

Luques Curtis – contrabajo (1-3,5,6,8,10)

Terreon Gully – batería (1-6,8-10,12,13)

Casey Benjamin – vocoder, saxo (9)

 

Sello discográfico – Clazz records

Grabado en enero de 2018- marzo 2019 en Teaneck Sound Studios.

Publicado el 12 de febrero de 2021      

 

Janinah Burnett es hija del legendario baterista de jazz Carl Burnett y la escritora, educadora y artista Imani Constance. Janinah  creció rodeada de músicos como  Horace Silver, Freddie Hubbard, Eddie Harris, Nancy Wilson, George Cables, Art Pepper, Gene Harris y Billy Higgins y muchos otros que inspiraron sus inicios musicales. Nunca estuvo limitada por un solo estilo, por lo que quería poder usar su voz para cantar todos los estilos. Burnett canta jazz, blues, soul, canciones artísticas, espirituales y ópera. Ha actuado en multitud de óperas y con orquestas de todo el mundo.

Acaba de publicar su primer álbum titulado “Love the Color of Your Butterfly”. El título recuerda las palabras de apoyo de su madre ("no puedes ser otra mariposa, tienes que amar el color de tu mariposa")

Los orígenes de “Love the Color of Your Butterfly” se remontan a una actuación de 2016 en el Cell Theatre en Nueva York, durante la cual Burnett interpretó "What Is This Thing Called Love" de Cole Porter (fusionada con segmentos de "Habanera" de la ópera Carmen de Bizet) y "E Lucevan Le Stelle" de la ópera  Tosca de Puccini (ambos temas aparecen en el álbum) uniendo el estilo por el que era famosa y su pasión por el jazz.

Disco ecléctico en estilos, pues están presentes la ópera,   espiritual, blues, soul y jazz. El disco es una fusión de estos estilos musicales que son los elementos musicales de su vida y carrera artística.

Le acompañan en esta aventura, músicos de reconocido prestigio: Sullivan Fortner, al piano, con quien colabora por primera vez; Christian Sands (Roy hargrove, Cecile McLorin Salkvant, Christian McBride, Gregory Porter,…),  al piano, nominado al GRAMMY® al Mejor Álbum Instrumental de Jazz;  Casey Benjamin (Philip Bailey, Stephon Harris & Blackout,…), al saxo y vocoder, uno de los miembros originales del Robert Glasper Experiment, ganador del premio GRAMMY®; Keith Brown (Jazzmeia Horn, Camille Thurman, Dezron Douglas, Sherman Irby,…), el tercer pianista del disco; Luques Curtis, contrabajista colaborador con Eddie Palmieri durante muchos años; Ben Williams (Wynton Marsalis, George Benson, Pat Metheny, Jacky Terrasson, David Sanborn, Chaka Kahn y Pharrell, Stefon Harris & Blackout, …) al bajo eléctrico y Terreon Gully (Kurt Elling, David Sanborn, Sting, Queen Latifah, Lauryn Hill, Common,…) ganador del premio GRAMMY®, en la batería, arreglista y productor del disco. En palabras de Burnett: “Él es la columna vertebral de toda esta operación. Terreon reunió a todos los artistas incluidos en este proyecto. Lo conozco desde hace más de 20 años”.

El disco se inicia con “Creole Girl” (del ciclo de canciones Night Songs de Leslie Adams) donde el piano, contrabajo y batería  acompañan a una espectacular Burnett.

En la segunda pista mezcla el estándar "What Is This Thing Called Love" de Cole Porter  con fragmentos de “Habanera” (en el disco escrito Habañera”) de la ópera Carmen de Bizet. Burnett se mueve por ambos temas con fantástica naturalidad, pasando de una interpretación pura de jazz vocal a la ópera, sin el menor esfuerzo.

“E Lucevan Le Stelle” es una bellísima aria de la ópera Tosca de Puccini. Se inicia con un solo de piano que introduce a Burnett, que interpreta de forma clásica el tema operístico. Inteligentemente se incorporan el contrabajo y la batería, que a mi parecer no desentonan dentro del marco de la canción. Híbrido entre el jazz y el mundo clásico (ópera en este caso) que Burnett denomina como “clazz”.

