CATHY SEGAL-GARCIA CD: Social Anthems Volume 1

 

 

Pistas

1. For What It's Worth 2. What Are We Gonna Do 3. And So It Goes 4. Down To Earth 5. Get Together / Can't Find My Way Home 6. Save The Children

 

Intérpretes

Cathy Segal-Garcia - voz

Anthony Wilson - guitarra

Josh Nelson – piano, teclados

Lorca Hart - batería

Edwin Livingston - contrabajo

Paul Jost – voz (3), armónica (3)

Mon David - voz (6)

 

Sello discográfico: Origin Records

Grabado el 6-8 de agosto de 2019, 20 y 24 de mayo. 8-9 de junio de 2021, en Hideaway Studios, Los Angeles, CA

Publicado el 17 de septiembre de 2021

 

A Cathy Segal-Garcia, la afición  a la música en general y al jazz en particular le viene de lejos. Su padre era saxofonista y le encantaba el jazz. Desde que tenía 4 años la llevaba a los ensayos de la big band. Cantó con sus  hermanas gemelas durante años. Después de la secundaria, fue a Berklee College of Music que por aquél  entonces no disponía voz, por lo que tocaba la flauta  y estudió arreglos y composición.

Artistas como The Beatles, Cream, Joni Mitchell, Jimi Hendricks, Aretha Franklin, Bonnie Raitt, Weather Report, Pat Metheny, Keith Jarrett, Chick Corea, Miles Davis, John Coltrane calaron en su alma de artista.

Su álbum más reciente, “Social Anthems, Volume 1”, es su decimocuarto CD como líder. Ha estado grabando álbumes de manera constante durante casi 30 años, pero el ritmo de su producción se ha acelerado en los últimos años con la ayuda de su amigo, Dan Davilla, quien coproduce este álbum junto a Segal-García.

Segal-García siempre se rodea de músicos de primer nivel. En esta ocasión trabaja con algunos pilares de la escena del jazz del sur de California. El guitarrista Anthony Wilson (Diana Krall). El pianista, compositor y director de orquesta, Josh Nelson (Kurt Elling, John Pizzarelli, Benny Golson, Sheila Jordan, John Clayton). El bajista Edwin Livingston (Elvin Jones, David "Fathead" Newman, John Beasley, Justin Timberlake, Will.I.Am, Mary J Blige). El baterista Lorca Hart (Bobby Hutcherson, Carmen Lundy, Freddie Hubbard, Stanley Jordan). Y los vocalistas Mon David y Paul Jost.

Las canciones que integran el álbum no pertenecen al género del jazz, pero gracias a los arreglos de Wilson y  Nelson, la interpretación de Segal-García y de todo el grupo, se adaptan al jazz de forma admirable.

Segal–Garcia declaraba: "He estado experimentando sentimientos de malestar y angustia durante bastante tiempo. Y la mayoría de mis amigos han dicho lo mismo. La gente teme por el futuro. Elegí las canciones de este álbum porque sentí que son oportunas y hablan de esos sentimientos".

El disco se inicia con el tema de Stephen Stills "For What It’s Worth", un icono de protesta social de los años 60. Muy buenos arreglos de Wilson, que dan un toque jazzístico peculiar a este tema.

“What Are We Going to Do” es una balada escrita por Segal-García y arreglada por Nelson. Segal-García dice: "La vida no viene con un manual de usuario, y escribí esta canción de camino a un amigo por el que me sentí culpable". Tema con  toques country.

Continuamos con “And So It Goes” de Billy Joel y arreglado por Wilson. Segal-García siente una gran admiración por Paul Jost y quería incluirlo en el álbum. Ella le envió la grabación y quedó gratamente sorprendida con su contribución. Segal-Garcia aporta su sensibilidad que contrasta, pero se complementan a la vez,  con el recitado susurrante y ronco de Jost. Una bellísima canción con sabor country-folk.  

"Down to Earth", de Peter Gabriel y Thomas Newman, de la película Wall-e, es arreglada por Nelson. De nuevo la sensible voz de Segal-Garcia es fielmente acompañada por el resto del grupo.  

El quinto corte del disco se compone de dos canciones,   "Get Together" de Chet Powers, canción que habla sobre el poder del amor y  "Can’t Find My Way Home" de Steve Winwood e inmortalizada por el grupo Blind Faith (Eric Clapton, Ginger Baker, Steve Winwood, Ric Grech) que trata sobre un amigo cercano a Winwood que luchaba contra la adicción al alcohol y las drogas.

Nelson arregló la combinación ambas canciones de los años 60,  dedicando, de los siete minutos y medio,  más de cinco minutos al primer tema. Buena entrada de Wilson con la guitarra. Muy buena versión de ambas canciones.

