MARIA MANOUSAKI CD: Behind Closed Doors

 

Pistas

1.Anapolo 2.Behind Closed Doors 3.Introversion 4.Love Song 5.Dragonfly 6.Poni tis Panayias 7.Departed

 

Intérpretes

Maria Manousaki – violín

Dimitris Verdinoglou - piano

Michael Evdemon – contrabajo

Alekos Roupas - percusión

Invitados

Ziv Ravitz – batería (2,6)

Petros Klampanis – contrabajo (2,4,6)

Andreas Polyzogopoulos – trompeta (2)

Christos Rafailidis - vibráfono (1)

Stratis Skarakis -  voz (6)

Kyriakos Stavrianoudakis – laúd (7)

Thomas Meleteas – laúd árabe (3)

 

Sello discográfico: PKmusic

Grabado en el otoño de 2024 en Studio Sierra en Atenas, Grecia

Fecha de publicación: 4 de abril de 2025

 

Maria Manousaki nació en Johannesburgo (Sudáfrica), de padres biculturales. Tras completar los exámenes de violín de la Royal School of Music de Inglaterra, se graduó en el Conservatorio Griego Filippos Nakas con el título de Violinista de Jazz. Su talento y dedicación le llevaron al prestigioso Berklee College of Music de Boston, EE. UU., donde obtuvo una Licenciatura con Honores en Música Profesional en 2002.

Manousaki es la fundadora del Festival de Música del Mundo de Creta, que se inauguró en Alikianos Hania, Creta, en julio de 2014. El festival reúne a músicos de renombre mundial que interpretan diferentes géneros musicales, así como a músicos folclóricos tradicionales locales, aportando un toque único a la isla. También es la comisaria musical del ciclo de jazz Vlatos, que se celebra en Creta desde 2018. Este ciclo se lleva a cabo en una reliquia de una iglesia de piedra abandonada y sin uso, construida en 1855.

Ha participado en prestigiosos eventos como la apertura de un concierto privado de Sting en el Lincoln Center de Nueva York, actuar en un videoclip de Adele para su concierto en vivo en Australia, actuar con el fallecido pianista Carolos Voutsinas en la Ópera de Perth (Australia), actuar en la prestigiosa boda de la Fundación Clinton con la Reina de Qatar, el Festival de Cine de Abu Dhabi de 2005 y 2006 en honor a Omar Sharif, el Festival de Jazz Mediterráneo de Nueva York y muchos más.

Este nuevo álbum titulado "Behind Closed Doors" es el tercero en su carrera, y sigue a “Sole Voyage” (2015) y “Hidden Trails” (2021) ambos grabados durante su estancia en Nueva York.

Manousaki se acompaña de sus colaboradores: Dimitris Verdinoglou (piano), Michalis Evdaimon (contrabajo), Alekos Roupas (percusión), y los invitados especiales Kyriakos Stavrianoudakis (laúd), Stratis Skarakis (voz), Christos Rafailidis (vibráfono), Andreas Polyzogopoulos (trompeta), Thomas Meleteas (oud), Ziv Ravitz (batería)  y el internacionalmente aclamado contrabajista Petros Klampanis.

De los siete cortes del disco, cinco son originales de Manousaki y dos son versiones.

“Behind Closed Doors” está dedicado a su difunto padre, lo que convierte este trabajo en un conmovedor homenaje a aquellos que perdemos a lo largo de la vida.

Manousaki invita a los oyentes a un viaje donde el duelo da paso a la resiliencia y donde la música se convierte en un camino hacia la sanación.

El disco abre con “Anapolo”, una palabra griega que captura la nostalgia del pasado. Una canción emotiva que conecta varias culturas de forma bella y natural. Manousaki, con su violín, nos narra historias, algo que será una constante en este disco.

La canción que título al disco, “Behind Closed Doors”, fue creada durante la primera cuarentena cuando regresó de Estados Unidos, donde había vivido durante años, a su ciudad natal, Chania. Este periodo de aislamiento y reflexión dio paso a esta creación y a una  nueva expresión artística. Muy bonita la intervención de Polyzogopoulo a la trompeta y la respuesta de Manousaki al violín, demostrando su versatilidad y capacidad de transmitir sentimientos.

"Introversión" recuerda en su comienzo a una caja de música, infantil y con sonido nostálgico. De repente, un cambio de ritmo propiciado por el contrabajo y el oud, dan nueva vida a esta composición. De nuevo un cambio y estamos ante otra cara de la misma canción.  

“Love Song” es una canción de The Cure a la que Manousaki dota de nueva y bonita vida.

“Dragonfly” es una curiosa canción, cambios de ritmo, narraciones fantásticas como nos deja entrever el título. Un tema con arreglos muy jazzísticos.

El segundo tema no original es "Poni tis Panayias", una pieza del fallecido cantante y compositor griego Nikos Xylouris, que incluye la voz de Stratis Skarakis y el contrabajo de Petros Klampanis.

El disco cierra con “Departed”, una bonita canción que cuenta con Kyriakos Stavrianoudakis al laúd. Otro tema lleno de emotividad y es que Manousaki posee la habilidad de canalizar su mundo interior a través del sonido que extrae del violín, un sonido realmente bello.

Un disco donde el jazz y el folclore griego se dan la mano, dando como resultado un álbum bello, rítmico  y emocionante.

La Habitación del Jazz

 

JAN VAN DUIKEREN'S FINGERPRINT Vinilo: Slow Your Roll

 

Pistas

Cara A

1.Slow Your Roll 2.ID.1 3.Hufflepuff Shuffle 4.Longe Daqui 5.Shack Jit

Cara B

1.Nightskate 2.Okay 3.Shinjuku 4.Lick & Run

 

Intérpretes

Jan van Duikeren – trompeta

Tom Beek – saxo tenor

Timothy Banchet – piano, teclados

Hugo den Oudsten – bajo

Salle de Jonge – batería

Invitados

Jesse Van Ruller – guitarra (A1,A3,B1,B4)

Lilian Vieira – voz (A4)

Lo Van Gorp – voz (B2)

Udo Demant – percusión (A4)

DJ Optimus  (Neels Smeekens) – sonidos (A5)

 

 

Sello discográfico: Zip Records

Grabado en Epic Rainbow Unicorn Studio, Roterdam

Fecha de publicación: Febrero de 2025

Fingerprint es una formación de Países Bajos liderada por el trompetista Jan van Duikeren, uno de los mejores trompetistas de ese país, además de compositor y arreglista. Su versatilidad musical lo convierte en un acompañante muy solicitado por una amplia variedad de artistas y conjuntos musicales de todo el mundo, entre otros, Dr. John, Paul Weller, Christian Mc Bride, Bob Brookmeyer, Lionel Ritchie, Diana Ross, Petter Maffay, Dr. Lonnie Smith, Sheila E., Joe Jackson, James Carter, Trijntje Oosterhuis, Candy Dulfer y la Metropole Orchestra.