"Keep Your Eyes on the Prize", es un espiritual tradicional, relator de los derechos civiles estadounidenses, que sirve de lucimiento a Williams al contrabajo con Gully a los coros y  percusión y por supuesto una gran interpretación de Burnett. 

Le siguen tres canciones de Duke Ellington: dos de su serie Sacred Concert, “My Love” con un sutil acompañamiento de Fortner al piano, Curtis al contrabajo y Gully a la batería y  la bella canción sin palabras,  “TGTT”, acrónimo de “To Good To Title”, a la que se enfrenta Burnett solo acompañada al piano de Brown; y por último la insuperable “In a Sentimental Mood” con Sands al piano, Curtis al contrabajo y Gully a la batería y Burnett que ataca el tema de forma tradicional, consiguiendo una maravillosa versión.

"Someday We’ll All Be Free" de Donny Hathaway, canción pop-soul a la que Burnett es fiel en su interpretación.

Se incluye una canción de la gran Sade, "Kiss of Life", con un original arreglo, en el que incluye el vocoder. El resultado es una versión emocionante de esta canción, a la que dota de una nueva personalidad.

La solemne “Lament/Strange  Fruit”, otro estándar, popularizado por Billie Holiday, que adereza con toques operísticos que acentúan su carácter dramático. Interesante versión.

"I Loves You Porgy", de Gershwin,  se suma al ambiente dramático, con Burnett acompañada de Sands al piano. Otra bella canción bellamente interpretada.

El disco termina de forma más alegre con una rítmica  "Honeysuckle Rose", de Fats Waller, la primera canción en solitario que Janinah interpretó con la voz y un conjunto de jazz cuando estudiaba en Hamilton High School, donde se inscribió en la Academia de Música y Artes Escénicas. Tratamiento principalmente jazzístico que incluye un corto pero sustancioso scat de Burnett.

La mezcla de estos géneros es difícil y arriesgada, pero creo honestamente que está lograda en este disco, con todos los “peros” que se quieran poner. Los amantes de la ópera encontrarán momentos gloriosos y los amantes del jazz también. Dependiendo del grado de purismo de unos y de otros, aplaudirán este llamado “clazz” o no.

Este era un sueño de Janinah Burnett y ¿por qué no lo iba a llevar a efecto?.

 

La Habitación del Jazz

FREDDIE KING Vinilo: My Feeling For The Blues

 

CARA A

1.Yonder Wall

2.Stumble

3.I Wonder Why     

4.Stormy Monday

5.I Don't Know        

CARA B

1.What'd I Say

2.Ain't Nobody's Business What We Do

3.You Don't Have To Go

4.Woke Up This Morning

5.Things I Used To Do

6.My Feeling For The Blues

 

Intérpretes

Freddie King – voz, guitarra solista

Cornell Dupree - guitarra

Ernie Royal – trompeta

Martin Banks - trompeta

Frank Wess – saxo tenor

George Coleman – saxo tenor

George Stubbs – piano

King Curtis – solo de saxo tenor (A2), marimba (B1)

Jerry Jemott - bajo

Kenneth Rice - batería

Trevor Lawrence – saxo barítono, saxo tenor

Willie Bridges – saxo barítono, saxo tenor

Hugh McCracken – armónica (B3,B5)

 

Sello discográfico: Cotillion

Grabado en 1969 en los estudios Atlantic de Nueva York

Publicado en 1970

 

 

En colaboración con Planeta DeAgostini y dentro de la colección “Blues en Vinilo”, La Habitación del Jazz publica la reseña correspondiente a esta entrega que en esta ocasión está dedicada a Frederick Christian King, también conocido como Freddie King, Freddy King y “The Texas Cannonball” (por su estilo  imaginativo y poderoso se ganó este apelativo, nombre de una famosa locomotora)  Nació en Gilmer, Texas. Con sus dos metros de altura  y 136 kilos de peso, atraía todas las miradas cuando salía al escenario. Se le considera como el músico que unió las dos grandes escuelas de blues, la tejana y la de Chicago.

De origen muy humilde, se crio en los campos de algodón y a los cinco años tuvo su primera guitarra aunque fue un encuentro con Lightnin' Hopkins el que le empujó a ser músico.

