ESTER WIESNEROVÁ CD: Blue Journal

 

Títulos

1.Sinking Deep 2.Circles 3.Burrito 4.Thirsty 5.Feet Are Screaming 6.Nighttingoles and Mople Trees 7.Who Are You Now?  8.Citivi 9.Dripping 10.I’m Not Spinning if it Rains 11.Epilogue

 

Intérpretes

Ester Wiesnerová - voz

Sam Knight – saxos, clarinete

Maria Rehakova – flauta (6)

Charles Overton - arpa

Michal Šelep – contrabajo, bajo eléctrico

Kan Yanabe – percusión

 

Grabado en Wavegarden Studio, Austria

Publicado en mayo de 2022

 

Ester Wiesnerová es una vocalista, compositora y educadora eslovaca. Fue descubierta por primera vez en "La Voz de Checoslovaquia", un concurso de canto televisivo. Ha compartido escenario con Luciana Souza, Dave Holland y Aaron Goldberg.

Su madre, pianista, compositora y maestra, escribió canciones de protesta y produjo una docena de álbumes que criticaban astutamente al sistema soviético que dominaba Eslovaquia. Tenía una colección de discos de jazz y gospel y cintas de casete y se dedicaba a escribir melodías de jazz. Fue ella  quien comenzó a enseñarle piano a la edad de 6 años y las dos tocaban, cantaban y componían canciones juntas.

Wiesnerová se enamoró de la música occidental que su madre había coleccionado y decidió aprender jazz.

Al no haber escuelas en Eslovaquia que enseñaran jazz, usó libros y videos, a través de Google. Muchos de esos libros de texto eran de Berklee Press. Descubrió que era una de las escuelas de jazz más importantes del mundo y que realizaban audiciones en varios lugares. A los 18 años Wiesnerová convenció a su madre para que la llevara a una audición de la Berklee en París.

La aceptaron para estudiar en Boston, pero sus padres no eran lo suficientemente ricos para pagar sus estudios en el extranjero. A través de crowdfunding, recaudó dinero para asistir durante un año. Berklee le concedió una beca que le permitió  completar su licenciatura en Interpretación Vocal. Continuó su educación en el New England Conservatorio, donde obtuvo una maestría en Composición de Jazz.

Es cofundadora de "Music Beyond Borders", una organización sin fines de lucro de educación musical contemporánea y jazz en Eslovaquia.

Es una firme creyente en la música como herramienta para el cambio social, por ello se ha involucrado en actividades musicales para grupos marginados. Organizó conciertos en prisiones y centros para personas sin hogar, enseñó un coro de mujeres sin hogar y codirigió talleres regulares para adolescentes en hospitales psiquiátricos.

Wiesnerová nos presenta su primer disco como líder titulado “Blue Journal”. Está compuesto por 11 temas de su autoría y acompañada de músicos de diferentes partes del mundo, que conoció en Berklee, como son: Sam  Knight de Gran Bretaña, al saxo; el arpista Charles Overton de los EE. UU. y el percusionista Kan Yanabe de Japón, junto al contrabajista eslovaco, Michal  Šelep.

Wiesnerová dice: "Desde los 18 años, estuve expuesta a tantas culturas que comencé a cuestionarme quién era yo. Dejé mi hogar y me sumergí en la cultura estadounidense y el idioma inglés. Viajé por todo el mundo y mientras estaba en la escuela, interactué con tanta gente de tantos países diferentes que comencé a cuestionar mi identidad. Empecé a escribir mis pensamientos en un diario con una portada azul, y el concepto del álbum tomó forma".

Este disco fue gestado durante cuatro años y nació en medio del mundo de calles vacías durante el confinamiento por la pandemia. Para la grabación lograron llevar una gran arpa azul de Francia a Eslovaquia.

Mezclado por Olle Romo (Lady Gaga, Shania Twain, Elton John...) a quien le atrajo tanto la música de esta formación que decidió mezclar el disco gratis.