El disco termina con  "Save the Children", del  álbum de 1971 de Marvin Gaye, “What's Going On”. En esta ocasión arreglado por Wilson. Mon David acompaña a Segal-García formando entre ambos un excelente dúo. Preciosa canción que suplica salvar nuestro mundo para nuestros niños. Conmovedora versión que durante nueve minutos nos hiela el corazón.

Segal-Garcia transmite emociones con suma facilidad. Su cálida voz, sugiere sentimientos que nos hacen meditar.

Como ella misma dice: “los cantantes somos responsables de cosas como emociones, ideas, conceptos, esperanzas, horrores y cuanto más honestamente lo hagamos, mayor será el efecto. Somos capaces de cambiar a las personas que nos escuchan”.

El disco se hace corto y nos quedamos con ganas de más temas, deseando que pronto se publique “Social Anthems Volume 2”.

La Habitación del Jazz

JOHN MAYALL and The Bluesbreakers Vinilo: A Hard Road

Pistas

CARA A

1.A hard road

2.It's Over

3.You don't love me

4.The stumble

5.Another kinda love

6.Hit the highway

7.Leaping Christine

CARA B

1.Dust my blues

2.There's always work

3.The same way

4.The supernatural

5.Top of the hill

6.Someday after a while (You'll be sorry)

7.Living alone

 

La banda

John Mayall – voz, guitarra, armónica (2A,3ª,7ª2B,7B), piano, órgano

Peter Green – guitarra, voz (3A,3B)

John McVie – bajo

Hughie Flint - batería

Aynsley Dunbar – batería

John Almond- saxo tenor

Alan Skidmore – saxo tenor (5A,7A,6B)

Ray Warleigh – saxo alto, saxo tenor

Grabado en octubre / noviembre de 1966

Publicado en febrero de 1967 en el sello Decca

 

 

En colaboración con Planeta DeAgostini y dentro de la colección Blues en Vinilo, La Habitación del Jazz publica la reseña correspondiente a esta entrega que en esta ocasión está dedicada a John Mayall and the Bluesbreakers.

John Mayall (1933, Macclesfield, Inglaterra) fraguó su afición a la música desde niño. Su padre, guitarrista, poseía una gran colección de discos de jazz. Tras tres años cumpliendo el servicio militar en Corea. Durante una corta estancia en Japón, compró una guitarra de nueve cuerdas, que usó en muchos conciertos y grabaciones. Amante del blues de Chicago, Mayall comenzó su trayectoria con su banda, denominada en principio Blues Syndicate, a comienzos de los años 60.  Antes de crear The Bluesbreakers en Londres, el año 1963, estuvo dos años acompañando a músicos de la talla de John Lee Hooker, T-Bone Walker y Sonny Boy Williamson.

The Bluesbreakers  han sido una escuela de grandes nombres del rock. Por este grupo han pasado, entre otros muchos, Eric Clapton, Mick Taylor, Aynsley Dunbar, Jack Bruce, Peter Green, Mick Fleetwood o Andy Fraser.

Antes de grabar este “A hard road”, grabó el que se conoce como “Beano Album” por el tebeo que Eric Clapton leía en la portada. Clapton había dejado los Yardbirds  y su presencia en ese disco catapultó sus ventas y la fama de Mayall. Tras este álbum Clapton dejó el grupo de Mayall para formar Cream  junto a Ginger Baker y Jack Bruce. Después de probar a muchos guitarristas, se decantó por Peter Green (que ya había sustituido a Clapton en otra ocasión),  que con solo 19 años demostró ser un portento a la guitarra. Green, tras grabar “A hard road” se fue del grupo para, junto a Mick Fleetwood (quien pasó también por los Bluesbreakers), formar  Fleetwood Mac, por donde también pasó años después  John McVie.

“A hard road” es el tercer álbum (segundo de estudio) grabado por John Mayall & The Bluesbreakers. Alcanzó el puesto nº 8 en las listas de álbumes del Reino Unido.

Posteriormente se publicaron dos reediciones de este álbum. Una en 2003 (CD doble con 38 pistas) y la otra en 2006 (CD sencillo con 28 pistas). En ambas se recopilaron todas las contribuciones de estudio de Peter Green que hizo a Bluesbreakers de John Mayall durante 1966-1971.

La carátula y el diseño original de la portada del LP son de Mayall y la foto de portada de McVie.