Llegó a Chicago en 1952, a los 18 años de edad. Se colaba en todos los garitos del South Side para ver a los más grandes, Muddy Waters, Howlin' Wolf, T-Bone Walker, Elmore James o Sonny Boy Williamson. Entonces formó su primera banda, llamada los Every Hour Blues Boys. En 1956 grabó su primer disco como líder.

Pero en 1962 tomó una decisión que le apartó de la senda del éxito, dejar Chicago para volver a Texas a criar a sus hijos. A pesar de que siguió grabando, sus discos, con mezclas de estilos como la bossa nova o el llamado surf,   no alcanzaron el éxito esperado. Freddie King daba más de 300 conciertos al año aderezados por grandes cantidades de Bloody Marys. En 1976, mientras tocaba en Nueva Orleans, se desmayó en medio de un solo y tuvo que ser hospitalizado. Tenía varias úlceras de estómago pero King siguió en la carretera y tocó en Nueva York el día de Navidad. Al volver a Dallas le hospitalizaron y murió en la noche del 28 de diciembre de 1976 a la edad de 42 años.  

“My Feeling for the Blues” (1970) es uno de los dos discos, junto a “Freddie King Is a Blues Master” (1969)

Que grabó en el sello Cotillion Records, una subsidiaria de Atlantic Records, con la que firmó gracias al productor y saxofonista  King Curtis. En ese momento Freddy King cambió la grafía de su nombre por Freddie.  

El propio Freddie King aparentemente no estaba del todo satisfecho con su producción de Cotillion, citando el sonido de su guitarra como la razón principal. Optó por irse y firmar con el sello Shelter de Leon Russell.

Centrándonos en “My Feeling for the Blues”, King se acompaña de un buena banda instrumental, como hacía siempre en sus actuaciones, incluía vientos que acentuaba el carácter soberbio de sus intervenciones vocales y de sus solos de guitarra. Podemos encontrar al propio King Curtis, Frank Wess, George Coleman y Martin Banks. La mayoría, músicos de sesión de la Atlantic, como el bajista Jerry Jemmont o el guitarrista de sesión Cornell Dupree.

Son temas cortos de gran intensidad, principalmente de blues pero que también rozan el Rock & Roll y el soul.

El disco incluye fantásticos temas, algunos cantados otros instrumentales, de Elmore James, B.B. King, T-Bone Walker, Willie Mabon, Ray Charles y Guitar Slim, Jimmy Reed o Jimmy Witherspoon, además de dos canciones de cosecha propia.

Freddie King tenía una característica manera de tocar su Gibson ES-355. Se convirtió por méritos propios en uno de los bluesman más emblemáticos de la historia y nos dejó obras insuperables a pesar de morir tan joven.

Su forma de tocar la guitarra con fuerza y el ritmo  adecuado en cada momento, “blusero”, “soulero” o roquero se pueden apreciar en este fantástico disco.

Su tono de guitarra inspiró a una legión de guitarristas como Eric Clapton, Peter Green, Mick Taylor, Jeff Beck, Alvin Lee, Paul Kossof o Stevie Ray Vaughan.

Y no olvidemos su voz, potente pero sin estridencias y con sentimiento que también ha inspirado a alguno de esos mismos guitarristas.

En vida no tuvo el reconocimiento que se merecía pero desde su muerte su brillo no ha hecho sino crecer hasta colocarle a la altura de los otros dos reyes del blues, B.B. y Albert King.

"My Feeling For The Blues" es un tributo a los grandes del  blues. Uno de los mejores discos de blues, difícil de encontrar hasta que se ha vuelto a editar en vinilo.

 

Si os gusta el blues y la guitarra, no os podéis perder este disco.