Wiesnerová se desnuda interiormente y nos canta  "Sinking Deep" que escribió sobre su viaje interior de autodescubrimiento. Knight ya deja ver el papel importantísimo que va a tener durante todo el desarrollo del disco. Una melódica y sencilla canción como “Circles” se transforma en un precioso tema gracias a todos y cada uno de los integrantes del grupo. Influencias de Maria Schneider, Joni Mitchell o Luciana Souza se dejan traslucir en este disco. “Burrito” empieza con la lectura simultánea de varios artículos sobre Trump. El contrabajo y unas palmas nos trasladan a un ambiente con sonidos aflamencados. La banda improvisa la música basándose en la letra. Un imaginativo Knight toma las riendas perfectamente secundado por el resto. Otras canciones, como "Thirsty", tratan sobre la superficialidad de las relaciones en la era de las redes sociales. Preciosa canción, de esas que te llegan al corazón. A destacar la labor de Overton con el arpa, aquí y durante todo el disco. En “Nighttingoles and Mople Trees”, la flauta de madera de Rehakova acentúa la imagen bucólica de la naturaleza que nos describe.

La nostalgia por Estados Unidos cuando regresó a Eslovaquia la plasma en este tema titulado "Who Are You Now".

"Citivi" se basa en un poema del poeta eslovaco Miroslav Valek. Knight hace una exhibición abriendo el tema y acompañando la voz de Wiesnerová  y Šelep hace lo propio durante toda la canción. Wiesnerová nos cuenta sus pensamientos más íntimos y vivencias en  “Driping”, una triste y bella canción de amor y en “I’m Not Spinning if it Rains”, donde nos deleita con un scat.

El disco termina con "Epilogue", pieza sin palabras con múltiples capas de vocalizaciones melodiosas que se superponen dejando paso a la voz de Wiesnerová tarareando y participando como un instrumento más del grupo.

Wiesnerova quería que “Blue Journal” fuera una declaración artística tanto musical como visual. Trabajó con un fotógrafo y un diseñador para empaquetar el disco en un grueso libro azul con tapas de fieltro que contenía imágenes, letras (en inglés y eslovaco) y muchas páginas en blanco para que el oyente, si así lo desea, escriba sus pensamientos como lo hizo ella al hacer este álbum.

El resultado es una fantástica presentación con 46 fotografías y gráficos artísticos de Laura Belišová. Parte del vestuario que muestran las fotos fue creado por la diseñadora eslovaca Monica Laceková.

“Blue Journal” es una inteligente mezcla de jazz contemporáneo, folk y pop, influenciado por la diversidad musical de esa zona europea de la que es originaria Wiesnerová. Álbum delicado, frágil que nos hace reflexionar sobre nuestras dudas y certezas.

 

La Habitación del Jazz

 

MANEL FORTIÁ Trío CD: Despertar

 

Títulos

1.Dormir 2.Circular 3.Saudades 4.Espiritual 5.El día Después 6.Crescente 7.Aires de Libertad 8.Simple 9.Despertar

 

Intérpretes

Manel Fortiá - contrabajo

Marco Mezquida - piano

Raphaël Pannier - batería

 

Sello discográfico: Microscopi

Grabado en El Local Studios (Girona, España)

Publicado el 12 de mayo de 2022

 

Tras tres años en  Nueva York,  Fortiá ha vuelto con fuerzas renovadas que se han plasmado en tres proyectos: “Fang i Núvols” (2020, Microscopi) a dúo con la cantante Magalí Sare; “Arrels” (2021, Microscopi)  publicado bajo el proyecto denominado Libérica y este “Despertar” (2022, Microscopi) a trío con el pianista mahonés Marco Mezquida y el baterista francés Raphael Pannier.

Todos los temas de este último trabajo llevan la firma de este contrabajista (es la primera vez que publica un álbum formado solo con composiciones suyas). Fortiá es uno de los contrabajistas más destacados del panorama jazzístico europeo  y uno de los más demandados como sideman.

Los temas del disco están inspirados en sus experiencias mientras vivía en la ciudad de Nueva York. “Este disco es muy importante para mí porque refleja uno de los momentos más trascendentes de mi vida artística. Siento que vivir en NYC me cambió tremendamente y crecí mucho allí” afirma Fortiá.

El primer corte del disco es “Dormir” que comienza con un solo profundo y grave de Fortiá, acompañado sutilmente por Pannier y al que se incorpora Mezquida con un piano cristalino que nos ofrece una hermosa melodía.

Le sigue la animada y enérgica “Circular”, subtitulado "To JFK AirTrain" que nos lleva desde el aeropuerto de Nueva York al barrio de Queens Astoria, donde vivió Fortiá durante su última estancia en la ciudad de los rascacielos.