De las catorce pistas, once son cantadas. Mayall lo hace en nueve y destacaría “A hard road”,   una balada emocional en la que canta con voz angustiada mientras el piano en primera línea y el resto de la banda suenan con carácter.  O "Hit the highway" con una voz de doble pista acompañado solo por el piano y la guitarra. La voz en doble pista se repite en el animoso “Leaping Christine”, como el anterior tema, compuesto por Mayall. Otro interesante tema es el oscuro y misterioso "Another kinda love", también de Mayall, con un ritmo de parada y comienzo.

Green canta en dos temas. El primero es "You don’t love me" de Willie Cobbs, que junto a su guitarra y la armónica de Mayall aportan la personalidad de este tema. El segundo "The same way", compuesta por el propio Green, quien demuestra su autoridad cantando. Mayall toca su vieja guitarra de 9 cuerdas que también usa en "Living alone", donde suena un poco desafinada. Mayall usa su guitarra de cinco cuerdas en  “Dust my blues”, de Elmore James y en "Top of the hill", más relajado que el anterior.

En el disco hay tres instrumentales, "The stumble" de Freddie King donde se luce Green a la guitarra;  "There’s always work" de Mayall (la pista más corta del disco) no es un instrumental puro, pues hay voces de fondo. Es un experimento curioso donde la armónica de doble pista resopla y aúlla. Dominan las reverberaciones y los gemidos. El tercer y último instrumental es a su vez el segundo tema compuesto por Green, “Supernatural”. Se trata de un tema fantástico, compuesto especialmente para este disco,  precursor de  "I loved another woman" y el temazo que popularizó Santana,  "Black magic woman". Canción de gran belleza con Mayall al órgano y Green luciéndose en la guitarra. Sin duda uno de los grandes temas del álbum.  Como curiosidad, Dunbar toca con mazos de timbales, algo poco usual en el blues.

John Mayall es uno de los máximos exponentes, si no el mayor, del blues británico. Nunca  se presentó como un blanco con alma negra, su sinceridad dice mucho a su favor.

 

La Habitación del Jazz

 

B.B. KING Vinilo: Live At The Regal

  

Pistas

CARA A

1.Every day (I have the blues)

2.Sweet Little Angel

3.It’s my own Fault

4.How Blue can you get

5.Please love me

CARA B

1.You upset me baby

2.Worry, Worry

3.Woke up this mornin’

4.You done lost your good thing now

5.Help the poor

 

La banda

B.B. King – voz, guitarra

Leo Lauchie – bajo

Duke Jethro – piano

Sonny Freeman – batería

Bobby Forte – saxo tenor

Johnny Board – saxo tenor

Kenneth Sands – trompeta

 

Grabado el 21 de noviembre de 1964 en el Regal Theatre de Chicago

 

En colaboración con Planeta DeAgostini y dentro de la colección “Blues en Vinilo”, La Habitación del Jazz publica la reseña correspondiente a esta entrega que en esta ocasión está dedicada a B.B. King (1925, Itta Bena, Misisipi), uno de los máximos exponentes de blues de todos los tiempos. Nacido Riley Ben King, cuando decidió dedicarse a la música, cambió su nombre por el de Blues Boy, que luego abrevió a B.B. Este guitarrista, cantante y artista se presenta en esta fantástica colección de vinilos con “Live At The Regal”. Regal es un club de Chicago fundado en 1927 donde, según el propio King, había tocado cientos de veces antes de la actuación recogida en este disco y que sentía que habían tocado "cientos de conciertos mejores que el grabado en el Regal". Pero este álbum está considerado uno de los mejores álbumes de blues jamás grabados y ocupa el puesto 141 en los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. En 2005, “Live at the Regal” fue seleccionado para su conservación permanente en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos.

King era un trabajador infatigable, dio una media de 200 conciertos por año, superando los 300 en más de una ocasión, siendo en 1956 cuando establece su record con 342 conciertos.

El concierto  (y el álbum) empieza con esta frase por parte del presentador: “Damas y caballeros, ¿qué tal un cálido aplauso para dar la bienvenida al mejor cantante de blues del mundo, el rey del blues? B.B. King ". Con 39 años ya era considerado el rey del blues y estaba en plena madurez artística. Lo que sigue es historia del blues. Un King que interactúa con el público en numerosas ocasiones (por ejemplo en “Worry, Worry”), que toca la guitarra con una elegancia exquisita y que se acompaña de su voz que recorre rangos inusitados, desde el bramido ronco hasta el falsete, como si tal cosa. En este disco King nos ofrece un tratado de cómo abordar un concierto en vivo. King es un transmisor de sentimientos y con su guitarra Lucille (no dejéis de leer en el fascículo el porqué llamó así a todas sus guitarras), se mete al público en el bolsillo, que en esta ocasión muestra su entusiasmo chillando y vitoreando al líder durante todo el álbum. Parece ser que el órgano de Jethro, que originalmente estaba programado para tocar, se rompió, por lo que King dijo que debería tocar el piano. Jethro le dijo a King  que no sabía tocar el piano a lo que King le respondió: "Bueno, siéntate y finge; ¡eso es lo que haces la mayor parte del tiempo!". King tenía un gran sentido del humor y la empatía con sus músicos era total.