La Habitación del Jazz

 

DAL SASSO BIG BAND CD: John Coltrane's Africa / Brass Revisited

 

  

Pistas

CD 1

1. Tunji 2. Greensleeves 3. Blues Minor 4. Africa

CD 2

1. Liberia 2. You Don't Know What Love Is 3. Song of the Underground Railroad 4. Naima

 

Intérpretes

Christophe Dal Sasso – flauta, dirección, arreglos

Dominique Mandin – saxo alto, flauta

Géraldine Laurent – saxo alto

Sophie Alour – saxo tenor, clarinete, flauta

David El-Malek – saxo tenor

Julien Alour – trompeta, flugelhorn

Quentin Ghomari -  trompeta, flugelhorn

Jerry Edwards - trombón

Daniel Zimmermann - trombón

Thomas Savy – clarinete bajo, saxo barítono

Pierre de Bethmann - piano

Manuel Marches – contrabajo

Karl Jannuska - batería

Andy Berlad Catelo, tambor gwo-ka;

 

Sello discográfico: Jazz & People

Grabado en vivo el 11 de septiembre de 2020, en la Grande Halle de La Villette (París) en el marco de la 18ª edición del festival “Jazz à La Villette”.

Publicado el 26 de noviembre de 2021

 

Christophe Dal Sasso, originario del Var, Francia, es un  músico, compositor, arreglista y  formador que ha trabajado en estrecha asociación a menudo con los hermanos Lionel y Stéphane Belmondo.

Desde los ocho años se formó en armonía, antes de comenzar a estudiar la trompeta a los doce, instrumento en el que haría carrera hasta principios de los años 2000.

Se introdujo en el jazz de la mano de  Yvan Belmondo y de  Tony Petrucciani , padre del pianista Michel Petrucciani. En  1998 fundó la Dal Sasso Big Band con la que ha desarrollado un repertorio donde conviven arreglos de temas de otros compositores con composiciones originales, mezclando modernidad y  tradición.

Está considerado uno de los arreglistas más brillantes de Francia. Ha publicado siete discos en diferentes formato, septeto, octeto, noneto y big band. Tras su relectura de “A Love Supreme”,  Dal Sasso vuelve al repertorio de John Coltrane y nos brindan este "John Coltrane's Africa/Brass Revisited", su octavo trabajo, y quizás su proyecto más ambicioso. Lo hace al frente de una Big Band con un doble CD que incluye las tres pistas del álbum de vinilo original de Coltrane, "Africa/Brass", el primero que el saxofonista grabó para el sello Impulse! y el único que grabó en big band. El disco original de 1961 contó con los arreglos de Eric Dolphy y McCoy Tyner y lo grabó con Eric Dolphy, McCoy Tyner, Elvin Jones, los dos contrabajistas, Arthur Davis y Reginald D. Workman y una sección de vientos montada por el productor Creed Taylor (quien dejó Impulse pocas semanas después de las sesiones de grabación de “Africa/Brass”, y dejó su lugar a Bob Thiele) y que incluía a los trompetistas Booker Little  y Freddie Hubbard.

Junto a los tres temas del disco original, “Greensleeves”, “Blues Minor” y “Africa”, se incluyen “Tunji”, “Liberia” y “Naima”, tres composiciones de Coltrane, así como una tradicional inglesa, “Song of the Underground Railroad” y el estándar “You Don't Know What Love Is”.

El álbum abre con “Tunji”,  un tributo personal de Coltrane  al percusionista nigeriano Babatunde Olatunji. Tras una introducción de percusiones espirituales, El-Malek entra de forma grandiosa en escena aumentando la sensación espiritual y para que no decaiga, el tambor gwo-ka de Catelo y la batería de Jannuska tejen un  universo hipnotizante que sirve de alfombra a los vientos. El-Malek continua infatigable y extraordinario. ¡Menudo comienzo!

Tyner sugirió incluir en el disco original de Coltrane el  tema tradicional inglés  “Greensleeves” que en esta ocasión comienza con unas flautas que dan paso a la orquesta y a Sophie  Alour que realiza una arriesgada y potente intervención al tenor. Otro temazo.

El tercer tema del disco uno es “Blues Minor”, que se inicia con un solo de Jannuska que da paso a la orquesta que desarrolla el tema y a Laurent que se luce al alto y posteriormente a Savy al barítono que hace lo propio. La rítmica mantiene la tensión de forma notable.

Marches introduce el cuarto y último tema del primer disco con un buenísimo solo de contrabajo. Se trata de  “Africa”, el corte de mayor duración de los ocho. El-Malek vuelve a hacer de las suyas con el chorro infinito de notas que emergen de su tenor secundado por el resto de la orquesta. Enorme la sección rítmica. La intervención de Bethmann con un solo de piano original y clásico, impide el éxtasis al que nos conducía El-Malek.