Queda reflejado el nerviosismo propio de quien llega a Nueva York y se desplaza a su nueva residencia, las inquietudes e incertidumbres propias del momento.

"Saudades", subtitulado “To Astoria” es una pieza inquietante donde esas inquietudes e incertidumbres se hacen realidad y van creciendo como la propia música de este corte. El contrabajo, hasta este momento discreto, toma el protagonismo, acompañado de unos toques magistrales de Mezquida que me recuerdan a la BSO  “The Moderns”;  finalmente terminan interpretando ambos la melodía.

“Espiritual”, subtitulado “To Harlem” es un tributo a la música gospel y al propio Harlem. Tema poderoso que nos introduce en cualquier club humeante de ese famoso barrio de Nueva York. El trío, perfecto.

“El Día Después” subtitulado “To La Rambla de Barcelona” está dedicado a la famosa calle de Barcelona. Es una pieza de carácter serio y dramático, pues rememora el atentado terrorista de 2017, mientras Fortiá estaba en Nueva York, viviendo esos terribles momentos en la distancia. De nuevo la incertidumbre. 

El álbum regresa a Manhattan con “Crescente”, con el subtítulo de “To Grand Central”, que compone en honor a la  Grand Central Station. Fantástico jazz que refleja la frenética actividad de ese centro de comunicaciones en hora punta.

Después de la tormenta llega la calma, con dos hermosas canciones con sabor sudamericano: "Aires de Libertad" lleva el subtítulo de “To Prospect Park” zona de Brooklyn donde históricamente siempre ha habido una gran comunidad de músicos de jazz. Mucha calma y aires latinos sobrevuelan este tema. La segunda canción es "Simple", dedicada al barrio Jackson Heights de Queens donde reside una gran comunidad colombiana. Otro tema de carácter latino y clásico.

Y tras estos viajes realizados durante un periodo de sueño llega el momento del “Despertar”, y Fortiá lo hace suavemente, sin alterarse, asumiendo la realidad, que no es otra que el presente en su tierra natal. No obstante el tema gana en energía e intensidad a medida que avanza, pareciendo finalmente que cae de nuevo en otro sueño reparador. Las tensiones no se han quedado en Nueva York.

El diseño de la carátula, el interior y la trasera, merecen ser reseñados también. Se trata de objetos construidos, una vez escuchada la música,   por el artista argentino Fran Pontenpié. En la portada se puede ver un puente de contrabajo de madera transformado en un personaje humano que se está despertando. En la parte trasera aparecen cuatro nubes que simbolizan las clavijas para afinar el contrabajo. En el interior encontramos una planta de la que nacen tres pares de ojos, uno para cada miembro del trio. Una obra única.

En este trabajo hay ideas renovadas, variedad de estilos, texturas diferentes y una interpretación exquisita.

Este trabajo de Fortiá, destaca sobre la media de las producciones de jazz españolas.

La Habitación del Jazz

LORENZO DE FINTI QRT CD: Mysterium Lunae

 

Pistas

1.Mysterium Lunae 2.Mystery Clock 3.Whispers from the End of the World 4.Tiny Candle in the Storm (Shining on us) 5.Minuial Enni Arphent 6.Mysterium Lunae

 

Intérpretes

Lorenzo De Finti – piano

Stefano Dall’Ora - contrabajo

Alberto Mandarini – trompeta, flugelhorn

Marco Castiglioni -  batería

 

Sello discográfico: Losen Records

Grabado el 1,2 y 3 de julio de 2021 en Only Music Studio, Bruino (Turín, Italy)

Pista 6 grabada en vivo en RSC Recording Studio Canaa (Losone, Suiza)

Publicado el 10 de mayo de 2022

Lorenzo De Finti comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años y a tocar en público a la edad de once.  Completó sus estudios en composición tradicional y profundizó en la improvisación de jazz en el “Jazz and Rock Inc.” en Mónaco, Alemania y Berklee College of Music en Boston. Está especializado en jazz y música contemporánea. Ha colaborado con músicos como: J. Gregg, B.Dameo, T.Robinson, D.Freemann, G.Goldstein, C.Vilchez, Dany Martinez, Álex Acuña, Eric Marienthal, Frank Gambale y muchos otros.

Compositor y productor de numerosos anuncios de televisión y programas de televisión,  trabaja para la cadena italiana RAI y Mediaset, la cadena suiza RSI y la cadena española TVE. Actualmente tiene su propio programa de radio de jazz y música clásica en Rete Due en Lugano.