Toca y compone en diferentes formaciones como la Orquesta de Jazz del Concertgebouw, Candy Dulfer, la big band New Cool Collective y la New Rotterdam Jazz Orchestra. Van Duikeren ganó el premio del jurado y del público en 2022.

Otro componente destacado de esta banda es el saxofonista Tom Beek. Improvisador, compositor, arreglista y productor de bandas, por encargo y bajo su propio nombre.  Ha actuado con artistas como Dizzy Gillespie, Gino Vannelli, Tom Harrell, Pat Metheny, Randy Brecker, Joe Lovano y la Metropole Orchestra. Se le puede escuchar en teatros, clubes, salas pop, programas de radio y televisión y en más de 400 producciones. También compone y produce docenas de películas, producciones audiovisuales, melodías de radio y televisión, anuncios de emisoras y comerciales.

El baterista del grupo es Salle de Jonge, graduado en el Conservatorio de Rotterdam en junio de 2006. De Jonge se ha establecido como un baterista que aporta en sus interpretaciones ritmos modernos y geniales con un sonido único que va desde el jazz hasta el hip-hop y más.

Tocó con Roy Hargrove, Kurt Rosenwinkel, Shirma Rouse, The Three Degrees, Benjamin Herman, Till Brönner, Michiel Borstlap, Ronny Jordan, Edsilia Rombley y Bennie Maupin, por nombrar algunos. Entre sus proyectos y colaboraciones destacan The Pulitzers, Bayou Bayou, Jan van Duikeren’s Fingerprint, The Bayou Brothers, The Niss, Berenice van Leer y Sabrina Starke y RobotKiller. De Jonge es profesor de batería, teoría, interpretación en conjunto y entrenador en el Conservatorio de Róterdam.

En el bajo encontramos a  Hugo Den Oudsten. En 1995 ingresó en el Conservatorio de Ámsterdam, donde estudió jazz con Charlie Angenois y Theo de Jong y obtuvo el título de maestría en 2002.  De 2012 a 2017, presentó un espectáculo mensual en el North Sea Jazz Club Amsterdam con The Fresh Cuts e invitados especiales como Alain Clark, Edsilia Rombley, Lois Lane, Michiel Borstlap, Hans Dulfer, Giovanca, Benjamin Herman, Thijs van Leer, Sandra St Victor, Sandra van Nieuwland, Ntjam Rosie, Maria Mendes. Desde 2006, Den Oudsten ha tocado, grabado y girado como miembro permanente de la banda con los siguientes artistas: Blackbird, Sabrina Starke, Shirma Rouse, Ruben Hein, iET, Jelle Amersfoort, Teus Nobel ( Liquid Music Quintet), Kim Hoorweg, The Wicked Jazz Sounds Band y Mary Davis Jr. ha trabajado, entre otros con Michiel Borstlap, Sven Hammond Soul, The Ploctones, New Cool Collective y The Three Degrees. Vive en Ámsterdam, donde enseña bajo, historia del jazz, teoría musical y entrenamiento auditivo.

Por último, Timothy Banchet se sienta en el piano y teclados. Banchet comenzó a tocar el piano a la edad de 4 años. Gracias a la enorme colección de discos de su padre, entró en contacto con el jazz, el soul y el gospel a una edad temprana. Además de tocar música clásica y jazz, también entró en contacto con el hip hop, el R&B y la música surinamesa gracias a la escuela y a amigos del barrio. A los 19 años ingresó en el conservatorio y estudió con el pianista Bert van den Brink. Se graduó summa cum laude en 2012. Además de tocar freelance con distintas formaciones en distintos estilos, tiene su propio grupo.

Fingerprint, acaba de publicar “Slow Your Roll”, álbum integrado por 9 canciones donde predomina el jazz, el R&B y un elegante y suave pop. El sonido funky y de jazz fusión está presente. La línea de bajo acota el espacio con los saxos y trompeta marcando las líneas argumentales de cada tema. El corte que pone nombre al álbum es una clara muestra de ello. En el segundo corte, “ID.1”, se mantiene ese ambiente de relajación total, mientras que “Hufflepuff Shuffle” nos transmite una alegría contagiosa, soul y R&B. Van Ruller ejecuta un solo de sonido roquero. La voz de Lilian Vieira se deja oír en “Longe Daqui”, una canción rítmica y desenfadada que incita a bailar. La cara A termina con el funky “Shack Jit” que tiene como invitado a DJ Optimus  (Neels Smeekens). Un tema en la misma línea que el anterior, con el que no se puede dejar de mover los pies.

La cara B comienza con “Nightskate”, que nos devuelve a los sonidos relajantes y sensuales. Van Duikeren nos conquista con su sonido. Le sigue “Okay” que tiene como invitado a Lo Van Gorp, que aporta un toque de costa oeste  y sentimental a la composición.

Con “Shinjuku” vuelve el contagioso groove y sonido funky de ritmos cambiantes como el tema que cierra la cara B ”Lick & Run”, sonido orquestal, elegante donde se suceden los solos de gran efectividad y elegancia. 

En ocasiones, el sonido me recuerda a Robert Glasper. En cualquier caso, un disco interesante que se escucha con sumo agrado.