Este disco nos brinda 35 minutos de un gran blues, en vivo, como se disfruta la música. Con canciones que King interpretó cientos de veces a lo largo de su carrera.

King siempre quiso que su guitarra se conectara con las emociones humanas y lo consigue plenamente en este trabajo.

King sabía dosificar sus canciones en las actuaciones en directo, y en ésta actuación que recoge este álbum, también, mezclando temas rápidos como  “Every day (I have the blues)”, “Please love me”, “You upset me baby” o “Woke up this mornin’” con otros blues más profundos, “Sweet Little Angel”, “It’s my own Fault” de John Lee Hooker, “Worry, Worry”, “You done lost your good thing now” o “How Blue can you get”.

Sin duda escuchar este disco es un placer para los amantes del blues, de B.B. King y de la música global.

 

La Habitación del Jazz

CARLOS HENRIQUEZ CD:The South Bronx Story

 

 

Pistas

1. The South Bronx Story 2. Hydrants Love All 3. Boro of Fire 4. Moses on the Cross 5. Momma Lorraine 6. Soy Humano 7. Black (Benji) 8. Guajeo De Papi 9. Fort Apache 10. Hip Hop Con Clave.

Intérpretes

Marshall Gilkes – trombón

Melissa Aldana – saxo tenor

Michael Rodríguez – trompeta

Terrell Stafford – trompeta

Robert Rodríguez – piano, Rhodes

Carlos Henriquez – contrabajo, coros, güiro, narrador

Obed Calvaire – batería

Anthony Almonte – congas, coros

Jeremy Bosch – flauta, voz, coros

 

Sello discográfico: Tiger Turn

Grabado en directo en la Appel Room en el Jazz Lincoln Center el 16 y 17 de noviembre de 2018

Publicado el 27 de agosto de 2021

 

Carlos Henriquez (1979, Bronx, Nueva York), estudió música a una edad temprana, tocó la guitarra hasta la secundaria y se decantó por el bajo mientras estaba inscrito en el Programa de Avance Musical de The Juilliard School. En 1998 se unió al Wynton Marsalis Septet y a la Jazz at Lincoln Center Orchestra, recorriendo el mundo y apareciendo en más de 25 álbumes. Henríquez ha actuado con artistas como Chucho Valdés, Paco De Lucia, Tito Puente, la familia Marsalis, Willie Nelson, Bob Dylan, Stevie Wonder, Lenny Kravitz, Marc Anthony y muchos otros.

Su colaboración con el gran Ruben Blades en noviembre de 2014, le dio a la Jazz at Lincoln Center Orchestra una nueva perspectiva para tocar salsa / latin jazz. Actualmente ocupa el puesto de contrabajista en  la Jazz at Lincoln Center Orchestra.

Henriquez es uno de los bajistas más destacados de su generación. En su nuevo lanzamiento   “The South Bronx Story”  nos muestra una retrospectiva, desde su punto de vista personal, de la historia social del Bronx,  uno de los barrios más característicos y más lleno de vivencias del Manhattan neoyorkino. Se trata pues de un repaso a su herencia puertorriqueña personal. No en vano, en su vecindario, creció con los ambientes mágicos que fundaron gente como Tito Puente, Eddie Palmieri, Celia Cruz y todo ello jugó un papel decisivo y fundamental en su vida y en su carrera artística.

Se hace acompañar de un grupo de músicos de élite, como garantía de un  álbum con la calidad que se merece y se espera de él. La música y letras de todas las pistas han sido compuestas por Henriquez.

En el tema que abre el disco, “The South Park”, Henriquez mantiene una pulsación constante que  nos recuerda a Jimmy Garrison. La pista titular de apertura presenta extensos solos de Aldana, Gilkes y las trompetas. El tema refleja el ambiente del barrio y su alma profundamente latina.

Los recuerdos familiares se plasman en esta canción, "Hydrants Love All" escrito pensando en su hermano y los días calurosos en verano, cuando jugaban con el agua que salía de las bocas de incendio de los bomberos. La salsa está presente, las voces, en español,  cantan alegres rememorando esos felices días.