Debido al confinamiento, él y su familia fueron atrapados al otro lado de la frontera suizo-italiana. Un fin de semana en Suiza se convirtió en cuatro meses completos antes de que las reglas de cuarentena les permitieran volver a ingresar a Italia. Cuando regresó a su estudio tras el confinamiento, se encontró  con el ordenador aún encendido, abierto en las canciones en las que estaba trabajando antes de irse.

El tercer álbum de estudio de Lorenzo De Finti Qrt, tiene como objetivo transmitir el espíritu positivo que hubo, y habrá, en medio de la oscuridad de los últimos dos años.

El pianista y compositor italiano Lorenzo De Finti explica: "Compusimos y grabamos nuestro tercer álbum durante el momento difícil que todos estamos viviendo: sin embargo, a pesar de la dificultad de la situación, lo que queríamos describir eran los destellos de luz que pudimos presenciar".

El título del álbum es significativo: "Los antiguos teólogos crearon la metáfora 'Mysterium Lunae' (el misterio de la luna), para expresar cómo un objeto frío, árido y estéril puede convertirse misteriosamente en una fuente de conmovedora belleza, ya que refleja una luz más grande, proveniente de otro lugar".

Todas las pistas están compuestas por De Finti y Dall’Ora.

El disco abre con el tema principal que le da título “Mysterium Lunae”, una pieza que trasluce el espíritu que domina el disco y el momento de su creación. Pieza lenta en la que Mandarini acaricia las notas con su trompeta y vuela sobre el resto de instrumentos. Tristeza contenida que se desvanece y da paso a esperanzas fingidas, o no, pero al fin y al cabo, necesarias en esos momentos de incertidumbre. Muy bonito tema.

“Mystery Clock” se inicia con el piano de De Finti, sencillo pero expresivo. Dall’Ora entra para acompañarle, se incorpora sutilmente Castiglioni y Mandarini. Otro bonito tema lleno de sutilezas, que recuerda a E.S.T.

 “Whispers from the End of the World” es una canción perfecta. Los matices sonoros de Mandarini, de De Finti y el resto de la rítmica son impresionantes. A un ritmo súper lento, consiguen captar la atención del oyente y sumergirle en sus pensamientos. Dall’Ora hace un solo que aumenta la tensión emocional, cediendo el testigo a Mandarini que cierra el tema. Una canción que te hace reflexionar. Preciosa.   

“Candle in the Storm (Shining on Us)” es otra pieza reflexiva, estructuralmente más compleja, con variaciones rítmicas muy interesantes que pasan del lirismo a ritmos más potentes y obsesivos. ¡Qué bonito sonido le saca Mandarini a la trompeta¡. Su solo deja paso al bonito piano de De Finti secundado con el contrabajo de Dall’Ora que con el arco eleva la tensión para finalmente, junto al piano, despedir el tema. Castiglioni eficaz como siempre.

"Minuial Enni Arphent" comienza con un bello dúo de piano y contrabajo con arco. Vuelve esa sensación de intranquilidad que los tiempos vividos generaron (y siguen generando). Mandarini y De Finti se turnan en sus intervenciones con Dall’Ora y Castiglioni apoyando en todo momento. 

El disco cierra con una versión en vivo "Mysterium Lunae".

El cuarteto combina a la perfección momentos íntimos y melancólicos, con otros llenos de energía. Loa arreglos son delicados y las sobre grabaciones aportan riqueza al sonido y al resultado final.

“Mysterium Lunae” es un excelente álbum de jazz moderno que según se escucha una y otra vez te atrapa más y más. Transmite esa situación vivida de forma impecable y con gran realismo.

Este es un álbum que nos da motivos para reflexionar y no dejarnos llevar por la desesperación.