La Habitación del Jazz

EMMA RAWICZ & GWILYM SIMCOCK CD: Big Visit

 

Pistas

1.His Great Adventure 2.The Shape of a New Sun 3.The Drumbledrone 4.Optimum Friction 5.Visions 6.You've Changed

 

Intérpretes

Emma Rawicz – saxo tenor, saxo soprano

Gwilym Simcock – piano

 

Sello discográfico: ACT Music

Grabado en el Curtis Schwartz Studio (UK) el 29 y 30 de julio de 2024

Fecha de publicación: 28 de marzo de 2025

 

Emma Rawicz, nacida en North Devon (Inglaterra),  es una joven saxofonista, directora de banda y compositora. Con tan solo 22 años, ha publicado dos álbumes “Incantation” (2022) y “Chroma” (2023) y ha realizado extensas giras por 15 países, conciertos como solista con la Orquesta de Conciertos de la BBC en el Queen Elizabeth Hall y con la Big Band de la Radio Alemana SWR en la Filarmónica de Berlín.

Fue la Artista en Residencia más joven de la historia del Festival de Jazz de Cambridge.

Rawicz también es una educadora apasionada y ya es muy solicitada como instructora de clases magistrales, habiendo impartido recientemente talleres en Dinamarca, Lituania y Noruega, además de contar con una sólida presencia educativa en el Reino Unido para músicos de todas las edades.

Posee una enorme formación académica que incluye el Trinity College of Music (Londres), la Chetham's School of Music (Manchester), donde estudió piano clásico, trompa y composición, y la Royal Academy of Music (Londres), donde se graduó del curso de jazz con honores de primera clase y el codiciado "Premio del Director" por su destacada trayectoria.

Gwilym Simcock, nacido en Bangor (Gales) es un pianista y compositor que trabaja tanto en jazz como en música clásica. Fue elegido una de las 1000 personas más influyentes de Londres por el Evening Standard en 2009. A los once años obtuvo las calificaciones más altas del país en su Associated Board, tanto en piano como en trompa. Estudió piano clásico, trompa y composición en la Chetham's School de Mánchester, donde se familiarizó con el jazz gracias al pianista y profesor Les Chisnall y al contrabajista y profesor Steve Berry. Estudió piano jazz en la Royal Academy of Music de Londres con John Taylor, Nikki Iles, Nick Weldon y Geoff Keezer. Se graduó en la Royal Academy of Music y ganó el Premio del Director por sus logros sobresalientes.

Su trío, está formado por James Maddren (batería) y Yuri Goloubev (bajo).

Fue miembro del Acoustic Triangle de Malcolm Creese, del Neon de Stan Sulzmann y del Earthworks de Bill Bruford. Ha tocado con Dave Holland, Lee Konitz, Bob Mintzer, Bobby McFerrin, Kenny Wheeler, Iain Ballamy, Julian Argüelles, Pete King, Don Weller y Steve Waterman por citar unos pocos.

Durante cinco años estuvo de gira con el guitarrista de jazz Pat Metheny en un cuarteto con Linda Oh y Antonio Sanchez. Ha estado 20 años de colaboración con el Lighthouse Trio de Tim Garland, además de proyectos con orquestas, coros y big bands.

En 2014, lanzó dos álbumes muy aclamados con ACT “Instrumentation”, junto a la City of London Sinfonia y “Reverie at Schloss Elmau”, un dúo con el bajista Yuri Goloubev.

Codirige el supergrupo angloamericano "The Impossible Gentlemen" junto al guitarrista Mike Walker, Steve Rodby y Adam Nussbaum.

Sus influencias son muy diversas, desde leyendas del jazz como Keith Jarrett, Chick Corea, Jaco Pastorius y Pat Metheny, hasta compositores clásicos como Maurice Ravel, Henri Dutilleux, Béla Bartók y Mark-Anthony Turnage.

Simcock es profesor de piano jazz en la Real Academia de Música y es muy solicitado por sus enseñanzas y clases magistrales.

Rawicz y Simcock cruzaron sus caminos musicales por primera vez en el concierto de celebración del 40.º cumpleaños de Simcock en la Royal College de Londres, en febrero de 2023, y descubrieron una conexión musical inmediata. Ambos tuvieron una formación similar en música clásica y jazz en la prestigiosa Chetham's School of Music de Manchester y la Royal Academy of Music de Londres. Además ambos son compañeros de sello en ACT. Simcock y Rawicz han encontrado, con extraordinaria rapidez, una profunda conexión musical.

Tras tocar juntos unos pocos conciertos, tomaron la decisión de entrar al estudio para grabar el álbum a dúo titulado “Big Visit” (ACT Music), que incluye cuatro originales, una canción de Stevie Wonder y un estándar  de Carl Fischer.

"His Great Adventure" de Simcock, la canción que abre el álbum, es una dedicatoria a la audacia del joven hijo del pianista. Un tema exuberante y sorprendente, muy estilo Keith Jarrett. Una composición alegre y de espíritu libre donde podemos apreciar la conexión entre ambos músicos.

Le sigue la primera aportación de Rawicz, “The Shape of a New Sun”, inspirada en la novela «Half of a Yellow Sun» de Chimamanda Ngozi Adichie: «Ese libro me dejó una huella imborrable: la sensación de esperanza y esa imagen, la forma de un nuevo sol. Es optimista, implica un nuevo comienzo, lo cual me pareció apropiado para un proyecto tan joven. Cuando tocamos esa melodía juntos, siempre siento que hay un verdadero propósito positivo detrás» afirma Rawick, que añade “Soy una auténtica rata de biblioteca y, de hecho, me inspiro mucho en la palabra escrita". Canción más melancólica con tintes clásicos y sonido Jan Garbarek.

La segunda pieza de Rawicz, "The Drumbledrone", es un guiño al dialecto de Devon.  El título significa abejorro. Para Rawicz, este dialecto tiene un encanto especial pues le recuerda a su infancia y su estancia en la granja de sus abuelos en Exmoor. Su abuela hablaba el inglés devónico, que antiguamente se hablaba con fluidez en Devon, una comunidad del suroeste de Inglaterra. Rawicz elige en esta ocasión el saxo soprano.

El segundo tema de Simcock es  “Optimum Friction”. Simcock se inspiró en el álbum de Shorter y Hancock “1 + 1” que tiene en su colección desde hace 25 años pero que, según relata,  “nunca me atrajo de inmediato”. Un excelente tema y una excelente interpretación por parte de Rawicz y Simcock. Escuchando esta canción uno entiende que  Jamie Cullum califique a la saxofonista británica de "talento asombroso", y la revista Jazzwise de "fuerza a tener en cuenta".Lo mismo podemos decir de Gwilym, al que Chick Corea califica de “original. Un genio creativo”  y Path Metheny  dice “Gwilym es uno de los músicos más excepcionales que he conocido... es una figura clave en la música”.