Laurent nos presenta (y protagoniza) “Liberia”, primer corte del segundo disco. La orquesta tiene gran presencia  en este tema donde los ritmos africanos están presentes.   

Sigue el estándar “You Don't Know What love is”, tema al que Coltrane guardaba gran  cariño e interpretaba a menudo. Sophie Alour, con el tenor en los labios, impregna de dulzura esta hermosa canción, que nos transmite continuas emociones. ¡Qué hermosa balada y qué gran versión! 

“Song of the Underground Railroad” nos muestra al tenor de El-Malek elevándose a los cielos aupado por el contrabajo de Marches y la batería de Jannuska. Inmensos los tres. Se incluyen más de dos minutos y medio de aplausos y gritos del público asistente.

El segundo disco, y en consecuencia el álbum, termina con una bella y original versión de “Naima”, conducida por el piano de Bethmann, al que se une el saxo de El-Malek y entre ambos nos envuelven en un plácido agradable ambiente. Relajación.

En este trabajo podemos encontrar lirismo, elegancia, fogosidad, potencia y energía a raudales.

La calidad  de la grabación en directo es fantástica. Coged aire y preparaos a escuchar este excelente disco, con una excelente música y unos excelentes arreglos de Dal Sasso, y todo ello  con la fuerza del directo.

 

La Habitación del Jazz

 

CANNED HEAT Vinilo: Canned Heat

 

 

CARA A

1.Rollin’ And Tumblin’  

2.Bullfrog Blues

3.Evil Is Going On   

4.Goin’ Down Slow

5.Catfish Blues

CARA B

1.Dust My Broom

2.Help Me

3.Big Road Blues

4.The Story Of My Life

5.The Road Song    

6.Rich Woman

 

La Banda

Bob “The Bear” Hite - voz principal (excepto B2)

Alan “Blind Owl” Wilson - guitarra rítmica y slide, voz principal (B2), armónica

Henry “Sunflower”  Vestine - guitarra solista

Larry “The Mole” Taylor - bajo

Frank Cook - batería

Ray Johnson – piano (b3)

 

Sello discográfico: Liberty Records

Grabado en abril de 1967, Los Angeles, California

Publicado en julio de 1967

 

En colaboración con Planeta DeAgostini y dentro de la colección   "Blues en Vinilos", La Habitación del Jazz publica la reseña correspondiente a esta entrega que en esta ocasión está dedicada a  Canned Heat. Esta banda se fundó en 1966, por los historiadores del blues y coleccionistas de discos Alan “Blind Owl” Wilson y Bob “The Bear” Hite. Hite tomó el nombre de "Canned Heat" de una grabación de 1928 de Tommy Johnson, un blues siniestro que vaticinaba el final que le esperaba bebiendo el brebaje llamado así y que se popularizó entre los sectores más desfavorecidos de la población y especialmente en los barrios negros. A Wilson y Hit se  unió Henry "The Sunflower" Vestine, otro ferviente coleccionista de discos, ex miembro de Mothers of Invention de Frank Zappa. Completando la banda en 1967 estaban Larry “The Mole” Taylor en el bajo, un músico de sesión experimentado que había tocado con Jerry Lee Lewis y The Monkees y Frank Cook en la batería.

El éxito les vino tras su actuación en el Monterey Pop Festival de 1967 (junto con Jimi Hendrix, Janis Joplin y The Who entre otros muchos).

La banda colaboró con  John Le Hooker, Memphis Slim, John Mayall y Little Richard. Fueron cabezas de cartel en el Festival de Woodstock en 1969.