 

La Habitación del Jazz

 

MARK WINKLER CD: Late Bloomin' Jazzman

  

Pistas

1.It Ain’t Necessarily So 2.Don’t Be Blue 3.When All The Lights In The Sign Worked 4.Late Bloomin’ Jazzman 5.In Another Way 6.Bossa Nova Days 7.Old Devil Moon 8.I Always Had A Thing For You 9.Before You Leave 10.Old Enough 11.Marlena’s Memories 12.If Gershwin Had Lived

 

Intérpretes

Mark Winkler – voz

GRUPO UNO (pistas 1,5,6,8)

David Benoit – piano

John Clayton – contrabajo

Christian Euman – batería

Grant Geissman – guitarra

GRUPO DOS (pistas 2,3,4,10,11)

Jamieson Trotter – piano, Hammond B3

Gabe Davis – contrabajo

Christian Euman – batería

Clayton Cameron – batería (2)

 

GRUPO TRES (pistas 7,12)

Rich Eames – piano

Gabe Davis – contrabajo

Christian Euman – batería

Grant Geissman – guitarra

GRUPO CUATRO (pista 9)

Jon Mayer – piano

Gabe Davis – contrabajo

Clayton Cameron – batería

--

Bob Sheppard – saxo (3,7,12), flauta (6)

Brian Swartz – trompeta (3,4,7)

Nolan Shaheed – flugelhorn (11)

Kevin Winard – percusión (3,6,10)

 

 

Sello discográfico: Café Pacific Records

Grabado en Tritone Studios, Glendale, California

Publicado el 8 de abril de 2022

 

 

Mark Winkler es un cantante/letrista con más de 250 de sus canciones grabadas y/o cantadas por artistas como Dianne Reeves, Liza Minnelli, Jane Monheit, Dee Dee Bridgewater, Kenny Rankin, Sara Gazarek, Sinne Eeg, Claire Martin y Randy Crawford entre otros muchos. La lista de colaboradores es interminable, por citar unos pocos: David Benoit, Wayne Shorter, Joe Sample, Dexter Gordon, Dianne Reeves  y Wes Montgomery.

Todos en su familia cantaban. Su madre era cantante de big band y su tía también cantaba en una banda. Él y sus hermanos crecieron alrededor del piano con su madre en el teclado.

Como letrista, tiene seis musicales que se están representando por todo los Estados Unidos, incluido "Naked Boys Singing!", que se ha representado en el teatro Off Broadway durante 21 años, el segundo espectáculo de mayor duración en la historia del Off Broadway. También es un refutado educador.

“Late Bloom in' Jazzman” es su álbum más reciente y el vigésimo de su carrera como líder. De los doce temas, ocho llevan sus letras.

Winkler escuchó en la radio una versión del clásico "It Ain’t Necessarily So" (George & Ira Gershwin) interpretada por John Clayton y le pidió que escribiera un arreglo para el álbum. Y así nació el primer tema del álbum, una versión aligerada y con un potente swing.

"Don't Be Blue" (John Guerin, Michael Franks) es otro tema alegre y rítmico, con Trotter a los mandos del Hammond B3.

La primera canción del álbum con la letra original de Winkler es "When All the Lights in the Sign Worked" (Joe Pasquale). La melodía es su tributo al cine negro. A destacar la trompeta de Swartz y Sheppard en el saxo, que consiguen un ambiente intrigante, propio de una película del género en cuestión.

Le sigue “Late Bloomin’ Jazzman!” (Eli Brueggemann), pista que da título al álbum. La letra es de Winkler y parece una continuación de la anterior. Davis al bajo marca el camino. Swartz, a la trompeta y Geissman  a la guitarra, brillantes. La letra trata sobre la fascinación de Estados Unidos (¿y del mundo?) por los artistas más jóvenes mientras se olvidan de los grandes maestros.

Winkler perdió a su esposo hace cinco años debido al cáncer. Escribió la letra de "In Another Way" (Michel Brourman) sobre su pérdida. Canción muy personal. Trotter se desliza por el piano delicadamente, contribuyendo a resaltar el emotivo momento que describe. El bonito estribillo dice así: "Las cosas que más amamos, las perdemos, pero si sobrevivimos al dolor, al final el amor volverá de otra manera”

Winkler escribió parte de la letra de "Bossa Nova Days" (Bill Cantos) en un sueño. Winkler dice: "Siempre me ha gustado la bossa nova, y me imaginaba tomando una máquina del tiempo y volviendo a Río”. Benoit al piano y Geissman con la guitarra realizan bonitos solos.

Winkler se inspiró al escuchar la versión de Bob Dorough de "Old Devil Moon" (Burton Lane – Yip Harburg) y decidió hacer su propia versión con un giro bebop. La sección rítmica a tope.

"I Always Had a Thing for You” (Shelly Berg - Lorraine Feather) es una bonita canción de amor, sin más pretensiones que hacernos pasar un rato romántico. Benoit y Geissman las dos individualidades de la canción.