En la década de 1970, los incendios devastaron gran parte del Bronx que dependiendo de las zonas afectaron entre el  44 y el 97 por ciento de los edificios. Mucha gente todavía cree que esos incendios fueron provocados: los propietarios quemaron sus propios edificios con fines de lucro, o incluso los residentes iniciaron los incendios. “Boro of Fire” recuerda esos lamentables hechos. La música refleja el caos de las sirenas de los coches de bomberos y policía. 

Seguimos recorriendo hechos históricos de la zona con  "Moses On The Cross” que recuerda al controvertido creador de la Cross Bronx Expressway, la autopista que dividió barrios y a ciudadanos. De nuevo, Bosch alterna flauta y voz, que en español nos narra ese acontecimiento.

Los ánimos se calman con “Momma Lorraine” que recuerda la vida y obra de la activista  Lorraine Montenegro hija de Evelin Lopez Antonetty. Ambas fundaron United Bronx Parents, organización entre cuyos fines está la ayuda a drogadictos y madres solteras. Lorraine  murió trágicamente en Puerto Rico a raíz del huracán María. Una bonita canción.

“Soy Humano”, canción de fuerte carácter latino,   habla de los obstáculos financieros y de tipo administrativo a los que Henríquez y su familia tuvieron que enfrentarse para disponer de una vivienda digna. Cantada en español por Bosch es suficientemente auto explicativa de los problemas sufridos.

El disco continua con “Black (Benji)” que comienza, y continua hasta el final,  con una atmósfera  coltreniana  donde Aldana se luce con el tenor. Inspirada en Cornell Benjamin  un miembro de las pandillas callejeras del sur del Bronx al que se le atribuye el mérito de promover la paz entre esas mismas pandillas en el Bronx. Buen tema.

El suave “Guajeo De Papi” está compuesta en honor a su padre, Jorge Henríquez, quien mantuvo a su familia incluso en tiempos difíciles. “Mi papá es amado por muchos y es un ejemplo puro de cómo se puede definir a un hombre. Estoy muy orgulloso de él y verdaderamente honrado de haber escrito esta canción para él” dice Henríquez.

"Fort Apache" escrita en honor a los hermanos Gonzalez, Andy y Jerry, que han hecho enormes contribuciones al jazz y al latin-jazz, contribuciones que han calado en Henriquez y las lleva en su ADN musical. 

La última pista “Hip Hop Con Clave” escrita en reconocimiento a esa forma de expresión que nació en las comunidades negra y latina del sur del Bronx, llamada Hip Hop, cultura en la que nació y se desarrolló Henriquez.

Este  “The South Bronx Story” incluye canciones con diversos ritmos que permiten a los integrantes del grupo, mostrar sus facultades. Intérpretes que demuestran su empatía con estas composiciones de Henriquez.

 

La Habitación del Jazz

 

LEON LEE DOSRSEY CD: Freedom Jazz Dance

 

Pistas

1. Freedom Jazz Dance 2.Baptism  3.Home Cookin´  4.Until  The End Of Time 5.Autumn Leaves   6.How Insensitive  7.New Arrival 8.Chillin

 

Intérpretes

Leon Lee Dorsey – contrabajo

Manuel Valera – piano

Mike Clark – batería

 

Sello discográfico: JazzAvenue 1 Records

Grabado el 29 de junio de 2019 en Manhattan Music Productions LLC

Publicado el 20 de agosto de 2021

 

“Freedom Jazz Dance” es la cuarta colaboración entre Leon Lee Dorsey y el baterista Mike Clark, tras “Monk Time” de 2019 (con el guitarrista Greg Skaff), “Play Sgt. Pepper” de 2020 (con el pianista Michael Wolff) y "Thank you Mr. Mabern" de 2021 (con el fallecido Harold Mabern). En esta ocasión el tercer miembro elegido es el pianista cubano, nacido en La Habana, Manuel Valera. Originalmente saxofonista, cambió al piano cuando se mudó a NYC en 2000. Desde entonces ha publicado 13 álbumes como líder.

El disco está dedicado al pianista puertorriqueño  Hilton Ruiz, con quien Dorsey tocó en sus últimos años.

Empiezan con "Freedom Jazz Dance" de Eddie Harris. Un Dorsey funky, un Clark con ritmos variables y atrevidos y un Valera a tope. No puedes dejar de mover los pies y la cabeza. Gran tema, gran inicio.

El lirismo se apodera del oyente con "Baptism" de Dorsey, con una batería subrayando toques modernos y Valera y Dorsey en líneas paralelas con bellas improvisaciones. Lirismo tensionado.

Dos canciones han sonado y solo se puede decir que, hasta el momento, estamos ante un trabajo excelente.