Su primer trabajo discográfico es este “Canned Heat”, fruto de  la firma del contrato con la compañía de discos  Liberty Records en 1967. Se publicó cuatro semanas después de su actuación en el Festival Pop de Monterey, en junio de 1967. En un principio fue acogido con mucha frialdad. El disco se compone de once temas, versiones y piezas originales. Se inicia con “Rollin’ And Tumblin’”, que había popularizado anteriormente Muddy Waters y con el que triunfaron en Monterey; la tradicional “Bullfrog Blues”, blues roquero como  “Evil Is Going On”, con armónica de Wilson. EL blues profundo “Goin’ Down Slow”, versionado también por los Allman Brothers, Eric Clapton y  King Crimson entre muchos otros.  Los boogie rock “The Road Song” y “Dust My Broom”, ambos muy del estilo Canned Heat. Qué decir de “Help Me”, con la armónica de Wilson destacando. Blues a lo Mayall. Otro gran tema “The Story Of My Life”, historia de un perdedor con un gran Vestine. Los pegadizos “Big Road Blues” y “Rich Woman”, fantástico Wilson a la armónica. Este tema lo cantó muchos años después Robert Plant. Por último “Catfish Blues”, el tema más profundo e intenso del álbum. Excelente la voz de Hite y la guitarra de Vestine.

El 3 de septiembre de 1970, la banda quedó destrozada por el suicidio de Alan Wilson. Su muerte provocó la reconstrucción dentro del grupo y los cambios de miembros han continuado durante las últimas cinco décadas. Con cuarenta álbumes publicados Canned Heat sigue en la brecha con Fito Parra como catalizador del espíritu inicial de la banda.

Por cierto, la portada del disco es todo un homenaje a la famosa y mortal bebida, en ella se puede apreciar en la mesa todo lo necesario para prepararla.

Un disco imprescindible de la banda y del blues.

La Habitación del Jazz

 

ÁNGELES DORRIO CD: Selegna

 

Pistas

1.Terra de Muller 2.Parks 3.Don’t Need 4. La Perla

 

Intérpretes

Ángeles Dorrio – voz

Carmen Rey – piano, teclados

Antón Torroncho Fernández – bajo eléctrico  

Fernando Fraga – guitarras

Diego Puga – batería

Pablo Añón – saxo, flauta

Olga Kirk –pandereta, aturuxo

Sisters In The House – coros

 

Grabada en estudios Disquesi

 

La coruñesa Ángeles Dorrio acaba de publicar un nuevo trabajo titulado “Selegna”. Se trata de un EP con cuatro canciones de las que es compositora. Dorrio tiene una extensa carrera profesional aunque a nivel discográfico no se prodigue todo lo que sería deseable. Además de cantante y compositora es profesora vocal y ha colaborado con artistas como Carmen Rey, MC Rimas, Luar na Lubre entre otros.

Estudió técnica de voz con Helen Rowson y Paul Harrington, además de armonía, improvisación y canto moderno en la Escola-Estudio de Santiago de Compostela y completó su formación en la Guildhall School of Music and Drama de Londres. Forma parte de VenueConnection,  Gospel 3,  Ejazz y es coordinadora del coro femenino Sisters In The House. En 2013 lanzó su primer trabajo en solitario, "Ten Soul".

Volviendo a su álbum “Selegna”, es su segundo trabajo en solitario. Sólo cuatro canciones, pero  las suficientes para emocionarnos. Son cuatro canciones cargadas de sentimiento.

El disco abre con “Terra de Muller”, con la desigualdad de género como telón de fondo. Sisters in the house hacen los coros. Buena intervención de a Añón al saxo y flauta.    

Cambio radical en estilo y en idioma. Pasamos del gallego al inglés en “Parks”, neo soul con matices jazzísticos, homenaje al activista negro que se negó a ceder el paso a un hombre blanco.

Le sigue “Don’t Need”, himno de empoderamiento donde Dorrio saca su voz negra a pasear. De nuevo el inglés como idioma y el neo soul  al más puro estilo neoyorquino. Buen solo de Fraga.  

El cuarto y último tema del EP, “La Perla” es una habanera en la que se acompaña solo al piano interpretado por Carmen Rey, quien también hace los arreglos. Este tema es una bellísima dedicatoria (fantásticamente interpretada) a su abuela materna, Ángeles, a la que podemos oír cantar en una grabación antigua,  al comienzo de la canción.

Esta cantante, que de niña se pasaba el día cantando, utilizando cualquier objeto a modo de micrófono y de pie de micro el palo de la escoba, transmite sinceridad y pone pasión en todo lo que hace. Como dice Dorrio, este disco es «Por todos aquellos momentos de nuestra infancia que recordamos con cariño y que son nuestros para siempre»

 

La Habitación del Jazz