"Before You Leave" (Jon Mayer) es otra canción que nos habla de una pérdida. Con letra de Winkler y Shelley Niman. Winkler dice: "Me encanta Jon Mayer. Escribe melodías tan hermosas. Esta composición suena como un clásico del Great American Songbook". El mismo Mayer se sienta al piano. Winkler transmite a la perfección la sensación de pérdida y dolor.

"Old Enough" (Jamieson Trotter, Winkler) trata sobre el envejecimiento, tema poco común en las canciones. Winkler dice: "La mayor parte del Great American Songbook fue compuesto por hombres jóvenes que escribieron sobre enamorarse y correr riesgos. Escribí sobre la sabiduría que viene con el envejecimiento. Yo era tan estúpido a los veinte años... pero ¿no era así todo? Cada palabra de esta canción es verdad". Añado: ¡La experiencia es un grado!.

En “Marlena's Memories” el contrabajo de Davis y el flugelhorn de Shaheed abren esta preciosa canción que trata sobre una amiga de Winkler que ha tenido la enfermedad de Alzheimer durante unos 11 años. “Soy su poder notarial”, dice Winkler, “y es muy triste pero de alguna manera hermoso participar en su viaje. Conozco bien la historia de su familia y pude poner lo que sabía en la canción. Una vez más, esta es una canción que solo una persona más madura podría haber escrito”. La conexión entre Winkler, Trotter, Davis y Shaheed es total. Esta canción hay que escucharla hasta su última nota.

"If Gershwin Had Lived" (David Lucky -  Winkler) es una muy bonita canción en la que Winkler reflexiona sobre lo que George Gershwin habría logrado si hubiera vivido otros 20 años. Excelente el piano Eames y Heppard al saxo.

Este álbum es un homenaje al envejecimiento y todas las ventajas e inconvenientes que conlleva. El disco contempla muchos temas personales: el amor, la enfermedad, la pérdida, el reencuentro del amor… y lo hace con un plantel de músicos de primera fila, con sinceridad y sin complejos absurdos.

Delicioso.

La Habitación del Jazz

THE SKIN TREE PROJECT CD: Trance

 

Pistas

1.El viaje 2.Mistaken 3.Libélula 4.Vamp 5.Touched 6.Mantra 7.The Skin Tree 8.Siete Picos 9.Dunas

Intérpretes

Sergio Ortuño - guitarra

Guillermo Suárez - contrabajo

Mario Fuentes - batería

 

Grabado en octubre de 2021

 

Todo comienzo requiere un gran esfuerzo y el riesgo que se corre al iniciar una actividad es grande. El periodo de amortización es muy variable pero nunca es corto. Por eso los escenarios a plantearse van desde el optimista, pasando por un realista y terminando en uno pesimista.

The Skin Tree Project, es un trío madrileño que en 2018 publicaron un EP como debut, titulado “The Skin Tree”, y que han presentaron en diferentes conciertos hasta la fecha. Está formado por Sergio Ortuño (guitarra), Guillermo Suárez (contrabajo) y Mario Fuentes (batería).

Acaban de publicar si primer  disco, titulado “Trance”. Las nueve pistas del álbum, todas compuestas por el trío, se  mueven entre lo que se podría denominar jazz ortodoxo, con pinceladas de jazz progresivo y  aromas de rock. Todo ello mezclado en la coctelera nos da un batido de jazz contemporáneo, con sabores más que interesantes.

Sugiero, al escuchar un disco (lo mismo podría decir de las personas), no dejarse llevar por la primera impresión, es más, escucharlo en diferentes momentos, con estados de ánimo diferentes, (el estado de ánimo influye mucho en la apreciación de las cosas y en la música es definitivo).

En este trabajo podemos encontrar canciones rítmicas, “Libélula”; con fuerza como “Mistaken” o “Vamp”.Otras son más lentas, tipo baladas, como ocurre con “Touched” o “Mantra” donde la delicadeza con la que comienza se traduce en un potente sonido a media que avanza. Algo parecido le sucede a “El Viaje”. El título que da nombre al grupo “The Skin Tree”, junto a “Dunas” son los cortes más progresivos del disco. El toque latino está presente en “Siete Picos”

Para ser el primer trabajo discográfico de este grupo, “Trance” es un buen disco, donde The Skin Tree Project demuestra madurez compositiva e interpretativa.