El inicio de "Home Cookin '", tema de Hilton Ruiz, es una delicia blusera por parte de Valera. El  sonido y ritmo a lo Horace Silver domina el tema, donde Valera imprime un ritmo funky a sus improvisaciones.

El disco continúa con una bella balada de Dorsey, "Until The End Of Time".  Uno de esos tema que te cala hasta los huesos. Los tres músicos están comedidos, con pinceladas minimalistas. Pura sensibilidad.

El estándar “Autumn Leaves” nos devuelve al planeta tierra. Versión con tintes afrocubanos y Valera recorriendo el teclado. A mitad del tema cambio de ritmo impulsado por Dorsey y Clark, para volver a los orígenes. Original versión de este clásico.

El bajo de Dorsey inicia  "How Insensitive" de Jobim, otro de esos temas que te llegan a lo más hondo. El trío explora un seductor ritmo de bossa nova, con un largo solo del contrabajo antesala de la finalización por parte del trío al completo.

Un trepidante "New Arrival", otra composición de Hilton Ruiz. A tope Dorsey, a tope Clark y a tope Valera. De nuevo imposible estarse quieto en la butaca. Alto voltaje.

El disco cierra con un blues de Dorsey titulado "Chillin". Esto rezuma Monk por los cuatro costados. Otro gran tema, en lo compositivo y en lo interpretativo.

Este trío no se amedrenta ante los retos; su jazz es atrevido, fresco.Dorsey  y Clark forman una pareja musical de alto nivel y Valera se les acopla como anillo al dedo, de modo que el trío funciona como una máquina perfectamente engrasada.

 

La Habitación del Jazz

 

RAY OBIEDO CD: Latin Jazz Project Vol. 2

 

Pistas

1.Still Life  2.Criss Cross 3.Beatnik  4-Santa Lucia  5.Belafonte  6.Uno Dos  7.Viva Tirado  8.Big World

Intérpretes

Ray Obiedo – guitarra (1-8), teclados (3,5,6,8)

Mike Rinta – trombón (2), trombón bajo (1)

Erik Jekabson – flugelhorn (1)

Rita Thies – flauta (1,2), flauta alto (1,2), flauta bajo (2)

Norbert Stachel – flauta (2,4), flauta alto (5)

Mike Olmos – trompeta (2,7), flugelhorn (3,8)

Joe Cohen – saxo tenor (2)

Doug Rowan – saxo barítono (2)

Bob Mintzer – saxo tenor (3,6)

Jeff Cressman – trombón (4)

Melecio Magdaluyo – flauta (7), saxo tenor (7), saxo alto (7)

Bob Crawford – piano (2)

Peter Horvath  - piano (1,4,5), teclados (6)

David K. Mathews – piano (2,7), órgano (6,7), teclados (1,2,4,8)

David Belove – bajo (1,2,4,7)

Dewayne Pate – bajo (3)

Marc Van Wagenigen – bajo (5,6,8)

Peter Michael Escovedo – congas (1,5,6,7), bongo (1), timbal (1), percusión (1,3,5,6,8), batería (7)

Michael Spiro – güiro (1,6), tambor brasileño (2), percusión (5), agitador (1,6,8), maracas (6)

Phil Hawkins – batería (1,5,8), tambor metálico (4,5)

Sheila Escovedo – congas (2,8)

David Garibaldi – batería (6)

Jon Bendich – congas (2,4,6)

Karl Perazzo – timbales (2,4), percusión (2,4)

Paul Van Wagenigen – batería (2,4)

Billy Johnson – batería (3)

Lilan Kane – voz (5)

Sandy Cressman – coros (5)

Jenny Meltzer – coros (5)

Colin Douglas – caja china (8)

 

Sello discográfico: Rhythmus Records

Grabado en Werewolf Recording, Oakland, CA

Publicado el 24 de septiembre de 2021

 

Ray Obiedo es un afamado guitarrista, compositor, ingeniero y productor que pronto realizó giras con muchos artistas célebres de la región, como el organista Johnny "Hammond" Smith, el trombonista Julian Priester, Pete y Sheila Escovedo y Harvey Mason de Fourplay.

 “Entre mis recuerdos favoritos de la infancia están esos numerosos viajes a través de la bahía a lugares como el Auditorio Fillmore y el Auditorio Winterland para escuchar algunas de las mejores bandas de rock en el mundo. Todos, desde Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Janis Joplin, hasta el gran Isaac Hayes y Sly Stone. Fue emocionante, inspirador y vibrantemente vivo”.

La gira que realizó en 1978-79 con Herbie Hancock sigue siendo uno de los recuerdos más preciados de Obiedo. 