De Stevie Wonder incluyen “Visions”, una balada del álbum de Wonder titulado “Innervisions” de 1973.  Esta canción la interpretó por primera vez Simcock cuando era estudiante en el RAM, en un concierto de sexteto en el 606 Club. A la introducción  de Simcock se le une el sensual saxo de Rawicz, que con sus improvisaciones y Simcock con su maravilloso toque,  reinventan esta canción.

El tema que cierra el álbum, “You’ve Changed” una hermosa balada de Carl Fischer, versionado infinidad de veces, que Rawick aprendió con 18 años. “Recuerdo no tener ni idea de qué iba a hacer Gwilym ni de qué iba a hacer yo, y eso fue algo muy positivo, porque puede ser bastante aterrador y, sin duda, soy una persona a la que le gusta prepararse y practicar demasiado” afirma Rawick.

Preciosa y emocionante versión, preciosa interpretación. Sobre este tema Simcock dice: “Ambos dedicamos tanto tiempo a componer nuestra propia música que fue bastante fácil abordar este clásico con frescura. Siento que no suena como nadie más; creo que logramos ser nosotros mismos”.

“Big Visit” marca el inicio de una emocionante colaboración musical entre Emma Rawicz y Gwilym Simcock.  La conexión entre ambos músicos es total. Es un álbum que transmite algo especial, es extraordinario.

El dúo grabó al menos media hora más de música, que es de desear publiquen más adelante.

 

La Habitación del Jazz

 

Libro: Historias de Arte y Música Autor: Fernando Sáez Aldana

 

Título: Historias de Arte y Música

Autor: Fernando Sáez Aldana

Editorial: Redbook Ediciones

Colección: Ma non troppo

Series; Música

ISBN: 9788410459205

Encuadernación: Rústica

Idioma: Español

Páginas: 224

Dimensiones: 17 × 24 cm

Peso: 0,53 kg

Fecha de lanzamiento: 12/03/2025

 

Redbook vuelve a sorprender con un nuevo lanzamiento sobre historia de la música, pero esta vez le añade un aliciente más, la relación con el arte. El libro lleva el título de “Historias de Arte y Música” y su autor es Fernando Sáez Aldana. Sáez nació en Haro, La Rioja (España). Desde que era niño mostró sus dotes para la escritura y también para la música.

Durante décadas compatibilizó su profesión de médico, especialidad de traumatología, con la de escritor. Ha publicado una veintena de libros entre colecciones de relatos breves (La ouija y otros relatos, Armonía y otros cuentos, El decatlón riojano, Sonata Patética), novelas (Hasta los huesos, Kundry, La casa, El expediente Adán, Muerte en la Escupidera), antologías de columnas periodísticas (El bisturí, Columnas jocosas), teatro (Mujeres. Teatro a la carta) y poesía (En el crepúsculo) y ha obtenido sendos premios literarios entre los que destacan el Juan de la Cuesta (1989), el Tiflos de Cuento (1992), el De buena fuente (1998) y el Premio de las Letras del Centro Riojano de Madrid (2009). Melómano consumado y pianista aficionado, ha participado en diversos talleres musicales y ha escrito, con notable éxito de crítica y público, grandes joyas de la divulgación musical. En Redbook Ediciones ha publicado “Otra historia de la Ópera”, “Músicas con historia”, “Guía práctica para escuchar música”, “Las perlas de la música clásica” e “Historias de Arte y Música”. Imparte ciclos de charlas audiovisuales de introducción a la música clásica y a la ópera y ha participado en las XX Temporadas de Ópera en DVD organizada por la Asociación Riojana de Amigos de la Ópera, de la que es cofundador.

En palabras del autor: “Junto con la Arquitectura, la Danza, la Escultura, la Pintura, la Literatura y el Teatro, la Música es una de las siete llamadas Bellas Artes clásicas. Por ello, un libro sobre «música y arte», puede parecer redundante. Sin embargo, resulta adecuado para resumir con pocas palabras su objetivo: ofrecer al lector una variada muestra de obras de artes plásticas y «aplicadas» (pintura, sobre todo, pero también escultura, arquitectura, dibujo, cerámica, orfebrería, artesanía, etc.) y también visuales (cine, fotografía, comic, videoarte, pop art, urbano, etc.) de todas las épocas y civilizaciones, desde el antiguo Egipto hasta la era digital”.

El libro consta de cien capítulos ordenados cronológicamente según el año en el que se realizaron las obras de arte. En la página par se muestra la ilustración de la obra, acompañada por su título, autor, año de ejecución, soporte, tamaño y lugar donde se exhibe o conserva. Además figura un código QR que permite la audición de una obra musical, especificando su título, intérpretes y la carátula de la grabación discográfica que la contiene. Por su parte, la página impar presenta un texto inspirado por la relación existente entre la obra de arte en cuestión y la música, partiendo de las imágenes alusivas al fenómeno musical. No se trata de una descripción académica, sino de una reflexión libre del autor sobre lo que ambas le sugieren.

Seis grandes apartados que a su vez se dividen en capítulo hasta completar un total de 100, que nos revelan historias sorprendentes de conexiones entre la música y el arte, desde el antiguo Egipto hasta la era digital.

 “Historias de arte y música” es una guía musical a través de obras maestras de las artes. Pintura, escultura y  arquitectura y su conexión a través de las melodías que han marcado épocas y culturas.

Un libro que va más allá del arte y la música, recomendado para amantes del arte, la historia y la música.

 

La Habitación del Jazz

 

ÍNDICE

Presentación

Antigüedad y Edad Media

Siglos XV y XVI

Siglo XVII

Siglo XVIII

Siglo XIX

Siglo XX

Lista de reproducción

 

CHRIS GALL CD: Impressionists Improvised

 

Pistas

1.Gymnopédie No. 1, Lent et douloureux 2.Rêverie, L. 68 3.Pavane pour une infante défunte, M. 19   4.Suite bergamasque, L. 75: III. Clair de lune 5.Satiesfaction 6.The Impressionist No. 1 7.The Impressionist No. 2 8.Gnossienne No. 2, Avec étonnement         9.Le tombeau de Couperin, Toccata 10.Gnossienne No. 3, Lent 11.The Impressionist No. 3 12.Préludes, Book 1, L. 117: IV. Les sons et les parfums tournent dans l'air du soir 13.The Impressionist No. 4         14.Clair de lune (Upright Piano Version)     

 

Intérpretes

Chris Gall - piano

 

Sello discográfico: GLM Music

Grabado en Kupferhaus Planegg (Gran Piano, pista 2 - 13) y Studio Mildenberger (Piano Vertical, pistas 1 y 14) el 21-23 de  noviembre de 2024.