Sus composiciones aúnan influencias de diverso tipo pero siempre buscando su propio lenguaje.

Volviendo al principio de esta reseña, podríamos decir que el comienzo de The Skin Tree Project, seguro que ha requerido un gran esfuerzo; en cuanto al riesgo  del proyecto, como todos los iniciales, es alto y el periodo de amortización del esfuerzo y tensiones pasadas, tampoco será corto. En cuanto a los escenarios, una vez escuchado el disco, me inclino por el optimista. Tienen ganas, calidad y eso les ayudará a recibir pronto las primeras alegrías y recompensas musicales. 

 

La Habitación del Jazz

THOMAS MITROUSIS Quartet CD: The Seed

 

Pistas

1.Crossing Lines 2.Chopping Therapy  3.Intro to Quinta 4.Quinta 5.Tararirarom 6.Fax From Fux  7.Poisonous Little Flower 8.Bipolar Express 9.Not Yet

Intérpretes

Thomas Mitrousis – guitar

Kostas Yaxoglou – piano

Paraskevas Kitsos – contrabajo

Dimitris Klonis - batería

 

 

Grabado en mayo de 2021 en Antart Studios, Atenas, Grecia

Publicado el 21 de marzo de 2022

 

Thomas Mitrousis empezó a tocar la guitarra a los clásica a los 12 años, pero el punto de inflexión se produjo a los 16 cuando un amigo le regaló su guitarra eléctrica. Fanático del rock  en su adolescencia, a los 20 años empezó a escuchar jazz y se produjo la transición  a este género a  través del blues y la música fusión. “The Seed” es el álbum debut del guitarrista al que acompañan Kostas Yaxoglou al piano, que conoció en la sala de ensayo, a pesar de haber coincidido estudiando en Los Países Bajos; Paraskevas Kitsos al contrabajo, al que conocía desde 2020 y Dimitris Klonis a la batería al que conocía desde el 2014.

El título del disco viene de que el periodo de ensayo coincidió con el embarazo de su esposa además, también influyó el hecho de que fuera su primer disco.

“Crossing the Lines” abre el disco. Se trata de una pieza donde el jazz coquetea con el pop y el rock. El fraseo de Mitrousis es relajado y aporta la suficiente información para que el resto del grupo le siga en la misma línea. El solo de Yaxoglou sigue esa misma dinámica. Klonis marca la frontera  y Kitsos colabora a cerrar el círculo. Tema que me recuerda a la estructura argumental de E.S.T. Buen empiece.

El alegre y juguetón comienzo de “Chopping Therapy” parece el de una canción pop de los 60 o 70. Este enfoque se mantiene con pequeños matices a lo largo de toda la pieza, hasta que un ostinato del piano abre la puerta al contrabajo con arco, dejándonos los mejores momentos de la canción.

“Quinta” va precedida de una bonita introducción de Mitrousis que, sin solución de continuidad, enlaza con el tema principal. Es una delicada pieza tratada como corresponde por todos los componentes del cuarteto que se van pasando el testigo hasta el momento de la despedida.

“Tararirarom” es otro divertido tema donde el piano de Yaxoglou es protagonista. Las voces de fondo dan un aire  africano a la composición, que pronto retoma su carácter jazzístico. Este tema levanta el espíritu.  

"Fax from Fux" es otra melodía muy agradable con estructura barroca y tintes caribeños que invitan al baile. 

“Poisonous Little Flower” es una canción envolvente de corte clásico, relajante, sensaciones que aumentan según avanza su desarrollo. 

El penúltimo tema del disco “Bipolar Express”, nos traslada a un mundo de jazz moderno, donde la sección rítmica demuestra un alto grado de interacción, antes, durante y tras los excelentes solos de Mitrousis.

Terminamos con la pista favorita de Mitrousis, “Not Yet” porque tras su aparente sencillez,  tomó mucho tiempo y esfuerzo completar su composición. Es otra bonita canción.

La química del grupo es evidente. La guitarra dialoga con el resto de los instrumentos y viceversa, enriqueciendo el resultado final, colorista y muy, muy agradable.

Las composiciones tienen  arreglos originales y caprichosos que resaltan las propiedades naturales de los temas.

El jazz hecho en Grecia no es demasiado conocido. Es reconfortante poder escuchar este disco con cuatro músicos originarios de ese país.

La Habitación del Jazz