Como músico de sesión figura en álbumes de Lou Rawls, George Duke, Brenda Russell, Herbie Hancock, Freda Payne, The Whispers, The Delfonics, Eddie Henderson y el ex saxofonista de Yellowjackets Marc Russo entre otros muchos.

Como uno de sus ídolos, Henry Mancini, la música de Obiedo ha llegado a la pantalla grande en "Internal Affairs" (Richard Gere) y "A Shock to the System"  (Michael Caine)

Entre sus muchas influencias destacar a Miles Davis, Wes Montgomery, Antonio Carlos Jobim y James Brown.

“Latin Jazz Project Vol.2” es su décimo lanzamiento y es continuación del “Latin Jazz Project Vol. 1” publicado en octubre de 2016. Se trata de siete composiciones originales de jazz latino  más  un estándar de jazz del compositor y arreglista Gerald Wilson.

El elenco de figuras de los que se ha rodeado Obiedo tiene una calidad innegable. Figuras como Bob Mintzer  (Yellowjackets). El flautista Norbert Stachel  (Aerosmith, Tower of Power, Don Cherry, Freddie Hubbard, Roy Hargrove). El trompetista Mike Olmos con decenas de discos a sus espaldas. Michael  Escovedo, percusionista, cantante, productor, compositor, director musical y nominado al Emmy. El pianista húngaro Peter Horvathta (Bobby Hutcherson, Joe Henderson, Ernie Watts). El baterista David Garibaldi (Tower of Power). Los hermanos Marc Van Wageningen, bajista (Tower of Power)  y el fallecido baterista Paul Van Wageningen. En alguna de las canciones los sonidos del grupo  Santana se entremezclan de forma sutil, no en vano en las filas de este macro grupo figuran el teclista David K. Mathews, el trombonista y arreglista Jeff Cressman y el percusionista Karl Perazzo.

El disco abre con  "Still Life", un chachachá  que escribió para la orquesta de Pete Escovedo, con cuya familia Obiedo tiene una larga relación. A destacar la percusión de Peter Michael Escovedo con las congas, el bongo, timbal entre otros elementos percutivos y de Spiro, con el  güir y el agitador. Obiedo nos brinda bonitos solos. Atención al solo de Horvath.

Si no te has movido suficiente, con "Criss Cross" lo harás. Un mambo con las congas de Sheila Escovedo y Bendich. Los vientos dominados por las flautas de Thies y Stachel .

"Beatnik" es un tema que mezcla el chachachá con el funky. Primera intervención de Mintzer, con un Obiedo inspirado. Muy buen tema.

 "Santa Lucía" se basa en ritmos de Soca, un estilo de música caribeña que se originó en Trinidad y Tobago. Los tambores metálicos de Hawkins acentúan esa sensación caribeña.

"Belafonte" es una hermosa bossa que nos hace soñar. A ello contribuyen la guitarra de Obiedo, la flauta alta de Stachel  y las sensuales voces de  Kane, Cressman y Meltzer. Obiedo también toca teclados. Gran canción.

Mintzer aparece de nuevo y por última vez en "Uno Dos". De nuevo Obiedo a los teclados junto a Horvath y  Mathews al órgano. Otro tema funky con la percusión llevando el ritmo de forma impecable.

La única melodía no compuesta por Obiedo es "Viva Tirado" que lleva la firma de Gerald Wilson. Bonita intervención de Olmos. La percusión y batería, como en todo el disco, fantástica.

El disco termina con  "Big World". Marc Van Wagenigen al bajo, Olmos al flugelhorn y Obiedo, junto a Sheila Escovedo con las congas, las figuras destacadas. Buen, buen tema.

“El tiempo es absolutamente uno de los lujos más preciados y valiosos de la industria discográfica”, explica Obiedo, “y sin lugar a dudas, la mayor ventaja de ser dueño de mi propio estudio es tener todo el tiempo que necesito para asegurarme de que todas y cada una de las canciones sean las mismas lo más cerca posible de la perfección. Eso simplemente no es posible en otras circunstancias, cuando el tiempo que se pasa en un estudio puede volverse prohibitivamente caro de forma rápida y sencilla. Desafortunadamente, las decisiones creativas se toman con base en consideraciones económicas más que musicales. Los álbumes producidos de esa manera pueden ser económicamente convenientes, pero no son necesariamente un reflejo exacto de la visión musical del artista".

Obiedo le pone pasión, ritmo y mucho swing a la interpretación con su guitarra. A su sonido incorpora sus raíces  de la Bay Area de San Francisco,  junto al blues, sonidos afro, funk, ritmos brasileños, latinos y todo ello bañado con un pop  contagioso. Por supuesto, sin olvidar el jazz más genuino. Evita las exhibiciones gratuitas y su estilo es elegante. 