Fecha de publicación: 28 de marzo de 2025

 

El pianista alemán nacido en Munich, Chris Gall, es uno de los pianistas alemanes más destacados de su generación, ampliando las experiencias sonoras del jazz. Graduado en Piano Jazz por el prestigioso Berklee College of Music de Boston (1998), se dio a conocer con sus álbumes en trío "Climbing Up" (2008) y "Hello Stranger" (2010) para el sello ACT. Desde entonces, Gall ha deleitado al público en importantes festivales, desde Montreux hasta JazzBaltica.

En 2015, Chris Gall viajó a Buenos Aires con Quadro Nuevo, multiganador del Premio ECHO, y recibió el Premio Platino de Jazz de la Industria Fonográfica Alemana por su álbum conjunto "Tango!". Desde entonces, ha acompañado a Quadro Nuevo en cientos de conciertos en directo.

En 2018, lanzó su tercer álbum en trío, "Cosmic Playground", que fue nombrado uno de los "10 álbumes de jazz más prometedores" por la revista estadounidense JAZZIZ. Gall también ha compuesto y realizado arreglos para orquestas de renombre, incluyendo el álbum "Volkslied reloaded" (Sony Classics), una colaboración entre Quadro Nuevo y la Orquesta de la Radio de Múnich. Gall debutó como solista en 2021 con su interpretación jazzística del Primer Concierto para piano de Beethoven con la Filarmónica de Salzburgo en el Grosses Festspielhaus de Salzburgo.

En 2022 obtuvo un Máster en Composición Cinematográfica en el Berklee College of Music.

Gall acaba de lanzar su nuevo álbum de piano solo titulado "Impressionists Improvised". Un homenaje al movimiento artístico denominado Impresionismo, que cumple 150 años, cuando algunos artistas se unieron en París para formar un colectivo que se denominó “Impresionistas”.

Gall fusiona con maestría la música clásica y el jazz, desde una nueva perspectiva, cuyo resultado es a la vez clásico y  moderno.

El álbum incluye obras atemporales de los impresionistas Satie, Debussy y  Ravel, así como composiciones originales inspiradas en ellos.

El álbum incluye tres obras de Erik Satie: “Gymnopédie No. 1, Lent et douloureux”. Gall toca un piano vertical que resalta la delicadeza de esta enorme obra, plena de hipnotismo.  “Gnossienne No. 2, Avec étonnement” la viste de una ligereza que recuerda al Brodway de los años 30 y 40, swing a raudales. La tercera obra de Satie es “Gnossienne No. 3 Lent”. Gall nos sumerge en la introspección de Satie hasta lo más profundo.

De Maurice Ravel ha elegido dos obras: “Pavane pour une infante défunte, M. 19” a la que dota de un ritmo roquero muy matizado. Jarrett y Mehldau presentes.

La segunda obra de Ravel es “Le tombeau de Couperin: Toccata”, considerada una obra maestra virtuosa, Gall incorpora ritmos sincopados inspirados en el ragtime y la  improvisación contemporánea. El resultado es una versión impactante.

Tres son las obras de Claude Debussy: “Rêverie L. 68” a la que Gall transforma con giros rítmicos inesperados en una aventura llena de tensión e inquietante.

La segunda es “Clair de lune” que presenta en dos versiones: “Suite bergamasque, L. 75: III. Clair de lune” y “Claire de lune”. La primera en piano de cola, donde lo clásico y el jazz se dan la mano. La segunda versión cierra el álbum, pero esta vez interpretada con piano vertical, lo que acentúa su carácter intimista y cálido. Una delicia. La tercera es “Préludes, Book 1, L. 117: IV. Les sons et les parfums tournent dans l'air du soir”, una pieza de gran profundidad a la que Gall añade improvisaciones que la pincelan de jazz, pero siempre dentro de la ortodoxia original.

Gall incluye en este trabajo cinco composiciones originales inspiradas en los impresionistas: La intensa  “Satiesfaction”, un homenaje a Satie, donde fusiona elementos clásicos con la energía del jazz-rock que contrasta con el relajado vals-jazz “The Impressionist No. 1” o el blusero “The Impressionist No. 2”. “The Impressionist Nº 3”  una composición al más puro Mehldau.  “The Impressionist Nº 4”, una improvisación inspirada en Bill Evans.

No estamos ante un  disco de jazz propiamente dicho, pero no importa, las obras elegidas por Gall son  recreadas, conservando toda su belleza original y añadiéndolas esa otra belleza que es la improvisación de calidad.

Gall no pretende superar las obras originales, sino dotarlas de una efímera nueva vida.

Las notas del álbum contienen una cita del compositor francés Gabriel Fauré: “Las melodías más bellas son aquellas que tarareas cuando dejas de pensar”.

 

La Habitación del Jazz

MATT CARMICHAEL CD: Dancing With Embers

 

Pistas

1.A Distant Glow 2.Flint 3.Stone Skimmer 4.Restful Sky 5.Road From The Sea 6.Dancing With Embers 7.Beckoning Night 8.Aglow 9.Blue Hour 10.Mangata 11.Kite 12.Woodsmoke

 

Intérpretes

Matt Carmichael – saxo tenor, piano (1,12)

Charlie Stewart - violín

Fergus McCreadie - piano

Ali Watson – contrabajo

Tom Potter – batería

Innes White – guitarra acústica (2,3,5,6,11)

Chris Amer – guitarra eléctrica-tenor (1,5,6,10,12)

Brìghde Chaimbeul – gaita escocesa (7,8)

Rachel Sermanni – voz (10)

 

Grabado en Gorbals Sound, Glasgow, en julio de 2023 y en Solas Sound en febrero de 2024

Fecha de publicación: 28 de marzo de 2025

 

El saxofonista y compositor, residente en Glasgow, Matt Carmichael, es un talentoso saxofonista tenor proveniente de la escena del jazz escocés, ganador del prestigioso premio Peter Whittingham Development en 2019 y finalista del concurso de jóvenes músicos de jazz de la BBC en 2020. También fuer preseleccionado para el premio al Álbum Escocés del Año en 2021.