La Habitación del Jazz

 

HAEUN JOO CD: We Will Find

 

Pistas

1. 86 2. John 3. We Will Find 4. Thursday 5. In The Rain 6. Questions 7. A Window In The Dark 8. Eternal Love

 

Intérpretes

Haeun Joo – piano, voz

Matt Holman – trompeta, flugelhorn

Doug Weiss – contrabajo

Ronen Itzik – batería

 

Sello discográfico: Next Level (Outside in Music)

Grabado el 12 de marzo y 30 de abril de 2019 en Acoustic Recording, NY

Publicado el 20 de agosto de 2021

 

Haeun Joo (Busan, Corea del Sur) es una pianista, cantante y compositora de jazz. Comenzó a tocar el piano cuando tenía 5 años. Estudió composición clásica en Busan Art High School en Corea y fue a la Universidad de Howon para estudiar Pop y Jazz. En 2011 viajó a los Estados Unidos para estudiar en Berklee College of Music, donde le ofrecieron una beca. Allí  estudió con Danilo Perez, George Garzone, Joan Brackeen, Neil Olmstead, Vadim Neselovskyi (coproductor del disco) y Hal Crook. Después de graduarse, se trasladó a Nueva York para ir a SUNY en Purchase y estudió con John Abercrombie, David Hazeltine, Jon Faddis, Todd Coolman, Doug Weiss y Ralph Lalama. Ha tocado en algunos de los lugares más importantes, como Dizzy's Coca Cola, Blue Note, Birdland y Carnegie Hall, entre otros.

 “We Will Find”, es su álbum debut. Le acompañan Matt Holman (Fred Hersch, Kurt Elling, Darcy James Argue), doblando trompeta y flugelhorn. Doug Weiss (Peter Bernstein, Brad Mehldau, Brain Blade) al contrabajo y Ronen Itzik (Lee Konitz) a la batería.

Los tres músicos contribuyen a que la propuesta de Joo, una compositora muy original, sea reflexiva y relajante como ocurre en "John", tema que inicia el álbum y dedicado a John Abercrombie, el legendario guitarrista con quien Joo estudió en sus primeros días en SUNY. “Escucho mucho su música, aprendí mucho de él. Soy una buena amiga su esposa; cuando se mudó a California después de su muerte, escribí esta canción para ella”. Otra bonita canción, cargada de emotividad, con Weis como apoyo de base.

Según declara Joo  "Siempre escribí melodías de swing y baladas - aquí me dije a mí misma "compongamos algo completamente diferente, basado en un par de ritmos centrales ".  El título que inicia el disco, “86”, es una deliciosa melodía donde abundan los cambio de ritmo. Joo utiliza su voz como un agudo instrumento de viento.  

En "We Will Find", que da nombre al disco, Joo establece un diálogo con su voz y su piano, con la intervención de Holman que realza el tema. 

Sigue "Thursday", que como su propio nombre indica, la escribió un jueves. Pista muy lenta, llena de bellos matices. Joo y Weis al mando de la sensibilidad.

"In The Rain" es un regreso al pasado, a sus días en Boston. Joo utiliza la voz en mayor medida que en los temas anteriores.

 Joo se plantea grandes preguntas de la vida. “Como ser humano, quieres identificarte y las razones por las que vives. Aunque es difícil encontrar las respuestas, espero algún día encontrar una razón por la que vivo. Se trata de tener la esperanza de encontrar las respuestas a esas preguntas. Quiero hacer buenos sonidos y equilibrarlos con la historia de mi vida”. "Questions” sirve para que Holman se explaye con un sonido suave acompañado, como contraste,  de los tarareos de Joo.

Joo escribió estas canciones después de mudarse a Nueva York, quien, después de dejar Corea, se encontró con muchos dilemas filosóficos. "Tenía muchas preguntas: ¿por qué estoy ¿aquí? ¿Por qué estoy haciendo esto? ¡Extraño a mi familia!". Todo esto queda reflejado en "A Window In The Dark” que nos traslada de nuevo a la melancolía.

"Eternal Love " cierra el disco. Otro tema relajado lleno de preguntas sin respuesta. Joo acaricia las teclas del piano y produce un sonido muy bonito. Holman y Weis colaboran en ese trance con extrema delicadeza. Una bella forma de terminar el disco.

Joo es pura sensibilidad (pero no empalaga) y como resultado sus composiciones son líricas, emocionalmente intensas.

La Habitación del Jazz