Recientemente  tuvo el honor de actuar con la prestigiosa WDR Big Band alemana, dirigida por el director invitado Bob Mintzer, quien arregló la música de su primer y segundo álbum.

Ha colaborado como solista, arreglista y compositor con la Scottish National Jazz Orchestra,  la WDR Big Band,  Rob Luft, Bob Mintzer, Kathleen MacInnes, Kim Carnie, Kjetil Mulelid, Liv Andrea Hauge y Brian Kellock.

Su primer álbum se tituló “Where Will The River Flow”, fue aclamado por la crítica, acumulando más de 5 millones de reproducciones. Posteriormente lanzó su segundo álbum, “Marram”, en octubre de 2022.

En este nuevo trabajo titulado “Dancing With Embers”, el más ambicioso hasta la fecha, Carmichael se rodea de sus colaboradores habituales, cuatro amigos cercanos y colaboradores de toda la vida: Charlie Stewart en el violín, Fergus McCreadie al piano, Ali Watson al contrabajo y Tom Potter en la batería. Además invita a Rachel Sermanni (voz), Brìghde Chaimbeul (gaitas), Chris Amer e Innes White (guitarras) lo que amplía su rango sonoro.

Carmichael explica: «Durante la época en que compuse Dancing with Embers, escuchaba más a cantautores que a cualquier otra cosa y quería crear un álbum centrado en la canción y no tanto en los típicos solos de jazz... En los conciertos, la banda tiene rienda suelta y la improvisación es fundamental, pero abordé la grabación de este álbum de forma un poco diferente».

Los doce cortes del disco son originales de Charmichael y muchos de ellos surgieron de la improvisación al piano.

Carmichael afirma: “Nunca me había grabado tocando el piano antes de este álbum y carezco de la destreza técnica que tengo con el saxofón, pero me resultó natural tocar en algunos temas. Mi forma de procesar emociones y, de alguna manera, meditar es improvisando al piano a diario. Me gusta mucho la vulnerabilidad íntima de esos temas y ofrecen al oyente una perspectiva más directa de la creación de mi música”.

En dos temas toca el piano. Uno de ellos es el que abre el disco  “A Distante Glow”, con el que comienza suavemente, al que se añade el violín de Stewart y la guitarra de Amer. Una canción llena de nostalgia y calidez. Carmichael establece figuras a lo Keith Jarrett, antes de terminar esta bonita composición.

“Flint” es una canción folk, que nos hace viajar por tierras escocesas. El saxo tenor de Carmichael lleva el peso de la melodía danzante. El violín y la guitarra colaboran en ese ambiente festivo.

“Stone Skimmer” sigue la línea folclórica, más lenta, pero igualmente evocadora.

El relajante “Restful Sky” hace honor a su título. Una breve canción ideal para escuchar un atardecer/amanecer frente al mar o la montaña. 

La fresca “Road From The Sea” sabe a viajes por tierras húmedas y verdes con el mar de compañero. 

El tema que da nombre al álbum, “Dancing With Embers”, es una composición que repite el tema principal que, de forma intencionada, no acaba de despegar. El sonido de la India te mece.

La gaita escocesa de Brighde Chaimbeul suena en "Beckoning Night", una encantadora melodía escocesa  y en “Aglow”, absoluto folclore escocés.

 “Blue Hour” es una canción lenta con sabor inquietante, que mantiene la tónica inicial hasta su finalización.

En "Mangata", podemos oír la preciosa voz de Rachel Sermanni como si de un saxo se tratara, fundiéndose como un instrumento más con el resto.

 “Kite” es otra plácida canción que encaja a la perfección con el espíritu de este álbum. 

El disco cierra con la bella “Woodsmoke”, el segundo tema en el que Carmichael toca el piano. La introspección hecha música.

Carmichael es un narrador nato.  Tiene un sonido propio (a veces me recuerda a Jan Garbarek). Sonido lírico cargado de emotividad y emoción.

El quinteto posee una química basada en el tiempo que llevan tocando juntos.

Pero no nos engañemos, los temas podrían resultar impregnados de cierta simplicidad, pero es solo aparente, esta música es sólida, meditada y rebosa delicadeza y sensibilidad.

“Dancing With Embers” es una deliciosa mezcla de folclore escocés y jazz integrados con naturalidad. 

La Habitación del Jazz

BROODMEN CD: Liminality

 

Pistas

1.Homeland 2.State of things 3.Amsterdam 4.Lament 5.Can’t stand the heat 6.Badalamenti Gore 7.Through the Woods 8.Still standing 9.Rumenka blues 10.Everything’s going to be alright

 

Intérpretes

Dragan Alimpijević Pik – guitarra

Zoltán Simon - batería

Lazar Novkov – acordeón

Vasa Vučković – saxo (3)

 

Grabado en Studio Road, Serbia

Fecha de publicación: 21 de marzo de 2025

 

El primer álbum de Broodmen se publicó en 2017 y llevaba por título “Secondary Emotions”. Marcó el inicio de una trayectoria única, y a pesar de estar separados geográficamente (Simon ahora reside en Alkmaar, Países Bajos), la banda continúa escribiendo y grabando música juntos, superando la distancia física con creatividad y pasión. El grupo acaba de publicar su segundo álbum, titulado “Liminality”.

El guitarrista Dragan Alimpijević Pik y el baterista Zoltán Simon llevan años tocando juntos, con la incorporación del aclamado acordeonista Lazar Novkov, conocido por su trabajo con Frame Orchestra, lleva al trío serbio a un territorio sonoro poco común en el jazz moderno, aportando una dimensión inesperada y profunda al sonido de Broodmen.

El disco se grabó en directo, en una sola toma, en el verano de 2021, en los estudios de Pik,  Studio Road en Serbia.

Los diez temas del disco han sido compuestos por Pik y Simon. La inusual combinación de guitarra, batería y acordeón crea un sonido diferente y con fuerte personalidad.

Desde el tema que abre el disco “Homeland”. Broodmen deja claro lo que nos va a ofrecer en este nuevo trabajo.

El acordeón es el protagonista en primera instancia, hasta que, tras una pausa,  la guitarra toma el relevo con sonido roquero. La batería precisa y constante, mantiene el ritmo y la intensidad.

“State of Things” comienza con una guitarra ondulante y el acordeón, dando una sensación de flotación, apoyado por un sonido balcánico. Tema con momentos reflexivos alternando con otros más intensos.

En “Amsterdam” aparece el invitado Vasa Vučković al  saxo, con aullidos estridentes e inquietantes. Canción roquera que nos transporta a los años 60-70 del rock progresivo, terminando con un  solo de batería que se desvanece gradualmente.

“Lament” es una melancólica canción, transmisora de serenidad, con el acordeón llenando el espacio por detrás de la guitarra. Una tristeza reflexiva flota y te envuelve en sus brazos. El acordeón va ampliando su sonido progresivamente así como la guitarra. Derivando por senderos más roqueros, para volver a los inicios.

“Can’t Stand The Heat” es un tema con garra que combina con espacios melódicos, todo ello revestido de un cierto sonido afrancesado.

“Badalamenti Gore” rinde homenaje al fallecido compositor Angelo Badalamenti. Sonido atmosférico, enigmático y en ocasiones eclesiástico.

"Through the Woods" es una onda expansiva, libre y por supuesto, roquera. La labor de Simon es digna de mención. El sonido a rock sinfónico es identificable una vez más.  

“Still Standing” es una canción pop-rock sin mayores pretensiones, que suena a banda sonora de los setenta.

Sigue “Rumenka blues”, que lleva el nombre de un pueblo cerca de Novi Sad, un tema que a modo de bolero va aumentando la intensidad para terminar como empezó.

El disco cierra con "Everything's Going to Be Alright", una conclusión suave, pero segura, que cierra el círculo. El grupo ofrece una tranquilidad contenida al oyente.

Los tres músicos muestran sus habilidades y sincronía.

La guitarra de Pik se desliza por el rock, simultaneando con asombrosa facilidad los momentos melódicos con otros mucho más duros. El acordeón de Novkov lleva la profundidad emocional de la música folclórica serbia al mundo del jazz, funcionando en ocasiones como instrumento de percusión u órgano de rock progresivo. El toque ligero y enérgico al mismo tiempo de la batería de Simon impulsa al trío tejiendo texturas coloridas.

“Este es un camino hacia lo desconocido”, explican, “un camino en el que exploramos las emociones que se esconden bajo la superficie racional. Es un intento de dejar atrás el conocimiento y la experiencia y adentrarnos en un nuevo territorio inexplorado”.

“Estos somos nosotros, Broodmen, y si nos preguntas, esto es lo más honesto que podemos ser”.

 

La Habitación del Jazz

JOEP VAN RHIJN CD: Between Fact & Fiction

 

Pistas

1.Vergane Glorie 2.         Zweefmolen 3.Morgenrood 4.Vertier 5.Trust 6.   0p Pad 7.       A Lady 8.Wowuwowuwow

 

Intérpretes

Joep Van Rhijn – fliscorno     

Yoon Seung Cho - piano

 

Grabado en Brickwall Studio, Seúl, Corea del Sur

Fecha de publicación: 19 de marzo de 2025

 

 

El trompetista y compositor Joep van Rhijn nació en los Países Bajos, donde comenzó a tocar la trompeta, a temprana edad, en la banda de viento local. Durante un año de intercambio en el instituto en Estados Unidos, Van Rhijn se familiarizó con el jazz, lo que lo inspiró a continuar sus estudios en el Conservatorio Príncipe Claus de los Países Bajos. Tras sus estudios, participó activamente en la escena musical de su país, realizando giras con grupos como The Jig, Rotterdam Ska Jazz Foundation, Jamal Thomas Band y Flower To The People. En 2012, Van Rhijn se mudó a Corea del Sur, donde ha estado activo con su trío y su banda Blow Out. Lanzó tres álbumes como líder y tocó en los principales festivales y salas de Corea. Ha compuesto, arreglado y grabado música para artistas de música tradicional coreana, grupos de danza moderna y artistas de K-pop.

El pianista de jazz Cho Yoon Seung nació en Seul. Creció bajo la influencia de su padre, Cho Sangkook, baterista de jazz de primera generación. Tras emigrar a Argentina en 1986, se sumergió en la música sudamericana, actuando en su adolescencia en el Teatro San Martín y el Teatro Cervantes, llegando a aparecer en el programa de Radio Tango. En 1989 comenzó sus estudios de música clásica en el Conservatorio Nacional de Buenos Aires con Inés Gómez Carrillo, discípula de Arthur Rubinstein. Posteriormente, estudió jazz y música clásica en el Berklee College of Music y el Conservatorio de Nueva Inglaterra gracias a una beca. Cho Yoon Seung también fue el primer asiático seleccionado para el prestigioso Instituto de Jazz Herbie Hancock, entre solo siete estudiantes a nivel mundial. Fue profesor en el Instituto de Músicos de Hollywood hasta 2010, mientras tocaba con la Ron King Big Band. Colaboró con artistas de renombre como New York Voices, Gary Novak, Laura Fygi y Eric Benet entre otros.

Van Rhijn ha publicado “Between Fact & Fiction”, un disco con composiciones de Van Rhijn, a dúo con Cho Yoon Seung,  que nos sumerge en un mundo de ensoñación y calidez.

Según el propio Van Rhijn “Este álbum es una búsqueda del equilibrio entre la transparencia y la claridad musical”.  

Un álbum personal e íntimo, donde Van Rhijn y Cho Yoon Seung muestran una empatía total, entre ellos y con el oyente.

Ocho temas llenos de lirismo como  “Vergane Glorie” y “Morgenrood”. O como en la minimalista  “A Lady” donde además está presente el romanticismo, También hay momentos para el juego y cierta diversión como en “Zweefmolen”. Van Rhijn dota al fliscorno de un sonido sensual y clásico colmo podemos apreciar en “Vertier”, en “0p Pad” o en “Trust” donde comienza el piano, como si de una obra del romanticismo clásico se tratara.

El disco cierra con “Wowuwowuwow”, el corte de mayor sabor a jazz, lleno de swing.

Van Rhijn se centra en el detalle, en el lirismo y lo mismo podemos decir de Cho Yoon Seung.

Este álbum hay que escucharlo en absoluto silencio, con poca o ninguna luz, para poder saborear toda su belleza.

Piano y trompeta se complementan y brillan con luz propia sin imposiciones de uno al otro. La música de este álbum es relajante, serena y profunda.

 

La Habitación del Jazz

JUAN DE DIEGO - GREBALARIAK CD: Azken Uda

 

Pistas

1.Marinela 2.Aterpe 3.Ali Kinsasan 4.Azken Uda 5.Zirimiri 6.Tifliseko Gizona 7.La Montagne Infidèle 8.La Lava Va 9.Txefhino 10.Bagoaz

 

Intérpretes

Juan de Diego – trompeta, fliscorno

Toni Saigi – piano

Ramon Prats - contrabajo

Pere Loewe - batería

 

Sello discográfico: Errabal Jazz

Grabado el 11 y 12 de octubre de 2024 en los estudios Sol de Sants de Barcelona

Fecha de publicación:

 

El trompetista Juan de Diego, nacido en Bilbao (España)  compaginó su carrera de Ingeniero Técnico Industrial con sus estudios musicales, matriculándose en solfeo, trompeta y armonía en el Conservatorio Superior de Bilbao. Posteriormente se trasladó a Barcelona donde fija su residencia, obteniendo el título superior de trompeta y cursando estudios en el Taller de Músics de la Ciudad Condal.

Forma parte de diferentes formaciones, además de liderar proyectos personales como Juan de Diego trio, Freaky Trio, Trakas. Desde 1993 lidera, junto a su hermano Víctor de Diego, el quinteto De Diego Brothers,  con tres discos en su haber.

Ha asistido a diversos seminarios, recibiendo clases de músicos tan relevantes como Brad Meldhau, John McNeil, Kurt Rosenwinkel, John Swanna, Joe Magnarelli, Mike Mossman, Jorge Pardo y Jorge Rossy

Participa en el proyecto Lucio, una reflexión escénica, con The New Jazz Collective, grabando el disco “Lucio” (Errabal, 2021).

Ha formado parte de grupos como Asociación Libre Orkesta, Brassass Company, Barcelona Big Latin Band, Barcelona Acoustic Band (BAb) de Alfons Carrascosa, 666, Bandaéria de Xavi Maristany, Barcelona Jazz Orquesta, Lucrecia, Groove Station, además de colaborar con numerosos grupos como Eladio Reinón Supercombo, Big Band de Bellaterra, Big Band Taller de Músics, Segundo Cónclave…

Ha publicado más de cuarenta discos e innumerables colaboraciones con numerosos artistas, entre otros muchos, ha trabajado con Benny Golson, Nicholas Payton, Jesse Davis, Frank Wess, Dick Oatts, Carl Allen, Wendell Bronious, Eric Reed, Dennis Rowland, Sean Leavitt, General Alcazar, Perico Sambeat, Ben Wolfe, Melva Houston, Jeff Ballard, Armando Manzanero, Olga Guillot, Tony Hadly (Spandau Ballet), Ruper Ordorika, o Guillermo Klein entre otros.

Además ha colaborado con la compañía de danza contemporánea L’anònima Imperial, con la cual ha realizado diversas giras por Europa.

Actualmente es profesor de trompeta jazz en el Conservatorio Superior Pablo Sarasate de Navarra.

Grebalariak es el nombre del proyecto más personal de Juan de Diego, y el título de su primer álbum (Errabal, 2021). Grebalariak (Los huelguistas) es un homenaje a los movimientos sindicales de principio del siglo XX en Barcelona (España).

Con ese mismo proyecto, acaba de publicar "Azken Uda" (El último verano). Inicialmente el disco  iba a titularse  “ATERPE” (refugio), pero al fallecer su madre este verano, decidió cambiarlo.

El disco contiene diez composiciones de De Diego, donde conviven la elegancia, el ritmo brasileño, el swing y el jazz más ortodoxo.

El elegante swing del tema que abre el disco, titulado “Marinela”, de evolución cambiante, al que sigue el más íntimo y enigmático “Aterpe”, de corte fílmico. Todos los componentes del cuarteto tiene la oportunidad de expresar su estilo musical y maestría, sin necesidad de exhibiciones personales.

“La pelea en la selva” (The Rumble in the Jungle) es un histórico combate de boxeo que tuvo lugar el 30 de octubre de 1974 en Kinsasa, Zaire (actual República Democrática del Congo), que enfrentó al por entonces campeón del mundo de los pesos pesados, George Foreman contra el anterior campeón, Muhammad Ali.

“Ali Kinshasan” rinde homenaje al mítico combate, un alegato contra la guerra de Vietnam y toda una reivindicación de derechos civiles.

De Diego dedica “Azken Uda” a su madre. Un precioso y emotivo tema. El recuerdo y el dolor a flor de piel.

“Zirimiri” descarga el ambiente de tensión emocional, pero no de tensión musical.

“Tifliseko gizona” es un tema de puro jazz, con Saigi de protagonista y la rítmica secundándole y De Diego interviniendo cuando así lo requiere el tema.      

De Diego compuso música para la película muda de Jean Epstein “La montagne infidèle” (1923) y se estrenó en la Filmoteca de Catalunya en el año 2022. Una pieza documental perdida de la obra del cineasta y teórico francés, donde se recreaba la erupción del volcán Etna en 1923. La tensión y desconcierto del momento están servidos.

Inspirada en el mismo suceso, De Diego desarrolla el delicado “La lava vo”. Los ríos de lava, imparables, mortales  y sedosos, fluyen. 

El brasileño “Txefinho”, es un colorista tema que relaja el ambiente para terminar con “Bagoaz”, otra composición que recorre caminos zigzagueantes. 

En palabras de De Diego, "Los jazzeros, al igual que los montañeros necesitamos refugios (clubes de jazz, asociaciones...) para aguantar el camino escarpado. Lugares donde descansar, coger fuerzas y encontrar sentido a lo que hacemos". Este disco es un buen refugio para los aficionados al jazz.

La interpretación del cuarteto es brillante, transmitiendo calma y cercanía hasta en los momentos de tensión.

 Por su parte, De Diego muestra su lado de compositor elegante y reconfortante.

Un bello trabajo dedicado a la memoria de su madre.

La Habitación del Jazz